una simple historia de boxeo

 Verán Esta vez, sólo quiero contarte una historia de boxeo, una historia real, de personajes reales en un mundo que se derrumbaba

Una pelea que paralizó al mundo entero.

Una historia de dos hombres destinados a enfrentarse…aunque ninguno de los dos imaginaba lo que el destino les tenía preparados

Estamos en a década de los treinta. El mundo todavía sangra por las heridas de la Primera Guerra Mundial. Europa intenta levantarse y Estados Unidos lucha por superar de la Gran Depresión.

Y en ese mundo sin esperanzas millones de personas buscan algo que les empuje a seguir un día más.

en Alemania surge una figura inquietante. Adolf Hitler.

Un hombre que habla de superioridad. De raza. De poder. De construir un nuevo imperio.

Y cómo es normal, en ese mundo oscuro son muchos los que creen en él y llenan estadios para escucharle…

el mundo empieza lentamente a dividirse.

Nadie lo sabe todavía…pero se acerca una tormenta.

Y es aquí, en medio de ese mundo aparecen nuestros protagonistas

 Uno, un joven tímido y silencioso. Afroamericano. Pobre y sufriendo el racismo que sólo entienden los negros de Alabama.

Joe Louis.

Sobre el ring, Louis parecía un dios griego.

No hablaba demasiado. No provocaba. No buscaba fama.

Solo peleaba. Pero lo hacía como aquiles, como hercles

Cada vez que golpeaba…parecía que el aire se rompía.

La prensa americana empezó a enamorarse de él. Porque Joe Louis no solo ganaba…destrozaba a sus rivales.

Uno tras otro. Caían todos derrotados.

Y para millones de personas negras en Estados Unidos, en una época durísima de segregación y racismo…Joe Louis representaba algo más importante que el boxeo.

Representaba dignidad. Esperanza.

La posibilidad de mirar al mundo de frente, aunque fuera tras las sogas de un cuadrilatero.

Al otro lado del océano…había otro hombre, un alemán orgulloso fuerte cautivador Max Schmeling.

Un boxeador ya veterano que conocía la gloria pero que sus mejores años ya habían pasado y en su ranquin empezaban a amontonarse las derrotas.

Muchos pensaban y con razón que su mejor época había pasado.

Pero había algo diferente en él. Mientras otros boxeadores entrenaban golpeando sacos…

Schmeling estudiaba.Observaba.Analizaba.

Pasaba horas viendo movimientos una y otra vez. Buscando errores invisibles.

Porque entendía algo fundamental…que incluso los gigantes tienen grietas.

Y entonces… vió que aquel aquiles tenía un talón y buscó un enfrentamiento contra Joe Louis

Entonces el mundo vio con buenos ojos el enfrentamiento. Estados Unidos contra Alemania. El viejo contra el joven, el negro contra el blanco

 Lo que parecía un combate más…empezó a transformarse en algo gigantesco.

los periódicos especializados no hacían otra cosa que hablar de esa velada y los que no comentaban nada de pugilismo, comenzaron a hablar de  boxeo.

En Alemania, el régimen nazi observaba atentamente.Hitler entendía perfectamente el poder de las imágenes. Y sabía que un campeón alemán venciendo al fenómeno americano y más negro, podía convertirse en propaganda perfecta, en el trinfo no sólo deportivo, si no racial.

Mientras tanto, en Estados Unidos…la presión sobre Joe Louis era brutal.No solo peleaba por él.

Sentía que peleaba por millones de personas.  Un peso enorme para un pobre chico que sólo sabía boxear

 Y aquí estamos en Nueva York de 1936

El estadio está abarrotado. La radio transmite a millones de hogares.

Los bares paran. Las familias se reúnen. El mundo escucha.

Joe Louis entra como favorito absoluto.Invencible.Poderoso.Imparable.

Schmeling parece tranquilo. Demasiado tranquilo. Como si hubiera visto algo que nadie más sabía

Suena la campana. Y durante unos minutos…todo parece normal.

Pero poco a poco…algo cambia. Schmeling empieza a encontrar espacios.

Golpea. Retrocede. Observa. Vuelve a golpear. Joe Louis intenta imponer su fuerza…

pero algo no encaja. El público empieza a inquietarse. Los comentaristas bajan el tono.

Y de pronto… el combate deja de parecer seguro.

Esa noche…

el mundo descubre algo impensable que incluso los hombres destinados a ser leyenda…pueden caer.

Y cuando terminó aquella pelea…ya nada volvió a ser igual.

Ni para Joe Louis. Ni para Max Schmeling.

Ni para un mundo que avanzaba lentamente hacia la oscuridad del desastre.

Ninguno de los dos pugiles podía imaginar que ahí no terminaba su historia, si no que solo era el comienzo.

Que sus nombres iban a quedar unidos para siempre. Que los gobiernos los utilizarían.

Que millones de personas proyectarían sobre ellos sus miedos…sus odios…sus sueños…

Y que años después…cuando el mundo estuviera al borde del abismo…volverían a encontrarse.

Aquella derrota dejó una cicatriz profunda en Joe Louis.

Porque no había perdido solo un combate.

Había perdido delante del planeta entero.

Y mientras en Alemania los periódicos celebraban la victoria de Max Schmeling como si fuera un triunfo político…

Europa seguía acercándose al abismo.

 las derrotas hacen cosas extrañas con algunos hombres. A unos los rompen.Y a otros…los transforman.

Joe Louis desapareció durante un tiempo del ruido mediático, que le trataba como un traidor, cómo una verguenza. Algo que no era nuevo para un chico negro de Alabama, así que Volvió al gimnasio.

Entrenó obsesivamente. Corrigió errores. Cambió movimientos. Pulió cada detalle.

Y ya no era solo aquel joven talentoso. Ahora había rabia. volvía a tener hambre de triunfo.

Al otro lado del océano…Hitler estaba formando su imperio.Austria.Checoslovaquia.Discursos.  Desfiles. Banderas. Europa comenzaba a temblar y cómo ejemplo de esa superioridad Schmeling, el campón ario de boxeo

Y entonces… Llegó la revancha en 1938 

Al igual que antes, combate tenía el peso del mundo encima.

Los periódicos hablaban de democracia contra nazismo.

De América contra Alemania.

El ambiente era irrespirable. Porque aquel combate era una guerra de símbolos.

Y sin quererlo…Joe Louis y Max Schmeling se habían convertido en ellos.

El Yankee Stadium está lleno. Más de setenta mil personas.

Millones escuchando la radio. En bares. En casas. En coches.

La tensión es brutal. Joe Louis entra serio. Concentrado. Sin mirar apenas al público.

Schmeling parece tranquilo…pero sabe perfectamente dónde está.

Sabe lo que significa aquella noche. Sabe que ya no son solo dos hombres peleando.

Y entonces…suena la campana.

Lo que ocurrió después…fue salvaje.

Joe Louis salió como una tormenta. Como si hubiera esperado dos años enteros para aquellos minutos.

Golpea. Avanza. Vuelve a golpear.

El estadio ruge.

Schmeling intenta resistir…pero la presión es insoportable. Los golpes llegan desde todos lados.

La gente grita. Los comentaristas casi no pueden seguir el ritmo.

Y en apenas unos minutos…todo termina.

Aquella noche…

Joe Louis se convirtió en un héroe nacional.

Para millones de americanos había derrotado algo más grande que un boxeador había derrotado al simbolo de la Alemania Nazi.

Y llegó Polonia y la guerra. Joe Louis entró en el ejército estadounidense.

Visitaba tropas. Hacía exhibiciones para soldados.

Los hombres hacían cola para verlo. Porque representaba fuerza la Esperanza el Coraje.

Pero seguía viviendo en un país donde muchos restaurantes no le dejaban entrar por ser negro.

Y Max Schmeling…Fue enviado como paracaidista alemán. El antiguo campeón ahora saltaba entre bombas y fuego.

el hombre al que el mundo convirtió en símbolo del nazismo…nunca encajó realmente dentro de él.

Max Schmeling fue utilizado por la propaganda de Hitler. La fotografía perfecta: el campeón alemán…

el atleta rubio…el hombre que había derrotado a Joe Louis.

El régimen nazi lo enseñaba al mundo como ejemplo de superioridad.

Pero la realidad…era mucho más compleja.

Schmeling nunca ingresó oficialmente en el partido nazi.Y aunque convivió con aquel régimen terrible…

Intentó mantenerse al margen políticamente. Pero un boxeador no endiende de cobardía, en  La Noche de los Cristales Rotos. Cuando jaurías de nazis quemaron sinagogas y miles de judíos fueron perseguidos por las calles para apresarlos o simplemente asesinarlos.

Max Schmeling hizo algo inesperado. Algo que casi nadie supo durante años.

Escondió en su habitación de hotel a dos jóvenes judíos. Los ayudó a escapar. Arriesgándo su vida por la de los más indefensos, por que un boxeador no entiende de cobardía. Fueron ellos los que ya a salvo dieron a conocer su historia y su agradecimiento

Y la historia siguio su curso, tras el auge nazi, llegó la derrota el declibe y el fin del horror.

Joe Luis realizo algunos combates más, Smeiling limpio su nombre y se hizo alto cargo de coca cola en alemania.

Cuando Louis llevava tiempo sin boxear, el dinero se agotó, las trampas, los aprovechados y su mala cabeza le hicieron caer en la ruina, intentó volver al boxeo pero esta vez por hambre y no precisamente de triunfo. Pero no consiguió más que salir magullado.

La ruina le hizo pedir propinas en la puerta del casino como un mendigo cualquiera, era tan pobre que no podía pagar los medicamentos.

Fue entonces cuando Schmeiling se enteró, pagó su tratamiento, le dió dinero he hizo que sus últimos días no fuera una marioneta sin cuerdas, permitió que la última campanada de la vida la escuchara con dignidad.

En su funeral, pagado por sus amigos, smeiling portó el feretro de un rival, de un amigo

y colorin colorado, esta maravillosa historia de boxeo ha terminado 

OJOS VERDES

 Hay noches en las que uno siente que viene a contar algo importante.

A encender una pequeña luz en mitad de la noche.

Hoy vengo a hablar de copla.

Sí… ya lo sé.

Eso que a veces suena a “canciones de abuela”, a otro tiempo, a otra forma de sentir.

Pero la copla, de la que vamos hablar no es otra que “Ojos Verdes”.

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“Ojos verdes, verdes como la albahaca…”

Solo esa frase ya tiene más historia que la mayoría de canciones.

A principios de la década de los 30, el café La Granja Oriente, en Barcelona, acogía el encuentro entre tres grandes artistas, cada uno en su ámbito, de las artes españolas. Concretamente, estamos hablando del  poeta Federico García Lorca, del letrista Rafael de León y, por supuesto, de Miguel de Molina el faraón de la copla.

Se dice que Lorca, al leer el poema del letrista, se acordó rápidamente de su Romance sonámbulo, en el que expresa su amor por el verde, y, cuando se lo hizo saber, León le respondió con gracia: “Federico, ¿no pensará que el color verde es patrimonio tuyo?” aunque No hay actas claras de todo, sólo leyendas y relatos, ahí queda ese inicio de la canción, una canción nacida antes de que todo se torciera con una guerra que partió españa en dos.

“Ojos Verdes”  detrás de su melodía elegante, lo que hay es una historia muy concreta y libre:

El encuentro sexual entre una prostituta y un cliente.

Apoyá en el quicio de la mancebía,
miraba encenderse la noche de mayo
pasaban los hombres y yo sonreía,
hasta que en mi puerta paraste el caballo.

 la canción No juzga, No moraliza y no aparta la mirada.

es un poema  sobre el deseo carnal en el que ella disfruta de una noche tan plena que decide no cobrarle.

dejaste mi brazo cuando amanecía,
y en mi boca un gusto de menta y canela.
¡Serrana! para un vestío
yo te quiero regalá
y yo te dije: ¡estas cumplío!
No me tienes que dar ná.

La copla,  no busca el escándalo, lo trata con naturalidad propia de un mundo libre.

Cuando llega el momento de estrenarla, hay también una pequeña historia de tensiones.

Se dice que Miguel de Molina quería defenderla en su repertorio.

Pero finalmente fue Concha Piquer quien la estrenó con ese magnetismo suyo, casi teatral, que convertía cada canción en un pequeño acontecimiento.

Y así, como pasa con las grandes piezas, la canción acabó perteneciendo a los dos.

A dos formas distintas de entender el escenario pero con dos voces de entender el mismo país

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Luego llega el tiempo que lo cambia todo.

La República primero.

Y después la guerra civil, tras ello el silencio.

Ese silencio que no siempre es ausencia de sonido, sino de libertad.

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En ese nuevo contexto, “Ojos Verdes” empieza a incomodar.

Porque habla de lo que no se debía nombrar. Prostitución. Deseo. Sexo fuera del matrimonio.

Todo eso que el régimen prefería esconder bajo capas de corrección y miedo.

Y entonces ocurre lo de siempre cuando una canción molesta:

se vigila,

se recorta,

se suaviza, cambiando la letra, la mancebía que era como se llamaban los prostibulos de la época, pasa a ser la reja de la casa de su madre y la canción de deseo carnal pasa a un amor más acorde con los dictámentes de la moral imperante.

Miguel de Molina que seguía en el país cantando su repertorio y Ojos verdes, no es admitido en esa nueva españa. fue perseguido, golpeado, señalado una y otra vez, por el simple hecho de ser homosexual

Y en ese contexto de miedo, la canción cambia en su boca.Se adapta.Se repliega.

Porque a veces la supervivencia también obliga a traicionarse un poco.

Y ese miedo termina empujándole al exilio.

Mientras tanto, Concha Piquer sigue cantándola.

con la letra de siempre de la misma forma.

sin replegarse al cambio, lo que la hizo tener problemas y sanciones del régimen

Con el paso del tiempo, “Ojos Verdes” deja de ser peligrosa.

Y eso, en cierto modo, también es una forma de olvido.

Se convierte en repertorio clásico.

En copla de archivo.

En canción que ya no incomoda por que ya no se entiende y no se escucha.

se ha convertido en un objeto bonito del pasado.

Pero debajo sigue estando lo mismo.

Una habitación en mayo.

Una mirada verde.

Dos personas que no se prometen nada.

solo el deseo y el sexo sin más promesas que el recuerdo.

Subiste al caballo, te fuiste de mi
y nunca otra noche más bella de mayo
he vuelto a vivír.

Ahora parece que esa canción de reveldía ha pasado de moda, aquellos bellos poemas han muerto

Sólo espero, que la próxima vez que escuches en la radio esta copla, no la quites, recuerda esta historia de pasión y de reivindicación de libertad para cantarla

Nos quedamos aquí, el bar  va cerrando, el pianista toca las últimas notas y colorín colorado, esta historia ha terminado

LA CONDESA 2009

 Dejenme que les hable de la figura de Erzsébet Báthory, conocida como “la Condesa Sangrienta”.

Verán, este personaje lleva más de cuatro siglos alimentando la leyenda. Según los relatos más famosos, habría torturado y asesinado a centenares de jóvenes vírgenes para bañarse en su sangre y conservar la juventud eterna. 

Pero la realidad histórica es mucho más difusa.
No existe ninguna prueba de que se bañara en sangre: esa imagen aparece décadas después de su muerte y probablemente forma parte de una construcción legendaria. Lo que sí parece cierto es que hubo testimonios sobre desapariciones y abusos en sus castillos, aunque algunos historiadores creen que también pudo ser víctima de una conspiración política para arrebatarle sus tierras y poder.
Entre la historia y el mito nació uno de los personajes más oscuros y fascinantes del imaginario europeo. Y precisamente de ese personaje complejo y lleno de aristas trata el film de esta semana, una maravillosa producción europea, de factura e interpretaciones impecables que por cierto es una petición de uno de nuestros suscriptores.

Así que bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA con todos ustedes La condesa, film estrenado en el 2009 y dirigido por la actriz y directora francesa July Delpy.

Verán, Delpy había cambiado su profesión de actriz por la de directora hacía unos 5 años con un corto llamado Je Pour, Je Mal, Je murs. para realizar su primer largo titulado 2 días en París en el 2007, con lo que ya, la aclamada actriz se volvía a enfundar su rol de directora con mucha más seguridad y abarcando un proyecto complejo a más no poder, no ya por que sea un film de época, si no por lo controvertido del personaje principal de la historia y si esperáis para que os de mi opinión, no tienes que quedarte hasta el final del video, Delpy aprueba con nota alta la realización de esta maravillosa obra.

La Condesa, fue un proyecto muy personal para Julie Delpy. La película nació de una obsesión que ella llevaba años arrastrando con la figura histórica de Erzsébet Báthory. Delpy contó en varias entrevistas que le fascinaba cómo la historia de Bathory había sido transformada por los siglos en una mezcla de realidad, propaganda política y mito vampírico, hasta el punto de convertirse casi en un personaje de terror antes incluso de que existiera Drácula.

A diferencia de muchas películas anteriores sobre Bathory, que explotaban directamente el morbo y el componente fantástico, Delpy quiso enfocar el personaje desde un punto de vista más humano y psicológico. Su intención era retratar a una mujer poderosa atrapada por el miedo a envejecer, el aislamiento, los amores y las obsesiones de una aristocracia decadente. Por eso decidió no solo escribir el guion, sino también dirigir y protagonizar la película, algo que convirtió el proyecto en una obra muy personal.

La pelicula fue una coproducción europea entre Francia y Alemania, con financiación relativamente modesta para una película de época. Aun así, se hizo un gran esfuerzo en vestuario, localizaciones y ambientación histórica. Muchas escenas se rodaron en castillos y edificios históricos de Europa Central para mantener una sensación auténticidad y alejada del estilo hollywoodiense quesuelen tener este tipo de films. Visualmente, Delpy buscó una estética fría, sombría y elegante, inspirada más en el drama histórico europeo que en el terror comercial.

El reparto también refleja esa intención de prestigio europeo. Junto a Julie Delpy aparecen actores como Daniel Brühl y William Hurt, dando al proyecto un tono internacional pero claramente de cine de autor y corte independiente.

Cuando se estrenó en 2009, la película dividió bastante a la crítica. Algunos alabaron su atmósfera y el intento de reinterpretar el mito desde una mirada más íntima y trágica, mientras que otros esperaban una película de terror mucho más explícita y quedaron desconcertados por su ritmo pausado y enfoque psicológico. 

Precisamente esa mezcla entre drama histórico, cuento gótico y estudio psicológico es lo que ha hecho que la película, para mi, tenga una personalidad bastante singular dentro del cine, una obra a reivindicar y a dar a conocer, un film que te va a confundir, repeler y adorar a partes iguales.

Una de las maravillas de esta pelicula es el portentoso guion de la propia Delphy y tengo que decir o mejor dicho, que confesar que no me imaginaba que fuera una escritora de tantisimos quilates, quizá sea por ese estupido prejuicio de que una actriz o actor sólo despunta delante de las cámaras y este film es uno de esos que me demuestran lo equivocado que estoy.

Delphy crea un film complejo, lleno de giros argumentales, de anticipaciónes memorables, de fortalezas y debilidades, pero si tuviera que ensalzar un sólo aspecto del guión, ese sería el de la construcción de personajes, aquí no hay buenos ni malos, ese aspecto tan infantil de las narraciones actuales dónde el protagonista o la protagonista es un ser de luz puro que el mundo quiere apagar y a ser posible con un malo malisimo de opereta como antagonista previsible.

No la complejidad de los personajes, la escala de grises en la que se mueve, la justificación de sus actos, hasta de los más horrendos, dan una versión muy humana de todos y cada uno de los personajes que salen en la obra, un film que navega entre la leyenda y la realidad, con traiciones, traumas, deseos y el paso del tiempo como ese péndulo implacable que infantilmente nuestra condesa quiere detener.

Y bueno, ahora dejame que te cuente un poco de la sinopsis de este film, tranquilos por que no se hacen spoiler en el canal. ¿Por cierto, no estas suscrito?, pues valora dar al botón y a la campanita, nosotros nos dedicamos a aconsejar o recordar cine de alta calidad, como el que nos ocupa, para que tengas en el radar esas obras que se escapan en las oleadas main stream que inundan las plataformas. además, estaremos encantados de verte por aquí otra vez y si quieres apoyar al canal, por favor, que no se te olvide darle like y si eres de los primeros, regalarnos un hype, así no sólo nos dais ese aire para seguir haciendo reseñas, si no que la plataforma aconseja más este tipo de vídeos.

Pues lo dicho, verán:

La condesa, nos traslada a la Europa del siglo XVI, cuando centro Europa vivia asolada por la invasión Otomana,  Erzsébet Báthory tiene gran prestigio por su inteligencia, mientras que su marido el Conde Nadasdy es temido en el campo de batalla, hasta que tras una campaña este fallece. 

Viuda, inmensamente rica y acostumbrada al poder, Bathory vive aislada entre castillos y conspiraciones aristocráticas hasta que se enamora de un hombre mucho más joven que ella. El hijo de un noble que la pretende, el bello Istban Zurzo

Ese amor obsesivo y enfermizo despierta en la condesa un miedo irracional al envejecimiento y a perder su belleza y que este la abandone. 

Y es entonces cuando decide, en medio de su locura, probar métodos más oscuros para combatir el paso del tiempo y a partir de ahí, la película entra en un terreno cada vez más inquietante, donde la pasión, la superstición y la paranoia comienzan a mezclarse. Empezando otra película totalmente diferente.

Y hasta aquí te voy a contar, el resto de la película tienes que verla y disfrutarla tú 

Curiosamente y cuando veas la película creo que me darás la razón, esta obra fue un desastre económico, salvada en exclusiva por las plataformas, hay que recordar la explosión mundial que supuso Netflix en el 2007 y eso hizo que la película no fuera una ruina, con una selección en la Berlinale y por supuesto en el festival de cine fantástico de Sitges, esta obra se diluyó como un azucarillo en leche caliente, siendo borrada de la historia, hasta que los fans del género la han ido rescatando y poco a poco convirtiendose no aún en una obra de culto, pero si en ese film que aconsejar cuando alguien quiere ver un film oscuro, de época y francamente bueno.

Y al igual que nuestro compañero suscriptor que me pidió esta reseña, yo os pido que le deis una oportunidad.

Yo, la recomiendo sobre todo a quienes disfrutan del cine histórico europeo de autor, con ritmo pausado y enfoque psicológico. Si te interesan las reinterpretaciones de figuras como Erzsébet Báthory desde una mirada más humana y menos “monstruosa”, aquí hay material interesante. También puede gustar a quien valore el drama de época atmosférico, con estética cuidada, vestuario sólido y una puesta en escena más cercana al cine intimista que al gran espectáculo. Y, por supuesto, a quienes sigan la carrera de Julie Delpy como cineasta, porque es de sus proyectos más personales, arriesgados y gloriosos de su carrera como directora.

En cambio, no es una película recomendable para quien espere un terror explícito o una versión tipo leyenda vampírica clásica, para eso hay otras obras que se centran sobre el mito y que se adecuan más a esa visión cinematográfica al estilo Hammer, con violencia directa o ritmo de thriller moderno, si es lo que buscas, probablemente te vas a sentir decepcionado. Tampoco es ideal para espectadores que necesiten una narrativa muy rápida o una estructura claramente convencional, porque el film apuesta más por la ambigüedad, el retrato emocional y la caída psicológica del personaje, que por la acción pura.

Pero de todas formas, dale una oportunidad, ya sabes donde te metes, para eso es nuestra reseña, no vayas con ninguna espectativa y dejate llevar por la historia, creo que te va a sorprender y agradar al mismo tiempo.

Y bueno, ya voy a terminar esta reseña, que me digas en los comentarios si conocieas esta película y si es así que te a parecido, yo ya me voy a marchar pero no sin antes pedirte que intentes ser feliz o que luches por ello, que  no hay mejor lucha que esa y segundo y no menos importante, que vivas el cine

 

 

 

sospechosos habituales

 En 1995 llegó una película pequeña a las pantallas de todo el mundo, oscura y extraña, era un policial aparentemente modesto que en principio no tendría más reocrrido que cualquier película de entretenimiento de los noventa, pero que acabaría convirtiéndose en una de las mayores obras de culto del cine moderno: La película revolucionó el thriller criminal de los noventa gracias a una narración llena de engaños, diálogos memorables y uno de los giros finales más impactantes de la historia del cine. Su éxito fue creciendo con el boca a boca hasta convertir a personajes como Keyser Söze en auténticos iconos culturales. Y es que este film no es otro que uno de los mayores mitos del cine actual y ahora si.

Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, con todos ustedes. Sospechosos habituales, film dirigido en 1995 por  Bryan Singer.

Verán el guionista Christopher McQuarrie junto al director Bryan Singer, eran dos jóvenes cineastas que todavía estaban intentando abrirse camino en Hollywood. Antes de esta película, Singer apenas había dirigido el thriller independiente Public Access, pero eso sí con el aura de ser el ganador del Gran Premio del Jurado en Sundance, por otro lado el guionista McQuarrie trabajaba prácticamente desde cero, escribiendo historias y sobreviviendo con empleos ocasionales dentro de la industria.

La idea de la película surgió a partir de una imagen muy simple: cinco criminales alineados en una rueda de reconocimiento policial. A partir de ahí, McQuarrie comenzó a construir un relato lleno de engaños, narradores poco fiables y referencias al cine negro clásico. Y es en este punto donde el film crece y se alza por encima de todo lo realizado en el momento, verán a diferencia de los policiales que se hacían en aquellos noventa, directos, con tramas simples, la historia de Sospechosos habituales tomaba la estructura compleja al estilo del guión del Halcón Maltés, una narración que camina del pasado al presente de forma constante y que obliga al espectador a estar atento a cada detalle con el riesgo de que este se pierda.

El proyecto que se estába realizando por los jovenes cineastas llamó la atención del productor Kennet Kokin, amigo de Bryan Singer y que se encargó de mover el proyecto por productoras, al final no pudo conseguir un estudio grande, pero si la union de varias productoras independientes, PolyGram Filmed Entertainment, Spelling Films y Blue Parrot, que apostaron por una película pequeña pero muy ambiciosa narrativamente. Sin una mayor detrás, todo el recorrido por salas se la jugaban en el mundo festivalero con un  estreno en el Cannes bastante prometedor y creo un boca a boca que llamó la atención de todo el mundo, empezando así una trayectoria que le llevaría a Ganar dos Oscar de la Acamia de Hollywood, a mejor guión y a mejor actor secundario para Spaicy.

Pero ahora es el momento de hacer un alto en el camino, y contaros de que va esta película, tranquilos los que no la hayáis visto por que en este canal no hacemos spoiler.

La policía de Nueva York se encuentra un escenario dantesco cuando un asunto de drogas en un barco se salda con una masacre, pero la suerte ha querido que dos de los asistentes hayan escapado, un marinero que está totalmente quemado y un ladrón de poca monta tullido. Gracias a la confesión del tullido, consigue la inmunidad pero curiosamente algo más que un asunto de drogas se esconde, por lo que la policía le somete a un último interrogatorio, allí el delincuente les cuenta de como se formó un equipo delincuencial gracias a una rueda de reconocimiento y cómo empezaron a dar golpes hasta llegar al asunto del barco, pero algo más oscuro se esconde, un personaje casi mitico, un turco criminal llamado Kaiser Sosek y hasta aquí te voy acontar el resto de la trama la tienes que ver tu. Y disfrutarla, por que es una joya.

Ahora tras la sinopsis permiteme un parentesis para preguntarte si estás suscrito. Si no lo estás aún, sólo decirte que nos dedicamos a reseñar películas sin hacerte spoiler de todos los géneros, pero enfocados al cine clásico e independiente, permitenos ser ese amigo que te aconseja películas y que te cuenta todo lo necesario para que valores si es así. si crees que podemos serte util, no lo pienses más y dale al botón y a la campanita y forma parte de nuestra familia de cinefilos, por otro lado si te está gustando la reseña, regalame un like y si estás a tiempo, nos puedes ayudar con un Hype. dicho lo dicho, vamos allá.

pues Uno de los grandes aciertos de Sospechosos habituales fue reunir a un reparto espectacular justo antes  de que muchas de sus carreras se consolidaran en la industria. La película acabó funcionando como escaparate para varios actores que después se convertirían en grandes nombres de Hollywood. 

Verbal Kint — interpretado por Kevin Spacey veran. En aquel momento Spacey era un actor muy respetado en teatro y cine secundario, pero todavía no era una estrella mundial. Había llamado la atención en películas como Glengarry Glen Ross o Se7en, estrenada ese mismo año. Sospechosos habituales fue el papel que lo lanzó definitivamente al primer nivel gracias a su interpretación aparentemente frágil y llena de matices.

Dean Keaton — interpretado por Gabriel Byrne que era probablemente el actor más consolidado del reparto. Venía de trabajar con directores prestigiosos y de participar en películas como Miller's Crossing. Su presencia aportaba credibilidad y peso dramático a la película. 

Michael McManus — interpretado por Stephen Baldwin actor que estaba intentando abrirse camino en Hollywood durante los años 90 con la sombra de su hermano. Aún no tenía grandes papeles icónicos, y esta película se convirtió en uno de los trabajos más recordados de su carrera gracias a su personaje impulsivo y agresivo. 

Fred Fenster — interpretado por Benicio del Toro que todavía era prácticamente un desconocido. De hecho, decidió crear el extraño acento y la forma de hablar del personaje porque pensaba que Fenster moriría pronto y quería hacerlo memorable. La jugada salió perfecta: muchos críticos comenzaron a fijarse en él a partir de esta película, años antes de convertirse en estrella con Traffic. 

Todd Hockney — interpretado por Kevin Pollak, era conocido principalmente como humorista y actor cómico. Su presencia ayudó a equilibrar el tono oscuro de la película con momentos más irónicos y naturales dentro del grupo criminal. 

y Dave Kujan — interpretado por Chazz Palminteri otro de los pocos actores con trayectoria en la cinta, acababa de triunfar gracias a A Bronx Tale y se encontraba en uno de los mejores momentos de su carrera. Su interpretación del agente obsesionado con descubrir la verdad aporta la tensión central del relato y un rostro reconocible en el momento para llevar a espectadores a la sala

esa mezcla de actores conocidos y otros desconocidos pero talentosos ayudó muchísimo a que el público creyera en los personajes y en el misterio de la historia. 

Y ahora viene el momento de decirte si esta película es para ti.

a ver, como hemos dicho antes, la historia requiere de toda tu atención 

Y quizá ahí está precisamente la grandeza de la pelicula. No es una obra que te lleve de la mano. Exige atención, obliga al espectador a conectar piezas y juega constantemente con giros narrativos en diferentes tiempos, pasados y presentes. Su estructura puede resultar compleja en un primer visionado, y es muy fácil perderse entre nombres, traiciones y medias verdades. Pero precisamente por eso funciona tan bien.

Cada diálogo, cada mirada y cada pequeño detalle parecen colocados con precisión quirúrgica para conducirnos hacia uno de los finales más famosos de la historia del cine. Es una película que cambia completamente cuando la vuelves a ver, porque entiendes que el verdadero juego no estaba solo en descubrir que ha pasado realmente en el barco… sino en darte cuenta de cómo los acontecimeintos han transcurrido

Si os gustan los thrillers inteligentes, el cine negro moderno y las historias que respetan la inteligencia del espectador, Sospechosos habituales sigue siendo, más de treinta años después, una obra imprescindible.

Y no te apures, va a ver momentos en los que la trama te pierda, pero está hecho a drede, luego el final te lo ata todo de una manera tan rotunda que se ha convertido en un ejemplo de cómo terminar una película.

Y con esto me voy a despedir de vosotros esperando que os haya gustado y si es así, me hayas dado un like, nosotros por nuestro lado nos vamos a marchar, no sin antes desearte que seas feliz o que luches por ello, no hay mejor lucha que esa y segundo y como no puede ser de otra forma, que vivas el cine 

 

 

  

Mi querida señorita 2026

 vamos a arrancar fuerte, verán, Mi querida señorita es una obra, delicada, sublime, írreverente, inteligente para público inteligente, directa y maravillosa, hablo por supuesto del film de 1972, este remake del 2026 pues es otra cosa, podriamos decir que está creado para un público más actual y eso no es bueno precisamente.

Me gustaría no empezar diciendo lo que voy a decir, y es que el film tiene el peor pecado que una película puede tener, aburre soberanamente, si he aguantado hasta el final fue por el compromiso que tenía con vosotros, por reseñarla como es debido, viendo todo el metraje hasta el final, final que veía tan lejos que he terminado agotado y para no alargar mas este suplicio vamos a por la reseña.

Así que, bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, con todos ustedes el remake de Mi querida señorita de Fernando González Molina en este 2026.

Pues tengo que ser sincero, creía que me iba a gustar, verán, el film tenía producción de los Javis dos directores originales, gamberros, con un sentido del humor muy fino y tienen ya un acercamiento a mi querida señorita con su serie más exitosa Paquita Salas, donde el cómico Brais F hace de la dueña de una agencia de representancion de artistas muy parecida a la Adela de Arminñan.

Por otro lado, el guión del que parte Alana S. Portelo es solidísimo, apenas hay margen para echar a perder la historia y bueno González Molina no es un director de trayectoria intachable, tiene algúna serie interesantilla y poco más, pero claro tienen como ejemplo un film con una nominación al Oscar de Hollywood con lo que debe tener muy mal día para llevar a pique esta película a pesar del poco oficio en el largometraje que tiene.

Pues aquí los astros se han alineado, todo es peor que el film del que parten y cuando digo todo es todo y cuando un remake no consigue mejorar en ningún aspecto al original, se muestra como una obra totalmente prescindible.

El mayor problema es el guión, la señora Portelo toma el original y se carga todo lo de bueno que tiene la historia, se carga de un plumazo todo el sentido del humor que emana el original, siendo esta película una turra constante con la identidad de género, homofobia y los dramas personales.

La historia de amor, es sólo la excusa para mostrar el drama de la nueva adela y es que mientras que la de Armiñan el amor lo es todo en la película, el ley motiv, en esta es el drama intersexual, la relación con los padres y con ella misma, vamos un discurso constante que te hace desear que termine la película.

por otro lado, la historia directa de la primera obra con sólo 3 personajes principales, Adela, la doncella y el director del banco en el que el resto de elementos como el cura, el novio de la doncella o los personajes de Madrid són solo elementos accesorios que apenas tienen más peso que el del momento en el que salen. En esta se abre a una historia más coral, Adela no es la protagonista absoluta, estla la fisioterapeuta medio hyppy, el cura gay y las amigas de Madrid, los padres de Adela, la abuela, el director del banco y algo que sinceramente me ha enfadado, el crimen de Rocio Banincof un crimen real ocurrido en España y que creo que es innecesario abrir cicatrices en las familias afectadas en el suceso para meterlo en una película de ficción, es que no se necesita hacer esas cosas que como poco me parecen crueles y gratuitas.

con todo esto, el metraje no fluye, se arrastra lentamente por la pantalla sin que avance la historia y con el bucle constante de pobrecita Adela, pobrecita Adela y que pena dan todos sus dramas médicos.

Si me tuviera que quedar con algo de este film, siendo muy, pero que muy generoso me quedo con el papel de Eneko Sagardoi. No puedo quedarme con el papel de Elisabeth Martinez por que sólo tiene un registro en toda la película, me sorprenden los halagos que recibe cuando su rostro no cambia cuando tiene el accidente, cuando recibe la noticia del médico o cuando se encuentra a la fisioterapeuta, muy floja en el oficio actoral, decir que está a años luz de la interpretación de Jose Luis Lopez Vazquez es quedarse corto.

Y en cuanto al ritmo que le imprime el director, a pesar de que encuadra bien y sabe colocar la cámara, la historia no fluye, la musicalidad de la obra va a trompicones y es que al final les ha venido grande a todos.

Veréis, no se puede enmendar la plana a un guion de Armiñan por parte de una guionista novata, en el que mete todo lo politicamente correcto a Adela, el personaje es plano a más no poder, mientras que el personaje de Armiñan es una puritana señora solterona de 43 años, aquí adela es una pobre muchacha victima del bulling, incomprendida, maltratada por los padres que sólo busca que la acepten como és. Pufffff... es que sólo definirla me da pereza. La guionista no de grises o son buenos o malos, tienen una construcción infantiloide a más no poder alejando del interés ambiguo y cargado de matices que tenía la obra del 72. 

Por otro lado, el director no tiene una película buena, ni medio buena, no sé quien pensó que esta iba a ser la primera y no no lo es, gran parte del problema es suyo, los actores estan bien pero no les saca provecho, cuando hay ritmo natural, como la primera escena, la del coche cuando sufre el accidente, pues está fantastica, pero cuando tiene que tirar de oficio por que la trama es densa, este no está y permite aburrir al público.

No sé si alguien muy comprometido o fan de los actores puede darle un aprobado a la cinta, yo no puedo y eso que para puntuarla intento alejarme del original por que si no la comparativa sería demoledora y es una pena, por que mucha gente joven sólo va a conocer esta versión y dejarán de lado la joya que fue el film de Armiñan,

No voy a seguir, ya que creo que he dejado claro lo que pienso, no la voy a recomendar, si quieres te metes bajo tu responsabilidad y ojala te guste. A mi no.

Y con esto me voy a marchar y a despedirme de todos vosotros, pero que para compensar, proximo video, voy a reseñar una película de este año, una versión de una novela que si me ha gustado y que espero que disfrutéis, pero hasta que llegue ese momento, ser felices o luchar por ello y apesar de los pesares que viva el cine

 

La larga marcha

 

Verán, vivimos en una época en la que nunca se han hecho tantas películas… y, paradójicamente, nunca ha sido tan fácil que algunas desaparezcan sin dejar rastro.

Las plataformas necesitan contenido constante, los estrenos se amontonan semana tras semana… y en medio de ese ruido, hay películas que no es que sean malas, es que simplemente… nadie llega a verlas.

Películas que merecen más. Películas que deberían encontrar a su público.

Y precisamente para eso existe este canal CINEFILIA: para rescatar esas historias que han pasado de largo, para poner el foco en obras que acabaran amontonandose entre films mediocres o poco acertados… que jamás te aconsejará un algoritmo

Y es que esta, es una de esas películas que, sin hacer demasiado ruido, tiene más que decir de lo que parece a simple vista. Y ahora sí

Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia con todos ustedes, La larga marcha, film rodado en el 2025 por Francis Lawrence.

Pero antes de entrar en la película, merece la pena detenernos un momento en la figura de su director.

Porque estamos hablando de un cineasta que no suele acaparar titulares, que no tiene detrás una legión de fans ni campañas virales cada vez que rueda una película… y que, sin embargo, lleva años construyendo una filmografía más que sólida y más gloriosa de lo que muchos imaginan.

Un nombre que, para parte del público, puede sonar incluso desconocido… pero que es responsable de algunas de las obras más interesantes dentro del género en los últimos años.

Hablamos de Francis Lawrence.

Un director que ha sabido moverse entre grandes producciones y propuestas con un tono más oscuro y reflexivo, dejando su sello en títulos como Soy Leyenda, remake del mítico Omega man, donde ya exploraba la soledad y la supervivencia en un mundo devastado…

o Constantine, una película que con el tiempo se ha convertido en obra de culto dentro del fantástico…

sin olvidar su trabajo en la saga de Los juegos del hambre, donde demostró una gran capacidad para manejar relatos de gran escala sin perder el foco en los personajes.

Un director que quizá no siempre está en primera línea mediática… pero que está dentro de los grandes autores de la actualidad, siempre con una visión muy humanista de las historias que cuenta y es precisamente ahí donde encaja La larga Marcha.

La película adapta una novela de Stephen King, publicada originalmente bajo el seudónimo de Richard Bachman. Una etapa en la que King exploraba historias mucho más crudas, más pesimistas e incómodas. Alejadas de sus obras de terror, King exploraba las relaciones humanas en casos extremos, llevando sus narraciones a futuros distópicos pero muy reales como en la Larga Marcha. Porque si algo define esta obra, es precisamente su sencillez en la forma y su dureza en el fondo: una idea aparentemente simple que poco a poco se convierte en una reflexión brutal sobre la resistencia, la presión social y los límites del ser humano.

Aunque no pertenece al King más “popular”,  supo crear una historia que enganchaba al lector desde su primera página, recuerdo leerlo cuando tenía unos 16 años y convertirse en mi libro de cabecera, sin saber que era King quien estaba detrás. Pero ¿Cómo hacer una película de una novela que se basa casi en su totalidad sobre reflexiones personales de los protagonistas?

Y aquí es donde entra el trabajo de J. T. Moliner.

Porque adaptar a King siempre implica tomar decisiones. Y en este caso, Moliner no busca una fidelidad literal, que sería por otro lado imposible de adaptar de esa forma, sino algo más interesante: capturar el espíritu de la obra y crear con el una historia lo más fiel posible a la esencia de la novela.

Hay cambios, hay reinterpretaciones… incluso hay momentos que se alejan claramente del material original, por lo que los más puristas quizá se sientan provocados a poner el grito en el cielo. Pero lejos de traicionar la novela, lo que hace es traducirla a un lenguaje más cinematográfico, más accesible para el espectador, sin que la esencia del mensaje desaparezca.

Y claro… llevar La larga marcha al cine no es precisamente un camino fácil.

Porque estamos hablando de una historia que, sobre el papel, es tremendamente sencilla… pero cinematográficamente muy complicada: personajes caminando durante casi toda la narración, sin apenas cambios de escenario, con un ritmo que depende más de la tensión psicológica que de la acción.

Eso, en cine, es dinamita… o un desastre, no hay punto intermedio.

Y ahí es donde el enfoque de J. T. Moliner resulta clave.

En lugar de intentar “inflar” la historia con artificios innecesarios, decide abrazar su naturaleza: convierte la repetición en atmósfera, el cansancio en lenguaje visual y el paso del tiempo en un elemento casi físico.

Francis Lawrence usa planos que se alargan hasta el extremo, encuadres que empiezan a resultar incómodos, silencios que pesan más que los diálogos más aterradores… todo está diseñado para que el espectador no solo vea la marcha, sino que la sienta.

el gran riesgo aquí era caer en la monotonía, el director lo soluciona con el ritmo inteligente de la dosis de información que dan los protagonistas, de la creación de un vinculo real entre los personajes y los espectadores en una narrativa que más que la monstruosidad del ser humano, que existe, se centra en el lado más luminoso y humano.

Ahora creo que ha llegado el momento de contaros un poco de que va la historia, tranquilos espectadores que en este canal no hacemos spoiler para que puedas ver la obra de principio a fin.

Imagina una competición sin meta, una marcha en la que tienes que caminar sin parar, con un premio descomunal, no sólo la riqueza que te dará, si no que además te proporcionan un deseo que no se puede pagar con dinero.

Imaginate que el mundo donde se da esa marcha, es un pais de postguerra, donde el hambre, la miseria es la tónica natural de los habitantes de ese país y que un grupo de jóvenes pueden salir de la miseria participando en una competición tan sencilla como exigente: caminar a un ritmo constante, sin detenerse jamás. No hay meta visible, no hay descanso… solo una regla clara: si fallas tres veces, estás fuera del juego.

A lo largo del recorrido, lo que empieza como un desafío físico se convierte en algo mucho más profundo: una lucha mental, emocional… y moral.

Durante la marcha conoceremos a jovénes maduros e inmaduros, a tipos luminosos y personajes más sombrios, pero todos bajo la atenta mirada del comandante. Un hombre que arenga a los jovénes a la vez que no tiene misericordia con ellos.

Y hasta aquí te voy a contar el resto de la película tienes que verla tu.

En el circuito de festivales, La larga marcha ha sido una de esas películas más que recordadas.

Su recorrido comenzó ya con fuerza en su estreno dentro de la sección oficial de género en festivales especializados como Sitges, donde rápidamente llamó la atención por una razón muy concreta: no es una adaptación habitual de Stephen King, y eso la convirtió en un título de debate inmediato entre crítica y público. A partir de ahí, la película empezó a moverse como una propuesta incómoda pero muy respetada dentro del panorama de cine fantástico y distópico, funcionando especialmente bien en espacios donde el público ya está acostumbrado a ver cine de género con ambición autoral.

Detrás de todo esto está la estrategia de la productora, que en este caso ha apostado claramente por un enfoque muy concreto: no convertirla en un blockbuster genérico, sino posicionarla como una adaptación “seria”, casi de autor dentro del cine comercial, usando el altavoz del circuito festivalero.

La implicación de estudios como Lionsgate y Vertigo Entertainment ha sido clave para esto, apostando por un director como Francis Lawrence, que ya venía de manejar grandes franquicias, pero que aquí ha optado por un enfoque mucho más contenido y psicológico.

La jugada de producción es bastante clara: utilizar el prestigio del material original de Stephen King —en su etapa más oscura como Richard Bachman— y combinarlo con una puesta en escena más arriesgada, menos comercial de lo que podría parecer a primera vista.

El resultado es una película que se ha movido muy bien en festivales de género, generando conversación precisamente por eso: porque no busca agradar a todo el mundo, sino incomodar, dividir opiniones y mantener viva la esencia dura del texto original.

Y para terminar, creo que esta es una de esas películas que conviene recomendar con matices.

Porque La larga marcha no es una película pensada para todo el mundo, y ni siquiera lo pretende.

Si eres de los que disfrutan del cine de tensión contenida, del que te incomoda más por lo que sugiere que por lo que muestra, y te atraen las historias donde el verdadero conflicto ocurre en la mente de los personajes… entonces es muy probable que esta película te funcione muy bien.

Sobre todo si te interesa ese Stephen King más crudo, más social, más pesimista, el de las ideas simples que esconden algo mucho más profundo.

Ahora bien…

Si buscas ritmo constante, cambios de escenario, acción frecuente o una narrativa más tradicional, es posible que aquí encuentres una experiencia más irregular. No porque la película esté mal planteada, sino porque su propio concepto exige repetición, pausa y desgaste… y eso no siempre es fácil de llevar como espectador si lo que buscas es otra cosa.

De hecho, ese es su mayor riesgo las espectativas del espectador, porque La larga marcha no quiere entretenerte en el sentido habitual de la palabra, si buscas algo similar a los Juegos del hambre, este film está a mil kilometros del él

Y bueno, ya vamos a dar por temrinada está reseña, no sin antes pedirte un par de cosas antes.

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Y bueno, ya sólo me queda despedirme de todos vosotros con dos deseos, el primero es que intentes ser feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y cómo no puede ser de otra forma, que vivas el cine. 

 

 

    

 

 

Mi querida señorita

 En 1972, con el regimen franquista en sus horas bajas, Jaime de Armiñán se atrevió a hacer una película imposible y con un guion complejos cómo pocos, verán, puede parecer una comedia y no lo és, puede parecer una película de reivindicación politica y tampoco, era simplemente una historia de amor, extraño, atípico pero amor al fin y al cabo.

Resultando un film inmortal, una obra sublime del cine al que se ha vuelto a revisitar este año en forma de remake y es necesario por nuestra parte, poner a cada una de las obras en su lugar.

Así que bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, con todos ustedes Mi querida Señorita, film dirigido por Jaime de Armiñan en 1972.

Verán, esta película podría haber caido en la trampa de lo esperado, el guion escrito a cuatro manos entre Borau y el propio Armiñan en manos de un director menos eficaz habría caido en el esperpento, en la comedieta costumbrista o lo que es peor en el cine político, en cualquiera de los casos, la obra abría perdido quilates ya que su narración directa de un amor imposible, la lucha por encontrar una persona su lugar en el mundo sin más conflictos que los propios, hizo que esta obra se alzara como una rara avis dentro del cine, no sólo español o europeo, si no que marcó un punto de inflexión en el cine universal.

Verán, voy a contaros un poco de esta película, me gustaría que no supierais nada y que os dejarais llevar por esta peculiar historia y cabalgar a lomos de su trama hasta ese maravilloso final que tiene.

Pero ni el poster ayuda, ni los miles de espoiler del film tampoco. pero por si acaso no sabes nada de ella, voy a evitar contarte más de lo necesario.

Adela es una solterona de pueblo, religiosa y puritana como pocas, no ha tenido suerte con los hombres quizá por ser poco agraciada y bastante masculina, el mayor secreto es que tiene que afeitarse cómo si fuera un hombre.

Su vida se reduce a ir a misa, coser y tocar el piano acompañada de su joven asistenta. Un día tras un accidente de coche, conoce a un viejo amigo y este la propone matrimonio, pero algo no funciona y siguiendo las indicaciones de su parroco, decide visitar al médico.

Y hasta aquí te voy a contar, el resto de la película tienes que verla tu y creeme que disfrutar de esta delicia.

La película, que contiene un humor finisimo, dista mucho de ser una comedia, el film nos cuenta una historia, cómo si fuera una fábula, no hay que sorprenderse de que el guión pasase la censura de la época, ya que no había nada que censurar.

La trama, está llena de personajes humanos y buenos. Un parroco moderno que juega al futbol y no condena el biquini, el director de banco que ve en Adela esa vuelta a su juventud, cuanto no tenía a las pesadas de sus hijas y de una doncella que por joven es alocada y por supuesto Adela, esa mujer atrapada en la soltería, quizá la mayor condena que podía acarrear una mujer madura en la época, que por costumbre se ha resignado a su fealdad másculina.

Para ello Armiñan podía haber tomado dos caminos, una mujer con rasgos viriles o un actor capaz de transformarse en una mujer y tomó este camino contando para ello, quizá al mejor actor que ha dado el cine español, Jose Luis López Vázquez.

Verán, cualquier actor que no estuviera a la altura del gran López Vázquez habría creado una adela afeminada, con ademanes exagerados, propios de un hombre cuando hace de mujer, Vázquez se transforma en mujer, la delicadeza de sus gestos, su movimiento, hasta su forma de mirar es femenina, haciendo un trabajo demoledoramente real, no en vano era el mejor cómico de su tiempo y decir eso es ponerle muy alto en el escalafón actoral y he de decir que pocos actores han tenido un papel tan complicado. 

Por otro lado el pulso del director, que empezó como guionista, el gran Jaime de Armiñan.

Tómo una historia creada por el y por Jose Luis Borau, otro grande del cine Español y lo llevó a un sitio inesperado, imaginaros al espectador de la época, una mujer tan máculina que parece un hombre, interpretada por el cómico del momento, cualquiera pensaría en una estracanada, una comedieta de bodebil plagada de chistes facilones y sin embargo es una deliciosa historia de amor y lo que es más importante, cual es la posición en el mundo del protagonista y que nos hace reflexionar, cual es la posición en el mundo de nosotros mismos.

La película no iba a quedarse como un film más, una de esas obras españolas buenas que se quedan aquí. No, lo peculiar del film la llevó a lo más alto del cine universal, optar al Oscar de Holliwood como nominada a mejor película estranjera, pero al igual que a Adela, nada le sale del todo bien ya que se enfrentó ese mismo año con el film de un gigante y además uno de sus más gloriosos. El discreto encanto de la burguesía, de Luis Buñuel. Y así, España o mejor dicho, Adela,  perdió el premio… frente a otro español universal. Ironías maravillosas de la historia del cine.

Pero como en la película, no todo está perdido. Hoy, Mi querida señorita no solo sigue viva: sigue siendo moderna, valiente y necesaria. Y cómo ocurre tantas veces, con tantas grandes películas, se las revisita en forma de remake de la mano de Fernando González Molina.

He decidido hacer esta reseña de un film que amo, que está dentro de las películas de mi vida, con un actor al que mi admiro y que para mi, está a la altura del gran Jack Lemmon. Justo antes de ver el remake. Quiero que no me defraude, quiero sinceramente que me guste y espero que sea una digna sucesora de este film, pero el resultado os lo contaré la semana que viene, con total honestidad, cómo no puede ser de otra forma.

Si no estás suscrito, valora si piensas que este canal te puede ser útil, a nosotros nos encataría verte de nuevo, si te he dado a conocer el film o simplemente te lo he recordado y me lo quieres agradecer, dale al like o al Hype, con eso es suficiente y si quieres comentarme algo sobre este film, escribeme y encantado te responderé.

Y ahora si. Intentar ser felices, no hay mejor lucha que esa y por último y como no puede ser de otra forma, que vivas el cine

¿No la conoces? Películas que debes descubrir #1: L'Emmerdeur

 Verán, en el cine, no todo lo que sobrevive en el tiempo lo hace por méritos artísticos. Muchas veces lo que perdura es lo que ha sido amplificado por la maquinaria industrial de Hollywood: su distribución, su relato, su capacidad de convertir en éxito casi cualquier cosa gracias a su maquinaria de propaganda. realizan un marco muy cerrado de lo que tienes que ver.

Pero fuera de ese foco, especialmente en Europa, se han hecho películas extraordinarias que nunca han tenido ese eco. Obras brillantes, a veces incluso más audaces, más libres o más inteligentes… que esas obras made in Hollywood.

Este es el inicio de un ciclo dedicado a eso: películas imprescindibles, totalmente desconocidas hoy, pero increíblemente buenas.

Cine europeo que merece volver a ser visto.

Y este, tu canal de consejos de cine, va a crear un ciclo de cuatro películas que debes conocer.
Películas que probablemente no están en las listas habituales, ni en el recuerdo de los amantes al cine… pero que deberían estarlo.

Así que prepárate tu bebida favorita, descansa en tu sillón y acompañame en esta primera película de ciclo que os he preparado.

Y ahora si, bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA con todos ustedes L'Emmerdeur, película dirigida en 1973 por Eduard Molinaro.

Verán, el director francés que es uno de esos autores europeos copiados en Hollywood, su  jaula de las locas se convirtió en  Una jaula de grillos en el remake norteamericano. Realizó en 1973 una de esas joyas majestuosas, una comedia negra, disparatada llamada Lénmerdeur que se traduciría literalmente El enmerdador pero claro era un título poco apropiado y lo retitularon como el Embrollón.

Para captar tu atención y que veas que esta película tienes que verla, vamos a saltarnos todos los preambulos e ir directamente a contaros de que va.

Veréis. La mafia francesa tiene un problema, un delator va ha decir todo lo que sabe frente a un tribunal, así que llaman a Ralf Milan, interpretado por el gran Lino Ventura, verán Milan es un asesino a sueldo, un hombre que trabaja solo, metódico, discreto… casi invisible.

Un profesional que no deja cabos sueltos, no improvisa. un asesino que entra, mata… y desaparece.

En el hotel, dónde va a ejecutar su encargo se encuentra hospedado Fransua Piñon, un fabricante de camisas, un hombre corriente al que su vida se ha puesto patas arriba, se ha desmoronado por culpa de que su mujer lo ha abandonado por su psiquiatra.

En el momento en que Milan prepara el asesinato Piñon intenta suicidarse sin éxito. con el peligro de que el camarero llame a la policía y desbarate el plan, decide ayudar a Piñon, lo que no imagina Milan es que Piñon es un pesado de primera al que los problemas parecen que siempre van a él, todo un enmerdador.

Y hasta aquí te voy a contar, el resto de la película tienes que verla y disfrutarla tu, una de esas joyas que siempre que me piden un film diferente para pasar el rato, siempre aconsejo, por que tiene absolutamente de todo, pero si destaca en un aspecto es por su humor, que convierten a este thriller en una fantástica comedia.

Detrás de esta película está el escritor Francis Veber, uno de los grandes guionistas de la comedia francesa.

Veber es el creador de un tipo de humor muy particular: situaciones extremas construidas desde lo cotidiano, donde los personajes no son caricaturas, sino personas normales empujadas al absurdo.

En su carrera de escritor tiene títulos que seguramente ya conoceras como son La cena de los idiotas o La cabra, y obras  adaptadas por Willy Wilder, Richard Donner o  James Burrows  en Aquí un amigo, su juguete favorito o algo más que colegas. Así que te puedes imaginar la calidad de este film si te digo que está a la altura de esas grandes obras.

En el caso de esta película, la idea nace de un concepto muy simple pero muy potente:
¿qué ocurre si juntas a un hombre al borde del suicidio con un asesino profesional que solo quiere hacer su trabajo?. A partir de esa premisa, Veber construye una comedia de precisión casi matemática, donde todo depende del contraste entre dos mundos que no deberían encontrarse nunca.

Y ahí empieza realmente la película una pelicula basada en dos personajes que tienen que ser interpretados por dos grandes actores o la película se cae.

Los elegidos fueron Jacques Brel y el imponente Lino Ventura. 

En principio esta dupla no debería de funcionar, verán 

Brel no venía del cine, venía de la música, del escenario, de una intensidad emocional casi desbordada. Aunque ya había interpretado algo en cine, se debía de enfrentar contra una leyenda del polar francés como era Lino Ventura, pero cuando los juntas en pantalla ocurre algo muy particular, la mezcla funcionaba, el aspecto de tipo vulnerable de Brel encajaba perfectamente con el aspecto imponente de Ventura, creando por un lado contraste y por el otro tensión.

Esa tensión entre el exceso emocional de Brel y la frialdad contenida de Ventura es lo que sostiene gran parte de la película… y lo que la hace funcionar. Sin ellos esta película no sería la misma. De hecho no es la misma, verán en el 2008 se realizó un remake moderno de esta obra, mas dapatada a los nuevos espectadores, más moderna, más actual y más desastre, sin la pareja de Brel y Ventura todo parece que es mentira, nada se siente igual por lo que mi consejo es sincero, ve a la fuente original, esta obra del 73 es magnifica e intemporal.

Un consejo sincero de cine, una película que seguramente no conocerás pero una vez vista no va a olvidar. 

Ahora pedirte que te suscribas es tontería ya que este vídeo no lo va a patrocinar youtube por que no es una película que la gente busque por que carece de esa maquinaria publicitaria, como hemos dicho antes y nadie ageno al canal creo que la descubra, así que seguro que ya estás suscrito, pero oye que si por casualidad no lo estás, dale al botón y  a la campanita. Lo que si que os pido a los veteranos es el like y el Hype, no lo repito más para no aburrirte, así que ya sabes.

Y ahora volviendo a la reseña contarte que este film apenas salió de francia, auqnue fue un exito allí, no se exportó al resto del mundo y quizá por eso ha quedado en un segundo plano durante tanto tiempo. Pero tambien porque este film no busca impresionar, su comedia trabaja en otra capa: la del detalle, la situación, el ritmo interno de los personajes, en definitivo a pesar de lo peculiar de los acontecimientos nace desde lo cotidiano y ahí está su valor.

Porque cuando la revisitas, entiendes que hay películas que no necesitan formar parte del gran relato del cine para ser importantes. Solo necesitan ser vistas.

Y esta es una de ellas, la primer de un ciclo que espero que no te pierdas. Y bueno ahora ha llegado el momento de terminar esta reseña y consejo de cine, primero deseando que seas inmensamente feliz o luches por ello y segundo y como no puede ser de otra forma que vivas el cine

 

 

 

 

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Las 24 horas de Lemans

 

Verán, os voy a dar un dato que ha muchos de vosotros os va a sorprender.  Fijense, los primeros coches a motor realizados en serie data de 1894 y las primeras carreras de resistencia se dieron en 1905 que fueron el RAC Turist Trophy y el Targa Florio un año despues, pero si hay una carrera mítica que mezcla velocidad y resistencia, esa es la mítica carrera de las 24 horas de Lemans que lleva realizandose desde 1923 un gran premio que mezcla la épica de las carreras largas y la velocidad, dónde no se pone a prueba sólo la resistencia y desgaste de la máquina si no tambien la de los pilotos.

 esas carreras donde no gana el más rápido… sino el mas resistente en todos los aspectos.

Así que era cuestión de tiempo que el cine se fijara en dicha carrera en un film que busca ka experiencia más pura que existe en el cine sobre lo que significa competir en esas maratones del motor

Así que ahora si. bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA con todos ustedes el film dirigido por Lee H. Katzin en 1971 titulada Las 24 horas de Lemans.

La historia de cómo se gestó Las 24 horas de Le Mans es, en sí misma tan fascinante como la propia película. primero por el gran reto que resultó ser, al igual que la película que ya hemos reseñado en el canal el Grand Prix, film al que le debe mucho esta obra, no había una novela de éxito de la que tirar, no había un material previo que adaptar, no existía una historia consolidada sobre la que construir el guion.

Tampoco había una gran productora ni un plan de explotación, verán  este proyecto nace de una obsesión personal. La de Steve McQueen.

McQueen que era un aficionado a la velocidad quería hacer la película definitiva sobre lo que se siente al correr. Una de sus pasiones, otra eran las mujeres, pero bueno de ese caso quizá lo abarquemos en otro vídeo

Solar Productions, la productora del propio McQueen, en colaboración con Cinema Center Films, una división cinematográfica vinculada a la televisión estadounidense.  Arrancaron con este film realizado por y para McQueen, esto tenía una ventaja enorme, nadie le iba a decir al bueno de Steve como hacer su película pero tambien un gran problema.

Verán cómo hemos dicho antes, este film no tenía una historia de la que viviera, una novela  o un relato previo, no, venía de la obsesión de McQueen y de su dinero y a ¿Quien contrató para escribir la historia? pues a un guionista de su confianza Harry Kleiner que había sido el coguionista de Bullit. El escritor se puso a trabajar pero la película empezó sin tener el guión terminado, teniendo que ser construido sobre la marcha, aún así y gracias a la maestría de Kleiner este aspecto pasa desapercivido al espectador, pero que resultó ser una autentica pesadilla y es que verán

El sistema de escritura era el siguiente. El equipo de rodaje que contrató Mc Queen grabó escenas reales de la carrera, grabaron todos los recursos de los pilotos y realizaron la visión de los coches a toda velocidad y con ese material el guionista debería darle forma y no al reves como habría sido lo normal.

Y todo venía por que McQueen no solo era actor… era piloto. Amaba competir, amaba correr, y quería hacer la película definitiva sobre las carreras de resistencia.

Después del éxito de Bullitt, donde ya revolucionó las escenas de conducción en cine, decide ir un paso más allá: eliminar casi todo lo que no sea la carrera.

Claro y no puedes pedir a un director consagrado que se pliegue a esos requisitos, pero tampoco puedes dejarlo en manos de alguien ineficaz, entrando aquí la tercera pata de esta historia  Lee H. Katzin.

El director fue quien tuvo que sacar adelante un proyecto que, en muchos momentos, estuvo completamente fuera de su control, remando contra viento y marea.

Lee H. Katzin no era un nombre especialmente conocido para el gran público.

No estamos ante un autor de filmografía icónica ni ante un director de grandes éxitos en taquilla. Su carrera se desarrolló principalmente en televisión, trabajando en series y proyectos donde primaba la eficacia narrativa sobre el estilo personal.

Para Katzin realizar un film con Mqueen era un salto enorme en su trayectoria y eso lo sabía el propio McQueen por lo que fue el elegido para que por un lado dirigiera su película pero por otro lado se plegara ante sus deseos y esos deseos cambiaban de toma en toma y de día en día resultando un caos tanto para el director como para el guionista.

su dirección consigue algo muy difícil: dar coherencia a una película que, por su propia naturaleza, tiende al caos.

Mantener el tono, respeta esa apuesta radical por el realismo, y al mismo tiempo construye una experiencia cinematográfica que, aunque atípica, funciona.

Las 24 horas de Le Mans es, con diferencia, su obra más conocida, la que ha trascendido con el tiempo y la que sigue siendo revisitada por nuevas generaciones.

Pero aquí viene un detalle muy interesante para los seguidores del canal, porque si echamos la vista atrás, encontramos una conexión directa con otra película que ya hemos reseñado aquí. ¿Qué fue de tía Alice?.

Una pequeña pero hermosa historia de detectives y asesinatos que es uno de esos film poco conocidos que adoro y que si no la conoces os dejaré al final del vídeo un enlace para que disfrutes y conozcas esa maravillosa película de este desconocidisimo director.

Y bueno, ahora ha llegado el momento de contaros de que va la película, como siempre sin spoiler para que puedas disfrutar el film. pero dejame que te pregunta un par de cosas.

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Pues bien, vamos allá.

Estamos en Le Mans.

El piloto Michael Delaney se enfrenta no solo a sus rivales, sino a su propio pasado. A un accidente que marcó su vida y la de otros.

A lo largo de la carrera vemos adelantamientos, averías, estrategias… pero también conocemos al piloto y la relación que tiene con el resto del mundo y sobretodo con la viuda de un piloto fallecido que añade una capa emocional sutil, casi silenciosa, que nunca invade la esencia del film que es las carreras

Y hasta aquí te voy a contar el resto de la película tienes que disfrutarla tu.

El film se estrenó pero el resultado en taquilla no fue el esperado.

La película desconcertó al público de la época. Demasiado lenta para algunos, demasiado experimental para otros. No era lo que se esperaba de una película de carreras… ni siquiera de una película protagonizada por  Steve McQueen que salía de su perfil de policía, detective o ladrón para adentrarse en un papel que con el tiempo marcaría su carrera. la de este piloto plagado de taras y dobleces .

Sin embargo, con el paso del tiempo, ha sido completamente revalorizada. y hoy es considerada una obra de culto. Una referencia absoluta para cualquier amante del motor y sobretodo del cine y de McQueen. en una de las representaciones más fieles que existen sobre el mundo de las carreras de resistencia.

Al final y de la misma forma que nuestra anterior reseña Grand Prix influyó en esta obra, las 24 horas de Lemans ha influido en películas posteriores y sigue siendo, a día de hoy, insuperable en muchos aspectos.

Y con este sincero consejo de cine y esperando de verdad que disfruten de su visionado, me voy a despedir de todos vosotros con dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello y la segunda y cómo no puede ser de otra forma QUE VIVAS EL CINE

 

 

 

 

 

 

 

 

Grand Prix 1966

 

Permitanme un segundo a que me dirija a los aficionados al motor, más concretamente a los aficionados a la Formula 1, este film es mucho mas que una película, es prácticamente una cápsula del tiempo. Aquí no hay simulaciones ni efectos digitales: estás viendo los circuitos reales de los años 60 —Mónaco, Monza, Spa— en todo su peligro y belleza. Los coches rugen de verdad, ligeros, inestables, mortales, cómo se comenta en la propia película ataudes con ruedas y tambien de  pilotos… los pilotos que eran de otra especie: hombres que corrían al límite en una era donde cada curva podía ser la última con una mortalidad en cada campeonato imposible de digerir hoy en día.

Pero  quizá, si vienes por el cine pienses que está película no es para ti, que los film de competiciones deportivas no son de tu gusto y creeme que no puedes estar más equivocado, en la cinematografía, en el arte de la interpretación es donde la película se convierte en algo aún mayor. Un reparto de primer nivel encabezado por James Garner, acompañado por nombres como Yves Montand, Eva Marie Saint o Toshiro Mifune que dan vida a un drama humano donde el amor, la ambición y la tragedia se cruzan constantemente. Y todo ello bajo la dirección magistral de John Frankenheimer, que no solo rueda carreras… crea una de las películas más bellas en toda la historia de este arte. Con un uso revolucionario de la composición y el encuadre. una película que es en si mismo una obra de arte

Así que ahora si. Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia. hoy con todos ustedes la película estrenada en 1966 Gran Prix

La historia de Grand Prix empieza con una ambición muy clara: hacer la película definitiva sobre la Fórmula 1 que estaba de moda en los EE.UU de los 60 gracias al campeonato del mundo conseguido por el norteamericano Phil Hill, el piloto no sólo aparece en la película cómo actor de reparto si no que además colaboró con la asesoría de la película.

 La idea nace dentro de Metro-Goldwyn-Mayer, que seguía con la idea que la llevó a no caer en banca rota con Ben Hur grandes producciones espectaculares, de largo metraje y dividida con un prólogo musical y un intermedio, que le  permitía competir con la televisión. 

El proyecto cae en manos de John Frankenheimer, que venía de triunfar con dramas intensos y películas de acción, justo todo lo que tenía la trama de esta película. Frankenheimer decide llevar el realismo al extremo: nada de maquetas, nada de trucos evidentes… se rodaría en los circuitos reales del campeonato del mundo, montando cámaras de cine en los vólidos que correrían a toda velocidad mostrando en primera persona lo que se sentía al conducir aquellas pelígrosisimas máquinas. 

El reto era construir un guión sin el soporte de una novela de éxito por lo que debía ser construida desde cero. Contando para tan arriesgada misión dos de los mejores guionistas del momento Robert Alan Aurthur y Calder Willingham, quienes se documentan a fondo sobre el mundo de la Fórmula 1: escuderías, rivalidades, relaciones personales, y sobre todo el riesgo constante que definía este deporte en los años 60. Tomaron una decisión que se mostró a posteriori como un gran acierto, no centrar la historia en un personaje, si no realizar una historia coral, donde seguimos la vida de tres pilotos, el veterano campeón Sartí y el duelo que tienen dos excompañeros de equipo que ahora son rivales tanto en la pista como fuera de ella, Aron y Scott. Este protagonismo repartido nos hace tener una visión global de los duelos en la pista, sintiendolo más como un documental que como una ficción.

Por otro lado el casting también responde a esa mezcla entre espectáculo y autenticidad. Se busca un reparto internacional, acorde con la propia naturaleza global de la Fórmula 1. Por eso tenemos al estadounidense James Garner como Aron, pero acompañado por el francés Yves Montand el veterano Sarti, el japonés Toshiro Mifune cómo dueño de la escudería que ficha a Aron y la estadounidense Eva Marie Saint que hace de periodista que vive un romance con Sartí, por cierto una anecdota del reparto cómo la joven que convive con el piloto Nino Barlini  encontramos a la contautora de referencia del momento, la francesa Francoise Hardy. 

Este reparto de roles, representan no solo  personajes diferentes, sino una forma distinta de entender las carreras que mezclan velocidad y muerte.

En cuanto a la producción, hablamos de una superproducción estadounidense con fuerte vocación internacional. Se planifica rodar en varios países europeos, integrándose directamente en fines de semana reales de Gran Premio, algo completamente inédito hasta entonces. Antes de rodar, incluso se entrena a los actores para conducir monoplazas modificados, buscando que la cámara capture velocidad real y no interpretada. Algo que luego fue copiado por la pelicula F1 del 2025

En definitiva, antes de que empezara el rodaje, Grand Prix ya era un proyecto revolucionario: una película sin material previo que adaptar, con un guion construido desde cero y con un reparto internacional de gran calado y por si fuera poco una obsesión absoluta por parte de Frankenhaymer de dar la mayor autenticidad Posible. 

Ahora antes de continuar con la sinopsis del film, de contaros de que va esta película, como siempre sin spoiler, dejame que te recuerde un par de cosas. la primera. Si te gusta este tipo de canales en youtube, si te apetetece conocer películas de cine que se salen de lo inmediato y aprender esos títulos que te van a hacer amar este arte, no dudes en suscribirte si aún no lo has hecho, por otro lado si te gusta el vídeo reglanos un like y si tras dar ese pulgar hacía arriba nos regaláis un Hype (Si está activo en el momento de darle like, claro está) estaremos muy contentos ya que cada vez sois más quienes nos regalais un Hype y no podemos estaros más agradecidos.

Pues dicho lo cual vamos allá:

La película sigue a varios pilotos de Fórmula 1 a lo largo de una temporada, empezando en un circuito mítico como es el de mónaco, allí los compañeros de equipo Aron y Scott tienen un accidente por culpa del primero, lo que lleva al dueño de la escudería a despedir a Aron que acaba de comentarista televisivo, mientras Scott se debate entre la vida y la muerte, su mujer Pat decide no aguantar más esa vida y le abandona debido a la obsesión que siente su marido por las carreras tras la muerte de su hermano piloto.

Por otro lado asistimos a la vida del viejo piloto, ese veterano de los circuitos cada vez más cansado, donde el sabor de la victoria ya no sabe tan dulce, el primer piloto de ferrari Jean Pierre Sarti.

El caso es que en el otoño de su carrera profesional se cruza con una periodista norteamericana con la que vive un romance y le devuelve la fuerza para terminar la temporada.

Tras la mejoría de Scott de sus lesiones y su pronto regreso a la pista, el jefe de equipo japones Yamura rescata para su escudería a Aron para que le lleve al triunfo, esperando un duelo en pista entre Scott y Aron que va más allá de la competición al estar conviviendo la mujer de Scott con el piloto norteamericano y hasta aquí te voy a contar el resto de la película tienes que verla y disfrutarla tu.

El resultado en taquilla de Grand Prix no fue el gran bombazo comercial que la Metro-Goldwyn-Mayer esperaba para una superproducción tan costosa. La película funcionó bien en taquilla, especialmente a nivel internacional, pero su enorme presupuesto y complejidad técnica hicieron que los beneficios fueran más ajustados de lo previsto. Aun así resultó ser un film rentable y con el tiempo ha ido recuperando terreno gracias a reposiciones y al culto generado entre aficionados al motor, pero que curiosamente el tiempo la ha hecho caer un poco en el olvido, siendo eclipsada con el tiempo por otras obras posteriores, pero que desde CINEFILIA queremos rescatar para toda nuestra audiencia.

Donde sí arrasó fue en el reconocimiento técnico cómo no podía ser de otra forma. En los Premios Óscar de 1967, la película ganó tres estatuillas: mejor montaje, mejor sonido y mejores efectos de sonido. Y no es casualidad: su innovador uso de cámaras dentro de los coches, el montaje paralelo en pantalla dividida y el diseño sonoro marcaron un antes y un después en cómo se rueda la velocidad en cine.

Pero el verdadero impacto de Grand Prix se mide en su legado. Durante décadas ha sido la referencia absoluta del cine de Fórmula 1, influyendo directamente en películas posteriores como Rush o Le Mans. Su obsesión por el realismo sigue siendo difícil de igualar incluso hoy, en plena era digital.

Además, para los aficionados, se ha convertido en un documento histórico irrepetible: captura la esencia de una Fórmula 1 ya desaparecida, más peligrosa y mortal de lo que ahora nadie podría imaginar y si no atentos a este dato.

veréis en el film aparecen autenticos pilotos en activo del campeonato de aquel momento, podemos ver al gran Graham Hill con su inolvidable bigote, Phill Hill, Jack Brabham, Jym Clarck, Jochen Rindt, Lorenzo Bandini, Dan Gurney, Bruce McLaren, Mike Spence, Bob Bondurant, Richie Ginther,Joakim Bonnier, Ludovico Scarfiotti y Jo Shifert.

Pues murieron en accidentes Bandini en Mónaco, Jim Clarck en Hokenheim,  Jo Shifert en el gran premio de francia, Rindt en Monza, Bonnier en Lemans y Mike Spence en Indianapolis, por no decir los que mueriron por accidentes fuera de competición, de los participantes que aparecen en esta película fallecieron 10 pilotos en los 10 años posteriores al estreno de este film.

Una época de valientes y temerarios que amaban más la competición y la velocidad que su propia vida, una historia de heroes de este deporte y por no terminar con este mal sabor de boca, os dejo un reto. Hay un cameo mítico, el del super piloto argentino Fangio. ¿Sabréis localizarlo? Os dejo el reto ahí, si lo encontráis dejarmelo en los comentarios.

Pues nada, esperando que os adentréis en esta emocionante historia que os va a encantar a todo el mundo, sea aficionado al motor o no. Me voy a despedir de todos vosotros con un deseo que no es otro de que intentéis ser lo más felices del mundo o lucheis por ello, no hay mejor lucha que esa y una petición, que vivas el cine