2001 Joya de la ciencia ficción: Historia del rodaje y explicación del final por Kibrick

Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, hoy vengo con una reseña muy especial, ya que no vamos hablar de la película de Kubrick 2001 una odisea en el espacio, si no de como se gestó, como Kubrick se creo enemistades con el equipo del film y lo más importante, como Kubrick desveló el final a un periodista. Si lo has oído bien, te voy a contar el final que quiso contar Kubrick y que lo hizo con sus palabras, pero antes de llegar a ese momento empecemos por el principio.

Tenemos que hacer un viaje a 1965, fecha en la que Kubrick influenciado por Roger Andrew Caras, deciden hacerse con los derechos de la novela corta "El Centinela" de Arthur C. Clarke. 

 En aquellas fechas, la carrera espacial entre la U.R.S.S y EE.UU. era un asunto político de primer orden. Una de las ideas que tenía el ciudadano medio de la época es que con los viajes espaciales encontraríamos vida extraterrestre y Kubrick estaba fascinado con la idea.

Caras había leído el Centinela y le propuso a Kubrick que la usara para hacer su próxima película, éste accedió a leerla y tras ello decidió ponerse manos a la obra y rodar un film basado en el cuento corto de Clarke

Si Kubrick era un gran cineasta hay que decir que además era de los más astutos en conseguir financiación, la posibilidad de que un gran estudio produjera un film de ciencia ficción era poco menos que imposible pero Stanley tenía una carta en la mano para levantar la producción.

Él conocía de primera mano que la Metro quería implementar el CINERAMA. El CINERAMA era un sistema de proyección en tres pantallas simultáneas, pero nadie quería optar por ese sistema, por lo que la Metro tenía grandes dificultades de sacar el proyecto a delante.

Así que Kubrick le vendió la idea de que su película sería el colofón final al CINERAMA y que su película se proyectaría a traves de ese sistema, la Metro tragó el anzuelo y comenzó la producción.

Quiero decir que en la mente de Kubrick no estaba el rodarla en Cinerama ni algo por el estilo, si no rodarla y proyectarla en 70mm como al final hizo, dando la puntilla definitiva al proyecto de la metro.

Con esa primera marrullería Kubrick empezó la película, pero si alguno se cree que fue la última, no te marches por que hay muchas más.

La fecha inicial del rodaje estaba prevista para agosto de 1965, pero Kubrick no empezó hasta pasadas las navidades de ese mismo año, el 29 de diciembre de 1965. El nerviosismo de los directivos de la Metro era palpable, habían sufrido un duro revés económico con el fracaso de Rebelión a bordo y no se podían permitir otro fallo de aquellas características.

Pronto Kubrick se alejó de la novela de Clarke, su idea era hacer una obra visual, una epopella, una experiencia única al espectador donde pudiera ver la inmensidad del espacio y el principio del hombre como jamás se habría visto antes, la trama pasaba a un segundo plano siendo los máximos protagonistas la puesta en escena y la composición, de hecho es que en solo 30 minutos del film hay diálogos de las dos horas y media que dura la película, esta ausencia de narrativa hizo que ninguna de las grandes estrellas que busco la Metro para llevar el público a la pantalla quisiera aceptar ninguno de sus papeles, por lo que al final tuvieron que recurrir a actores de segunda fila o totalmente desconocidos.

En el planteamiento de producción la película tenia que durar 3 meses pero debido a que Stanley reescribía el guion constantemente se alargó a más del doble, se rodó tanta película que el montaje del film duró la friolera de 2 años 

Kubrick no quería que fuera una película al uso y para ello las imágenes debían de bailar al son de una música excepcional, sabía que era igual de importante la BSO que todo lo que había rodado y mucho más que cualquier trama. El encargado de realizar la Banda Sonora era Alex North, creador de bandas sonoras como Cleopatra o un Tranvia llamado Deseo y que ya había trabajado con Kubrick en Espartaco. North compuso dos horas de música original para Kubrick, durante meses trabajó en la música de 2001 y se la entregó para que la montara con la película, en la fecha del estreno North llegó a la premiere del film y vio horrorizado como ni una sola de sus composiciones fueron al final montadas por Stanley, toda la música fue sustituida por piezas clásicas y no le había avisado, esa actitud de Stanley hizo que North no quisiera volver a trabajar con él y jamás volvió a hacerlo.

Con la película enlatada, los directivos de la Metro pidieron ver el film en donde habían invertido más de 10 millones de dólares, tras el visionado ninguno entendió nada, las alarmas se habían encendido en la productora del Leon, otro fallo más y la metro desaparecería, al no comprender nada, decidieron hacer pases privados a críticos de cine y personas autorizadas de los medios y no obtuvieron ni una crítica buena.

Con todo el futuro en un film que no podían recortar ni modelar a su antojo decidieron estrenarla tal cual la rodó Kubrick con la sensación de perdidos al río. Así el 1 de enero de 1968 se estreno 2001 Una Odisea en el Espacio y en tan solo 2 semanas el film había recaudado 200 millones, la sensación en el publico fue brutal, artistas como Bowie se sintieron inspirados por el film y como él el resto del mundo, se formarón coloquios existencialistas sobre el monolito y se crearon tratados sobre el final del film.

2001 ya era leyenda en menos de un mes, todo el equipo de la película irradiaba felicidad, excepto Clarke que había visto como su trabajo como guionista del film había sido ninguneado, ninguna de sus ideas finales fueron admitidas por Kubrick, así en venganza Athur C. Clarke escribió su libro 2001 donde narraba todas sus ideas que fueron desdeñadas por el director, este es uno de los pocos casos que la película es anterior a la novela y tras ver el film y leer el libro, he de reconocer que la película supera con mucho el 2001 de Clarke.

Por cierto Arthur C Clarke consiguió pingues beneficios con la novela y escribió el guion de una secuela 2010 odisea 2, se lo presentó a Kubrick para que este la dirigiera pero Kubrick comentó que 2001 ya estaba cerrada, se negó y fue Peter Hyans el mismo director que Atmosfera cero el que tomara el testigo en una secuela maldita que no llegó ni a la altura de los talones al original.

Ahora ha llegado el momento de explicar el final.

Resulta que el productor de televisión japonés Yun´Ichi Yao en 1980 le hizo una entrevista a Kubrick por su estreno de El resplandor, la entrevista tuvo lugar en Elstree Studio. El director de Manhattan siempre había sido reacio de contar su idea de final, sobre todo al ver que cada espectador sacaba su teoría, jamás desveló nada de lo que tenía en su cabeza ni siquiera en la famosa entrevista a Playboy, pero ese día a la pregunta directa de "¿Que tenía usted en la cabeza cuando rodo ese final?" el productor japonés se sorprendió al ver que Kubrick por fin respondía.

Kubrick contó que pensaba en algo similar a un inmenso Zoo pero para humanos, donde seres más avanzados que nosotros  nos estudiarían. 

Al igual que nosotros creamos escenografías ideales para que los animales se sientan en un ambiente similar  a su hábitat, pero que de todas, todas es una idealización falsa, así pensó en la escenografía donde una habitación de corte francés hiciera las veces de hogar para el espécimen, en este caso Dave Bowman.

Tras ello pensó como los semidioses griegos que una vez en el olimpo volvían pero con poderes superiores a sus demás congéneres, así  Dave regresaría tras su periplo en el Zoo humano donde el tiempo y el espacio se confunden. Esa parte final del regreso no se desarrollaba en el film y quedaba a la interpretación final del espectador.

Como podéis ver es un final críptico pero que una vez se sabe la intención absolutamente todo cobra una nueva forma y seguro que te apetece volver a verla, uno de los problemas es que no hay plataforma que la tenga en Streaming en la actualidad, pero es una película con cientos de ediciones en DVD por lo que es una buena manera de rescatar un film simplemente maravilloso.

Y ya solo me queda decirte que si quieres que todas las semanas te recomiende una película de calidad, ¿Por que no te inscribes como suscriptor? estaremos encantados de que pertenezcas a esta fantástica tribu de cinefilos y si te ha gustado el vídeo dame un Like y ya solo me queda decirte que seas muy feliz y que vivas el cine

El Viyi Terror gótico en la Unión Soviética

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy con todos vosotros una rareza del género del terror y una delicia para todos los que amamos las historias góticas, El Viyi de Kropachyov y Yeshof.

Hay que remontarse hasta 1967 para que la Unión Soviética realizara su primera película de terror y pasarían muchos más hasta que se continuara con el género, con lo que este Viyi durante muchos años fue la única película de terror hecha en la antigua U.R.S.S.

La obra mantiene una riqueza de planos y estilismos muy propio de la escuela soviética, donde la puesta en escena y la coreografía con la cámara llega a rallar la perfección para narrar una obra gótica de brujas y vampiros, basáda en un cuento de Nicolai Gogol

La historia cuenta la aventura de tres seminaristas que al terminar sus estudios parten de vacaciones a su casa, estos se pierden en el bosque y encuentran una cabaña regentada por una bruja, tras una noche de locura Khoma se enfrenta a la vieja diablesa asesinándola a golpes, pero esta una vez muerta se transforma en una bella joven. 

Khoma asustado vuelve al seminario donde le aguarda una noticia que no será de su agrado, el jefe cosaco del pueblo pide que un sacerdote rece al cadáver de su hija durante tres noches, Khoma piensa que puede ser la bruja y parte a enfrentarse contra ésta.

La obra mantiene los principios de la mayoría de obras realizadas en aquel tiempo, donde muestras el folclore típico de sus antiguos pobladores, recreándose (quizá en exceso) en canciones y bailes populares, esta narrativa costumbrista interrumpe muchas veces la progresión de la historia ralentizándola bastante y creando partes tediosas que sin ellas la obra ganaría muchos enteros, pero aún así los directores Kropachyov y Yesof consiguen mantener bastante bien el interés de la audiencia, incluso para espectadores de la época actual donde no estamos acostumbrados a las obras lentas. 

Uno de los puntos fuertes es los efectos especiales que debido a su sencillez, alejados de alardes técnicos consiguen aguantar bastante bien el paso del tiempo, las dobles exposiciones y el rodaje sobre pantalla eran técnicas que a finales de los 60 se dominaban casi a la perfección con lo que el resultado de estás técnicas aplicadas al film dan como resultado una obra técnicamente impecable.

La película adolece de la falta de precedentes del género, abrir camino nunca fue fácil y el hermetismo de la sociedad Soviética donde apenas se podían ver obras occidentales hicieron que los directores se adentraran en un género totalmente extraños para ellos con lo que algunos errores de continuidad de tensión hace que el espectador pierda la sensación de estar ante una atmosfera terrorífica y opresiva, pero descubrir la obra de unos pioneros en el género es una delicia que no se suele ver todos los días y sus aciertos son tan grandes que podemos pasar por alto algunos fallos narrativos.

Si eres un arqueólogo del género, esta obra se convierte directamente en un indispensable, si eres una persona abierta a nuevas narrativas el Viyi va a colmar tus exigencias, pero aviso que no es una obra para todo el mundo.

Antes de decirte donde la puedes ver, quiero recordarte que si no estás suscrito lo hagas ahora mismo para no perderte ningún consejo de cine que te damos semanalmente y ahora sí.

¿Y dónde la puedes ver? pues la tienes ni más ni menos que en Filmin, como es normal está en ruso con subtitulos en español.

Deseando que esta obra que es una rareza en si misma os colme de felicidad esta semana me despido sin antes no desearos que seáis muy felices y viváis el cine.

Erase una vez en America. Obra maestra del cine

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, hoy con todos vosotros la sublime e inconmensurable Erase una vez en America del grandioso Sergio Leone.

Hace tiempo que nuestra amiga y subscriptora Ana, pidiera una reseña de está película y que mayor placer que hablar de un film que me marcó la juventud e hiciera que me enamorara del cine de contrastes, del bien y del mal, de lo real y lo irreal, de leyendas imposibles en historias imposibles, ya que aunque al principio pueda parecer una película de gansters, lo que realmente cuenta este film es el tributo del director romano a un país imaginario llamado America.

Sergio Leone director poco prolífico a la hora de rodar y un buen ejemplo de ello es que hacía la friolera de trece años de su anterior película "Agáchate maldito", quería rodar lo que al principio iba a ser un final de ciclo con una de sus películas mas personales. Con un prestigio ganado a base de spaghettis westerns, Leone se embarcó en su gran obra, un film de gansters que abarcarían todas las épocas más reseñables de los EE.UU.

Para ello tomó como base la autobiografía del ganster judío Harry Grey llamada The Hoods, pero problemas de derechos hicieron que se alargara el comienzo de la producción, cuando por fin pudo arrancar la creación de la película se encontró con otro escollo. ¿Quíen iba a dar vida a los nuevos personajes? en los Western lo tenía claro pero al cambiar de época, necesitaba nuevas caras y esto le llevó a un casting que se alargó hasta los 3000 actores y dos años de proceso de selección, donde Robert de Niro y James Woods serían los protagonistas de la obra a la que se sumaría Joe Pesci, Elizabeth McGobern y el debut de Jennifer Connelly.

Otro de los problemas que se encontraba la producción era el recrear la Ameríca de los 20 por lo que Leone prefirió llevarse el rodaje a los estudios de Cinecitta en Roma donde se sentía cómodo para rodar interiores y planos de estudio, pero también llegaron a rodar en Canadá más concretamente a Quebec y París, pero también se rodaron exteriores maravillosos del puente de Brooklyn en Nueva York en planos que quedarán siempre en nuestra memoria, en un mágico collage que sirve para recrear una Ámerica falsamente real.

La historia se contaba a base de flashback en una narración con idas y venidas en el tiempo para construir la vida de Noodels uno de los capos de la mafia judía pero también contarnos la vida y el proceso de cambio que  EE.UU. sufrió en el siglo XX

La trama contiene tres tonos distintos, optimista y vitalista en la américa de los 20 donde unos niños comienzan su vida como pequeños delincuentes para contrastar con los años conflictivos de los 30en donde aquellos niños se han convertido en una de las bandas mafiosas más temidas y con más poder y como aquel imperio del crimen se desmorona junto con la abolición de la Ley Seca, para terminar con la añoranza de los 60 donde la America moderna aleja de su vida a aquellos mafiosos.

Y en aquellos años de los 60 un Noodel ya anciano recibe una invitación, una invitación que no tendría más misterio si no fuera por que lleva 30 años escondido en otra ciudad con una identidad falsa viviendo una vida prestada y esa invitación llega con su nombre real.

La curiosidad hace que el anciano mafioso regrese a la ciudad de su infancia a visitar viejos amigos y recordar su vida cruel, despiadada y romántica, pero a su vez honrar a sus tres amigos y compañeros de andanzas que yacen muertos tras un brutal accidente.

Como era de esperar Leone mantiene su estilo de rodar, con lo que Erase una vez en América sigue siendo un Western pero de mafiosos, con largos planos narrativos que terminan abruptamente con violencia, con primeros planos que enmarcan los ojos de De Niro en donde su mirada cargada de ayer se convierte en la interpretación más grande jamás filmada, sin una palabra, ni un gesto, solo esa mirada es suficiente para narrar la vida de un hombre anclado en el pasado.

De amores maltratados por su violencia, que le mantiene en ese lugar solitario de los que no saben amar y de amigos, amigos que eran parte de su vida pero que murieron hace muchos, muchos años.

La obra llega a ser perfecta por la sincronicidad entre imagen y música en una danza lenta que acompasa Ennio Morricone de una manera tan magistral que se convierte en el trabajo de su vida, en una de las mejores bandas sonoras de la historia del cine que no pudo participar en los Oscar debido a que la productora de Lad Jr no la incorporara en los créditos finales y ese formalismo hizo que los Oscar del 84 fueran uno de los menos justos de la historia. Ya que La fuerza del Cariño película ganadora ese año está a años luz de esta obra de Leone que a su vez murió sin ser premiado por una academia que siempre le dio la espalda.

Aunque la verdad sea, esta vez no fueron los académicos los ciegos, si no los propios productores de la Warner que tomando a sus espectadores por imbéciles, remontaron la obra a espaldas de Leone de manera temporal, quitando los flashback y recortando la película o mejor dicho mutilandola hasta tal punto de hacerla incomprensible e insulsa.

Un buen ejemplo de ello fue la prestigiosa crítica de cine Sheilla Benson que al ver el montaje americano, comentó que erá la peor pelicula del año y 6 años después tras ver el montaje original de Leone que se estrenó en el resto del mundo dijo que estaba entre las tres mejores películas de la historia.

Mientras tanto Leone se metió en litigios con la Warner por haber mutilado su obra, litigios que le impidieron empezar el rodaje de Leningrado y que jamás rodaría ya que en 1989 a causa de una dolencia cardiaca fallecía uno de los mayores cineastas de la historia.

¿Y cual es mi opinión sobre la película? Pues que es tan maravillosa que no es para todo el mundo, si eres una persona con la piel fina que busques valores y principios en una película, borra esta de tu cabeza, por que es dura, despiadada, romántica y violenta. Pero si buscas la verdad ficticia que da un cuento cruel y desalmado este es tu film.

¿Y donde la puedes ver?

La tienes en Amazon Prime Video, presta y dispuesta, con su montaje internacional que vuelve a ser el bueno para disfrutar de esta obra maestra llena de matices.

Y ya solo me queda recordarte que le des al botón de suscribirte por que la próxima semana vengo con una película que pocos conoceréis pero que amaréis si eres de esos que disfrutan con el terror gótico, una rareza soviética que es una joya en si misma.

Y nada queridos amigos y amigas de cinefilia, me voy a despedir esperando que seais muy felices y vivais el cine 

   

   

 

Golpe en la Pequeña China: Magia, Aventuras y Artes Marciales

 Bienvenidos, bienvenidas, queridos amigos y amigas de cinefilia, hoy con todos vosotros Golpe en la Pequeña China de John Carpenter.

Esta película que se llamó Masacre en el barrio Chino en Mexico y en el resto del continente Americano como Rescate en el Barrio Chino es una de las películas más divertidas de los locos años 80 y no es de extrañar que nuestro amigo y suscriptor Jesus Alberto nos haya pedido esta reseña.

Antes de empezar con la película en sí, hay que decir que fue un producto mediático de primer orden, si eras un niño en aquel tiempo, no eras nadie en el recreo si no habías visto la película y un buen ejemplo de ello es que fue un rompe ventas de videojuegos, aquella época del 8 bit donde el Spectrum, Comodore y Amstrad eran los reyes, lo mejor que le podía pasar a una película era ser transformado en juegos pixelados, que hacían subir las ventas no solo en taquilla de los cines si no en la venta y alquiler de Video doméstico que tan en auge estaba en aquellos momentos. 

Carpenter había encadenado una racha de éxitos que pocas veces se han visto en la historia del cine y es que, La niebla, Rescate en Nueva York, La cosa,  Cristine y Starman fueron las obras que  precedieron a este fabuloso film.

La trama, sencilla a más no poder donde se mezclaba a dos heroes por accidente, una novia en apuros que luego resultan ser dos, una guerra entre familias rivales y un sacrificio humano no es nada si no lo mezclas con magia y elementos sobrenaturales y si piensas que no puede tener más sorpresas, estas muy pero que muy equivocado por que el bueno de Gary Goldman escribió uno de sus primeros guiones donde llenó de giros argumentales toda la trama haciendo, un trabajo tan eficaz que le permitió escribir años después Desafío total y Minority Report.

Con un presupuesto de 25 millones y un reparto de lo más granado encabezado por Kurt Russel actor fetiche del director desde su telefilm Elvis y que repitió 1997: rescate en Nueva york Y  La cosa, para llegar a ponerse en la piel del camionero fanfarron Jack Burton.

Kim Cattrall de belleza espectacular y un oficio en pantalla sobresaliente que ya había soltado su bis cómica en películas como Porkys o loca academia de policía, llegaba a este film como uno de los rostros más populares de la gran pantalla en aquellos años.

Dennis Dun, que ya había trabajado bajo las ordenes de Cimino en Manhatan Sur y que repitió con Carpenter en el Pincipe de las tinieblas, por cierto película que ya hemos reseñado en el canal y el grandisimo Victor Wong. Manhatan Sur, El chico de oro, El último emperador entre otras muchisimas películas que no necesita presentación.

A pesar del apoyo financiero, la 20th Century Fox no hizo una promoción a gran escala, entre otras cosas por que Aliens la secuela de la obra maestra Alien se estrenaba dos semanas despues, pero aunque en taquilla el resultado fue satisfactorio, donde realmente triunfó la película era en el recien creado circuito de vídeo doméstico donde se convirtió en un clásico de los vídeoclubs.

La 20th Century Fox no creyeron en el producto nunca, básicamente por que Jack Burton no era un heroe al uso, si no un camionero al que le superaba la aventura y tenía que ser constantemente rescatado por Wang Chi, esto a los directivos no les gustó en absoluto e interfirieron tanto en la obra que le obligaron a meter secuencias donde hacían más aguerrido al personaje interpretado por Rusell, tras el estreno Carpenter abandonó la 20Th Century Fox para producir independientemente sus películas.

Acierto total ya que habría sido imposible que años despues rodara ESTAN VIVOS, obra maestra y obra que entrelíneas hace una crítica social sobre el mundo preestablecido.

Y ya sé que ahora estáis deseando que os diga donde podéis verla, peeero antes te voy a pedir que te suscribas que si no te lo recuerdo se te olvida, que me des un like si te ha gustado esta reseña libre de spoilers y que lo compartas por redes sociales si es que te apetece y ahora si.

Dónde podéis ver este film. pues en la actualidad la tenéis en Disney +

Y que os espera la próxima semana. Pues un clasicazo que es una petición de nuestra suscriptora Ana, la magnifica Erase una vez en América.

¿Y tras eso que más os puedo decir? pues desearos que seais muy felices y vivir el cine