FUNERAL EN BERLIN

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis en la reseña anterior comenzamos un ciclo sobre este contrapunto del Agente 007 un personaje coetaneo a la edad dorada de Bond que le ponía ante un espejo y es que si nuestro archiconocido Bond, James Bond pasará a la historia por sus smokins impecables, bailes en la embajada y su pistola Walther modelo PPK, nuestro querido Harry Palmer pasará a ser conocido por sus gafas de pasta negra y su estilo desenfadado al vestir y es que no pueden ser dos agentes secretos más diferentes y que sinceramente tengo predilección por este perdedor que necesita un adelanto mensual para poder comprarse un coche y aunque careció del tirón popular del personaje al que le daban la réplica si que consiguió tener tres maravillosas películas casi seguidas que son conocidas como la trilogía de Palmer de los sesenta y este funeral en Berlín es la segunda de ellas.

En esta película que vuelve a adaptar una novela del maravilloso Len Deighton y que conserva el nombre de su base literaria ahonda más en el personaje descreido y anarquico de Harry Palmer, un hombre al que no le gusta su oficio pero que no sabe hacer otra cosa, una persona que cuando trabaja le gustaría estar en otro lugar como a cada hijo de vecino y que aunque tiene licencia para matar como nuestro querido Bond, Palmer no se siente cómodo disparando contra otra persona.

Esta nueva visión del agente secreto en un film de aventuras siempre me gustó, un hombre al que le gustaría ser más común y que no busca más que hacer su trabajo lo mejor y lo más rápido posible, un agente al que encargar cosas facilitas ya que siempre va a poner quejas al ser enviado a una misión y ahora que ya hemos realizado un retrato del personaje que os parece si contamos un poco sobre la trama, ya sabéis los más veteranos del canal que sin spoiler de ningún tipo para que podráis disfrutar de la película sorprendiendoos de cada giro argumental que tiene por que creanme que esta película está plagada de sorpresas.

Pero antes un breve parentésis. ¿Te gustan las películas clásicas y los films independientes, quieres saber más de la historia del cine y de los actores y realizadores que han hecho posible este arte?. Pues si no estás suscrito por que no lo haces, dale al botón y a la campanita y nosotros por nuestra parte os aconsejaremos todas las semanas dos  reseñas de películas de calidad, a veces más conocidas y otras como el caso que nos ocupa hoy más olvidadas por el tiempo.

Veréis Harry Palmer recibe el encargo por parte de su jefe el Cornoel Ross de una misión en la alemania Oriental, ahora quiero hacer un breve inciso en la explicación de la trama para que los más jovenes conozcan lo sucedido de las dos alemanias. Cuando el ejercito de Hitler perdió la guerra los aliados segmentaron Alemania en cuatro zonas, la Oriental bajo mandato de la URSS, la Occidental dividida entre EE.UU. Gran Bretaña y Francia.

Esta disgregación del territorio se creo para que en el futuro alemania no volviera a levantarse en armas contra los vencedores, aunque pasados dos años Los Estadounidenses y Británicos ante la cantiddad de recursos economicos que consumía el mantener el control de cada una de sus zonas, propusieron a Francia reunificar la parte occidental en una sola región ya que se econimizaría en recursos tanto militares como económicos.  Los franceses recelaron de la propuesta, pero al final admitiron la reunificación y se creo así la Republica Federal Alemana o Alemania Occidental, mientras tanto los Sovieticos crearon la otra alemania la socialista llamada Republica Democratica Alemana o Alemania Oriental.

Tras la segunda guerra mundial la lucha entre ejes de poder, dió como resultado la guerra fría una especie de lucha en la sombra para conseguir que más paises se unieran a uno u otro bando y así ganar preponderancia sobre el otro, mientras que la política sovietica fomentaba las revoluciones sobretodo en centroamerica, sudamerica y africa, el eje occidental encabezado por estados unidos fomentó la creación de las contraguerrillas, creandose un conflicto armado sin que los ejercitos de las potencias en ciernes actuaran directamente pero si los cuerpos de inteligencia y espionaje de ambas potencias, Europa que ya estaba dividida entre paises Sovieticos y Occidentales tenía como nexo de unión entre ambos Berlín que era la puerta de uno y otro lado, al final para crear una frontera física entre ambos ejes se creo el muro de berlín y el único aceso permitido fue el famosisimo Checkpoint Charlie.

Pues bien continuando con la reseña, El coronel Ross pide a Palmer que entre de incognito en la alemania oriental y se ponga en contacto con el coronel ruso Stok ya que al parecer quiere desertar y cruzar la frontera hacia occidente. La misión sencilla a más no poder se la encargan a uno de sus ajentes menos involucrados como es Harry Palmer, este con desgana y desidia viaja a la Alemania Occidental donde un enlace Johnny Vulkan le facilitará la entrada a la Republica democratica alemana.

El caso es que una vez reunido y entrevistado con el coronel Stok algo le lleva a sospechar que no es del todo sincero con lo que alargará su estancia para ver la sinceridad del militar sovietico y hasta aquí te voy a contar el resto de la película es una maravillosa joya de traiciones, romances imposibles y trabajo de espionaje.

La película es una joya, como digo al principio no es un film serio sobre política y agencias de inteligencia del tipo el Espía que rugió del frio por ejemplo, aquí asistimos a un film de aventuras muy similar a las películas del agente 007 o de su precursor en el cine O.S.S. 117 basado en el espía creado por Jean Bruce y que tiene su primera versión cinematogra en 1957 cinco años antes del rodaje de la primera película de Bond, por cierto un día tengo que enfrentar a ambos agentes secretos en una reseña ya que se copiaron mutuamente durante la decada de los 60 y puede ser bastante interesante.

Pues lo dicho, este film aunque con el trasfondo politico real y con acontecimientos probables es una obra de ficción escrita por un autor de ficción y dirigida por Guy Hamilton que venía de rodar Goldfinguer con el otro espía del momento, Hamiltón da un aspecto más sobrio tras la cámara y menos estilista que su antecesor Sidney J Furie con Ipcress, aunque mantiene en algunos momentos sobretodo en el despacho de Ross el contrapicado mítico a forma de homenaje a la primera entrega de Palmer pero despues todo ese alarde de puestas en escena desaparece para dar importancia a la trama y creando así una de las mejores películas de espías que es para mi la mejor de la trilogía aunque no tuviera tanto respaldo en taquilla como IPCRESS.

La película bajo la batuta de Hamiltón crece, te tiene en tensión y hace que te pierdas y te encuentres en una historia compleja como pocas pero que sabe el director mantener el hilo argumental para que todos los espectadores al final de la cinta sepan lo que ha ocurrido, algo que realiza con maestría el director, junto e él el trabajo de direcciónde foto recayó sobre otro gran artesano del cine Otto Heller y con una música que simplente es mítica escrita por Konrad Elfers.

El trabajo actoral de Caine es como se puede intuir magnifico al igual que el de su compañera de reparto la bellísima actriz alemana Eva Renzi, pero en este punto me quiero detener un momento, Renzi no fue la primera opción para el film si no que la primera actriz en interpretar a Samantha fue Anjanette Comer y de hecho se rodaron varias escenas con la actriz hasta que el productor Charles D. Kasser viera el trabajo en That Woman de will Tremper donde Eva Renzi está espectacular y la contrató para que sustituyera a Comer. Guy Hamilton admitió el cambio y rodó de nuevo todas las escenas donde aparecía Anjannete Comer, el problema vino con la actitud de la actriz, esta fue bastante problematica en el set de rodaje, sus continuos enfrentamientos con el director al que le achacaba que no estaba a la altura de la película llevó a crear una incomodidad no solo entre Guy Hamilton y ella si no tambien con el resto del elenco incluido Michael Caine. A pesar de la actitud de la actriz, esta fenomenal en la cinta con lo que llevó a la Paramount que actuava como distribuidora del film a crearla un contrato en exclusiva, contrato que la actriz malogró con su controvertida actitud y aunque ella renegó de este film siempre hay que decir que fue su actitud la que la cerro las puertas de las grandes producciónes, aun así pudo gestarse una trayectoria mediana en francia e italia.

Como hemos comentado antes, el film tuvo una repercusión menor que su antecesora Ipcrees pero aún así dio suficientes dividendos como para rodar una tercera entrega titulada El cerebro de un billón de dólares en 1967 con lo que se cerraría la trilogía de Palmer de aquella década y que por supuesto será el film que nos acompañe en un par de días, pero para empezar con esa reseña y consejo de cine tenemos que terminar esta y no puedo acabarla sin antes desearos dos cosas, la primer que seais inmensamente felices o que lucheis por ello y la segunda como no puede ser de otra forma que vivas el cine

IPCRESS

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis la reseña pasada hablamos de esos directores irregulares capaces de realizar obras maestras y peliculas mediocres en una carrera cinematografica, pero si hay un director mitico en este aspecto que se lleva la palma, es Sidney J. Furie y esque si os dijera que es el director de la saga Aguilas de acero y el responsable de enterrar la franquicia del superman de reeves con Superman 4 de 1987, podrías preguntarte y no sin razón, ¿Que pinta en un canal de consejos de cine de gran calidad? 

Y es que curiosamente es el responsable de dos obras míticas del cine de género, una y quizá la más conocida es El Ente que podemos enmarcarla dentro de los films de terror paranormal de posesiones y que por cierto tendré que reseñarla más pronto que tarde y otra por la reseña que nos ocupa hoy Ipcress un film de espías que fue el principio de una saga memorable que hoy en día es uno de los films britanicos más icónicos pero que curiosamente ha sido enterrada por el tiempo no llegando a las nuevas generaciones, pero como una de las funciónes principales del canal es revivir esas obras memorables del cine y quitarles la patina de polvo que crea el olvido, hoy tengo el placer de reseñar esta joya del cine de espias titulado Ipcress y rodado por Sidney J Furie en 1965.

Veréis si en el cine britanico de los 60 tuviera un nombre, ese sería el de James Bond, desde 1962 hasta 1965 se estrenaron con inmenso éxito 4 peliculas del Agente 007 o lo que es lo mismo un film por año, 007 contra el dr No, Desde Rusia con amor, Goldfinger y operación Trueno y uno de los escritores de los guinoes de aquel agente en Desde Rusia con Amor era Len Deigton, el problema es que fue despedido tras dos meses al no ver avances en la producción y es aquí donde me quiero detener, en el escritor británico Den Leighton, como el mismo dice, se crio en una  casa con 15 sirvientes, el único problema era que sus padres eran dos de ellos, así que nos podemos imaginar las dificultades con las que se encontró el escritor que durante su juventud que trabajó en mil y un oficios mientras intentaba sacar a delante su novela de espionaje Ipcrees. En ella se alejaba completamente del glamur del espía, aquí no hay bailes en la embajada ni smoking blanco con pajarita negra, en Ipcrees la novela retrata a un agente de inteligencia que tiene largas jornadas de observación en pisos clandestinos y de los informes burocráticos que ha de rellenar después, creando así a un agente de carne y hueso mucho más cercano a la realidad que el fántastico Bond con su martini agitado pero no mezclado cargado de cachibaches increibles, en su visión sobre el agente secreto, tras el revolver cold de dotación policial su otro gadget es el boligrafo con el que rellenar el informe de rigor.

Tras varios rechazos en diferentes editoriales, fue gracias a la editoral Simon and Chuster que Ipcress salió a la venta y curiosamente se convirtió en un Best Seller local y que despertó el interes del coproductor de la saga de James Bond Harry Saltzman.

Este se hizo con los derechos de la novela y junto con la distribución de Rank comenzó la producción de este maravilloso Ipcrees. 

Saltzman junto a su amigo Jimmy Sangster vieron en la trama un film ideal para un por aquel entonces jovencisimo Michael Caine que ya era uno de los actores jovenes de referencia en los 60 y para dirigir la película otro director joven pero con trayectoria en la industria britanica Sidney J Furie y con el contrato de ambos comenzó el rodaje del film.

Y ahora con la situación del film planteada que os parece que hablemos un poco de que va la película, como siempre sin spoilers ya que es un principio del canal no destrozaros la experiencia de visionado de la película contando más de lo necesario y así empujaros a ver este maravilloso film.

Pero antes un breve parentesis. ¿Te gusta el cine clasico e independiente de calidad, hay dias que no sabes que ver y buscas el consejo sincero de un amigo para hacer de esa tarde aburrida una velada maravillosa de cine? Pues enorabuena has caido en el canal adecuado así que suscribeté, dale al botón y a la campanita y disfruta de las casi 400 reseñas y consejos de cine que tienes subido en el canal.

Pues hecho este pequeño parentesis vamos a comentar de que va el film.

Veréis estamos en Londres, donde el sargento de inteligancia Harry Palmer vuelve un día más a su anodina vida como agente secreto, otra jornada más de espera en un piso franco, otro informe que rellenar y otro día más de aburrimiento, pero ese día no va a ser otro más. Es relevado por un compañero ya que tiene que presentarse ante su jefe el Crononel Ross, el caso es que uno de sus agentes destinado al cuerpo liderado por el Mayor Dalby a sido asesinado y el cientifico al que escoltaba secuestrado y tiene que reforzar la plantilla poniendose en manos de Dalby y buscar a un mercenario conocido como BlueJay que sospechan que es el responsable de la desaparición del cientifico y hasta aquí te voy a contar el resto de la película tienes que verla tu y disfrutar muchisimo de esta joya del cine de espionaje que fue el principio de una franquicia y el contrapunto del engolado glamour del agente 007.

La película es todo un acierto, no solo por las interpretaciones de su elenco donde podemos disfrutar de rostros míticos del cine de los 60 britanicos como Nigel Green,  que está espectacular como jefe de departamento de inteligencia y que tan bien le sientan este tipo de papeles, de Guy Doleman que realiza un papel soverbio como Coronel Ross, de la bellisima e implacable actriz como era Sue Lloyd y por un aquellos entonces jovencisimo Gordon Jackson que junto a Caine que ya se le intuía la estrella de cine que iba a ser dan un realismo a la trama y los acontecimientos que te van a tener en tensión gran parte de la película. Por otro lado disfrutaremos muchisimo de la sintonía de la película creada por el mismo compositor de varias de las películas de la saga Bond John Barry y que aquí da el contrapunto a la sintonia que hizo para Goldfinguer donde tenía la oportunidad de trabajar con libertad propia sin necesidad de adaptarse a partituras anteriores como le ocurría con la saga de 007 que ya tenía la linea sonora creada por Monty Norman, John Barry en este film despliega todo el poderio musical tanto en las partes más comunes como en el momento sicodelico de la torutra psicologica. 

Pero si hay una mano detras de el exito de este film son tres ejes maravillosos. el primero la fotografía de Otto Heller, veréis el maravilloso director de fotografia checo es uno de los referentes en este arte, el comenzó su andadura en el mudo en los años 20 y llegaba a este film con una experiencia en este arte de 25 años que conseguía unos resultados maravillosos en la fotografia de sus films gracias por un lado a la maestria y otra por la experiencia de tanto años, el segundo por el sistema de rodaje Techniscope que conseguía un formato panoramico muy imaginativo y a bajo coste no como el cinemascope, este sistema creado por Technicolor Italia le da este aspecto de gran producción a un film que apenas costó 750.000 dólares y el tercero gracias al talento de su director Sidney J Furie.

Veréis el director crea una puesta en escena mítica con planos aberrantes gracias a la inclinación de Plano Holandés, este tipo de plano que demuestra el caos es el que tuerce la pantalla para que el horizonte quede en diagonal, pero tambien del uso de lentes de gran angulares donde se crea una distorsión en el personaje que junto a sus planos contrapicados crean un encuadre que hoy en día es digno de estudio y referente para infinidad de directores.

El trabajo de Furie se nota, no es el trabajo de un director que busque pasar desapercibido, el tratamiento estetico de cada plano, la puesta en escena es muy al estilo de otro maravilloso director como era el italiano Mario Bava, crea un alarde estético que creó un estilo en el género del terror y suspense de la época y de el que soy un enamorado de aquella forma magestuosa de colocar lente y cámara consiguiendo sin muchos movimientos de la misma un tratamiento de la intensidad dramática  que lamentablemente a caido en desuso. pero al que siempre es un placer acudir a estas añejas películas para disfrutar de aquel estilo.

Por otro lado encontramos la trama misma, el retrato que hace Cain del agente Harry Palmer es maravilloso, nos retrata a un burocrata que desea salir del trabajo para dedicarse a sus dos grandes pasiones, la cocina y las mujeres, da igual que sea Agente de inteligencia o cartero, su comportamiento humano hace que sintamos como nuestros los acontecimientos que le ocurren, en una persona de carne y hueso, aquí no hay rayo laser que valgan y locuciones del villano interminables especificando como le van a asesinar para que le de tiempo a escapar. En este film todo termina con un disparo, con una ejecución y si consigue salvarse nuestro heroe esto no es por un cable de acero alejado en su rolex si no por una mezcla de suerte y sentido común.

Una joya del cine de aventuras por que si, aunque pueda parecer por lo que hemos narrado un film de intriga polítca del tipo a films como el topo no es así, la obra mantiene el ritmo de una obra aventurera que fue toda una sensación entre los espectadores del momento y que llevó a la productora empezar una franquicia que ha llegado hasta casi nuestros días.

Harry Palmer tuvo una continuación casi inmediata con dos films Funeral en Berlín y el Hombre con el cerebro de un millón de dólares para dejarle dormir casi 30 años para volver a ver sus aventuras en el Expreso de Pekin y un año despues en Media noche en Sanpetersburgo.

Aunque la alargada sombra de James Bond han llevado casi al desconocimiento del agente Palmer por el gran público, creo que es necesario proyectar la luz a ese agente más mundano y por supuesto más creible, que sin desmerecer al agente 007 del que soy tambien un gran Fan de sus películas, creo que Palmer no solo es un gran contrapunto si no uno totalmente necesario.

Y ya me voy a marchar terminando esta reseña que espero que los que no conocían esta película se adentren en este maravilloso film sesentero que no puede ser más britanico y más maravilloso, que todos los que conocen el film pueden dar fe de ello y como no puedo terminar esta reseña sin antes desearos dos cosas dejenmé que les diga que intenten ser inmensamente felices o por lo menos lo intenten y como no puede ser de otra manera que vivan el cine

PELHAM 1,2,3.

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, veréis antes de empezar con la reseña de esta película, me van a permitir dos incisos, el primero viene debido al anterior film reseñado, donde hablamos de un autor como era Bob Fosse que con apenas 5 largometrajes cosechaba 3 obras maestras del cine o de mi admirado Frank Darabount que sus dos primeras películas entro dentro de ese selecto grupo de directores con obras cumbres del séptimo arte y me he quedado con esa sensación de que estoy minusvalorando a ese lado opuesto de creadores que necesitan de una larga trayectoria en el cine para conseguir una muy buena película, como si eso de crear un film reseñable fuera algo fácil a la altura de todo el mundo y que me estoy quitando de encima de un manotazo esos creadores como si de una mosca pesada se tratara y os tengo que confesar que no es así y para ello vengo con la mejor película de este director llamado Josheft Sargent, director de series y películas de televisión que se acercó unas cuantas veces a realizar películas de cine, a él le debemos la dirección de algunos capitulos de la perra Lasie, El fugitivo o Kojak entre muchos otros, y en el cine el dudoso honor de ser el director de Tiburón 4 la venganza o el film de terror capitular Pesadillas, pero entre obras que van de lo decente a lo mediocre, se enbarcó en 1974 en el rodaje de uno de los film de acción míticos de los años 70 una década de oro del cine donde no sería lo mismo sin esta película que vamos a reseñar

Y el segundo inciso es para que podáis comprender mejor no sólo la película si no la infinidad de problemas que tuvo su rodaje debido a lo que estaba ocurriendo en aquella década.

 Ahora en la actualidad que secuestren un avión es toda una rareza, pero para que os pongais en la mente de una persona en 1974 y de lo que estaba ocurriendo en aquellos entonces, entre los años entre los años 1968 y 1972 hubo 326 intentos de secuestros de aeronaves en el que más de la mitad fueron exitosos, eso nos lleva a la espeluznante cifra de un intento de secuestro de avión cada cinco días y esta película y la obra litaria en la que se basa es hija de aquel tiempo y aquella sicosis.

Y ahora si, con los dos breves paréntesis hechos abrochensé el cinturón por que vamos a reseñar esta joya inmortal del cine policial titulada originalmente The Talking to Pelham one, two Tree, de Joseph Sargent y que en español tiene dos títulos el de España titulado Pelham 1,2,3 y el de America titulado la captura del Pelham 1,2,3.

En 1973 el escritor John Godey (seudonimo que ocultaba al escritor Morton Freedgood) publicó la novela donde se basa esta película, la obra literaria fantaseaba con el secuestro de un bagón del tren de Nueva York al igual que lo que estaba pasando con los aviones de pasajeros de aquella época. La productora Palomar Pictures se hizo con los derechos de la novela y encargó la adaptación a guión cinematografica a Peter Stone uno de los más eficaces guionistas responsable de obras tan memorables como Charada, Arabesco o Lejos del mundanal ruido y que aquí da forma y realidad a una historia de secuestradores que a la Atoridad Metropolitana de Transportes no le pareció nada bien, el caso es que tenían miedo que algùn espectador se animara a secuestrar un vagón de metro ya que se había disparado la delincuencia en aquellos años y a pesar de las reticencias del organimo de seguridad pudieron rodar en el metro.

Y ahora si os parece bien vamos a narrar un poco de que va la película, como siempre sin spoiler un principio del canal que nunca nos lo saltamos.

Veréis El Sr. Azul, el Sr Verde, El Sr Gris y el Sr Marron son miembros de una banda criminal, por cierto a los aficionados a Tarantino seguro que les a recordado de algo, pues lo dicho los cuatro miembros de la bandan tienen el plan de secuestrar un tren de pasajeros del metro de Nueva York y lo llevan a cabo en el tren que sale de Pelhan a la 1 y 23.

El caso es que ese día unos miembros del metro de Tokio estan de visita por las instalaciones con el teniente Garber cuando se desata el caos, un vagón del metro con 17 pasajareso es secuestrado por 4 hombres armados y el alcalde de la ciudad tiene una hora para entregarles un millón de dólares antes de que empiecen a asesinar a los rehenes por cada minuto de retraso. Garber se encuentra ante una peticiòn que dificilmente podrá ser llevada en hora antes de que los secuestradores cumplan su palabra y empiecen con la carnicería y hasta aquí te voy a contar el resto de la película vas a tenerla que disfrutar tu en un film no muy conocido que tiene un remake noventero que no le hace justicia y que ha llevado al olvido esta joya de acción de los setenta.

La película es un duelo interpretativo entre dos actores de leyenda, el maravilloso Water Matau que hace un descreido teniente de la policía de la autoridad Metropolitana de transportes y de Robert Shaw un antiguo mercenario que decide poner sus conocimientos ante un asalto criminal. Esta tensión la enaltece el gran trabajo actoral de estas dos estrellas del cine que junto a la fotografía del descomunal  Owen Roizman, si el mismo director de foto que el de el Exorcista, French Conection o los tres días del Condor hace de la oscuridad de los tuneles del metro un personaje más.

Pero no solo el aspecto visual es impresionante, la banda sonora músical de David Shire dan ese extraño sabor de música mítica del cine que hoy en día sigue siendo un referente del género y uno de los CDs míticos para los coleccionistas de bandas sonoras.

Y es que curiosamente este film sin pretensiones ningunas, de un presupuesto que no llegó a los 4 millones de dólares sin grandes estrellas, a pesar de que Shaw y Mattau son actore míticos estaban muy lejos de los cachés de actores más reconocidos como Redford o Hoffman. se destapó como una de las revelaciones del año.

El pulso narrativo que su director Sargent otorga al film es uno de los mejores de toda la historia del cine, donde poco a poco vamos descubriendo quien se esconde tras la fachada creada por secuestrador y policía y todo con una tensión narrativa creada por un director en estado de gracia, donde aquí toca la cima en una cinta que hoy es mítica, junto a ellos un elenco de secundarios de esos inolvidables, el psicopata Sr Gris encarnado por Hector Elizondo, el exferroviario Sr verde encarnado por un descomunal Martin Balsam, el rudo Sr. Marrón al que da vida un siempre eficaz Earld Hindman, El alcalde que piensa más en su reelección que en otra cosa interpretado por un maravilloso Lee Wallace y su sensato asesor interpretado por uno de los secundarios de moda del momento el fantástico Tony Robers y es que la cinta aunque está llena de tensión dramática esta está aligerada gracias a la comicidad tanto de Mattau como de Wallace que dan una tregua al espectador ante los acontecimientos que está viviendo.

El mayor problema que tiene esta película son sus remakes tanto en película dirigida por Tonny Scott un director al que amo pero que en este film no está acertado y por su remake televisivo en forma de serie dirigida por Felix Enriquez Alcalá que bajan muchisimos enteros en dos revisiones innecesarias, siendo este original estrenado en 1974 una obra maestra insuperable Galardonada por el sindicato de guionistas con una nominación a mejor guión y en los Bafta donde la música y Balsam tambien tuvieron su nominación pero si esta película tuvo su premio ese fue en la taquilla donde fue un éxito tal que la autoridad metropolitana de transportes temiendo que algún loco quisiera emular el secuestro, canceló por años la salida del tren de pelham a la 1 y 23 tanto de la mañana como de la tarde y evitar así el título del film.

Un film que insipiró a muchos directores actuales y quizá el que lo hizó mas patente es Quentin Trantino donde en su película Reservoir Dogs toma los alias de los personajes para dar nombre a los atracadores de su film.

Y bueno, ya voy a ir dando por terminada esta reseña y antes de despedirme quiero preguntarte si te gustan nuestros consejos de cine, si es así y te hago pasar un rato agradable en youtube con reseñas de joyas tan memorables como este Pelham 1,2,3. ¿Por que no te suscribes y formas parte de esta comunidad de cinefilos? dale ahora y que no se te olvide activar la campanita para que te avise cuando tengas un nuevo consejo en el canal.

Y si te ha gustado el vídeo regalame un Like ya que me hace muy feliz ver que os gusta nuestro trabajo y sin nada más que añadir, solo que te adentres en esta maravilla del cine de acción me despido con dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o que luches por ello y como no puede ser de otra forma que vivas el cine

All That Jazz 1979

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis en la vida hay sectores del arte o del deporte que no se mide por lo bueno que seas, veréis puedes ser un gran boxeador, es más un boxeador excepcional imbatido y con el respeto de la profesión y no llegar jamás a ser una estrella de ese deporte, un pugil que mueve masas y crea espectación en cada velada, pues lo mismo pasa con el baile, puedes ser un gran bailarin, un artista que encuentra trabajo en cualquier reparto de un músical pero no llegar a estrella y eso es lo que le pasaba a Bob Fosse.

Veréis antes de empezar con la reseña de esta obra es obligatorio hablar del director de la obra, de su vida personal en la que sin ese conocimiento jamás llegaremos a entender este maravilloso film que es simplemente una obra maestra.

Esperando que sirva de descargo en lo sucesivo,  quiero decir que sé que el apellido del director se pronuncia Fossi, pero han sido tantos años diciendolo mal que me parece que estoy hablando de otra persona curiosamente cuando lo pronuncio bien, y es que el gran Bob Fosse ha sido uno de los directores más reseñables de la época de los 70 un autor que ha definido e inspirado a directores de todos los géneros y que sin él, ese maravilloso cine creado tras la caída del sistema de estudios como fue el Nuevo Hollywood no se entendería en su totalidad.

La historia de esta reseña se remonta a cuando el director contaba con apenas 13 años, un chico admirador de Fred Astaire al que se le daba bastante bien el baile y el claqué.

Por aquel entonces su padre un vendedor ambulante que tocaba en autenticos tugurios, no le dolieron prendas en meter al muchacho a bailar entre cómicos de segunda, stripers alejadas de su mejor momento y de músicos carentes de talento con tal de ganar un poco de dinero.

La esperiencia vital de aquella época donde vivió cosas que no debía y descubrió el sexo con personas alejadas de lo que sería normal para un muchacho de su edad, marcaron profundamente su relación con las mujeres, incapaz de comprender conceptos como la moral, la decencia y la fidelidad y aunque esas taras marcaron parte de todos sus problemas personales, regalaron al arte uno de los mejores autores de todos los tiempos.

¿Y por que empezar por la vida del director para reseñas su película rodada en 1979 titulada All That Jazz?

Pues por que simplemente esta película es su vida, un autor colocandose delante de un espejo y mostrarse tal y como es, sin más defensa que la búsqueda de comprensión por parte de los espectadores.

Veréis normalmente cualquiera de nosotros que tuviera que narrar sus actos a lo largo de la vida, ensalzaría lo positivo y sería autoindulgente con todos sus errores y no hay que criticarlo, es normal, es necesario pensar que no somos unos monstruos, pero claro si esa persona que narra su vida tiene el mismo afan de supervivencia que un piloto kamikaze japonés en plena segunda guerra mundial pues se hará un relato descarnado, el mismo que Bob Fosse se hace en esta prodigiosa película.

Para poder hablar más de la gestación y producción del film, me van a permitir que antes de nada les cuente un poco sobre la trama de esta obra, aunque ya sabéis los asiduos al canal siempre sin spoiler, no es necesario destruir la magia de la película contando más de lo necesario, así que por ese lado tranquilos.

La película nos adentra en la vida de Joe Gildeon un coreografo en lo más alto de su carrera, los contratos en Brodway se mezcla con la dirección de películas y justo en ese momento se ve en un pico de trabajo que le lleva a por un lado preparar un Musical para la escena Neoyorquina y por otro lado cerrar el montaje de su último film rodado que ya empieza a acumular retrasos.

La tensión de tener que dividirse deja patente la poca atención que le dedica a su vida personal, dejando colgada constantemente a su hija y debido a  la promiscuidad de Gildeon le lleva a tener problemas con su novia actual Kate Jagger y por si todo esto fuera poco vive en una constante espiral de dependencias, el alcohol, el tabaco, drogas relajantes para dormir y estimulantes para no quedarse dormido le llevan a que se asome al precipicio mientras hace lo que mejor sabe hacer, crear coreografías únicas con el mejor elenco posible y hasta aquí te voy a contar el resto de la película has de verla tu y disfrutar de esta singuar joya del séptimo arte.

Y ahora con la trama del film planteada creo que ha llegado el momento de contarte como y por que se gestó esta película, pero antes permiteme un breve parentesis, te gusta el cine?, quieres que te aconseje o te recuerde film de calidad de todos los tiempos? pues suscribeté si es que aún no lo has hecho y empieza a formar parte de esta fantástica comunidad cinefila que formamos todos los suscriptores, yo por mi parte me comprometo a subir dos reseñas semanales e intentar que pases un rato agradable en youtube.

Pues cerrando el parentesis volvamos a la producción del film. 

La película nace de la autentica experiencia casi mortal que sufrió Bob Fosse en 1974 cuando un infarto de miocardio le llevó a estar hospitalizado y a someterse a una operación a corazón abierto en el que su vida no estaba asegurada, el caso fue que en aquella época estaba cerrando el montaje de su película Lenni y por otro lado montando el musical Chicago en Broadway, esa carga de trabajo junto a la multitud de excesos llevaron a su corazón a decir basta.

Tras esa experiencia cercana a la muerte, su visión de la vida cambió y se vio en la necesidad de contar en una película lo efímero de la existencia y junto a su amigo personal el guionista Robert Allan Arthur empezaron a crear un guón sobre la novela Ending de Hilma Wolitzer que narra una experiencia muy parecida a la sufrida por él, pero no llevavan ni la mitad del trabajo escrito cuando Fosse paró el proyecto y propuso a su amigo a escribir juntos una historia que conocian tan bien como su propia vida y eso fue lo que les llevó a ambos a escribir un film que no es autobiografico del todo ya que quizá por una necesidad de expandir la historia y proteger a personas ajenas a la obra cambiaron los nombres de estas.

Y es que aunque pueda parecer paradogico su relación con las mujeres, muy alejadas de lo idilico, si que sentia por ello un cariño especial aunque ya no formaran parte de su vida y por eso no es de extrañar que haya cameos de estas en la película e incluso la actriz y bailarina Ann Reikin que por aquel entonces era su novia y que sus problemas eran box populi, encarna a su alter ego en la película haciendo de Kate Jagger la novia en la película de Joe Gildeon que lo interpreta un amigo personal suyo Roy Scheider, el reso tel elenco lo forman Angela interpretado por una jovencisima Jessica Lounge, Cliff Gorman que hace del actor Davis Newman o lo que es lo mismo interpreta a Lenni de Dustin Hoffman, Ben Verén que hace casi de si mismo un actor que conoció a Fosse cuando realizaba el músical Pippin y por el que ganó un Toni y una de mis debilidades el actor John Lithgow que interpreta al coreografo rival Lucas Sargent.

La película es acertada, brutal, no es un músical ni mucho menos, aunque al narrar la vida de un coreografo en medio de la tormenta de la creación de un montaje musical si que hay algunos números de bailes, pero este film es un drama, una película que narra la autodestrucción de un personajes sin ponerse paños calientes, como el torbellino de excesos llevan a un laverinto vital que termina en colapso, el colapso del que probablemente sea el mejor coreografo de la historia, sus bailes son imitados por infinidad de artistas en el que el más destacado es Michael Jackson pero de lo que no me cabe duda es que estamos ante uno de los mejores directores de cine de todos los tiempos, sus largometrajes podemos contarlos con los dedos de una mano y aún así tiene 3 obras maestras del cine, Cabaret de 1972, Lenni de 1974 y este increible film All that jazz de 1979. Obras memorables de un bailarin que sabía que jamás sería estrella del baile y que se convirtió en el astro sol de la coreografía y la dirección de cine.

Y con el consejo de que si no conocéis la película os asoméis a esta maravilla singular como pocas y que si la conoces ya sabes de lo que hablo me despido, no sin antes desarte un par de deseos, el primero es que seas inmensamente feliz y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine

Dark City 1998

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis si hay una película audaz, inteligente, bien desarrollada, fenomenalmente contada, dirigida e interpretada que por si fuera poco es una de las cumbres de la ciencia ficción universal esa es Dark City film rodado por Alex Proyas en 1998 y cómo suele pasar con esas obras excepcionales fue un fracaso total en la taquilla, lo curioso del asunto es que los pocos elegidos que pudieron verla en el cine de aquella época, única forma de poder ver las obras actuales, empezaron a narrar a los menos afortunados como yo, las maravillosas bondades de la cinta y pronto se creo eso que se llama Hype o necesidad por verla entre la gente que no se enteró que existía.

Estos primeros y afortunados fans pronto entraron en ebullición cuando un año despues apareciera Matrix en donde gracias a una distribución comercial de primer orden llegó hasta el lugar más recondito del planeta, convirtiéndose en un éxito de masas donde los por entonces hermanos Wachowsky se convirtieron en esos autores de culto con una obra tan original con las formas que a todos nos pareció que habían inventado el género cinematográfico de la ciencia ficción postverdad, pero no a todos, como he dicho al principio los amantes de Dark City se sintieron robados en los conceptos nucleares de la trama, que con un film más sencillo, más directo contaba una obra muy parecida pero casi un año antes, con lo que se creo una especie de Cisma entre los amantes de la ciencia ficción donde o eras de Matrix y pensabas que la obra estaba influida por el manga y demas referencias confesadas por sus directores o eras de Dark City donde estos fanaticos veían un plagio de los por entonces hermanos Wachowsky.

Y es ahí en medio de la polémica que me compré el DVD de Dark City y entonces me di cuenta de lo injusto de la distribución de este film ya que la obra sea o no la base de Matrix es simplemente maravillosa, el film raya la perfección en todos sus aspectos donde lamenté de corazón no haber podido disfrutar de ella en pantalla grande, por que si quitamos cualquier polemica de plagios y similitudes que poco o nada aportan para encumbrar esta película. Dark City es simplemente una obra maestra y por supuesto la mejor película de ciencia ficción de los 90 y de su director el australiano Alex Proyas.

Ahora antes de meternos en la trama quiero dirigirme a todos aquellos que aún no la han visto, veréis no estamos ante un film fácil, pero tampoco dificil y es que el autor de la idea de la película el propio proyas buscaba meter al espectador en un laberinto donde estuviera tan perdido como los personajes del film y sólo cuando terminabas de ver la película el espectador conseguía salir del mismo dando respuesta a toda la trama pero con la necesidad de recordar esta, dejando el recuerdo como parte fundamental de la experiencia de ver esta película por que al igual que los personajes esta cosa tan humana como es recordar cosas está muy patente en la hora y media larga que dura el film

Y ahora que mejor momento que comentaros un poco de que va esta película que fluctua entre el Noir, la ciencia ficción y el terror gótico y que para no destrozarte la experiencia no vamos a entrar a comentar ningún tipo de spoiler, por que creeme que es un principio del canal que nunca nos lo saltamos y es que además para aconsejar una película no hace falta destripar lo que en ella ocurre.

Pues bien, estamos en una ciudad típica de los EE.UU. en los años 40 donde un hombre se despierta sin saber que ha pasado realmente, este es John Murdock que mareado y fuera de si recibe la llamada de un extraño que le aconseja que escape de la casa. Murdock amnesico ve el cadaver de una joven y asustado comienza a escapar de unos extraños personajes vestidos de negro, la cuestión es que la policía le busca como principal sospechoso del asesinato de 6 prostitutas, pero de repente algo que no debía de pasar ocurre en medio de la huida y a las 12 en punto de la noche todo el mundo cae en un extraño sueño, todo el mundo a la vez, todos menos él que empezará su aventura de limpiar su nombre sobre crímenes que el sabe que no ha cometido y de resolver el enigma que esconde la  ciudad. 

Y hasta aquí te voy a contar el resto de la trama tienes que disfrutarla tu en un film que mantiene un metraje clásico de hora y media.

Veréis la gestación de esta película no se entiende sin el éxito brutal que supuso para el director el film de 1994 El cuervo ya que New Line Cinema, la productora y distribuidora de este film tuvo prioridad a la hora de quedarse con la versión del comic del desdichado heroe, por lo que cuando llamó Alex Proyas a la puerta de la productora está no le puso pegas para comenzar un film que se basaba en conceptos filosóficos de la ciencia ficción, veréis la obra bebe de las películas noir clásicas que la warner hacía con Bogradt como el Halcón Maltes o El sueño eterno, pero tambien bebía del universo oscuro creado por Ritley Scott para Blade Runner, junto al estilo la película nos narra una obra kafkiana donde la realidad se mezcla con lo onirico tomando como base la novela autobiografica de Schreber Mi enfermedad nerviosa, donde habla de los resultados de la esquizofrenia paranoide que sifría el autor, con todo ello Proyas crea una base del guión que es retocado por dos autores míticos, Lem Doobs un guionista que venía de escribir una historia sobre Kafka y que podría dar el estilo que Proyas quería para el film y David S Goyer que se había encargado de la secuela de el cuervo y que había escrito el guión de un film que estaba por estrenarse Blade, con lo que los tres empezaron a trabajar en la historia circular y laberintica que es la película, el resultado de todo ello es una obra que carece de sentido en un principio hasta que poco a poco vamos descubriendo piezas que se coronan con una de las películas más memorables en el aspecto del guión, el caso es que el sindicato de guionistas norteamenicano se negó a acreditar a los tres en un solo film, pero la insistencia de Proyas y la productora hicieron claudicar al sindicato que se vió obligado a dar fé del trabajo de cada uno, el guión es sensacional, directamente una joya de la ciencia ficción.

Junto a ello el diseño de producción es un alarde técnico y artístico que eleva el film a cotas hoy en día muy altas gracias al trabajo que mezcla maquetas y cgi de una forma sobervia realizado por el grandísimo Patrick Tatopoulus que junto a la música de Trevor Jones y la fotografía de Darius Wolski dan la atmosfera de misterio que el film necesita.

Junto al apartado técnico Proyas pudo contar con un elenco artístico de primer nivel donde podemos disfrutar de una Jennifer O´Connely simplemente sobervía, un William Hurt sensacional, por cierto siento debilidad por este actor y su forma tranquila de interpretar, por un por entonces no muy conocido Rufus Sewell ya que hasta ese momento toda su carrera se estaba desarroyando en Irlanda y Reinounido y el que para mi es el personaje más inquietante de la cinta Richard Obrian. Todos están sensacionales y creibles en un film que está sustentado por actuaciónes tan maravillosas como la de todos ellos a la que me gustaría hacer una mención especial al papel interpretado por Kiffer Shutterland donde interpreta el papel de un paria un lacayo que tan dificil por culpa de los egos personales son de interpretar y que aquí el actor en una dosis maravillosa de generosidad nos regala el papel del profesor Schereber en un claro homenaje al autor del libro que toma para crear la base de la distopía.

Y bueno antes de deciros que pasó con este film, por que siendo una joya del género no ha trascendido como debería dejame que te haga un parentesis.

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Pues bien, a la película no le fue nada bien en taquilla, eso vino debido a que New Line Cinema que partía como  distribuidora del film, no sabía donde encajarla, la mezcla de estilos, Noir, Terror y Ciencia ficción era más un lastre que un plus, el caso es que el film tenía previsto su lanzamiento en salas en Octubre del 97 y no fue hasta Febrero del 98 cuando por fin se estrenó, con un lanzamiento bastante limitado y sin casi promoción para que os hagáis una idea el numero de salas de cine en los estados unidos de los 90 eran alrededor de 50000 y el número de copias de esta película no llegaron a 1700 con lo que por cada cuarenta salas de cine sólo estaba en una, eso dio como resultado una taquilla algo menor de 15 millones de dólares en los EE.UU y canadá y junto a la taquilla internacional solo consiguieron unos 27 millones el mismo dinero que había costado su producción.

La obra se pegó con titanic y en aquellos años se prefería tener la obra de cámeron en más pantallas que dejar hueco a otras obras con aparente menos repercusión, eso hizo que muchos aficionados al género nos quedaramos sin verla.

Y bueno quiero decir que esta obra es laberintica en un principio y que va a necesitar de tu paciencia para averiguar todo lo que ocurre y es de esos filmes que se prestan como pocos a ser vistos más de una vez y con este consejo me voy a despedir no sin antes dedicarte dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o que luches por ello y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine

THE CROW (El cuervo) 1994

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, antes de empezar con la reseña de este film quiero poner en contexto a aquellos espectadores jóvenes que no vivieron los 80 y 90, veréis desde hace un par de décadas y en parte por culpa de eso que se ha llamado el universo marvel, el cine de superheroes o de personajes de Comics son algo más que habitual en nuestras pantallas de cine e intento evitar decir una sobre producción de este género que personalmente ha llevado a mi hartazgo donde esas nuevas películas las miro casi con desdén. El caso es que crear ahora los mundos fantásticos de dichos personajes son relativamente baratos comparando costes y beneficios aunque parece que las últimas producciones no han sido todo lo rentable que sus creadores pensaban, pero en aquellos lejanos noventa no era así por lo que tener en pantalla una película de superheroes era todo un acontecimiento para los que eramos aficonados al comic y El cuervo o como se títuló originalmente The Crow no fue una excepción y fuimos muchos los que religiosamente pagamos nuestra entrada de cine para ver esta maravillosa obra dirigida por Alex Proyas que tendrá un remake en este 2024.

Antes de meternos en harina, quiero deciros que efectivamente en este film murió el hijo de Bruce Lee, Brandon Lee y de todo ese luctuoso asunto nos adentraremos más adelante, al final de esta reseña pero ahora vamos directamente a empezar por comentar la producción de esta maravillosa obra.

Cómo hemos dicho al principio esta película es una adaptación cinematografica de un personaje que nació en una revista de comic de la mano de su guionista James O`Barr y de su dibujante Philiph Hester.

La obra nace desde el dolor profundo de O´Barr cuando un conductor borracho atropelló a su prometida matandola.

Ese doloroso acontecimiento dió como resultado el guión para la historia del comic que se publicó en una historia corta en la revista Caliber Comic en cuatro numeros originales, estos se titulaban, Dolor, Miedo, Ironía y Desesperación a demás de un prologo llamado Inertia. El éxito de la tirada fue tal que encargaron un nuevo número que su autor llamó Atmosphere, Esa primera etapa del personaje fue desarrollada a lo largo de 1989. 

El éxito cosechado por la historia de ese extraño músico vengador llamó la atención de la productora Ultimate Productión que había realizado un año antes el largometraje de Michael Jackson Moonwalker, pero que fuera un músical no convenció a James O´Barr desechando la oferta para adaptar el comic a la gran pantalla, tras ese primer contacto el escritor John Shirley que tenía contacto con el productor cinematográfico Jeff Most le propuso crear un guión de cine juntos con su historia a lo que O´Barr accedio empezando así la preproducción de esta singular película.

Así que creo que ahora es un buen momento para comentaros de que va la película, ya sabéis que sin spoiler, es un principio del canal que nunca nos lo saltamos. 

Estámos en Detroit un día antes de la noche de Halloween en la infame noche del Diablo cuando los pandilleros campan a su antojo quemando y explosionando casas y negocios, cuando el Sargento Albertch  se encuentra la dantesca escena de una joven pareja asesinada en su ático, ella es Shelly Webster que malherida en el hospital no supera la agresión sufrida y muere, mientras que el un miembro de una banda de Rock, Erik Draven ha sido lanzado desde la ventana y ha muerto en el acto en la caída, pero hay noches que un cuervo no permite el transito a la otra vida y este trae de nuevo al muerto para que pueda cumplir su venganza y eso es lo que ocurre con Erik que comenzará una búsqueda entre los bajos fondos de Dreoit para vengarse de los asesinos de su prometida y hasta aquí os voy a contar en un film que tiene sus aciertos pero tambien algunos defectos que adolece la cinta más allá de lo ocurrido con Brandon Lee.

Veréis Mosh que tenía contactos con la Paramount Pictures, llegó a un acuerdo para su distribución en cines, pero estos obligaron al productor a incorporar a Edward Pressman para que pudiera controlar lo que se estaba haciendo, con el guión medio terminado se le dió al escritor David J. Schow un especialista en el género de terror que ya había trabajado en Pesadilla de Elm Street 5, el remake de la matanza de Texas del 90 y en los Creeters 3 y 4.

La visión de Mosh era la de un gran videoclip por lo que buscaron a directores de estos que quisieran rodar un largometraje y es entonces cuando sonó el nombre de Alex Proyas, el Australiano tenía una carrera amplia haciendo videoclips para grupos tan famosos como INXS, YES, Mike Oldfield, Sting o Fleedwoodmac. Proyas accedió y se puso a dirigir el cuervo.

La película tiene ritmo y acción donde la música como no podía ser de otra manera esta perfectamente integrada, los personajes se crean de una manera dinamica y amena siendo este un film que no aburre, pero también tiene sus contras, hay veces que el aire de videoclip es excesivo, demasiado movimiento de cámara y luces, un montaje frenético en momentos que no ayudan y lo peor de todo una ñoñería que no encaja con el resto del film, las relaciones con la adolescente Shara infantilizadas al máximo llega al paroxismo con la relación materna. Aunque la cosa mejora mucho con la relación entre el policiá y Draven no funciona tanto cuando este se pone paternalista, aunque hay que decir que la película aguanta muy bien el tipo más que nada entendiendo que es una opera prima de su director y ahora vamos al accidente que se llevó la vida de Brandon Lee.

Veréis mucha de la culpa la tiene la inexperiencia del director al dirigir escenas de acción que hizo relajar las medidas de seguridad que terminaron de la peor manera, el accidente vino por un sistema que se usaba antiguamente, veréis cuando se disparaban revolvers estos cuando se enfocan en plano dejan ver la punta de las balas y para evitar que se vean los detonadores de fogueo se trabajaba de la siguiente manera, para esos momentos se usaban balas de verdad pero vacías de polvora con lo que el proyectil apenas tenía fuerza para salir del cañon y para los contraplanos se usaban balas de fogueo sin proyectil.

El maestro de armas aquel día no estaba en el set de rodaje ya que tenía que marcharse pronto y ese es el primer error del director, una escena con disparos no puede ser desarrollada por el encargado de utillería que fue lo que pasó, el director debía haber retrasado el rodaje si no se daban todas las normas de seguridad, el segundo es el no desmontar las armas antes de ser cargadas ya que la muerte vino a que cuando se rodaron los primeros planos del revolver con balas sin polbora una quedo alojada dentro y quedó atascada, el encargado de utillería sólo metió las balas de fogueo sin darse cuenta que alojada en el cañon estaba una bala que al ser detonada por la polvora de la de fogueo salió con la misma fuerza y velocidad que una bala normal hiriendo en el estomago a Brandon Lee que falleció debido a la herida sufrida. Tras ese luctuoso acontecimiento los productores pararon el rodaje.

Y creo que ahora este momento es ideal para hacer un breve parentesis, veréis este canal de cine se hace para espectadores como tú que le gusta el cine sea este del género que sea, que le apetece conocer obras clásicas o que le recuerden ese film que hace años que no ve, por eso te digo.... no crees que es una buena idea suscribirte y darle a la campanita, si lo haces tendrás dos reseñas semanales, así que no lo dudes más y si te está gustando el vídeo y nuestra reseña, hazmelo saber dandole like, me encantan ver esos pulgares hacia arriba.

pues  como iba diciendo, debido al luctuoso acontecimiento ocurrido en el rodaje la Paramount se descolgó de la producción dejando esta sin distribución y sin terminar, cierto es que el accidente de Brandon Lee se produjo casi al final de su interpretación pero sin productora el film no iría a ningun lado por lo que se quedó en una especie de limbo hasta que la productora independiente más importante del cine, como era por aquellos entonces MIRAMAX compro los derechos a la Paramount Pictures y con una inyección de alrededor de 8 millones de dólares terminaron la película, se modificó el guión para eliminar las partes no rodadas del actor, se trabajó con el doble para realizar los insertos en los que tendría que aparecer he incluso se usó elementos 3D para incorporar la cara de Brandon Lee sobre su doble, El resultado a todas luces es espectacular, en ningún momento se hecha en falta al actor en la cinta ya que todo se hizo a la perfección, pero el trago amargo de la perdida de Lee llevó a su creador el guionista de Comics a recordar el dolor con el que nació esta película y para James O´barr fue un nuevo bocado en el corazón.

La obra se vendió a todo el mundo con un éxito global, no sólo por que como hemos comentado las películas de superheroes de comic fueran todo un acontecimiento en aquellos años si no tambien movio a espectadores por el morbo de saber que en esa película el hijo de Bruce Lee perdió la vida y es que si, al final se convirtió en una publicidad poderosa para la cinta que había costado algo más de 23 millones contando lo sumado por Miramax, la obra llegó a recaudar casi 100 millones de dólares en las taquillas de todo el mundo al que se sumarían las ganancias de video doméstico.

Y bueno con este último dato vamos a ir dando por terminada esta reseña de este film que se convirtio en una franquicia llegando a tener un total de 4 continuaciones y un remake creado en 2024, pero de esas películas como diría Robert E Howard esas son ya otras historias por lo que voy a despedirme con dos deseos, practica habitual del canal, el primero que seas inmensamente feliz y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine

Chacal 1973

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, antes de comenzar con la reseña de la película en cuestión dejenmé que les hable un segundo de un genio indiscutible de este arte Akira Kurosawa, muchos de vosotros pensaréis ¿que pinta el afamado director japonés en esta reseña? y es que el maestro kurosawa no era sólo un gran director si no un amante del cine, veía y disfrutaba del trabajo de sus colegas y como buen amante de este arte era un autentico erudito y curiosamente Kurosawa confesó que este Film dirigido por el descomunal Fred Zinemman en 1973 era una de sus 100 películas favoritas y es que no estamos hablando de otro film si no, ni más ni menos que de Chacal.

La película y luego nos adentraremos más en ella, son de esas obras aparentemente sencillas, una de esas películas de acción y suspense de corte político carente de complicación, con tres actos muy bien marcados y con una duración de 140 minutos. Pero es que esa era la gloria de Zinemman, hacía que el trabajo de dirrección pareciera fácil, su western mítico Sólo ante el peligro, parece carente de cualquier dificultad ya que los alardes no son visibles, el drama historico Un hombre para la eternidad donde nos cuenta  el conflicto entre Tomas Moro y Enrique Octavo, parece de una elegante sencillez que podemos hacer extensible a este Thriller policial títulado originalmente El día del chacal, pero que no sean visibles los alardes técnicos no es que no los haya y no hay películas más complejas en la dirección que las dirigidas por el director polaco y si no que se lo cuenten a Michael Caton-Jones que venía de triunfar con Rob Roy y se dió de bruces con el remake de esta película en 1997 donde nada empata con esta trepidante obra y es que hay que decir que Chacal rodado en 1973 es una obra insuperable, maravillosamente perfecta en todos sus apartados y de una maestría tal que la hizo estar entre las favoritas de Kurosawa y aunque carezca de interés tambien de mi.

La película toma de base la novela con la que se estrenaba el ex agente britanico del MI6 Frederik Forsyth, si el mismo autor de novelas en las que se basan películas tan memorables como Odessa, por cierto film que ya reseñamos en el canal, El cuarto protocolo o Los Perros de la guerra.

 cómo hemos adelantado este El día del chacal es su primera obra literaria y cuando la productora del famoso productor británico John Woolf y su hermano James se quiso hacer con los derechos de la novela para realizar una coproducción con francia del film, le dieron a elegir entre 16 mil quientas libras más royalties de las ganancias de la película o 20 mil sin las regalías y el autor prefirió la segunda opción perdiendo una pequeña fortuna con su elección.

La adaptación de la novela al guión cayó en manos de Kenneth Ross que muy inteligentemente llevó casi talcual la novela a la pantalla ya que pensaba que el ritmo de la obra de Forshyth tenía ya un aire cinematografico, haciendo casi un trabajo de sustitución y reducción de la trama para que entrara en un metraje habítual de un film de dos horas y poco más.

Y ahora si os parece bien vamos a entrar a contar un poco de la trama, ya sábeis que como siempre sin ningún tipo de spoiler para que podráis disfrutar de este film como se debe ver, dejandote sorprender por un thriller de misterio en el que todo el mundo sabe como termina desde el momento que empieza por que en esta película es casi más impotante el camino que la resolución, así que tendremos mucho cuidado en no contar más de lo debido.

La película nos adentra en la organización clandestina y terrorista OAS, aunque la primera parte nos cuenta un poco sobre dicha organización creo que es de rigor adentrarnos un poco de que fueron las OAS ya que el tiempo ha pasado y muchos espectadores quiza no sepan el tiempo tan convulso que fueron los años 60 franceses con dicha organización, veréis Argelia era una colonia Francesa que desde los años 40 el pueblo argelino buscaba la indepencencia del país, esto dio como resultado la milicia y grupos terroristas argelinos que cometían atentados contra los colonos occidentales, como respuesta a estos ataques contra la egemonía francesa en el país dio como resultado una gran represión por parte del ejercito frances encabezado por el general de Gaulle, pero en 1959 el militar francés llegó a ser presidente de la republica que se prolongaría diez años hasta 1969, esta llegada al poder dio como resultado un cambio de opinión sobre la presencia francesa en Argelia y admitió un referendum vinculante sobre su independencia. Este hecho hizo que parte de la policía, militares, politicos y ciudadanos franceses sintieran una traición de De Gaulle sobre el país y las OAS que ya actuaban en suelo argelino se volvieron contra las instituciones francesas atentando contra miembros del gobierno y sobretodo contra la policía francesa con el objetivo de revertir la posición francesa de la entrega de argelia y la vuelta a la colonia del ejercito francés.

Pues estamos justo en ese momento, cuando el mando de las OAS escondido en Austria decide atentar y terminar con la vida del General De Gaulle, para ello van a contratar los servicios del mejor asesino a sueldo, un britanico que nadie conoce su nombre. El caso es que los servicios de inteligencia consiguen capturar a uno de los dirigentes de la organización terrorista y durante un duro interrogatorio donde muere el reo, consiguen sacarle sólo una palabra Chacal, comenzando así una cacería entre el servicio de inteligencia, la policía y el mayor asesino de la historia en un film trepidante que te va a tener en tensión las dos horas que dura el film.

Pues bien, la producción en la que vemos una historia de las que ya no se hacen con unos platós cinematograficos como el Hotel Negresco de niza  o la sala de lectura del museo britanico, coge especial sabor cuando se rueda el autentico desfile del día nacional de francia, dando ese aire documental que tan bien le viene a esta película.

pero tambien del viaje que realiza el chacal hasta Paris donde pasa por varias ciudades míticas a bordo de coches de leyenda, ese sabor de disfrutar del camino hacen de este film una rareza hoy en día donde parece que todo tiene que basarse en la acción pura constante olvidandose de lo grandioso que es crear la tensión poco a poco.

En un principio antes de recaer el personaje en el maravilloso Edward Fox se pensaron en dos actores míticos estadounidenses, Robert Redford y Jack Nicholson pero Zinneman quería un actor britanico para el personaje con lo que consiguió que se contratara a Fox despues de haber propuesto a actores tan míticos de la escena britanica como eran Michael York, David Mcallum o Ian Richardson, pero el papel que hace Edward Fox es simplemente magistral creando unos extraños y culpables lazos de simpatía entre el espectador y el asesino.

Ahora antes de contaros como se desembolvió el film en taquilla dejame que te cuente antes un par de cosas.

¿Te gustan mis consejos de cine?¿Te hago conocer esos clásicos que no sabías que existían o te gusta que te recuerde ese film que llevas tiempo sin ver? pues si es así, suscribete al canal y dale a la campanita para que no te pierdas nada. y si te está gustando el vídeo regalame un like, me encanta ver esos pulgares hacía arriba

Pues la obra resultó ser un exito en taquilla y en crítica que aunque no se vió refrendada tanto como debiera en los certamenes cinematográficos sonsiguió varias nominaciones importantes tanto en los Globos de Oro, Los Bafta y tambien una nominación a mejor montaje en los Oscar de 1974 y es que si esta película tiene una gloria maravillosa es el montaje de Ralph Kemplen al que habría que sumar la fotografía naturalista de Jean Tournier y la excepcional música de George Delerue

Y si me haces caso y te adentras en este film que como digimos tiene un remake noventero pero que no llega ni de lejos a la gloria de este, que apenas interfiere si has visto el film que protagonza Bruce Willis por que en poco o en nada se parece a esta joya de Zinneman, vas a descubrir una película con ritmo pausado pero trepidante, un thriller politico donde el final no lo es todo y una de esas joyas del séptimo arte que han engradecido el cine.

Y deseando que te guste la película si aun no la has visto voy a despedirme de ti, pero no sin antes desearte que seas inmensamente feliz  o lo intentes y como no puede ser de otra forma que vivas el cine

Plan diabólico 1966

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, me van a permitir que les cuente una cosa, veréis hay veces que películas u obras audiovisuales no son comprendidas en su momento, films que en el mejor de los casos reciben indiferencia y en el peor el insulto y el abucheo, curiosamente esta pelicula estrenada en 1966 por uno de los autores que mejor trataron los complots como era John Frankenheimer resultó ser de la segunda, de la del abucheo y el desagrado general y esto quedó patente con la proyección del film en el festival de cine de Cannes donde compentía para hacerse con la palma de Oro del festival como mejor película y que parte del publicó abandonó la sala antes de que terminara la obra mientras que los que se quedaban lo hacía para mostrar su desagrado con abucheos ante la pantalla, como os podéis imaginar el jurado se decantó por el film italo frances de Pietro Germi Señoras y Señores.

Dejando esta obra como llegó, sin premio, pero ahora un momento... veréis si hay un film que me impactó hasta la médula, que su trama me abrió un mundo de posibilidades maravillosamente terrorificas ese fue este film incomprendido, que ante el abucheo de aquellos espectadores me alzo para reclamar su sitio ya que de la película que estamos hablando es Plan Diabólico, título lamentable donde los haya que en hispanoamerica mejoró bastante con el retitulado como fue El otro Sr. Hamiltón pero al que su título original es insuperable, Seconds.

Veréis esta obra me llegó bastante tarde en mi vida, gracias a un añejo DVD que me prestó un compañero amigo mío, la obra sinceramente no me sonaba de nada y quizá el máximo interés redicaba en ver a un actor encasillado como pocos en el papel de galán en películas de comedia romántica como era Rod Hutson, que aquí encarnaba el papel de un hombre enredado en una trama de intriga y terror sicológico con ambiente de ciencia ficción. Esa aparente incongruencia entre el actor y la trama me hizo empezar a ver la película con ese aire de, a ver como se desembuelve este Hudson en una obra de género y no pasó ni 10 minutos cuando ya estaba metido totalmente en la película, los acontecimientos, la interpretación de Rod Hudson y la dirección de Frankenhaimer me hizo caer rendido ante un film que se convirtió de inmediato en mi película favorita de todos los tiempos, cierto es que han pasado no años si no más bien varios lustros de aquel primer visionado y aunque la pasión desmedida sobre la obra a bajado varios enteros he de decir que me sigue conmoviendo como pocas película, un film de esos que creo necesario dar su sitio y que no me entra en la cabeza como alguien pudo abuchearla y es que si no has tenido la fortuna de disfrutar de este film, enhorabuena por que cuando te animes a verla, seguro que caeras bajo el embrujo de este extraño y misterioso film que forma parte de la trilogía de la paranoia de Frankenheimer.

Si recordáis, hace tiempo nos encargamos de la trilogía de la paranoia de Pakula que comenzaba con Klute en 1971, pero mucho tiempo antes fue Frankenheimer el que realizó sus tres películas que se centraban ante diferentes complots, el primero de ellos fue en 1962 con El mensajero del miedo, para que dos años despues realizara siete dias de mayo para terminar en el 66 con este Seconds.

La trama es de lo más interesante que se ha hecho en el cine y aunque hoy en día son muchos los films que han tomado esta premisa para sus obras con más o menos descaro, hay que decir que todo parte de una novela con el mismo nombre del escritor David Ely publicada sólo dos años antes que el estreno de este film, Ely es un autor que se movía entre el policial y la ciencia ficción y es en eta novela donde enlaza los dos mundos para crear una historia llena de dobleces y giros narrativos simplemente maravillosos que supo adaptar como pocos el guionista y escritor Lewis John Carlino que se estrenaba en el mundo del largometraje con el libreto de este film.

La historia es descomunal y para que puedas apreciarla con todo su explendor, con sus giros narrativos intactos para que tengas una experiencia de visionado satisfactoria vamos a narrar de que va la película con un cuidado esquisito de no hacer ningún tipo de spoiler, principio del canal que en este caso cobra aún mayor sentido ya que el film es una de esas joyas ocultas para la mayoria de las personas y si eres de esos que ya la viste sabes de que estoy hablando.

Veréis Arthur Hamilton es un banquero con un mundo gris, su vida languidece de forma irreversible ya ha conocido el exito laboral, el amor por su mujer hace tiempo que se ha convertido en rutina y su única hija ya está casada. La falta de estimulos vitales le hacen languidecer en el otoño de su vida, hasta que un día todo cambia, la llamada de un amigo suyo Charlie le sobrecoje de una manera brutal, el caso es que su amigo el que está al otro lado del telefono hace tiempo que falleció por lo que es imposible que sea él. el caso es que resulta que Charlie está vivo como cualquier otro y su muerte simplemente fue un señuelo, el ahora vive con otra identidad y con una cirujía estetica que le ha permitido empezar una nueva existencia. Arthur decide empezar de nuevo y se pone en contacto con la compañía nombre de la empresa que consigue que sus clientes empiecen de cero y así empezará su nueva existencia como pintor en una playa paradisiaca con el nuevo nombre de Antonicus Wilson y hasta aquí te voy a contar el resto de la trama tienes que disfrutarla tu en un film de apenas hora y media.

Esta joya del cine nos adentra en uno de los deseos más comunes de los seres humanos, como poder empezar de nuevo con toda la sabiduría recogida en la vida, como comenzar sin cometer los mismos errores, como vivir pasiones que ahora están dormidas y todo con un único peaje que es matar al viejo yo para volver como un renacido con todos los lujos y deseos por delante.

Y esa premisa el autor la oscurece, crea una trama en forma de suspense que te tiene en tensión gran parte de la película, aunque no es un film perfecto, su inicio espectacular a todas luces languidece un poco en su parte intermedia, esto es debido a la imposibilidad de dar más tensión en esa parte del film que la conseguida en el primer acto, un defecto más que asumible ya que el film tiene una parte final realmente asombrosa, siendo la resultante general una grata y sombria sorpresa para todos aquellos que llegan a la película sin conocer nada del asunto.

Rod Hudson está brutal en esta película a pesar de no haber sido la primera opción del director fue Kirk Douglas pero este no pudo entrar en la obra debido a que estaba en el rodaje de La sombra de un gigante de Melville Shavelson, tras eso contactaron con Laurence Olivier y a pesar de que el actor quería interpretar a Wilson fue la Paramount la que pensó que no era lo suficientemente famoso como para llevar el publico a las salas por lo que al final fue Rod Hudson que llevava tiempo buscando un papel que rompiera su encasillamiento dentro de la comedia romántica, el problema es que actor mide casi dos metros mientras que el personaje que hace de matriz de Wilson el maravilloso John Randolph apenas superaba el metro ochenta, con lo que más que una operación de cirujía estética esta se convierte en un milagro de Lourdes, siendo ese quizá uno de los puntos más controvertidos del film que nos van a sacar por un momento de la trama, aunque una vez pasado el shock y cuando las aguas vuelven a su cauce el resto de la premisa está tan bien medida que ya te crees todo lo que te cuentan.

Y ahora antes de deciros cual fue su desempeño en la taquilla dejenmé un breve parentesis para preguntarte si te gusta el cine, si quieres ver reseñas de obras clásicas y de autor para conocer películas de esas que el paso del tiempo han hecho un imprescindible o esas joyas ocultas como este consejo de hoy. si la respuesta es que si, no lo dudes más suscribeté al canal y así te haré pasar un rato agradable dentro de youtube donde no sólo conoceras obras nuevas o te recordaré ese clásico que tenías casi olvidado y además  vas a poder disfrutar del film como debe de ser por que en este canal nunca se hacen espoiler.

Pues lo dicho, la obra que contaba con un presupuesto bastante ajustado de 2,5 millones de dólares, entre otros motivos por estar rodado en blanco y negro, que curiosamente le dan a este film un empaque especial y eso fue gracias al trabajo en la fotografía de James Wong un autentico maestro de este arte y por si fuera poco con una peculiar partitura realizada por un genio del género Jerry Goldsmith, pero ni siquiera con eso, dio igual la calidad narrativa del film, el ritmo maravilloso impreso por frankenhaimer, la fotografía de Wong ni la musica de Golsmith pudieron salvar a esta obra del desastre taquillero, no recaudando en EE.UU. ni siquiera el coste de la película consiguiendo unos escasos 1,75 millones de dólares.

Pero cuidado, pronto esta película desapareció del circuito ordinario de cines y quedó en salas de cinestudios y salas de cine de autor donde poco a poco se fue haciendo un hueco hasta conseguir en convertirse en una autentica película de Culto y es que si esa definición le viene al pelo es a esta película, defenestrada por la gran masa de espectadores a nivel internacional, pronto se hizo una una trup de fans que no sólo reclamaron su sitio si no que la llevaban como una de las mejores obras del género, esto hizo que poco a poco esos espectadores irredentos llevaran a la película a una nueva juventud que la llevaron a ser una de las cintas en video casero más deseadas a partir de la edición que se hizo en 1997 que la llevó a ser replicada en formato digital en el 2002 gracias al DVD y que ha llegado a nuestros días en formato Blue Ray cosa que no ocurre con todos los fracasos y es que este film fue incomprensiblemente incomprendido y desde este canal queremos animaros a adentraros en esta joya del suspense y la ciencia ficción. Y ya con esta obra que es una de las películas de mi vida voy a cerrar el ciclo de la selección de películas en blanco y negro donde  hemos visto de todos los géneros posibles y para empezar con la siguiente reseña antes tengo que terminar esta, dejenmé que me despida con dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine 

SÓLO ANTE EL PELIGRO 1952

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, es curioso como lo que ahora vemos un referente de un género, una película mìtica por no decir canonica, una combre del cine y del western género al que pertenece, en su momento revolviera los cimientos más profundos del género, creando pasiones y odios por igual, generando urticaria en los cineastas más conservadores del género y que fuera el resultado de otro film mítico en este caso como contestación a esta obra y es que High Noon que es como se tituló originalmente y que podríamos traducir como medio día que en america laitna se tituló a la hora señalada, la conocimos en España como Sólo ante el peligro film rodado en 1952 por el maravilloso Fred Zinneman.

Vereís la pelicula nace de la idea de su guionista y al principio productor Carl Foreman que asociado con Stanley Kramer empezaron a gestar un wester inspirado en el cuento de Estrella de hojalata de John Cuningan, la historia en cierta forma narraba la soledad del justo, y Foreman modificó para narrar como en el momento de la verdad, cuando a la hora señalada para el gran duelo, los amigos desaparecen, dejandote sólo ante el peligro.

Es premisa era debida a que Foreman antiguo miembro del partido comunista de los Estados Unidos, veía como por presiones del comité de actividades norteamericanas, algunos actores, directores pero sobretodo guionistas perdían su trabajo y eran obligados al destierro sin que sus compañeros hicieran nada, creandoles un espejo que en los que sabían ver creaba verdaderos ataques de urticaria.

La película y ahora quiero decirte que voy a contarte un poco de la trama pero estate tranquilo ya que no te voy hacer spoiler, da igual que sea un clasico de esos que todo el mundo ha visto, pero puede ser que el espectador de este vídeo de youtube, sea una persona joven que no se merece que le quitemos el placer de visionar la pelicula como se debe, descubriendo los acontecimientos por el mismo, lo dicho el film arranca con la boda del sheriff del pueblo con su bella mujer, ambosWill Kane y Amy Fowler tras la boda se marcharan a la ciudad para regentar una tienda, pero algo trastoca los planes, Frank Miller antiguo malhechor que fue encarcelado por Kane regresa al pueblo con sus hombres para vengarse del sheriff, aunque este en un primer instante decide seguir con sus planes y dejar el pueblo, tras una crisis de conciencia decide volver para enfrentarse a Kane y su banda, pero no encontrará ayuda en los habitantes del pueblo y hasta aquí te voy a contar, el resto de la obra tienes que disfrutarla tú en un film que es hoy en día considerado como leyenda.

La historia quitaba ese aire mistico de leyenda al wester, una revolución para aquellos momentos y este apartado humanista del film se vió acrecentado por la contratación de su director Fred Zinneman, veréis puede ser que a muchos de vosotros este nombre no os suene demasiado, pero es uno de los más grandes directores de los EE.UU. uno de los pocos que se alejaba del corte de director de Estudio que tan normal era en aquella época y daba una carga de autor que podemos encajarle dentreo del neo realismo, un director con sello de autor, uno de los directores americanos con un estilo directamente Europeo que escribió su nombre con letras de oro no sólo por este film si no tambien por obras posteriores como en De aquí a la eternidad del 53, Historia de una monja del 59, Un Hombre para la eternidad del 66, Chacal del 73 y por supuesto la maravillosa Julia de 1977, esta selección llena de obras cumbres y alguna obra maestra espero que os ponga en situación de el maravilloso director del que estamos hablando.

La sensibilidad de Zinneman junto con la historia descreida con el mundo de Foreman le dió a su director la capacidad de crear un heroe de andar por casa, una persona llena de miedos que tiene que superar por que así lo dicta su conciencia, un sheriff que preferiría no verse en esa situación y una ciudad que como el mismo es temerosa del mal que les acecha pero estos no superan su terror y prefieren mirar para otro lado. Este perfil tan alejado de el pistolero temerario hizo que no todos los actores quisieran enfundarse el papel del Marshall Will Kane. La primera opción por parte de Kramer fue la de John Waine, pero este rechazó el papel de plano, el jamás sentiria miedo en un duelo, tras eso decidieron buscar un actor menos constreñido en el género, pensando e Gregory Peck pero este no quería encasillarse en el papel ya que acababa de rodar El pistolero de 1950, así que se lo ofrecieron a Marlon Brando, Montgomery Cliff y Charlton Heston declinando todos la invitación, por cierto una anecdota Peck en una entrevista en los años 80 dijo que el no participar en Sólo ante el peligro fue el mayor error de toda su carrera, pues lo dicho con todas las negativas se lo ofrecieron a otro rostro habitual del cine de aventuras y western y uno de los grandes galanes del momento Gary Cooper, aquí Cooper es generoso en su interpretación dejando mostrar el miedo que sufre el personaje a traves de su trabajo actoral, una capacidad interpretativa que le valió el mayor premio en los años 50 como fue el Oscar de la Academia, por otro lado la película tenía otro eje diferenciador, si en las obras precedentes los personajes femeninos exceptuando algunas obras era casisiempre de atrezzo, aquí en este film tiene un peso singular, la dupla de actrices una rubia Grace Kelly y otra morena Katty Jurado, una de moralidad ferrea y la otra con ella más dispersa, una la esposa y la otra su ex amante. Dan un contrapeso a la historia, ellas realmente marcan la visión del espectador, en cierta forma ambas junto a Gary Cooper son los tres protagonistas de la historia, siendo el pueblo, el ayudante del Sheriff o incluso los malvados pistoleros el atrezzo que recubre la historia, eso y los relojes y es que este film es de esos que ocurren en tiempo real, todos los sucesos suceden al mismo tiempo que le pasa al personaje y para marcarlo, para que el espectador se de cuenta de ello, Zinneman llena de insertos de relojes toda la cinta.

Por supuesto la obra fue todo un referente, el publico y la crítica aceptó esa nueva forma de ver el western y fue premiada con 7 candidaturas al oscar donde consiguió alzarse con 4, como hemos dicho mejor actor para cooper, mejor montaje para Elmo Williams y Harry Gerstad, Mejor canción para Tiomkin y Ned Washington y por supuesto mejor Banda sonora original para el maestro Dimitri Tiomkin el ukraniano que fue uno de los creadores del sonido de los western, un maestro que creó una sintonía que hasta hoy en día resuena en nuestra cabeza y nuestro alma, por que el tirmo acompasado de sólo ante el peligro es simplemente magistral.

La fotografía en blanco y negro es excelente pero no mereció la candidatura de la academia, pero Floyd Cosby crea un juego de luces fuera de grandes pretensiones, muy elegantes y a favor de la trama en donde la suavidad de los tonos del principio se ve contrastada con la parte final de la película, un trabajo excepcional de un autentico maestro de la luz.

El caso que entre parte del star sistem del momento, esta película no sentó del todo bien, John Waine dijo de ella que era la película más antiamericana que el había visto en su vida o Howard Howks dijo que eso no era un western, que un sheriff jamás iría corriendo a buscar ayuda, así que como contestación a Sólo ante el peligro, realizaron Rio bravo, que es como ellos veían que debía de haber sido la pelicula de Zinneman, el caso es que a pesar de lo que las separa, le unen varios conceptos a demás de la trama, uno que ambas son dos joyas del western uno con más testosterona que el otro y sobretodo el trabajo de tiomking que otra vez crea otro momento sonoro del western su famosisimo tema de Degüello donde esta vez es una trompeta la que nos traspasa la piel y nos llega al alma.

El film es hoy un referente, muchos directores homenajearon a este film en su obra como por ejemplo Don Sigel en su obra maestra del 71 harry el sucio, pero en aquellos momentos no sólo fue incomprendida, el Macartismo hizo presa en la película, mandó ante el comité a Foreman al que incluyó en su lista negra, en la que de una manera no legal impedía trabajar en la industria del cine, eso le llevó al exilio en Reino unido por que como su personaje, este se negó a dar nombres ante dicho comité y no plegarse ante la presión de la caza de brujas, el resultado fue que tuvo que vender su parte de la productora a Kramer que cómo los lugareños del film se pusieron de perfil ante tal desfachatez y dejar así cualquier actividad cinefila en Hollywood y quiero decir en hollywood y con su nombre por que Carl Foreman siguió trabajando bajo seudonimo para la industria como fueron películas miticas como El oro de Mackeena, Los cañones de navarone y el puente sobre el río Kway, esta última película tiene uno de los mayores esperpentos del macartismo y los Oscar, aunque profundizaremos más el día que hagamos la reseña del film, os adelanto que en aquella ceremonia no sólo estaba nominado el guión si no que ganó el oscar y cómo no se lo podían entregar a foreman le hicieron desaparecer y se lo dieron al autor de la novela en la que se basaba Pierre Boulle que para más esperpento no había trabajado en la elaboración del guión, no fue hasta muchos años despues que la Academia de Hollywood le dio credito a Foreman en el premio conseguido por él mismo.

Y con este consejo de un film valiente, realizado por autores valientes en un momento en el que eso te podía salir muy caro, te voy a dejar, quedando ya sólo una película en esta selección personal sobre obras en blanco y negro, pero como para empezar con la siguiente que como digo es un placer muy de mi gusto y está alejado de estas obras maestras del cine, tengo antes que terminar esta reseña me voy deseandoos que seais inmensamente felices y por supuesto comono puede ser de otra forma que vivais el cine

El sueño Eterno 1946

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y anmigas de CINEFILIA, en este ciclo de cine en blanco y negro no puede faltar un personaje tan mítico como Humphrey Bogard y de su extensa y laureada filmografía de su época con la Warner Bross antes de irse a la Columbia con su productora Santana Pictures, creo que El sueño eterno film rodado en 1946 por Howard Hawks, representa como nadie la figura del antiheroe Philip Marlow personaje ideado por Raymond Chandler al que le sentaba como un guante al actor de Nueva York.

Veréis esta película es una de esas obras que la primera vez que la vi no me llegó, habían conceptos que no entendía, que no lograba desvelar y aunque me divertía viendo la aventura con un Humphrey Bogard en plena forma y una Launet Bacall totalmente arrebatadora, la trama que narraba el film carecía de significado para mi, no entendiendo muy bien ni que se investiga ni por que, quedando aparcada dentro de mis gustos personales, hasta que un día cayó en mis manos la novela original en la que se basa este film y me dí cuenta que varios de los conceptos sustanciales de la trama o no estaban o los pasé por alto, por lo que volví a ver aquella obra añeja de mediados de los cuarenta y descubrí toda la trama en su explendor, valoré entonces el trabajo de adaptación de los guionistas con esta obra y sus esfuerzos para poder narrar sin narrar, contar sin que se cuente y es entonces cuando este film me llegó al alma y si aún no te has atrevido a ver esta obra, te daré algunos datos que harán que disfrutes de este film de principio a fin, pero para eso tendrás que quedarte hasta el final de esta reseña y consejo de cine.

Veréis si los años 30 serán siempre recordados en cuanto a la literatura popular se refiere, es por el nacimiento de dos detectives privados, Sam Spades personaje creado por Dashiel Hammet en el 32 y por Phillip Marlowe perosnaje creado por Raymond Chandler en 1939 y si los dos tienen un nexo común es por haber sido interpretados por el maravilloso Bogard, el primero en El Halcón Maltes y el segundo en este maravilloso film titulado como la primera novela donde aparece Marlowe, El sueño eterno.

La obra nos adentra en una historia sordida de bajos fondos donde las niñas bien tienen su patio de recreo y que cuando las cosas se ponen feas deben de ser otros los que paguen el pato para que ellas sigan con sus desahogadas y desenfadadas vidas y ese otro no es más que un detective que cansado de trabajar para el fiscal del distrito decide montar su ajencia por su cuenta el afamado y constante perdedor Philipe Marlowe.

La obra que guarda en su interior todo lo que un noir necesita, como son hombres con gabardinas y sombreros, mujeres siepre dispuestas a quedar con nuestro heroe a la salida del trabajo, wisky y revolvers muchos revolvers y es que para que querer engañarnos, el noir nos gusta por estas obras cargadas de testosterona donde nuestro detective no siempre se lleva a la damisela en apuros y en la que siempre se marcha adornado con una cicatriz nueva, sea en el rostro, la mano o como ocurre la mayor parte de las veces en el corazón, por que sí, si el antiheroe tiene un rostro este encaja perfectamente con los personajes encarnados por Borgard.

Lo curioso del asunto es que por aquellos entonces nuestro admirado actor no pasaba por su mejor momento personal, su afición al matrimonio le llevó a estar casado hasta tres veces antes del rodaje de este film, la primera vez con Hellen Menken en un matrimonio que apenas duró unos meses, con la actriz Mary Phillips con la que estubo casado 10 años hasta que se le cruzó en su vida Mayo Methot con la que ya acumulaba 7 años de matrimonio hasta que se enteró del asunto de su marido con una jovencisima Laurel Bacall, romance acontecido en el rodaje del film de tener y no tener que los tabloides del momento no dudaron en airear. 

Durante el rodaje de esta película donde otra vez coincidía con su amante Mayo atosigó a Bogardt hasta tal extremo de que rara vez iba sereno al rodaje, se dice que tanto era el retraso acumulado por culpa de las borracheras del actor que hasta el presidente de la Warner tuvo que meter mano en el asunto, el caso que este acontecimiento tan amargo para el actor hay que decir que al personaje le viene de perlas, el aire descreido  de Marlowe, su visión amarga sobre el amor y sus consecuencias hacen del personaje interpretado por Bogard un ejemplo de lo que debe de ser un detective privado en el cine. y es que este film en muchos aspectos dan el pistoletazo de salida al personaje que sería posteriormente interpretado por varios rostros míticos del cine.

Ahora si os parece bien vamos a narrar un poco de que va la película, film que no es tan enrevesado como puede parecer en un principio y que si no has visto puedes estar tranquilo ya que no se van hacer ningún tipo de spoiler.

Marlow es llamado por el ganeral Stenwood un rico e influyente anciano, este tiene un problema o mejor dicho dos, su hija mayor Vivian una joven que ya está diborciada y que tiene una pasión desmedida por el juego y la pequeña Carmen que va camino de superar a su hermana en cuanto a frecuentar los bajos fondos, el caso es que Joe Brody un estafador de poca monta le está haciendo chantaje con unas fotos que al parecer tiene de su hija pequeña en actitudes comprometedoras. Lo curioso del asunto es que este no es el primer chantaje si no el segundo que sufre el General, de el primer chantaje se encargó Ryan un conocido de Marlow pero este ha desaparecido sin comunicar nada al General y este que angustiado por ese nuevo chantaje pide al detective Marlow que neutralice el soborno y localice a Ryan.

El detective se verá metido en lo peor de un laberinto sordido de los bajos fondos que pondrá en peligro su vida y hasta aquí te voy a contar, la película es una joya de este arte un film mítico del noir y de la pareje formada por Bacall y Bogart ambos en su mejor momento.

Ahora antes de continuar con la reseña del film me van a permitir un breve parentesis, ¿te gusta el cine clásico e independiente?, ¿quieres conocer o que te recuerde obras cumbres de este arte y que te lo aconsejen sin que te destripen la esperiencia con spoiler?, pues enhorabuena estás en el canal adecuado, así que suscribeté, dale al botón y la campanita y disfruta de dos reseñas a la semana.

Pues lo dicho la película una vez rodada y montada fue guardada casi un año en un cajón de la productora, el caso es que 1945 acercandose el final de la guerra todos los estudios dieron prioridad a las obras con tramas bélicas, algo que demandaba la audiencia norteamericana en aquellos años y la Warner Bross dejó un tiempo guardado este film para su estreno, pero aprovechando que la obra estaba ya para emitir crearon unas copias para que la vieran los soldados que volvian del frente en 1945, estos disfrutaron un año antes que el resto del mundo de este film, pero claro ni los productores ni el director se quedaron de brazos cruzados, ya que durante ese año, remontaron y rodaron insertos que modificaron la película, siendo diferente la que se estrenó en el 46 de la que se vió por aquellos soldados un año antes, el caso es que creían que la cinta del 45 se perdió pero a mediados de los noventa se encontró una copia en buen estado, se restauró y se emitió en 1997 aquella primera versión de 1945 por lo que ahora se pueden disponer de ambos montajes que aunque no cambia la sustancia del film, si que la de 1946 hace más enfasis en la relación entre los personajes de Bacall y Bogart ya que su romance llevaría a las salas de cine a todos los curiosos sobre aquella historia de amor entre los actores.

La película tiene fama de enrevesada y cierto es que el handicap que tenían los guionistas Fulkner,  Braket y Futhman así como Hawks era tan grande que la obra quedo bastante criptica sobretodo en la parte de la investigación troncal de la trama y ahora vamos a aclarar y desvelar el motivo, auqnue no te preocupes por que lo que voy a narrar no te va a cambiar en absoluto la experiencia ya que la trama no se verá afectada.

Veréis, la investigación de Marlow es por unas fotografias que han hecho a Carmen al parecer bastante comprometidas, en un momento dado vemos a la chica drogada vestida de china en la casa del vendedor de libros antiguos Geiger, ¿Pero claro nos queda la duda de que hace ahí, cual es el motivo de fotografiar a la chica drogada vestida de asiatica? no entendemos por que tanto misterio del asunto y es que la culpa de todo la tiene el Código Hays que prohíbia algunos argumentos en pantalla, veréis en aquellos años se traficaba con fotografías pornograficas, un negocio que llevavan a cabo en los bajos fondos, esta censura impedía mostrar el autentico motivo por el que el general va a pagar una fortuna por las fotos de su hija Carmen y por que todo lo corrupto y oscuro del asunto. Marlow se ve metido en una trama en la que cuanto más descubre más secretos tiene de una de las familias más influyentes de la ciudad y cómo la inocencia de la joven se trasforma en otra cosa tras descubrir el asunto.

Claro sin esta explicación, la verdad es que nada tiene sentido, no entendemos la grabedad del asunto y nos quedamos como una vaca viendo pasar el tren, pero la culpa no la tienen ni el director ni los guionistas si no un sistema de censura que hizo mucho daño a la libertad de creación en el cine y hablo en el cine por que la novela detalla con pelos y señales toda la perversión de carmen donde aparece desnuda en varios momentos diferentes de la novela.

Y bueno, si no la has visto recuerda lo que está ocurriendo realmente en esa casa y todo va a cobrar sentido y así disfruta totalmente del del film, si ya la viste y no te encantó dale una segunda oportunidad sabiendo ese dato y si la viste y te gustó, pues no tienes ninguna excusa para verte esta joya del blanco y negro.

Y por cierto me quedan dos reseñas para la semana que viene en donde vamos a ir dando por terminado este ciclo de 5 películas en este fabuloso sistema monocromatico y aunque no te voy a adelantar que obras son, si que te quiero decir que la siguiente es una obra mítica, un western de esos que tienes que ver una vez en la vida y la siguiente es un lujo personal, una obra de misterio que roza el terror, una película no muy conocida pero inolvidable un lujo sólo para nuestros suscriptores de CINEFILIA por lo que vamos a ir dando por terminada esta reseña para empezar lo antes posible con las dos obras que nos quedan, pero como no puede ser de otra forma dejenme que me despida con dos deseos, el primero que seais inmensamente felices y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine