BEN HUR 1959

 

¿Puede una película de hace más de 60 años seguir dejándote sin aliento hoy?

Pues sinceramente creo que si, la película que os traemos al canal es una de las mayores superproducciones de la historia del cine, una película que dificilmente prodría ser rodada hoy en día… pero también es un film que guarda mucho más que un presupuesto desmesurado.
Ganadora de 11 premios Óscar y dirigida por William Wyler esta película no es una película más, es el referente en el que se mira cualquier superproducción de la historia del cine, tanto moderno como antiguo y en la que en cualquier comparativa con ella es una forma de salir perdiendo casi inmediatamente.

Por que sí ya ha llegado el momento de empezar.

Bienvenidos bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA con todos ustedes BEN HUR de 1959 

Pero curiosamente esta película no es una obra original en el cine, verán, antes de la espectacular versión de 1959, Ben-Hur ya había sido llevada al cine… y de una forma que hoy casi parece imposible.

Tenemos que remontarnos a 1925, a la versión muda de Ben-Hur: A Tale of the Christ, dirigida por Fred Niblo. Y ojo, porque esta película ya era, para su época, una auténtica locura de producción.

Estamos hablando de una de las películas más caras del cine mudo, con miles de extras, decorados gigantescos y una ambición visual que buscaba competir con cualquier espectáculo moderno… pero sin sonido, sin efectos digitales y con una tecnología todavía muy limitada, que si alguien atrevido decide embarcarse a ver, observará una espectacularidad difícil de creer.

De hecho, la famosa carrera de cuadrigas que muchos asocian directamente con la versión del 59 ya existía aquí… y fue tan compleja que provocó accidentes reales durante el rodaje. Todo era físico, todo era real

Además, esta versión es interesante porque mezcla cine mudo con algunas secuencias en color primitivo, utilizando procesos como el Technicolor temprano, algo muy innovador para la época y que le daba un aire casi épico y religioso a ciertas escenas clave.

Pero más allá del espectáculo, lo importante es que esta película ya establecía las bases de la historia: la traición, la caída del protagonista y su búsqueda de redención.

 Y ¿Entonces por que la Metro Golwing Mayer tocó este film hasta entonces insuperable? Pues verán

A finales de los años 50, Metro-Goldwyn-Mayer no estaba en su mejor momento. La televisión estaba quitando público a las salas y el estudio necesitaba desesperadamente un gran éxito… algo que devolviera a la gente al cine y les sacara de su casa. (¿Parece que esto nos suena verdad?)

Pues bien, ahí es donde entra Ben-Hur. No era una idea nueva, ya tenían la versión de 1925, pero precisamente por eso era una apuesta “segura”: una historia conocida, épica, con valores universales y además con un fuerte componente religioso, muy atractivo para el público de la época.

La estrategia era clara: hacer algo tan grande, tan espectacular, que no pudiera verse en una televisión. Pantallas gigantes, miles de extras, decorados colosales con un color y sonido realmente impresionantes… una experiencia que obligara a ir al cine a todos eso que preferían la televisión

De hecho, fue una jugada arriesgadísima. MGM invirtió una cantidad enorme de dinero, hasta el punto de que si la película fracasaba, el estudio podía quebra

Pero salió justo al revés: Ben-Hur no solo fue un éxito… fue el éxito que salvó a la Metro.

Y si no conoces este film, cierto es que en Semana santa es un clásico por lo que seguro que lo van a emitir en televión o lo vas a tener en varias plataformas. 

por lo que no la puedes dejar escapar. Sí aún no te he convencido, entonces dame un poco más de tiempo y verás que esta película es una obra de visionado imprescindible para ti.

Pero antes un pequeño paréntesis, prometo ser breve. ¿Te gusta el cine? ¿Quieres conocer o recordar esos clásicos que han hecho del cine un  arte? Quieres que te cuente la historia de su producción. Entonces suscribeté a CINEFILIA tu canal de cine clásico e independiente en Youtube. si te  gusta nuestro vídeo, danos un like y si te da la oportunidad la plataforma, pues regalanos un Hype y ya está. ¿Habéis visto que he sido rápido verdad?.

Pues volviendo a Ben hur.

La metro aunque tenía la historia, la película era muda con lo que había que dar un repaso completo al guión y este pasó por muchas manos, pero el nombre clave es Karl Tunberg, acreditado oficialmente. Aun así, en la sombra trabajaron otros guionistas de peso como Gore Vidal o Christopher Fry, puliendo diálogos y estructura de la que carecía el original. El reto era enorme: condensar una novela monumental en una historia clara, emocional y accesible. Y lo consiguieron centrándose en el viaje personal de Judá Ben-Hur: la traición, la venganza y, finalmente, la redención, con un trasfondo religioso muy potente pero tratado con bastante elegancia. 

Y para dirigir la última bala del estudio, recordar el riesgo que estaba corriendo la metro, pensaron en 

William Wyler, y esto  no fue por casualidad. Wyler ya era uno de los grandes de Hollywood, venía de dirigir películas como Los mejores años de nuestra vida, que había arrasado en los Óscar, y tenía fama de perfeccionista absoluto.  Pero había algo más, algo que le hacía el director ideoneo y es que conocía el material de primera mano ya que había trabajado como ayudante en la versión de 1925.  Y el gran Wilder no falló.

Ahora os voy a contar un poco de su sinopsis pero sin destriparos nada, sé con son muchos los chicos y chicas jovenes que no han visto el film y que la mayoría no conoce la historia que van a ver. así que si esa es tu situación, tranquilos que no os la voy a rebentar.

En la Antigua Roma, durante el dominio imperial sobre Judea, Judá Ben-Hur, un noble de Jerusalén, ve cómo su vida se rompe cuando su amistad de la infancia con el tribuno romano Mesala se transforma en una rivalidad implacable. Un accidente fortuito sirve de excusa para acusarlo de traición contra Roma, y Mesala no duda en condenarlo: Ben-Hur es enviado a galeras y su familia encarcelada.

En su descenso a los infiernos, marcado por el sufrimiento y el deseo de venganza, su destino se cruza fugazmente con el de Jesús de Nazaret, un encuentro que sembrará una transformación profunda. Tras sobrevivir a la brutalidad de las galeras, Ben-Hur inicia un camino de ascenso que lo llevará de nuevo a la libertad… y, finalmente, al enfrentamiento definitivo con Mesala en la arena, donde el honor, la redención y el destino chocarán en una de las carreras de cuadrigas más legendarias del cine.

Y aquí quiero hacer una pausa, la carrera de cuadrigas.

La carrera de cuadrigas de Ben-Hur es, probablemente, una de las secuencias más ambiciosas jamás rodadas sin efectos digitales, ya lo era en su versión muda, pero en este film toma una dimensión mítica. 

Veran se construyó un circo romano gigantesco en los estudios de Cinecittà, en Roma, con miles de toneladas de arena y capacidad para miles de extras. Durante meses, especialistas y actores —incluido Charlton Heston— se entrenaron para manejar los carros a gran velocidad.

El rodaje duró semanas, con múltiples cámaras captando la acción real, sin trucos: choques, caídas y caballos desbocados eran auténticos. La coordinación fue tan compleja que se convirtió en una hazaña técnica sin precedentes, y todavía hoy sigue siendo un referente de cómo hacer espectáculo puro en cine.

El reparto de Ben-Hur es clave para que la película funcione más allá del espectáculo. Charlton Heston aporta una presencia imponente como Judá Ben-Hur, pero también una evolución emocional muy clara, pasando del orgullo a la venganza y, finalmente, a la redención. Frente a él, Stephen Boyd construye un Mesala carismático y complejo, casi tan protagonista como el propio Ben-Hur. Y luego están secundarios de lujo como Jack Hawkins o Hugh Griffith, que enriquecen el mundo de la película con personajes muy memorables.

En cuanto a la música, es simplemente monumental. La compuso Miklós Rózsa, uno de los grandes del cine clásico, y creó una banda sonora épica, solemne y profundamente emocional. Su tema principal es inconfundible, pero lo más interesante es cómo utiliza la música para acompañar el viaje del protagonista, desde la grandiosidad imperial hasta los momentos más íntimos y espirituales. Es, sin duda, una de las partituras más icónicas de la historia del cine y quizá la más redonda de este arte. Rozsa puso el sonido a la roma imperial que otros copiarían creando aquí uno de esos canones que dan la impresión que siempre estuvo allí, pero que fueron creados en este caso por un compositor musical en estado de gracia.

El éxito de Ben-Hur fue absolutamente decisivo para Metro-Goldwyn-Mayer. La película arrasó en taquilla y literalmente salvó al estudio de una situación financiera muy delicada, devolviéndolo a la primera línea de Hollywood.

Pero donde hizo historia fue en los premios Óscar de 1960 ganó 11 estatuillas, incluyendo mejor película, director y actor. Un récord que se mantuvo durante décadas y que la convirtió en símbolo de lo que Hollywood podía lograr cuando apostaba a lo grande.

Si nunca has visto Ben-Hur y te de quizá pereza, piensa que no es  “cine antiguo”. Es una lección de cómo contar una historia enorme con emoción real. Aquí todo es físico, tangible, hecho a mano… y eso se siente en cada plano.

Pero es que más allá del espectáculo, lo que la hace imprescindible hoy es que sigue hablando de cosas tan  actuales como  la traición, el odio pero tambien de el perdón y la capacidad de cambiar. No necesitas ser fan del cine clásico para disfrutarla… solo dejate llevar por una historia que, más de 60 años después, sigue funcionando como el primer día.

Si me haces caso y ves los casi 215 minutos que dura, me vas a dar la razón y los que ya la habéis visto, dejarme en los comentarios lo que supuso para vosotros esta película la primera vez que la visteis.

Y me tengo que despedir y contaros una cosa que me duele, esta obra magna tiene un remake del 2016. cómo diría gandalf el gris. Huir insensatos. no está a la altura ni técnica ni artísticamente, un subproducto salido de la necesidad de buenas ideas de las que carecía la industria tras la huelga de guionistas.

Y ya sí. con esto último vamos a despedirnos, primero deseando que seais inmensamente felices o que luchéis por ello, no hay mejor lucha que esa y como no puede ser de otra forma. que vivas el cine 

 

 

 

 

 

 

 

 

ulises 1956

 

Hay historias inmortales, únicas y que son un retrato de nuestra propia humanidad que a veces duermen en el olvido del tiempo y solo esperan a ser contadas de nuevo y una de esas historias es el relato de la vída del rey de Ítaca Ulises, quellas andanzas contadas por homero hace más de 2500 años , volverán a ser contada de nuevo gracias a que Christopher Nolan está realizando una nueva versión de aquel viaje, de aquella odisea. Pero mucho antes de que Christopher Nolan decidiera enfrentarse al mito de Ulises en su futura adaptación de la La Odisea, ya hubo quien se atrevió a llevar este viaje imposible a la gran pantalla.

y es que, en 1954, en plena era dorada del cine épico, el cine italiano nos ofreció una versión ambiciosa, ingenua y fascinante del héroe que lucha no solo contra monstruos y dioses, sino contra el paso del tiempo, la nostalgia y su propio destino. Con el rostro de Kirk Douglas, este Ulises no es solo un guerrero: es un hombre que intenta volver a casa.

Hoy, más de medio siglo después, cuando el cine vuelve a mirar hacia Ítaca de la mano de Nolan, merece la pena preguntarse: ¿qué tenía aquella versión clásica que todavía tiene vida para los nuevos espectadores? ¿Y qué puede enseñarnos esta película sobre la forma de contar historias de aventuras?

Y esto creará una pregunta que pronto tendrá respuesta, Nolan mirará a este clasico del peplum italiano o no, guardará la magia e ingenuidad de esta añeja película o no.

Así que es un momento ideoneo, mientras hacemos tiempo para ver el estreno de esta nueva adaptación, que miremos a tras y difrutemos de uno de esos clásicos inmortales una de esas películas que son un ejemplo de cómo el cine de entretenimiento tenía mucho más que ofrecer que muchas de las películas actuales.

Así que embarcaté en esta maravillosa aventura que es ULISES de Mario Camerini de 1954.

Ulises nació de una apuesta ambiciosa de dos gigantes de la producción italiana, Dino De Laurentiis y Carlo Ponti. En una época en el que el peplum reinaba en las sesiones dobles de los cines de todo el mundo—las historias de héroes clásicos, romanos y griegos vivía su auge en aquella época, pero siempre con presupuestos y producciones limitadas que le impedían competir directamente con Hollywood en espectacularidad y ambición.

Pero Ponti y de Laurentis no eran dos productores al uso, eran dos genios a la hora de optimizar recursos, de exprimir hasta el último dolar para conseguir que un film de producción italiana no sólo consiguiera competir contra el cine Estadounidense si no tambien ganarlo. 

Con medios más limitados pero una enorme creatividad, consiguieron que El Ulises interpretado por Kirk Douglas y otro rostro clásico de las producciones Estadounidenses cómo era el de Anthoni Quiin se convirtiera directamente en un clásico en su tiempo. Y ensalzaran las figuras de ambos productores.

La clave del film y el éxito del mismo, estaba en hacer la película exportable a todo el mundo como una gran producción. Y ahí entra una decisión estratégica fundamental: fichar a una gran estrella de Hollywood.

 El elegido fue Kirk Douglas, que en ese momento ya era un actor en ascenso con una presencia física y una intensidad perfectas para encarnar a Ulises y para contrapunto de este al Mexicano Anthony Quiin. Sus contrataciónes no fueron solo artísticas, si no que tenía un compenente altamente comercial: garantizaba distribución internacional y abría las puertas del mercado estadounidense y cómo un caballo de troya hacer pasar en el resto del mundo el film italiano como una gran superproducción norteamericana

El rodaje, como muchas producciones europeas de la época, fue una mezcla de ambición y limitaciones. Se filmó principalmente en Italia, aprovechando localizaciones naturales y estudios como Cinecittà Studios, donde se recrearon desde palacios hasta mundos mitológicos. Sin los recursos de Hollywood, el equipo tiró de ingenio: decorados teatrales, efectos prácticos y una puesta en escena que hoy puede parecer ingenua, pero que en su momento resultaba espectacular.

En cuanto al guion, el reto era enorme: condensar una obra gigantesca y episódica en poco más de hora y media. Los guionistas optaron por simplificar la estructura, centrarse en los momentos más icónicos de la novela —el cíclope, Circe, las sirenas— y, reforzar el arco emocional del personaje. Más que una adaptación literal,  Y es que el secreto de esta obra está en la reinterpretación pensada para el público de su tiempo: directa, aventurera y con un fuerte componente romántico.

Verán el film comienza con la historia ya empezada, Ulises hace 10 años que partió a la guerra de troya y no ha regresado, dándolo por muerto y siguiendo la leyes, Penelope mujer de Ulises y reina de ítaca ha de tomar nuevo esposo entre unos pretendientes que sólo buscan el poder, mientras que ella intenta alargar la espera destegiendo por la noche el velo que por el día teje, aparece un nuevo pretendiente, en este caso sincero, fuerte y honesto Antinos, pero que guarda en secreto un oscuro y terrorifico plan.

Pero Ulises no está muerto, ha sufrido un naufragio y amnesico ha llegado en brazos de la princesa Nausica donde empezará una nueva vida, pero poco a poco Ulises recordará su epopeya que le enfrentará a sirenas, ciclopes y brujas.

Y hasta aquí te voy a contar el resto de la película tienes que verla y creeme disfrutarla tu, por que son de esas películas que tienen ese maravilloso olor a clasico, ese añorado olor a naftalina de aquellas añejas obras de los cincuenta que tanto se hechan de menos hoy en día.

Por cierto, te gusta el cine clásico e independiente, ¿Quieres conocer o recordar aquellas películas que hicieron grande este arte? pues suscribeté al canal, dale al botón y a la campanita y disfruta de nuestros consejos de cine semanales y si te está gustando este vídeo, no te olvides darnos un like y si está diponible en tu región un Hype nos ayuda mucho.

Pues bien sigamos con la reseña de esta obra maravillosa que es ulises.

Detrás de la cámara está Mario Camerini, un nombre quizá menos conocido hoy, pero fundamental en el cine italiano de la primera mitad del siglo XX.

Curiosamente Camerini no venía del cine épico. De hecho, había construido su carrera en los años 30 y 40 dirigiendo comedias sofisticadas y películas más cercanas al costumbrismo, muchas de ellas dentro del llamado cine de “teléfonos blancos”, centrado en historias elegantes y urbanas. Era un director sólido, con buen pulso narrativo y muy eficaz trabajando con actores, pero no precisamente alguien asociado a grandes espectáculos mitológicos.

Entonces, ¿por qué él?

La respuesta está en el momento de la industria. Cuando Dino De Laurentiis y Carlo Ponti deciden levantar esta superproducción, necesitan a alguien fiable, capaz de sacar adelante un rodaje complejo sin perder el control. Camerini tenía ese perfil: un director experimentado, disciplinado y con prestigio dentro de Italia que aúnque no tenía esperiencia en el género era considerado un buen cineasta con oficio suficiente como para sacar un film tan complejo como era este.

Además, su sensibilidad más humana encajaba con la visión de la película. Este Ulises no es solo un héroe mitológico, es un personaje emocional, casi neorealista en algunos momentos, y ahí Camerini aporta algo clave: convierte la épica en algo mas cercano, más centrado en el viaje personal que en el espectáculo puro y coreografías de luchas que eran de las que se nutrían los peplum italianos de la época

Su trabajo es excepcional e indica el buen ojo de los productores a la hora de enebrar este dificil hilo que era hacer una superproducción con fuentes economicas escasas.

Tras el estreno, la película funcionó muy bien a nivel internacional, especialmente en Estados Unidos, algo nada habitual para una producción europea de la época. Aquí fue clave la presencia tanto de Antohony Quiin como de Kirk Douglas, que atrajo al público americano y facilitó una distribución amplia. En taquilla, se puede considerar un éxito sólido: recuperó su inversión y ayudó a consolidar el modelo de coproducciones europeas con vocación global y ensalzar las carreras tanto de Carlo Ponti como de Dino de Laurentis

En Italia y en buena parte de Europa también tuvo una acogida notable. No fue solo una película más del momento: contribuyó a afianzar el auge del peplum y abrió la puerta a toda una ola de producciones similares que dominarían el mercado durante años.

En cuanto a premios estos fueron escasos, no estamos ante una película especialmente laureada en grandes festivales o galardones internacionales. Su reconocimiento fue más comercial que crítico en ese sentido. Sin embargo, sí tuvo una nominación relevante: fue candidata al Óscar al mejor guion, lo que ya indica el impacto que tuvo en la industria de Hollywood, no era nada facil que una produción externa a la industria hollywoodiense se colara en los premios de aquella época.

Con el paso del tiempo, su legado ha crecido y se ha convertido en todo un referente del cine clásico de los mitos y dioses griegos. Hoy se la recuerda como una de las primeras grandes adaptaciones modernas de la La Odisea y como una pieza clave en ese momento en el que el cine europeo decidió mirar de tú a tú al espectáculo americano.

Y ahora vuelve a la vida gracias a una adaptación de las aventuras de Ulises de la mano de Nolan y auqnue hay varias opciones más a las que acudir como es el telefilm la Odisea del 97 o más recientemente El regreso del 2024 con un gran Ralph Fhines como úlises, es cierto que ninguna ha estado a la altura de este maravilloso y viejo film de una época dorada como fue los años 50

Y bueno ya hemos terminado este consejo de esta semana, esperando de corazon te adentres en esta película, pero para terminar como es debido ya sabes que antes tengo que desearos dos cosas, la primera que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y segunda y como no puede ser de otra forma, que vivas el cine 

 

 

 

Dracula de Luc Bresong

 He de decir que siempre sentí una simpatía especial por Luc Besson, desde que de joven vi aquella maravillosa película de buceadores de apnea el Gran Azul y poco despues vi nikita dura de matar, desde aquel momento esperaba con ansias la siguiente película del director francés. Leon el profesional me asentó cómo uno de sus mejores y más fieles seguidores al que siguió el Quinto elemento y Juana de Arco y pasó lo que jamás pensé que ocurriria, el desencanto desde aquel lejano 1999 no ha realizado ninguna película que me haya conmovido, es más desde aquel lejano 99 no ha realizado ninguna película que me haya gustado. El tiempo transcurrido me llevó a nisiquiera seguir su trayectoria y me olvidé de él hasta el día que llegó a mis oidos que estaba realizando una version de Dracula y entonces, como la noche termina en el día, la emoción de pensar que Luc Bresson iba a realizar una de esas joyas que me hicieron ser su seguidor en mi juventud, me hicieron animarme a seguir el proceso de producción esperando que esta si fuera su siguiente gran película y si quieres saber mi opinión sobre el el film no tienes que quedarte hasta el final, No, no me ha gustado ha vuelto a ser otro chasco.

Pero si quieres saber mi opinión más detallada entonces.

Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia con todos vosotros Dracula, la versión de Luc Bresson realizada en el 2025.

Verán la película comienza mal, primero por que no es una adaptación libre ni literal de la novela, podemos decir que en gran parte es una adapatación del film realizado por Coppola en el 92 y realmente no es la mejor cedisión del film, el retrato del prologo similar a la película protagonizada por Gary Oldman basicamente carece de sentido, el amor romántico de Blad teppes e Elisabella es poco menos que un pastiche similar a las parodias de films romanticos, lo tiene todo, guerra de almohadas, juego con la comida, vamos la visión que un adolescente de 15 años que puede tener de una relación de amor, pero que si tienes más de esa edad pues poco menos que te hace reir, cierto es que cuando termina ese momento la cosa mejora algo, te sorprende el momento de la vampira y el sacerdote un poco loco interpretado por Christoph Walz sin lugar a dudas lo mejor de la película, el personaje de Priest, el pobre Jonathan Harker es ridiculizado en este film y lo de las gargolas sirvientes te hacen darte cuenta que el desastre está apunto de empezar.

No quiero destrozarles la película por si cae en sus manos y les apetece verla, así que evitaré hacer spoilers pero sólo decir que cada vez que la película deja el camino que marcó Coppola se convierte en poco menos que ridicula, hay un momento con un perfume que directamente te crees que estás viendo el nuevo spot comercial de Axe, por tener, tiene hasta una coreografía.

Ah y si, como pueden ver, se salta cualquier principio del mito, el personaje camina por el día como pedro pos su casa. Pero que cambia a su antojo cuando lo necesita, vamos que la película tiene unas normas y unas reglas que se salta cuando necesita sin el menor escrupulo.

Cuando ya vas por mitad de la película y observas que eso no va a ningun lado, creanme que aún queda lo peor.

Sientes que Bresson quiere arruinar el film, el mito y de paso cualquier prestigio del pasado.

Y es que si haces una película sobre el mito de drácula y la película se viene a bajo cuando sale él, pues el desastre está completamente realizado.

Y es que el guion realizado por el propio Bessong no se sostiene más de 10 minutos seguidos, la película cargada de clichés parece mas la redacción de un adolescente que la de un cineasta.

Y sólo puedo pensar, la lastima de los casi 50 millones de dólares dedicados a una película completamente prescindible y donde no se vé el presupuesto por ningun lado, vestuario que parecen disfraces de saldo, iluminación más propia de un videoclip y un CGI que siendo generoso lo podemos calificar de normalito. pero lo peor de todo y cranme que me duele decir esto, lo que es imperdonable es la dierección de Bresson, es cómo si se le hubiera olvidado dirigir, lentes mal elegidas, encadres lamentables y una dirección de actores que cómo poco podemos calificar de nefasta, Drácula no es la sombra de la noche que aterroriza, no es la despiadada bestia, ni siquiera es un personaje amenazante,  es un tipo raro con sombrero que le hacen ser simplemente ridiculo, cuando no es directamente un plagio de mi añorado Teppes de Coppola.

así que no puedo recomendarte ver este film, ni siquiera acercarte a él, cierto es que la tienes a tu disposición en Amazon Prime Vídeo, pero creeme que tienes opciones mejores y más entretenidas, sólo te lo recomiendo si eres muy fan del conde vampiro y simplemente por afan de completar el visionado de películas sobre drácula y siendo consciente si no lo eras ya antes de ver esta reseña de que el Dracula de Bresson es simplemente un desastre.

Pero como el cine es así, puede ser que te guste, que la disfrutes, que encuentres en ella ese film imprescindible, así que, bueno, ya me dirás en los comentarios si la has visto, si la vas a ver y lo que te ha parecido, ya sabes que nosotros hacemos consejos de cine siempre bajo nuestro punto de vista respetando la de los demás.

Así que si quieres pertenecer a este pequeño club de cinefilos en Youtube, suscribete a nuestro canal, mira nuestras reseñas y consejos de cine y forma parte de nuestra familia.

Si te ha gustado este vídeo haznolo saber con un like y si quieres fomentar el canal en Youtube, pues regalanos un Hype y nada más. vamos a ir cerrando este ataud en el que se ha enterrado esta nueva versión de drácula y vamos a preparar la siguiente reseña pero antes dejenmé que me despida con dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y segunda y como no puede ser de otra forma, que vivas el cine 

CASINO La obra maestra de Martin Scorsese que puedes ver gratis

 Verán ustedes… cuando un director realiza una obra considerada “menor”, una película lejos de sus títulos más celebrados… y aun así esa obra sigue siendo mejor que el noventa por ciento de las mejores películas del resto de directores… entonces estamos hablando de un auténtico genio del cine.
Y en este caso, ese genio tiene nombre propio: el inconmensurable Martin Scorsese.

Porque cuando hablamos de este director, hablamos del responsable de algunas de las cimas del cine moderno. Películas cómo Taxi Driver, Toro Salvaje o Uno de los nuestros, películas que no solo marcaron una época, sino que redefinieron el propio lenguaje cinematográfico. Y claro no se pueden realizar obras maestras constantemente, pero aún así no dejan de ser obras maravillosas de una altisima calidad como puede ser este film.

Así que, ahora si. Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia con todo ustedes CASINO película dirigida por Martín Scorsese en 1995.

Verán, el director venía de realizar dos películas muy distintas entre sí. Por un lado, El cabo del miedo, un thriller oscuro que fue un gran éxito de taquilla recaudando más de 180 millones de dólares en todo el mundo y que además consiguió nominaciones al Óscar para Robert De Niro y Juliette Lewis. Y por otro, la elegante adaptación de La edad de la inocencia, un drama de época que ganó el Óscar al mejor vestuario y acumuló varias nominaciones.

Con ese bagaje a sus espaldas, apenas dos años después Scorsese volvería a sumergirse en uno de sus territorios favoritos: el crimen y el poder. Una historia que nos cuenta el ascenso y la caída de un hombre vinculado a la mafia italiana, pero que en realidad nos narra algo más grande: el retrato del final de una época y del nacimiento de otra, con el ejemplo de  los casinos de Las Vegas.

Por cierto, si no has visto la película o te apetece verla otra vez, enhorabuena por que esta película puedes verla gratis desde españa y si eres de fuera a traves de una VPN y os dejaré el enlace del film en la descripción del vídeo.

Y bueno, ahora a llegado el momento de contaros de que va la película, como siempre sin spoilers para que luego disfrutes del film completamente. pero antes una cosa, ¿te gusta el cine, quieres que te recuerde o te descubra películas maravillosas de este arte? Pues suscribete, si te gustan nuestras reseñas, regalanos un like y una vez hecho si te apetece y está activo en tu país, regalanos un Hype. dicho esto vamos allá.

Casino nos lleva al corazón de Las Vegas durante los años setenta y principios de los ochenta, cuando los grandes casinos aún estaban bajo la influencia del crimen organizado. La historia sigue a Sam “Ace” Rothstein, un brillante apostador profesional al que la mafia encarga dirigir uno de los casinos más importantes de la ciudad.

Bajo la dirección de Martin Scorsese, la película retrata un mundo donde el dinero fluye sin control, la ambición lo impregna todo y cada decisión puede cambiar un destino. Mientras Ace intenta mantener el negocio funcionando con precisión casi matemática, su vida comienza a complicarse por dos fuerzas imprevisibles: su relación con Ginger, una mujer tan fascinante como ambiciosa que está enamorada de un novio de la que la chulea, y la presencia de Nicky, un violento mafioso cuya forma de entender el poder, amenaza con destruir el delicado equilibrio del imperio que han construido.

A partir de ahí, la película se convierte en un retrato fascinante de poder, exceso y decadencia, en el que Las Vegas aparece no solo como un escenario, sino como el símbolo de toda una época que está a punto de desaparecer.

Para entender el origen del film hay que ir a la realidad misma de un momento de la historia de los EE.UU. ya que la película está basada en el libro Casino: Love and Honor in Las Vegas, escrito por el periodista especializado en crimen organizado Nicholas Pileggi. El libro reconstruye la historia real de cómo la mafia del Medio Oeste controló varios casinos de Las Vegas durante los años setenta, desviando millones de dólares antes de que el dinero llegara a los registros oficiales. 

Pileggi ya había trabajado antes con Martin Scorsese en otra adaptación famosa: el libro Wiseguy, que acabaría convirtiéndose en la película UNO DE LOS NUESTROS. Tras el éxito de aquella colaboración, ambos decidieron repetir el proceso: investigar durante años el funcionamiento real de los casinos controlados por la mafia y convertir ese material en una película. De hecho, mientras todavía estaban terminando UNO DE LOS NUESTROS, Pileggi empezó a investigar la historia que acabaría convirtiéndose en EL LIBRO EN EL QUE SE BASA ESTE FILM.

La historia real gira en torno a tres figuras auténticas del mundo del crimen: el corredor de apuestas Frank “Lefty” Rosenthal, el violento mafioso Anthony Spilotro y Geri McGee, la esposa de Rosenthal. Para la película, estos personajes se transformaron en Sam “Ace” Rothstein, Nicky Santoro y Ginger McKenna. Aunque los nombres cambian, gran parte de los hechos que aparecen en la película están inspirados en acontecimientos reales ocurridos en los casinos de Las Vegas durante aquella época

Gracias a la fama de Scorsese, la película fue rodada en gran parte dentro de casinos reales de Las Vegas, algo bastante inusual en el cine de la época. El equipo utilizó el casino Riviera y otros edificios cercanos para recrear el ficticio Tangiers, evitando construir decorados cuando podían filmar directamente en localizaciones auténticas  

La película contó además con varios colaboradores habituales de Scorsese: el director de fotografía Robert Richardson, responsable de su estética brillante y excesiva; la montadora Thelma Schoonmaker, que ha editado muchas de las grandes películas del director; y el legendario diseñador gráfico Saul Bass, que creó la espectacular secuencia de títulos iniciales, en lo que sería además uno de sus últimos trabajos en el cine.

El resultado fue una producción de gran escala para Scorsese: casi tres horas de duración, un presupuesto cercano a los 45 millones de dólares.

Uno de los aspectos más interesantes de la producción fue cómo se consolidó su reparto principal. Para el papel de Sam “Ace” Rothstein, Martin Scorsese tenía muy claro desde el principio que quería volver a trabajar con Robert De Niro. No era una decisión casual: ambos ya habían construido una de las colaboraciones más importantes de la historia del cine, con películas como Taxi Driver, Toro salvaje o Uno de los nuestros. De Niro, con su capacidad camaleonica de interpretar consiguió plasmar la autenticidad de un apostador profesional entrevistándose con el verdadero Frank “Lefty” Rosenthal, el hombre en el que se inspira su papel. 

El caso de Nicky Santoro fue similar. El personaje estaba claramente pensado para Joe Pesci, que venía de ganar el Óscar por Uno de los nuestros. Su energía imprevisible y su capacidad para pasar de la calma a la violencia en cuestión de segundos lo convertían en el candidato perfecto para interpretar a un mafioso tan explosivo como el del personaje que interpretaba.

Donde sí hubo más dudas fue en el papel de Ginger. Antes de elegir a Sharon Stone, el estudio consideró a otras actrices muy conocidas de la época. Sin embargo, Scorsese terminó apostando por Stone porque creía que podía transmitir algo esencial para el personaje: una mezcla de glamour, vulnerabilidad y autodestrucción. La decisión resultó clave, ya que su interpretación acabaría dándole una nominación al Óscar y el Globo de Oro a mejor actriz, siendo este uno de los mejores y más memorables papeles de la actriz que simplemente lo borda. Es curioso como ella sóla puede dar la replica a actores de la talla de De Niro, Pesci y Woods que interpreta a Lester Diamond, el proxeneta y antiguo amante de Ginger. Su personaje aparece relativamente poco en pantalla, pero es clave para entender el pasado y las debilidades del personaje interpretado por Sharon Stone, donde simplemente hay una quimica brutal entre ellos.

Woods consiguió el papel tras ser considerado por Martin Scorsese como el actor perfecto para transmitir ese tipo de carisma desagradable: alguien seductor, pero al mismo tiempo profundamente oportunista y manipulador. Su interpretación, cargada de cinismo y arrogancia, aporta al personaje una presencia incómoda que refuerza la tensión emocional de varias escenas clave de la película.

Y bueno, cómo no todo iban a ser una balsa de aceite, el rodaje se encontró con un problemilla.

Verán durante el rodaje en Las Vegas, el equipo se encontraba filmando varias escenas dentro de casinos reales, especialmente en el Riviera, que servía como base para recrear el ficticio Tangiers. Lo que muchos no saben es que, en esa época, todavía quedaban conexiones de la mafia real controlando algunos de esos establecimientos.

En una de las tomas, mientras se rodaba una escena que incluía a extras jugando y apostando, algunos miembros de la mafia local se acercaron para cuestionar la filmación, molestos porque consideraban que el equipo estaba retratando “su territorio” de forma demasiado literal. Según cuentan los asistentes, el ambiente se tensó hasta el punto de que varios miembros del equipo de producción temieron que la situación pudiera escalar a algo más que palabras teniendo que ser el propio Martin Scorsese el que terminara con el problema gracias a un pequeño acto de diplomacia y por tener entre sus contactos a mafiosos míticos como Henry Hill con quien documentó Uno de los nuestros y con Anthony Spilotro, terminando ahí el problema con dichos personajes de las vegas de los noventa.

Y bueno como he dicho antes vamos a dar por terminada esta reseña recordandoos que podéis ver gratis y legal la película por que está aún en la web de RTVE, no sé por cuanto tiempo así que no tardes mucho en verla. Pero quizá ya la has visto y te apetece otro film de mafiosos. pues os propongo una de las películas de la mafia que es una de mis favoritas, por desgracia no muy conocida pero que es inmensa, La gloriosa El asesinato de un corredor de apuestas chino de mi admiradisimo John Cassavetes. ¿No la conoces? pues ahora te debe de salir el enlace por ahí arriba.

Y nada más, ya sólo me queda despedirme con dos deseos para ti, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y segundo y como no puede ser de otra forma que vivas el cine 

 

 

 

 

La película que redefinió la ciencia ficción Blade Runner

En 1982 se estrenó una película que cambiaría la ciencia ficción para siempre.

Un film que redefinió el futuro.

Una obra que no era solo ciencia ficción…
ni siquiera solo cine.

Era una experiencia estética, filosófica y emocional.

Una película que marcó un antes y un después en la historia del séptimo arte.

Y la película de la que vamos a hablar hoy es, sin duda, uno de los grandes referentes del cine moderno, dirigida por uno de los cineastas más importantes de su generación: Ridley Scott.

Bienvenidos, bienvenidas, amigos y amigas de Cinefilia.

Hoy vamos a hablar de una obra maestra.

Blade Runner.

Pero para entender por qué esta película es mucho más que ciencia ficción…
tenemos que hablar de su historia, de sus personajes…
y de su final.

Así que aviso desde ya:

a partir de este momento habrá spoilers importantes.

Si aún no la has visto, detén el vídeo, búscala —preferiblemente en su versión definitiva, el Blade Runner: The Final Cut— y vuelve después.

Porque este vídeo solo funciona si conoces el viaje de Rick Deckard…
de Roy Batty…
y el significado de esos momentos que se perderán en el tiempo…

como lágrimas en la lluvia.

---

Una adaptación que en realidad no lo es

Cuando hablamos de Blade Runner, mucha gente dice:

“Está basada en la novela de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?”.

Y sí… pero en realidad no demasiado.

Los guionistas Hampton Fancher y David Webb Peoples tomaron la idea general del mundo, pero construyeron una historia prácticamente original.

No busques en la novela la película que estás viendo.

Porque Blade Runner no es tanto una adaptación como una reinterpretación.

---

Un detective en el futuro

La película recupera un género clásico: el cine negro.

El detective cansado.
La ciudad corrupta.
La ambigüedad moral.

Solo que esta vez… estamos en el futuro.

Deckard es un Blade Runner:
un policía especializado en cazar replicantes.

Pero cuando lo conocemos, ya ha dejado ese trabajo.

La escena en la que Gaff aparece para buscarlo y él cree que van a detenerlo… es una de las mejores presentaciones de personaje del cine moderno.

Antes siquiera de saber quién es, ya entendemos algo esencial:

Deckard es un hombre agotado de su propio mundo.

---

Un futuro que cambió la ciencia ficción

Hasta entonces, el futuro en el cine solía ser limpio.

Tecnológico.
Brillante.
Optimista.

Blade Runner hizo exactamente lo contrario.

Nos mostró un futuro sucio, decadente, superpoblado y oscuro.

Una ciudad donde lo antiguo convive con lo futurista.
Donde siempre es de noche.
Donde la humanidad parece haber perdido algo esencial.

Sin esta película sería imposible imaginar obras posteriores como:

• The Matrix

• Akira

• Ghost in the Shell

Blade Runner no solo influyó en el cine.

Redefinió la estética del futuro.

---

Los villanos que no son villanos

Los antagonistas de la historia son los replicantes Nexus.

Seres artificiales creados para trabajar en colonias espaciales.

Máquinas… que piensan.

Máquinas… que sienten.

Y máquinas que tienen prohibida la entrada en la Tierra bajo pena de muerte.

Por eso Roy Batty, Pris, Leon y Zhora regresan.

No buscan conquistar el mundo.

Buscan algo mucho más simple…
y mucho más humano:

más tiempo de vida.

Saben que van a morir.

Y quieren encontrar a su creador.

No para ser inmortales.

Solo para vivir un poco más.

Por eso su viaje recuerda a una búsqueda casi religiosa.

La búsqueda del creador.

La búsqueda del sentido de la existencia.

---

Una revolución visual

El aspecto visual de Blade Runner no nació solo del cine.

Nació también del cómic y la ilustración.

Especialmente del trabajo del diseñador futurista Syd Mead, que imaginó la arquitectura y los vehículos del film.

Y del espíritu creativo que en esos años dominaba revistas de ciencia ficción como Métal Hurlant, donde artistas como Moebius estaban revolucionando la estética del género.

Pero lo increíble es que muchos de esos mundos se construyeron con escenarios reales.

Como el mítico Bradbury Building.

O la impresionante Ennis House, utilizada para la casa de Deckard.

---

Y en el centro… una historia de amor

Pero por encima de todo, Blade Runner es también una historia íntima.

Una historia de amor imposible.

El amor entre un cazador de replicantes…

y una replicante.

Rachael cree ser humana.

Tiene recuerdos.

Tiene emociones.

Tiene una vida… que nunca existió.

Y Deckard recibe la orden de retirarla.

Eliminarla.

Pero algo cambia.

Porque si Deckard muere en su enfrentamiento final con Roy Batty…
Rachel está condenada.

---

El momento que convirtió la película en leyenda

Y entonces llegamos al final.

Uno de los finales más hermosos de la historia del cine.

Roy Batty ha encontrado a su creador…
y no ha conseguido más vida.

Todo ha sido inútil.

Pero cuando tiene a Deckard derrotado…
decide hacer algo inesperado.

Salvarlo.

En ese instante, el villano se convierte en el personaje más humano de la historia.

Y pronuncia uno de los monólogos más famosos del cine:

“Todos esos momentos se perderán en el tiempo…
como lágrimas en la lluvia.”

---

La gran duda

Y sin embargo, la película todavía guarda un último misterio.

En el Blade Runner: Director's Cut y en el Final Cut, aparece una escena clave:

Deckard sueña con un unicornio.

Pero ese sueño es privado.

Nadie debería conocerlo.

Entonces…

¿por qué Gaff deja una figura de unicornio al final?

La respuesta abre una pregunta que ha fascinado al público durante décadas:

¿y si Deckard también es un replicante?

Blade Runner termina con una duda.

Y esa duda es parte de su magia.

---

Conclusión

Hoy Blade Runner es considerada una obra maestra absoluta.

Pero en su estreno fue incomprendida.

La película que dominó la taquilla aquel año fue E.T. the Extra-Terrestrial de Steven Spielberg.

El tiempo, sin embargo, puso cada cosa en su lugar.

Blade Runner terminó convirtiéndose en una de las películas más influyentes jamás realizadas.

Una obra que cambió la ciencia ficción.

Una obra que cambió el cine.

Y una obra que sigue planteando la misma pregunta que hace más de cuarenta años:

¿qué significa realmente ser humano?

---

Si quieres descubrir el increíble rodaje de esta película —una historia casi tan fascinante como el propio film— te dejo ahora un vídeo donde cuento todos sus secretos.

Y créeme…

parece una película dentro de otra película.

Nosotros mientras tanto nos despedimos con dos deseos:

que seas inmensamente feliz…
o luches por serlo.

Y que vivas el cine.

 

 

  

Feliz navidad Mr Lawrence

 Somos victimas de personas que piensan que tienen razón.

No esta frase no es mía, es parte de este film, frase que se repite varias veces de una forma tan rotunda que sólo ella marca el destino de nuestros personajes.

Veras imagina que estas en un campo de prisioneros, en mitad de la guerra, la separación entre prisioneros y guardas es tan profunda como todo un oceáno un muro de incomprensión que va más alla de vencedores y vencidos y toda la trama embellecida por una singular banda sonora y esa extraña melodía escrita por el gran compositor Ryuichi Sakamaoto nos acaricia en un momento extraño, en un momento en el que lo que queda del ser humano cuando es devorado por las decisiones de esas personas que piensan que tienen razón.

Antes de comenzar la reseña de esta singular película un consejo, no veas esta obra como una película de buenos y malos, observalá desde la altura de saber que muchas veces el destino lo marca en que lado de la frontera has nacido.

Y ahora sí… Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, con todos ustedes la magistral Bienvenido Mr Lawrence, película dirigida por Nagisa Oshima en 1983.

Verán, el director de esta película, el japonés Nagisa Oshima, venía de rodar dos de sus grandes obras: El imperio de los sentidos y El imperio de la pasión.
Dos películas radicales, incómodas, profundamente físicas. Cine donde el cuerpo, el deseo y la violencia eran el verdadero campo de batalla.

Y, sin embargo, tras ese díptico extremo con tintes eróticos, Oshima da un giro inesperado.
Decide mirar la guerra, ir al género bélico pero no desde la acción, ni desde el heroísmo, sino desde el choque social y cultural entre individuos atrapados que tienen que convivir, rompiendo la línea de carceleros y prisioneros, todos están atrapados, todos intentando que no se agrieten sus valores y la incomprensión de unos y de otros es simplemente enorme.

Y es que la película se basa en la novela El señor Lawrence, escrita por Laurens van der Post y publicada en 1960.

Van der Post no escribe desde la imaginación, sino desde la experiencia directa. Fue oficial del ejército británico y prisionero de guerra de los japoneses en Java durante la Segunda Guerra Mundial. La novela nace, por tanto, de la memoria y  sobre todo, de la comprensión de los que en un momento fueron sus carceleros.

la novela no era un relato bélico convencional. No se centra en batallas ni en estrategias militares. Es un texto profundamente introspectivo, casi filosófico, que explora el choque entre dos códigos morales irreconciliables:
el honor japonés —marcado por el bushidō, la disciplina y el sacrificio—
y la mentalidad occidental, donde se intenta sobrevivir a toda costa y estas dos visiones del mundo crean perplegidad en uno y otro bando

El personaje del señor Lawrence, que da título al libro, no es un héroe clásico. Es un mediador cultural, un hombre atrapado entre dos mundos que puede comprender a sus captores ya que ha vivido en su país pero sin justificarlos, y a sus compañeros que buscan pasar un día más con vida pero sin idealizarlos. Esa ambigüedad moral es el corazón de la novela… y también de la película.

Cuando Nagisa Oshima adapta el libro, no lo hace de forma literal.
Reduce tramas, elimina subrayados psicológicos y transforma el texto en algo más abstracto y simbólico. Donde la novela reflexiona con palabras, la película lo hace con miradas, silencios y gestos mínimos, demostrando la maestría del director japones en el encuadre y en el trabajo con actores, Oshima nos hace sentir incómodos, como si fueramos un Voayer descubierto y es que su forma directa de narrar, su naturalismo en las relaciónes humanas te hacen sentir que estás ahí.

Quizá Oshima carece de la fama de otros grandes directores Japoneses como Ozu o Kurosawa, pero es un maestro a la altura de éstos, con una valentía insólita, no le afecta el que dirán ni cuando dirigía sus películas cargadas de sexo y herotismo ni tampoco relatando un film desde los ojos del invasor, mostrando una visión descarnada de los campos de prisioneros japoneses con lo que podría llevar al rechazo de su sociedad, pero nada le paraba al gran Oshima, como he dicho es valiente como pocos y comprometido con la obra que dirije.

Así nace Feliz Navidad, Mr. Lawrence, una producción internacional, rodada en inglés y japonés, con actores occidentales y orientales compartiendo plano… y también la incomodidad de la jungla.
Nada aquí es casual. Desde el primer momento, la película se construye sobre la tensión:
entre vencedores y vencidos,
entre disciplina y compasión,
entre lo que se dice… y lo que jamás puede decirse.

Oshima no quiere explicar la guerra o mejor dicho no viene a justificar ningún aspecto de la guerra.
Quiere observar cómo el poder, el honor y la identidad se deforman cuando dos culturas se miran sin comprenderse y chocan en un conflicto bélico
Y por eso el arranque es tan seco, tan contenido, casi ceremonial.
Porque esta no es una historia épica, es la historia de dos mundos en colisión de una manera tan atroz que no te va a dar ni un respiro.

Y ahora ha llegado el momento de contaros sin hacer spoiler de que va este film, intentando que te adentres con todos los sentidos puestos en esta obra. Pero antes un momento, ¿te gusta el cine, quieres que te demos a conocer películas o que te recordemos esos clasicos imprescindible?. ¿Quieres saber todos los secretosd de la producción sin que te hagamos spoiler para que puedas disfrutar de la película de principio a fin? Pues no lo dudes, cinefilia es tu canal de consejos de cine. todas las semanas te damos a conocer esos imprescindibles que te convertiran en un cinefilo.

Pues lo dicho, vamos a contarte de que va.

Estamos en plena segunda guerra mundial en el frente del Pacifico mas concretamente en un campo de prisioneros aliados en la Isla de Java. Alli el capitan Yonoi lo dirige con dureza crueldad y basado en el honor, la vida de los guardas japoneses y los prisioneros británicos viven en un conflicto perpetuo de incomprensión mutua sobretodo entre oficiales considerados hombres de honor.

esta visión tan dispar del mundo tiene un enlace común en el oficial Laurence, un británico que ha vivido parte de su vida en japón, el único que entiende las dos visiones del mundo o mejor dicho, no comprende ninguna.

Yonoi no entiende como los oficiales británicos prefieren vivir sin honor en vez de suicidarse y los británicos no comprenden el suicidio como parte de el honor y lo ven como una salida facil de escapar de los problemas, en una duda sin respuesta, ¿El suicidio es de valientes o de cobardes?.

En este complicado equilibrio llega un prisionero que pondrá el mundo de yonoi al reves el oficial Celliers un británico con un pasado que le tortura y una fortaleza moral que atrae la atención del capitán japones creandose una situación autodestructiva en la ferrea moralidad y honor de Yonoi que como una grieta en su visión del mundo, ponga en peligro de colapso todo el campamento de prisioneros y hasta aquí te voy a contar.

En un reparto coral como pocos encontramos dos actores japoneses míticos, Shakamoto que ademas es el encargado de realizar la banda sonora musical y que aquí se estrena tanto en una cosa como en la otra y Takeshi Kitano en uno de sus primeros papeles y por el lado occidental nos encontramos a David wobie por un lado y a Tom Conti por el otro realizando ambos dos papeles míticos en su filmografía el de Celliers y el Lawrence respectivamente.

El film es una obra de orfebrería, en el que la visión pesimista del mundo se refleja en los ojos maravillosos de Conti en el papel de Lawrence, en ellos vemos la desintegración de todo, la impotencia y el dramatismo que sólo un director japones como Oshima es capaz de marcar.

Y en donde la última frase de la película Feliz navidad Mr lawrence se te clavará en el alma como un cuchillo invisible para jamás olvidar ese momento, ese instante que marca el final del film que es a la misma vez, bello, triste y desolador.

Y bueno, ¿es para ti esta película? . Pues no lo sé, verás no busques nada parecido a la gran evasión, tampoco acción y escenas trepidantes. la película es reflexiva, interior. Pero por otro lado es grandiosa.

Creo que si te gustan las películas japonesas clasicas, te va a gustar, si te gusta el drama y no te importan los ritmos lentos, te va a gustar. si eres una persona cansada ya de las películas actuales con persecuciones, tiros y peleas cada 10 minutos, esta pelicula te va a gustar. si te gusta la cultura japonesa y te apetece entender su vision del mundo te va a gustar, si eres fan de esas bandas sonoras irrepetibles y maravillosas. ya te aseguro que te va a gustar, si nada de lo que te he dicho va contigo, mejor olvidate de esta reseña y busca otra de las que hemos realizado que se adaptan a tus gustos.

Y ya con esto me voy a despedir, no sin antes pedirte que nos des un Like si te gusto el video, una vez hecho, te saldrá la opción de Hype, regalanos uno... creeme que nos ayuda mucho al canal, no cuesta nada y fomentas el cine en Youtube, me da pena ver los pocos hype que nuestro contenido genera y los muchos Hypes que dan a noticias de chismes y videos random generados por IA. Por favor darle al hype por que en serio que ayuda a canales pequeños como el nuestro a crecer

Y dicho esto, simplemente me voy a marchar , no sin antes desearte dos cosas, primero que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y por ultimo y como no puede ser de otra forma, que vivas el cine

 

   

Gracias y Favores 1983

 Hoy volvemos a Robert Duvall, ¿cómo si no?.
Solo una cosa: en el vídeo anterior le rendí un pequeño homenaje, un gesto de gratitud a una carrera que nos ha acompañado durante décadas y que por desgracía la vida nos ha  puesto un punto y final con su fallecimiento. Y precisamente por eso, para continuar ese tributo, he elegido Tender Mercies.

No he elegido su papel en el padrino ni en apocalypse Naw, he creido que el film que mejor le hace tributo es Tender Mercies o como se tituló en español Gracias y favores. El motivo es que si bien las otras películas le hicieron grande entre el publico, fue con este papel profundamente humano el que le hizo ganarse el respeto de la industria situandose como un titan de la interpretación.

Aquí no hay épica, ni iconos, ni frases para la posteridad. Hay un hombre, su voz cansada y una verdad dicha en voz baja. Y quizá ahí, lejos del ruido, es donde mejor se entiende quién fue realmente Duvall y cual fue su peso como actor.

Así que comienza el viaje, Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, con todos vosotros Gracias y Favores film dirigido por bruce Berenford en 1983

Detrás de esta película hay un nombre que muchos pasan por alto: Bruce Beresford.
Un director australiano, lejos de la órbita de Hollywood, que llegó a este proyecto casi como un forastero: sin fama, sin aura de autor, pero con una mirada profundamente humanista.

 Y eso explica el tono de la película: sobrio, contenido, creando ese mismo pulso tranquilo que lo llevaría a tocar el cielo con Paseando a Miss Daisy, una obra que lo situó de golpe en el centro del cine americano.

Pero antes de aquel reconocimiento, antes de aquella rutilante gala en la que ganó 4 oscar de Hollywood incluyendo la estatuilla a mejor película, está este filme: Película en donde Beresford nos cuenta una historia de decadencia y redención, humana, cruel y optimista.

La trama nos presenta a un hombre que ha vivido demasiado rápido y que ahora camina despacio en dirección a un abismo, alcoholico y sin dinero que oculta un pasado como cantante Cauntry de gran éxito que ya nadie recuerda, en su espiral autodestructiva llega a un lugar remoto,  donde nadie conoce su pasado ni le exige explicaciones. Una pequeña gasolinera en medio de la nada y regentada por una viuda y su pequeño.

Allí Mac Sladge encuentra el refugio del anonimato, un lugar donde empezar de cero un lugar lejos de su pasado.

La vida le brinda no sólo una segunda oportunidad si no de reverdecer el amor junto a Rose Lee y su pequeño, donde empieza una vida en comunidad y alejado del infierno de la bebida, pero un día un periodista reposta en la gasolinera en la que trabaja y le reconoce, teniendo que enfrentarse a algo mucho más aterrador que su pasado, la verdad que oculta. y hasta aquí te voy a contar el resto de la películatienes que verla tu. En una historia que simplemente llega al alma. 

Cuando llega este proyecto, Duvall no está al inicio de su carrera ni buscando validación. Lleva años siendo un secundario de lujo, respetado, solicitado, pero todavía sin un papel que pudiera considerarse plenamente suyo. Este personaje aparece en un momento muy concreto: cuando ya no necesita demostrar nada, pero sí tener un papel en el que reflejar todo su potencial entrando en el film como parte de los productores en este papel Duvall protege la película de excesos: presupuesto contenido, tono sobrio, nada de sentimentalismo fácil. No hay interés en embellecer al personaje ni en convertir su historia en una fábula inspiradora. Quería verdad y doy fe que lo consiguió

El guion, escrito por Horton Foote, va en la misma dirección. Es un texto funcional, preciso, casi austero. No busca frases memorables ni giros brillantes, sino situaciones creíbles y diálogos que suenan a gente real. Foote entiende que, en esta historia, lo importante no es lo que se dice, sino lo que se deja sin decir.

Una de las mejores armas del actor que podía con una sola mirada, con un gesto mínimo decir más que otros actores con 10 lineas de guión 

Para cerrar este vídeo, conviene decirlo sin rodeos: esta película funciona porque no intenta gustar a todo el mundo. Su mayor fortaleza está en el control del tono, en la ausencia de  prisas por que la trama avance, no hay explicaciones innecesarias, no hay escenas diseñadas para impresionar. La construcción del personaje quien es y de que hulle se produce lenta y tranquilamente y ese estilo tan de los 70 es el que hoy en día se echa de menos.

Hoy sigue siendo una película necesaria precisamente por eso. En un momento en el que el cine tiende al exceso —de música, de montaje, de mensaje—, este film propone lo contrario: mirar, escuchar y esperar, tener paciencia y conseguir una recompensa brutal y conmovedora. 

Una vez estrenada fue un exito moderado pero los premios tenian que hacer justicia a esta película,  Robert Duvall ganó el Óscar al Mejor Actor, su oscar de Hollywood que siempre le era esquivo y lo consiguió con un papel en el que creía en el que fue el quien le dió forma y voz, además del Oscar ganó un Globo de Oro y el BAFTA, y como no podía ser de otra forma el guion de Horton Foote ganó un Oscar y es que no podía no ganarlo, esa trama delicada y rotunda tenía que llevarse la estatuilla y aquel años si estuvo acertada la Academia

Y bueno, ya voy a dar por teminado este consejo de cine, una película que no sirve para ver al gran Duvall rodeado de estrellas, si no ver su verdad interpretativa y por que era leyenda entre sus compañeros, una película que por desgracia y eclipsado por grandes repartos de otras obras, pasará inadvertida en la filmografía del gran Robert Duvall pero que desde aquí lucharemos por que no ocurra, siendo para mi, éste su mejor trabajo de toda su carrera. 

Y si te gustan nuestros consejos de cine, suscribeté, danos like y si quieres que tengamos más peso en la plataforma, tras el like regalanos un Hype, nos hará muy felices ver que nuestro trabajo llega a buen puerto.

Y ya sólo queda despedirme de todos vosotros con dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine