El verdadero Padre del cine

 Bienvenidos bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, hoy venimos con un video muy especial ya que vamos hablar del cine, pero del cine con letras mayúsculas y de sus pioneros y creadores de este magnifico arte y uno de los más importantes se llamó Edwin S. Porter.

Pero vamos a empezar por el principio. el cinematógrafo, son Los Hermanos Lumiere que popularizaron el instrumento el 28 de diciembre de 1895 y que había sido patentado unos meses antes el 13 de febrero de ese mismo año, a pesar de la controversia de que quizá no fueran los primeros si que hay que decir que antes de los Lumiere no hay una constancia real y todo son teorías, por eso podemos dejar claro que los hermanos franceses inventaron el cinematógrafo. 

¿Pero que presentaron los Lumiere ese lejano año de hace más de un siglo? pues una muestra de imagenes en movimiento. La llegada del tren, La salida de los obreros o el hombre que se moja con una manguera, simples muestras de la vida común y corriente.

Auguste Lumiere comentó que habían creado un arte muerto con un razonamiento aplastante, ¿Una vez conocida la experiencia de ver imagenes en movimiento, quien va a pagar por ver algo que pueden ver gratis en la calle? y no le faltaba razón su invento servía como un elemento de circo, se vivia la experiencia de ver una foto que se movía y la gente se iba a otra barraca. Se había creado el instrumento pero aun estaban  lejos de que se creara lo que hoy conocemos como cine.

Este nuevo artilugio llamó la atención de un ilusionista llamado George Melies, Melies había sido actor y director de teatro y vio en la posibilidad del cinemátografo un medio para crear representaciones tetrales grabadas donde se desarrollaban trucos con efecto de cámara y estas primeras reprentaciones pronto se convirtieron en toda una sensación.

En el otro lado del planeta Edison crea unos estudios para reproducir las películas que venian de Europa pero este se sentía cada vez mas molesto al tener que pagar por algo que podían directamente plagiar, así que encargó a un ayudante suyo que estudiara puesta en escena y el uso del cinemtografo este Joven ayudante se llamaba Edwin S. Porter.

Porter se leyó los tratados Ferdinan Zecca y empezó a plagiar las peliculas de Melies, pero es en este momento cuando entre plagio y plagio, en el año 1902 nace una de las técnicas cinematográficas más importantes y que dio un empuje propio al nuevo Arte, el montaje paralelo, hasta ese momento el cine era el hijo bastardo del teatro, se grababan representaciones teatrales sin más pretensiones pero el montaje paralelo lo cambio todo por que un espectador podía ver lo que estaba sucediendo en el mismo momento en dos lugares distintos.

Porter en su película La vida de un bombero Americano nos enseña un inciendio en una casa y vemos como en ese mismo momento los bomberos estan tranquilos hasta que suena la alarma, es entonces cuando vemos lo que pasa en un lado y en otro en el mismo espacio temporal.

Con este pequeño cambio, el cine empezó a tener una entidad propia, alejandose del teatro.

No hace falta decir que resulto ser todo un éxito y que el resto de los pioneros plagiaron la técnica de porter en sus postreras obras, alimentandose unos a otros creando poco a poco el arte de masas más importante de nuestros días.

Con el tiempo se fueron añadiendo directores y técnicos a fundar todas las técnicas que perduran hoy en nuestro tiempo, los movimientos de cámara, los cambios de lentes, los diferentes encuadres, el sonoro. Pero todo empezó con una pequeña película sobre el rescate de un incendio.

Así que nada, espero que os haya gustado este pedacito de historia del arte que más nos gusta y espero veros la próxima semana donde vamos a hablar de una de las mejores películas de todos los tiempos, una petición de nuestro amigo Carlos Camilo, y es ni más ni menos que Laurence de Arabía. Un saludo y vivir el cine

Teniente Corrupto de 1992 Vs Teniente Corrupto de 2009

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia hoy tenemos un vídeo muy especial el enfrentamiento de una película y su remake en este caso hablamos de Teniente corrupto.

Antes de empezar dejenme decirles que soy un ferviente defensor de los remakes y muchas de mis películas favoritas son revisiones de obras anteriores, Ben Hur, El cabo del miedo o la invasion de los ultracuerpos son un buen ejemplo de ellas, pero el director que se atreve a enmendar la plana a un colega se debe de ver con la justicia de confrontar su obra con el original  y ver si a estado a la altura.

En este caso tenemos dos versiones de dos cineastastas muy parecidos y muy distantes a la vez como son Abel Ferrara y Werner Herzog, ambos directores venerados por los reductos mas cinefilos e independientes de la industria.

Ferrara director Neoyorkino que tiene como sello personal el no dulcificar sus historias y Herzog director Alemán con varias obras maestras del cine, se enfrentan en esta especie de rin virtual que es Teniente Corrupto.

Un aviso, aunque no vamos a destripar ninguna de las dos tramas si que vamos a decir como termina, si es un Happy end o un final dramático, así que si no quieres saber nada del film, para aquí y vuelve cuando ya las haya visto.

Teniente Corrupto nos cuenta las andanzas de un policía que camina en ambos lados de la ley, investigador de homicidios por un lado y consumidor y adicto a todas las drogas posibles, jugador, alcoholico y cliente habítual de los prostibulos por el otro, se encuentra ante una investigación de un crimen atroz, la violación de una monja en la obra de Ferrara y el asesinato de una familia en la de Herzog.

Pero ambas peliculas son muy diferentes entre sí, mientras que en el original de Ferrara es un viaje al inframundo de las grandes ciudades, la de Herzog es una película de genero policiaco al uso con lo que poco o nada tienen que ver una con la otra.

Vamos a empezar por puntuar ambas obras según mi gusto y puntos de vista personales, que pueden coincidir o no con los tuyos.

La producción de ambas obras son tan diferentes entre si, como que la obra del 92 no llegó a costar 1 millón de dolares y la Herzog superó los 25 millones, así que este punto por ley se lo tenemos que dar al remake.

En el apartado visual de los films, Ferrara usa un estilo muy cercano a la escuela de Nueva York con mucho movimiento y suciedad de plano, cercano al cine de guerrilla e influenciado por Cassavetes hasta la médula y Herzog usa un estilo más cuidado y canónico, en donde las composiciones son casi perfectas y las iluminaciones mucho más cuidada. Hay que decir que en la de Ferrara se les cuela la sombra del set de rodaje en una toma, mientras que en la de Herzog no hay ningún error. Hay que ser justos en este apartado y darle otro punto al remake.

En cuanto a la ambientación musical, es el film de Ferrara el que sobrepasa a Herzog de principio a fin, la música es una parte fundamental en la obra del 92 que lejos de dulcificar la crudeza de las escenas las contrasta más. Así que este punto va para el original.

El ambiente de las obras son otra vez totalmente opuestos, mientras que Ferrara se mete hasta las rodillas en la escoria de la calle, Herzog usa escenarios bien elaborados donde todo está medido para el plano, pero que da un aspecto artificial y de atrezzo al que nos tienen acostumbrados en Hollywood, es por eso que este punto va directamente a Ferrara por que nada puede llegar a ser más real que la realidad misma. 

En cuanto a la interpretación protagonista tenemos por un lado a Keitel y por otro a Cage ambos magníficos actores que se sienten como pez en el agua en papeles tortuosos, pero a mi gusto es Keitel el que gana el duelo, sus momentos de descenso a los infiernos son tan veraces que siento que en ningún momento interpreta, olvidándome de que estoy viendo una película. Así que otro punto al original.

En cuanto a los actores de reparto, la obra de Herzog es mas coral con las interpretaciones de Kilmer y Eva Mendes dando la réplica, mientras que en la obra de Ferrara todo orbita al rededor de Keitel, pero si hay un momento interpretativo  que entra por los ojos y se queda por siempre en el cerebro es el momento en el que el Teniente se mete heroina junto a Zoe, aunque son pocos los minutos que sale, su peso es proporcionalmente superior al de todo el elenco de la obra de Herzog por lo que este punto se lo lleva sin genero de dudas el original gracias a la interpretación de Zoe Tamerlis.

Las tramas, aunque ambas parten de la misma historia, no pueden ser más diferentes, una es la típica película de detectives y la otra es una excursión al infierno que resurge todas las noches de los peores barrios de la periferia de las grandes ciudades, pero mientras que con la obra de Herzog tengo que luchar por mantenerme conectado con la historia, con la de ferrara me siento atrapado en una obra que me asquea, que no comprendo y que odio, por lo que sin ningún genero de duda este punto va para el original.

En cuanto a la dirección entre Herzog y Ferrara no hay duda, Herzog monta una película, Ferrara te da una porción de realidad, no entiendo por que el bueno de Werner se atrevió a meterse a rodar una película que es un referente, sin tener los conocimientos profundos de la historia que tiene Ferrara, Con la de Herzog tengo la sensación de estar viendo una obra rodada por encargo, sin vida, sin sal. Mientras que la película de Ferrara sale de las entrañas, de los recuerdos, ya que el guión de Zoe Tameris y De Ferrara tiene mucho de autobiográfico, ambos adictos, ambos conocedores de la escoria de Nueva York y ambos con una necesidad catartica de contar una historia sucia y exortizante. Es por eso que este punto se lo lleva la obra del 92.

Y en cuanto a la película. Aunque la de Herzog la puede ver cualquier persona y la de Ferrara va a horrorizar a la mayoría de los espectadores es la de Ferrara la que gana de calle a la obra de Herzog y es que tienes durante toda la obra la necesidad morbosa de seguir mirando, de ver una historia que irremediablemente va a terminar mal y que termina mal y el remake tienes la sensación de ver el telefilm de las 4 de la tarde en la que sabes que va a terminar bien y termina bien con un último chacarrillo que hace salir con una sonrisa al espectador, pero para eso no necesitas coger una obra tan vital, tan de verdad como es teniente corrupto, puedes pagar a cualquier guionista que te monte una obra de detectives sin la necesidad de que te comparen con obra anterior.

Es por eso que este punto va para el original de Ferrara que tiene varias imagenes icónicas del cine.

Es por eso que el primer punto, el de la procucción que dimos a Herzog se lo quitemos, por que si con 25 veces más presupuesto haces una peor versión es de justicia que Ferrara tenga ese punto meritorio de  que con menos recursos montes una mejor película.

Así que nuestra ganadora es sin lugar a dudas el original y lo bueno es que tu mismo puedes ver si estoy en lo cierto o no por que puedes disfrutar de ambas obras en Amazon Prime Vídeo. 

Pero si te animas a ver la de Ferrara prepárate para sentir todo tipo de sentimientos y ninguno bueno, no es una obra para mojigatos o para personas que se sientan heridas ante la escoria social, es una obra cruda y despidada que no tiene piedad por el espectador no piensa en él somos simplemente voayers de lo peor del ser humano.

Y como siempre te digo, si has llegado hasta aquí es por que te ha gustado el vídeo y que mejor que suscribirte para estar al día, ya que muchas veces las películas que reseñamos cambian de plataforma o desaparecen, así que no lo dudes y dale al botón y acompañanos la próxima semana en la que vamos ha hablar del creador del cine y no es quien tu te imaginas. Un saludo y vivir el cine

Das Boot : Obra maestra del cine belíco

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia hoy el canal se viste de gala con la obra maestra del cine bélico Das Boot. Una película genial que sirvió no solo para enaltecer el genero si no que nos permitió el descubrimiento de  uno de los mayores cineastas de la historia el grandisimo director Wolgan Petersen.

Quiero explicar que vamos hacer un pequeño cambio en el canal ya que muchas veces me encuentro con la duda de los suscriptores de donde ver los flims que reseñamos así que  junto a la reseña vamos a explicar los canales donde podéis ver la obra reseñada y quiero dar las gracias al suscriptor Carlos Matias que pidió mi opinion sobre esta película. y Sin más dilación vamos a adentrarnos en esta obra maestra

La película rodada en 1980 y estrenada en el 81 debido a un rodaje que se alargó casi un año por culpa de la complicada producción, nos adentra en la vida de la tripulación de un submarino alemán en plena segunda guerra mundial el U-96 capitaneado por el oficial Henrich Lemman Wilembrok admirado por toda la tripulación a la que se le sumará el teniente Werner un  corresponsal de la propaganda nazi que narrará un artículo de la vida a bordo de un submarino en pleno combate.

Esta obra basada en la novela del mismo nombre escrita en el 73 por Lothar-Günther Buchheim nos narra la contienda bélica desde el punto de vista de los perdedores, en una visión valiente ya que nos pone en la piel de unos soldados nazis con la reticencia natural que puede sentir la audiencia antes las desventuras de los personajes de la trama, pero gracias a una dirección magistral Petersen logra lo que parece imposible y es sentir empatía por la tripulación del U-96. La pelicula intenta ser un fiel reflejo de los aconteciemientos reales y para ello contó con el asesoramiento del autentico comandante Henrich Lemman Wilembrok.

Esta minuciosa adaptación de la vida en el interior de un submarino les llevó casi un año de rodaje y el mayor presupuesto de una película alemana hasta el momento 32 Millones de Marcos, la trama catastrofista y antibelicista es una de las películas más agobio me ha causado ya que la forma de rodar de Petersen nos mete en la historia como si fueramos un tripulante más, sintiendo el calor, el olor y el tedio como los mismos protagonistas de la historia por que los mayores momentos de tensión estan en la pausas, cuando no pasa nada pero el horror está en cada átomo del aire del U-96.

La película es simplemente una obra maestra que logró poner de acuerdo a crítica y público teniendo una gran acogida en los cines y en los festivales, llegando a estar nominada a 6 Oscares de la academia incluyendo Mejor director, guión y fotografía y rindiendose hollywood ante la película y abriéndoles las puertas a ese talento que arrasó en medio mundo y que venía de la escuela alemana.

Una de las piezas claves del triunfo de la película la tiene la interpretación serena y magistral que hace Jurgen Prochnow como capitán, tras esta película Prochnow cimentó una de las carreras más fructiferas y largas en Holliwood, aunque siempre como villano o secundario, Dune, Super detective en Hollywood, La septima profecia o el Paciente ingles son un buen ejemplo de las obras en las que ha participado.

Pero si esta película fue un antes y un despues para alguien fue para su director el extraordinario Wolgan Petersen que pudo desarrollar su carrera y marcar la infancia de varias generaciones con obras cumbres del cine familiar como La historia interminable, Enemigo mio, En la linea de fuego, Air force One, tormenta perfecta o Troya. Pero que parten del éxito cosechado con está obra cumbre.

Personalmente la tengo como ejemplo de como mostrar la guerra sin mostrarla y como poner al espectador de parte de un batallón de nazis sin que salgamos con remordimiento de conciencia y es que esta película es perfecta.

Esta película se puede ver en su mejor versión que es el corte del director en Netflix y no confundir con la serie de Amazon Vídeo que tiene el mismo nombre rodada en el 2018, aunque tiene muy buenas críticas aún no la he visto por lo que no puedo aconsejarla.

Y ya sabes si has llegado hasta aquí es por que te ha gustado el vídeo y que mejor que suscribirte y estar al día de nuestras recomendaciones semanales de cine, de esa forma si no sabes que película ver, el canal puede ayudarte a elegir una película que te colme de dicha, por que ya sabes que la vida es cine. Hasta la semana que viene.

BONE TOMAHAWK

 Bienvenidos, bienvenidas, queridos amigos y amigas de cinefilia hoy con todos vosotros Bone Tomahawk de Steve Craig Zahler.

Bone Tomahowk es una maravillosa mezcla de Western y Slasher que cambia a los adolescentes hipersexualizados por duros cawboys en una historia bien elaborada pero que bajo mi punto de vista adolece de ser políticamente correcta y en esa hipercorrección  e hipocresía nos toma a los espectadores por estúpidos, pero ya llegaremos a ese punto, ates contemos la trama de este film. no os asusteis si sois nuevos en el canal, por que no vamos hacer ningún spoiler.

Zahler nos lleva al más salvaje Western en una época donde la barbarie era la moneda de cambio de unos y otros. Bajo este marco temporal nos narra la vida del Sheriff Hunt que tras la llegada de un forastero al pueblo y una refriega donde este  cae herido, se ve obligado a llamar a la Sra O´Dwayer para extraerle la bala en la oficina del Sheriff, esa noche tras una incursion de una tribu india el Ayudante del Sheriff, el prisionero y la Sra O´Dwayer son secuestrados, con lo que se desata una busqueda y rescate por parte de los ciudadanos de Bright Hope por un grupo de lo más peculiar compuesto por Un duro Sheriff, un anciano ayudante, un pistolero cazador de indios y el marido de la Sra Dwayer que tiene una pierna entablillada.

Esa busqueda y rescate les llevará a lo mas cercano que un hombre puede estar del verdadero infierno ya que los indios que los han secuestrados son una tribu de caníbales sanguinarios. 

Y contada la trama vamos con la reseña en donde casi todo es bueno, pero no todo y para comenzar tenemos que hablar de su director.

Zahler se estrena en el largometraje con esta película que fue la sensación del festival de Sitges y que dentro de los amantes del género se creo una especie de santo grial al mezclar terror y western en la misma película, algo no muy habitual dentro del género y he de decir que aunque llegue con unas espectativas altisimas y ya se sabe que tarde de espectación noche de decepción, esto no fue así por que salí de la sala encantado y he de confesar que me hizo retirar la mirada un par de veces de la pantalla y creanme que no soy un mojigato.

Pero como un director novel hace una opera prima de tan altísimo nivel, básicamente fogueandose en otros departamentos dentro de la industria. por que aunque parezca escueta su filmografía, Craig Zahler al igual que Bone Tomahawk esconde mucho más en su interior. Su primera incursion en el cine lo hizo como director de foto en un cortometraje llamado Augost Roads en 1995 y en los siguientes años siguió dirigiendo la foto en sendos cortos Warsaw Story en el 96, Lucia´s Dream en el 97 y Rooster en el 2003. 

Aunque la dirección fotográfica se le da bastante bien es su pasión literaria la que marca a Zahler escribiendo 4 novelas hasta el momento, A Congregation of Jackais en el 2010, Wraihs of Broken Land en el 2013 y Corpus Chrome, inc y Mean Business on North Ganson Street en el 14.

En el 2011 Zahler consigue vender un guión que escribió en la universidad y que se titulaba Asylum Blackhowk y que dirigió el tambien novato director Alexandre Curtés.

Esta venta Animo ha Zahler a retomar su carrera cinematografía pero esta vez firmando la cinta y con 1,8 millones de dólares que fueron a parar en su mayoría en pagar un reparto de lujo montó esta obra que guarda reminiscencias clásicas al cine de vaqueros y una visión audaz y canalla mezclandolo con gore de alto voltaje.

El reparto cargado de estrellas que cumplen perfectamente nos encontramos a unos inconmensurables Kurt Russel y Richard Jenkins que llevan el peso interpretativo de todo el film pero que son perfectamente complementados por los siempre eficaces Patrick Willson y Matteew Fox, este cuarteto de actores hacen de esta sencilla trama algo tan grande que no desmerece ante los grandes Western modernos. 

Pero como no todo puede ser bueno en el film, esta película es una obra miedosa y acomplejada que toma al espectador por tonto.

Resulta que en el film los malos son los indios, pero claro esto puede herir susceptibilidades y encontrarse con la polémica por parte de partidarios de los natívos norteamericanos y  tener el castigo de las redes sociales que como la santa inquisición  dicta la moralidad ajena en forma de twit

Que hace Zahler pues resulta que una tribu de nativos amerícanos no son indios, no, son trogloditas, es más el papel que interpreta el actor Zahn McClarnon y que hace de un nativo americano, solo está ahi para decirnos lo estupidos que somos, para vosotros pueden paracer indios pero no lo son. Y se queda tan pancho ante semejante tonteria.

A ver la palabra Indio o India viene del termino indigena o lo que es lo mismo aquella persona originaria de el país en cuestión, así que por muy crueles, monstruosos o sanguinarios que sean los personajes que has descrito tú en el guión que tú has escrito, tienes que seguir siendo igualmente valiente y no hacernos tragar estupideces de ese calibre que solo sirve ante estupidos twitteros pero no ante la mayoría de los espectadores de cine que se van a sentir heridos en su inteligencia.

Pero quitado ese defecto de cobardía en la que parece que vivimos constantemente, la película es maravillosa una de las mejores operas primas rodadas en este milenio y si no tienes un estomago muy delicado es altamente recomendable, te gusten o no los western. Una película que ver sobretodo despues de haber hecho la digestión.

Azul de Kieslowski ANALISIS

Bienvenidos, bienvenidas amigos y amigas de cinefilia, hoy el vídeo es un poco especial ya que voy a analizar con vosotros una de las películas que marcaron el rumbo a las producciones europeas en los años 90 y nos referimos como todos sabréis de Azul de Kryztof Kieslowski, película que arrancaba la trilogía de los tres colores.

Antes de empezar con el análisis lo mejor es que empiece por el principio. ¿Para qué se analiza una película?

Existen varios motivos, primero es para ver por que funciona o por que no funciona un film determinado, el segundo es descubrir el método de trabajo de un cineasta en particular y el tercero y no menos importantes para aprender como se hace una película. Si estas viendo este vídeo con atención puede ser que ya haya descrito tu motivación pero hay otra que siempre funciona y es muy sana que es la curiosidad de aprender cosas nuevas, así que sea lo que sea lo que te motive a ver este vídeo , te recomiendo que pilles papel y boli y disfrutes del Analisis de Azul. Ah por cierto vamos a analizar la película completamente por lo que va a ser necesario destripar toda la trama, por lo que si no la has visto te recomiendo que veas la reseña que he hecho de esta película en donde no se hacen spoilers te dejo un enlace en la descripción del vídeo y sin mas dilación arrancamos.

Azul que esta concebida como una trilogía basada en los principios fundacionales de la República Francesa de Libertad, Igualdad y Fraternidad la Premisa es La Libertad, pero no de la libertad física de alguien encerrado que tiene que fugarse, si no de la libertad emocional. 

Para ello la Trama nos cuenta un suceso altamente traumatíco para nuestra protagonista Julie que sufre un accidente de tráfico en donde muere tanto su marido como su única hija, esto la hace encerrarse en si misma, así que ya tenemos la causa del encierro y el objetivo de la película que es que nuestra protagonista salga del pozo emocional donde está encerrada.

Durante los primeros minutos Kieslowsky nos presenta una familia feliz que se va de viaje en coche, pero jamás nos deja verlos, todo lo que sabemos se representa desde el exterior de un vehículo, el no conocer nada de los protagonistas ya nos deja claro que estamos ante el género de construcción de personajes donde a lo largo del film iremos conociendo quien es la protagonista.

Esa familia feliz, tiene un accidente de circulación y es ahora desde ese punto donde vamos a empezar el descubrimiento de Julie.

En el hospital el doctor la informa de la muerte de su marido, pero ella pregunta por su hija y el doctor le informa que tambien ha fallecido.

Esta sutileza en guión me parece maravillosa, con este primer dialogo donde por fin vemos la cara de la protagonista, el doctor da tanta importancia a la muerte del marido que se olvida de la muerte de la hija, esto ya nos deja claro que el marido eclipsa de alguna forma la vida de Julie, con lo que el encierro de nuestra protagonistista viene de lejos.

El doctor la entrega un pequeño televisor en donde se puede ver una especie de funeral de estado, aquí ya descubrimos que el marido es un famoso compositor que estaba preparando una melodía para la Union Europea y de ahí el olvido del doctor.

Pero fijémonos en la reacción de Julie, se mantiene serena hasta el momento en que ve el pequeño ataud, es aquí donde tiene el primer acto que denota dolor y no estupefacción que es el sentimiento que predomina en este momento, cuando toca con su indice el féretro de su hija, este pequeño detalle nos da información al espectador  del pasado de Julie que solo siente dolor por su hija o por lo menos siente un dolor especial por ella y no tanto por el marido.

Ahora vamos a conocer otro rasgo de nuestra protagonista y es cuando intenta suicidarse pero no puede, por que las ganas de vivir superan el dolor de la perdida. esto quiere decir que aunque está hundida y encerrada en un pozo de dolor, ella en su subconsciente quiere salir de ese encierro.

En la secuencia de la casa de campo nos va a presentar como es su mundo personal y en cierta forma conoceremos rasgos de nuestra protagonista, más allá de ver la relación con el ayudante de su marido que la analizaremos más tarde, aquí tenemos una información muy importante y es cuando consuela a su criada y esta le de dice "lloro por que usted no puede llorar" esa información anagnorica nos va a dar el objetivo a conseguir, Julie tiene que llorar para superar el duelo.

Y es aquí donde termina el primer acto, cuando da las ordenes de venta de la casa al gestor y le dice que va a vivir con su número de cuenta y a demás se perfila un rasgo fundamental de nuestro personaje que tiene mucha importancia en el desenlace de la historia como es la generosidad, pidiendo que no le falte de nada a la pareja de guardeses que cuidan de la finca.

Este primer acto es simplemente maravilloso, no solo por que consigue enganchar al espectador ante la duda de quién es Julie si no por que pone de su parte a la audiencia, no salvando al gato como dice Blake Snayder  si no por contraposición, ella siente pena por su hija pero parece que al mundo solo le importa el marido, este planteamiento narrativo es magistral por que no solo sientes pena por ella si no que te empieza a caer mal el marido uno de los antagonistas aunque no el principal ya que el enemigo a batir es que Julie consiga superar el duelo y levantar cabeza.

El segundo acto empieza con una reportera que nos da información de lo importante que es su marido y plantea una duda al espectador cuando dice que se comenta que es ella la que realmente escribe la música. (Tengo que hacer un paréntesis, que grande es Kieslowski, si había alguien que todavía sintiera pena por el pobre marido muerto, con esa elucubración de la reportera ya no hay nadie que este de parte del fallecido, cierro el parentesis) 

En su encierro personal Julie decide mudarse para no sentirse acosada por la prensa y junto a eso decide romper la composición inacabada del marido.

Ya en su nueva casa, tenemos una acción no muy acertada por Kieslowski bajo mi punto de vista. Julie tiene que conocer a su vecina prostituta y para ello se tiene que quedar encerrada en el descansillo sin llaves, el problema es como saca a su personaje de la habítación, Julie oye una pelea se asoma y decide que va ayudar al que recibe la paliza, pero cuando se decide a ayudarle se queda sin poder entrar y Kieslowski la deja ahí... esta actitud ante algo tan grave lo veo bastante artificial, si decide ayudar, tendría que haber bajado a la calle, ver si ha pasado algo a la victima y no gritar desde su rellano. Por que al final cuando conoce a la prostituta todos nos damos cuenta que la escusa de intentar ayudar es dejarla en el descansillo.

Una solución habría sido no crear una acción tan intensa como es el apaleamiento de una persona si no algo más cotidiano, una ventana en el rellano que el sonido no la deja dormir y cuando sale a cerrar la ventana se le cierra la puerta, tiene a su personaje donde la narración necesita y todo ocurre de una manera mas cotidiana y fluida con lo que el espectador no cae en la cuenta de la trampa de guión.

Este encuentro y la posterior ayuda a la prostituta no firmando su expulsión es uno de los motivos por el cual va a salir de su pozo personal en cuanto deje a otra persona entrar en su vida.

Ahora es donde va a entrar en juego el ayudante del marido Olivier interpretado por el actor Bernit Regent (abro otro mini parentesis una casualidad un poco tetrica es que este actor murio de un aneurysma cuando tenía 41 años el mismo año que se estrenó el final de la trilogía en 1994 una fatidica casualidad que quería compartir con vosotros,  cierro el parentesis)

Olivier que esta profundamente enamorado y que ya ha tenido un revolcon con la viuda en la casa de campo tiene un plan para conquistarla y es sacar a la luz unas fotografías comprometidas de su marido con una pelirroja y para seguir vinculado con ella decide continuar con la obra músical que quedó inacabada con la esperanza de que Julie le ayude, este hecho da veracidad a lo comentado por la periodista de que es mucho  más que una simple esposa tras el gran interprete.

En los siguientes minutos la relación de amistad con Lucille crece y también se presta a ayudar al enamorado Olivier, Poco a poco el muro de la soledad y el encierro empieza a tener grietas que se hace patente cuando Julie decide prestar ayuda a su amiga la prostituta Lucille y es en este punto donde termina el segundo acto, en el momento que descubre la infidelidad del marido justo en el prostíbulo donde a ido a ayudar a su amiga.

El segundo acto es casi perfecto, la única pega es lo artificioso del encuentro con Lucille pero cómo desarrolla el tempo de esas pequeñas fisuras en la carcel de soledad de nuestra protagonista son geniales y siempre prestando ayuda y dejando que la ayuden como con las ratas que no puede matar. Esta imagen va a reforzar el final ya que no puede matar a la rata por que tiene crías, pero volveremos mas adelante a esta imagen.

Y nos adentramos en la parte final de la película, Por culpa o gracias a Olivier Julie es consciente de la infidelidad de su marido. Julie decide conocer a la "otra" y se sorprende al ver que la amante de su marido Sandrine esta embaraza de él. Es ahora donde nuestra protagonista se va a despojar de todos los muros que la encierran, el primero es el dolor por la muerte de su marido, no guardandole ni siquiera rencor ya que a la amante decide regalarle la casa de campo para que crie al hijo de su difunto esposo es ahora donde hay que volver a la imagen de la rata con las crías, a pesar del asco y miedo de nuestra protagonista no pudo matar a la rata por lo que repite el patrón con la amante del marido.

Así que solo la queda superar el duelo de su hija por lo que llama a Olivier, en esta llamada ocurre la escena del micro que cuento en la reseña, tras esa llamada donde Olivier se siente mal ya que mediante engaños a intentado atraerla a él Julie tiene un último acto de generosidad acostandose con Olivier de nuevo y tras eso Julie llora, liberándose por fin de la cárcel en la que se había encerrado.

Como veis la pelicula funciona por que tiene un planteamiento casi perfecto primero mete a su protagonista en un encierro vital y poco a poco la va liberando.

Espero que os haya gustado el analisis, aunque solo hemos analizado la narrativa literaria del film y no hemos entrado en profundidad en puestas en escena tratamiento de la luz o actuaciones, un analisis en profundidad nos llevaría varias horas de vídeo.

Quiero avanzaros que el proximo vídeo vamos a reseñar una película que auna mis dos géneros favoritos que son el western y el terror en la reseña de Bone Tomahowk que tiene cosas muy buenas pero otras muy malas, pero bueno de eso hablaremos en siete dias.

Muchas gracias por llegar hasta aquí y si te ha gustado el vídeo y si has llegado es por que te a interesado ya sabes, suscribete por que con esa pequeña  acción  me ayudas a seguir reseñando películas y seguir haciendo estos vídeos un poco más técnicos sobre cine. Un saludo cordial a todos y viva el cine.

Tres colores de kieslowski: por que la amo y la odio

Después de dar vacaciones al canal y dedicarnos a reseñar obras ligeritas por el verano, es hora de volver al tajo o lo que es lo mismo reseñar obras que son mas que cine y Azul de Kieslowski es una de esas joyas que nos ha dado el séptimo arte. Pero tengo que confesar que tardé tiempo en perdonar esta película y es que lamento decir que no es perfecta y que sufre de un fallo que hizo que la repudiara durante largo tiempo, pero de ese error chapucero prefiero comentarlo al final del vídeo, así que lo mejor es empezar por el principio.

Azul rodada en 1993 y que arrasó en el festival de venecia, es la primera película de una trílogía llamada Los Tres Colores y que representan los valores de la bandera francesa Libertad, Igualdad y Fraternidad.

En este caso Kieslowski nos cuenta la vída de Julie, que tras un accidente de tráfico pierde a su marido y a su hija pequeña, este duro golpe que sufre se acrecenta al ser su marído un famoso compositor musical que está preparando una obra a la unión Europea por lo que la prensa se hace eco constantemente del asunto, Julie decide encerrarse tanto físicamente como sentimentalmente viviendo una vida solitaria e incapaz de llorar como si de una prisión invisible se tratara. 

Esta película es una maravillosa obra en donde la puesta en escena y composición de planos es una lección magistral constante, no es de extrañar que sea una de las  películas  del cine universal que se usan para enseñar a nuevos cineastas a como transmitir sentimiento con imágenes, algo que es tan difícil de conseguir y que en esta película de Kieslowski parece tan fácil.

El movimiento y el tempo están al servicio de la narración no teniendo ningún alarde técnico que no sume a la historia y sin eclipsar a esta, algo tan habítual en nuestros días , creando  una obra artísticamente redonda o casi, por lo que os contaré más adelante, el montaje tiene un especial interés ya que somos capaces  de entender los sentimientos de Julie sin necesitar diálogos, esto junto a la composición de planos hace que el espectador se vea atrapado en una historia que en principio puede causar rechazo

La fotografía de Slavosmir Idziak es de una belleza pocas veces alcanzadas, dando una predominancia al color azul en honor al título de una manera tan delicada y sutil que se convierte casi en poesía, este trabajo le abrió las puertas a las grandes producciones y demostró su talento en obras como Gattaca o Black Howk Derribado, siendo desde ese momento uno de los directores de foto más aclamado y reputado de la industria.

Sobre el film en su conjunto es simplemente maravilloso, te atrapa como una araña y no puedes dejar de ver y sufrir por las desventuras de una Juliette Binoche que encarna de una forma magistral a la desdichada Julie, pero si pensáis que estamos ante un dramon lacrimogeno estáis muy equivocados, la película marca desde el principio una pauta muy diferente a los dramas al uso, creando una trama más de creación de personajes que de sufrimento de estos, por que Julie esconde mucho más de lo que se supone que es la compañera del gran artista y poco a poco conoceremos a esa mujer que se oculta detrás del gran compositor, todas esas puertas cerradas en la vida de la protagonista marcan la esencia del film que recordáis que son los valores de la republica francesa y que en este caso hablamos de la libertad.

Kristof Kieslowski llega a esta película en un momento de madured artística  perfecto, primero por su forma de entender el cine y el arte, no buscando ser un director al uso, solo basta decir que estuvo desde el 66 hasta los años 80 rodando sobretodo cortometrajes, siendo estos verdaderas obras libres de altisima calidad, de esa época es uno de sus primeros largometrajes titulado El Aficionado rodado en 1979 y que aúna sus dos pasiones como son el cine y el movimiento obrero.  En otro punto en donde se destacó Kieslovski en esas casi dos décadas de cine y experimentación fueron sus telefilmes donde tenemos que destacar su famoso decálogo.

Su momento de despegue en el largometraje fue con su duología de No amaras y No mataras por esta película  recibió el premio especial del jurado en Cannes.

 y llegaron los noventa y rodó 4 películas que son obras maestras del cine una curiosidad es que estas cuatro grandes obras las rodó de manera consecutivas  del 91 al 94 siendo la primera la doble vida de veronica y acabando por la trilogía de los tres colores, tras eso Kieslowski dejó el cine para centrarse en la literatura.

Y creo que este momento es comentar la chapuza que me hizo odiar a esta película durante años y que me costó perdonar.

Estaba en el cine disfrutando de esta obra y cuando digo disfrutar es decir poco, quedaba algo más de 20 minutos para terminar la pelicula   y de repente un microfono se cuela en plano. ¿Como, que demonios? como es posible que en una obra de tal belleza se cuele algo digno de un telefilm de segunda, como es posible que el camara no lo viera, que el director no se diera cuenta en el visionado, como es posible que el montador se le pasara inadvertido un micrófono en movimiento encima de Juliette Binoche. Ese cabreo monumental me hicieron que perdiera la esperiencia de ver el final que tan laboriosamente me habían metido por los ojos y me descafeinó la esperiencia. 

Entiendo que muchas personas pensarán que soy un exajerado pero es que no es admisible, es que veo detalles en la pupila del personaje, me hace prestar atención a las manchas de cafe sobre la mesa, a la luz sobre una cucharilla y me cuelas un puto micro.

Pues sí, como podéis observar esta maravillosa película tiene una cagada de dimensiones biblicas que creo que no he perdonado del todo.

Pero aún así micro incluido esta película es altisimamente recomendable y si te gusta el cine y si estas suscrito y por que te gusta, no te la puedes perder, si no estas suscrito y te gusta el cine, hazlo no te vas a arrepentir.

Bueno quiero daros las gracias por llegar hasta aquí y os quiero adelantar que en los proximos vídeos hablaremos de lo que nos queda de trilogía por lo que no os los podéis perder. Ya sabeis que tenemos una cita en una semana, así que ser felices y disfrutar del cine