Barry Lyndon

 Bienvenidos, bienvenidas, queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy vamos a reseñar una obra maestra atemporal, una de las 10 mejores películas de la historia y dirigida por uno de los grandes genios de la cinematografía.

Hoy vamos a reseñar Barry Lyndon de Stanley Kubrick.

Cuando nos enfrentamos a una película que es un referente no solo de la narrativa si no de la técnica solemos ir con miedo, obras densas en las que solo los iniciados pueden apreciarla y entenderla, pero señores en este caso no es así ya que hablamos de una comedia brutal y que llega a la carcajada en algunos momentos. Al final del vídeo os diré una escena de la película no puedo verla sin llorar de la risa, pero antes de analizar la película vamos a contar un poco de la trama.

La película nos narra el nacimiento, ascenso y declive de Barry Lyndon un joven huérfano irlandés que pierde a su padre por un duelo a causa de unas cabezas de ganado, cuando el joven Barry se hace mayor es adentrado en las artes amatorias por su prima de la que cae perdidamente enamorado, otra cosa diferente es la prima que a las primeras de cambio le remplaza por un oficial inglés de gran fortuna, Barry despechado reta a un duelo de pistola a dicho oficial causándole la muerte en el enfrentamiento por lo que tiene que huir para no ser encarcelado.

Sus aventuras le llevarán a la guerra de los 7 años a vivir como soldado, agente encubierto y tahúr de cartas hasta llegar a casarse con una noble y ser recibido hasta por el Rey, el problema es que todo lo que sube baja y el bueno del Sr. Lyndon no va a ser menos.

Kubrick estaba terminando la naranja mecánica y ya empezaba a preparar su siguiente obra, una película sobre la figura de Napoleón Bonaparte, el problema fue que mientras el preparaba la preproducción, Sergei Bondarchuk estrenó Waterloo, película que ya reseñamos en el canal y que al final del vídeo os enlazaré por si queréis ver la reseña. El caso es que Waterloo no llegó a ser un éxito y cualquier obra sobre el dictador francés era una mala idea, así que sin dejar el cine de época se fijó en una novela, llamada la Suerte de Barry Lyndon escrita por William M. Thackeray y sus golpes de humor cautivaron a Kubrick que compraron los derechos y empezó la producción,

 Kubrick era un maníaco de la interpretación y quería que Barry fuera un hombre comedido de grandes deseos y pasiones que se guardaba para él, esa complejidad actoral necesitaba de un interprete de primera por lo que se valoraron varios nombres, Al Pacino, Jack Nicholson, Robert Redford e incluso Clint Easwood sonó para el papel, pero al final se lo llevó Ryan O´neal, hay que decir que escoger a O´neal  fue todo un acierto, está perfecto en todo momento, su progresión en la interpretación según va cumpliendo años el personaje es de una dificultad máxima que resuelve de una forma magistral, trabajo que pasó inadvertido en la academia de Hollywood como no podía ser menos ya que ni siquiera estuvo nominado.

La idea de Kubrick era hacer una recreación naturalista de la historia en donde la fotografía tendría un peso monumental en la misma trama, Para ello contó con John Alcott, por cierto si no lo sábeis Alcott es ese jugador dormido que aparece en este plano. El trabajo de Alcott es soberbio, no solo por que retrata unos exteriores dignos del genio que es, si no por que tubo que aprender sobre la marcha un nuevo sistema de filmación para interiores y aquí quiero hacer un paréntesis. Alcott no tuvo que aprender a usar una cámara ya existente, si no que tuvo que aprender a usar un artilugio jamás usado antes. Kubrick quería que los interiores estuvieran iluminados por velas, sin ningún tipo de apoyo de luz más que las propias llamas de los candelabros, eso era imposible en aquella época, pero el se había enterado que la Nasa tenía unas lentes Zeis creadas para rodar en condiciones de extrema oscuridad, con lo que pidió aquella lenta que era un 50mm.

Para el cuerpo compró una cámara Mitchell sin visor reflex y pidió al ingeniero Ed di Gulio que fabricara un adaptador para poder adaptar la Zeis comprada a la Nasa, no solo eso, si no para tener mejores aperturas pidió que se fabricara un adaptador que pasara de 50mm a 35 y con semejante artilugio Alcott hace una de las fotografías en interior más sobrecogedoras del cine, mi eterna admiración y cierro el paréntesis.

Cómo es normal se llevó el oscar a la mejor fotografía pero es que si no se lo lleva creo que el desprestigio habría sido brutal para la academia.

La forma en la que nos sitúa Kubrick en cada lugar de la historia lo hace de una forma pictórica, durante momentos parece que estemos observando un cuadro y la forma de conseguirlo es con la ausencia total de movimientos de cámara y cuando es imposible dejarla estática sus travelling son lentos y pausados de tal forma que el espectador no sea consciente de este.

Para poder contar los acontecimientos sin hacer insertos de historias y poder dejar así el plano más tiempo usó el recurso del narrador al que pone voz el siempre eficaz Michael Hordern, por Dios que actor, de toda su carrera me quedo con el telfelim que hizo en la BBC de la tempestad, simplemente Arte con mayúsculas, pero volviendo a la película.

Su fotografía y puesta en escena se adereza con unas actuaciones espectaculares y aquí quiero destacar la valentía de Kubrick a la hora de apostar por Marisa Berenson, Marisa era una modelo que había hecho algún papel secundario en Muerte en Venecia y en Cabaret y el único papel protagonista que había realizado fue en una pequeña película italiana llamada Un Modo di essere donna Un drama romántico de poco recorrido, por cierto la película no es nada del otro mundo pero su banda sonora a cargo de Piero Piccioni es maravillosa, por cierto Piccioni es de esos compositores que fuera de Italia es desconocidisimo y es una injusticia, por que es de los mejores compositores de BSO de la historia, pero  bueno, volviendo a Barry Lyndon, algo vio Kubrick en ella que la dio el papel de la condesa y tengo que decir que está maravillosa en todo momento.

Ahora viene el momento de decirte esa escena tronchante, para mi hilarante, tranquilos que no os voy hacer spoiler de ningún tipo, así que la vais a disfrutar a más no poder, pero antes quiero contarte donde puedes ver la película. La tienes de momento en HBO Max, ¿por cuanto tiempo? no lo sé pero si eres suscriptor del canal te ha llegado a tiempo esta reseña para disfrutarla, si no lo eres y has llegado en otro espacio temporal y ya no la tienes disponible, lo mejor que puedes hacer es suscribirte y así no te perderás ninguna reseña de las películas que recomendamos para que disfrutes de tu semana.

Y ya ha llegado el momento. Barry Lindon ya mayor recibe la visita de un joven dispuesto a enfrentarse en un duelo a pistola con él, es Lyndon que ya ha vivido toda una vida de peligros y ese joven se enfrentan bajo la sombra de unas ruinas. Pues bien, ese momento es simplemente BRUTAL, tiene un humor negrisimo que te va hacer reírte de la posible muerte de uno de ellos. Evito para no hacer espoiler desvelar ni que pasa ni quien son cada uno... pero creerme que os va a colmar con creces que os haya dejado con la intriga.

Y ahora os dejo con la posivilidad de dos vídeos, uno es ver la reseña de Waterloo que os comenté al principio y otra un vídeo explicativo del final de 2001 una odisea en el espacio contada por baca de Kubrick

Y ya solo me queda desearte que seas muy feliz y que vivas el cine

Mr. Ripley según el cine.

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy con todos vosotros una reseña bastante especial ya que no vamos a analizar una película, si no como el cine a interpretado a un personaje tan particular como el escrito por Patricia  Higsmith, el maravillosamente educado galante y asesino, Tom Replay.

Antes de adentrarnos en la creación creo que es de justicia hablar brevemente de su creadora Patricia Higsmith, hablar de ella es nombrar a uno de los mayores referentes de la novela de suspense, no en vano es suya la novela de Extraños en un tren que Alfred Hotchcock la convirtió en película, creando una de las obras cumbres del género y con el que hay que decir que Patricia se iniciaba como escritora, no son pocas la primeras novelas que se comieron a su autor, pero la Sra Higsmith era mucha mujer para ser devorada por un único libro y es que en 1955, 5 años después de su primera y maravillosa novela , crearía a un personaje que la acompañaría casi hasta el final de sus días, el joven Tom Ripley.

Patricia nos narro las andanzas de ese criminal con un talento especial para la supervivencia en 5 libros El talento de Mr Repley, La máscara de Mr Ripley, El juego de Mr. Ripley, Tras los pasos de Ripley para terminar con Ripley en peligro publicada en 1991 sólo 4 años antes de su muerte. 

¿Y por que hago una reseña de este peculiar personaje? Primero por que la escritura de Higsmith describe perfectamente el perfil de un antiheroe, personaje por el que tengo total devoción y que no pocas glorias  ha dado al cine y  segundo, por que la buena de Patricia hace saltar por los aires toda la sociología que nos enseñan guion ya que el protagonista, por el que nos desviviremos en sus aventuras, es un despiadado asesino, así que si, el protagonista es el antagonista y esto es para levantarse y quitarse el sombrero y aplaudir hasta que se duerman las manos a la maravillosa Higsmith.

Otra cosa diferente es el trato que se le ha dado en el cine a su personaje y es aquí donde entramos en harina y empezamos a narrar las versiones cinematográficas de sus novelas, por que no son todas gloriosas y si te quedas hasta el final os diré mis dos versiones favoritas y creo que a más de uno le va a sorprender.

A pleno Sol de 1960 Dirigida por René Clemént, fantástica película que podríamos englobar en el primer Polar Frances aunque el género despuntaría un lustro después. Rodada muy a la americana, se aleja de la Nouvelle Vague para narrar las andanzas de Ripley encarnado fenomenalmente por Alain Delon y que no hay que olvidar el papel de Mr. Greenleaf al que da vida un portentoso Maurice Ronet que sinceramente es mi debilidad en esta cinta.

La trama nos mete en la vida de Tom Ripley que es contratado por el padre de un mujeriego y derrocha fortunas para hacerle volver a casa a cambio de una importante suma de dinero, su misión de hacerse su amigo sale bien, la de llevarle a casa se va a complicar un poco, pero si quieres saber el resto la tendrás que ver tú ya que aquí no se hacen spoilers. Por cierto dos cosas importantes de esta película, la Primera, la película tiene tintes hollywoodienses hasta tal punto que hacen un final Made in Hollywood que a mi personalmente no me entusiasma y  la segunda, que la banda sonora está a cargo de Nino Rota, si ese compositor que siempre se dice que es el que hizo la música para el padrino y que me pone de muy mala leche, por que parece que sólo haya hecho esa BSO que encima es un refrito.

 El bueno de Rota, además de varias óperas que no viene al caso compuso la música de La Strada, Guerra y Paz, La Dolce Vita, El Gatopardo, 8 y 1/2 o Amarcord, solo por poner algunas, por que creerme que me he comido muchisimas obras maestras, así que sí es el del padrino pero mucho, muchisimo más y además mejor.

Esta primera novela tiene un Remake de Anthony Minghella ese genio del cine que se nos fue demasiado pronto, pero que nos regaló esta versión de la primera novela de Ripley El talento de Mr Ripley de 1999 y que ahora sí se adapta la novela de principio a fin, sigue las pautas que os narra en a pleno Sol, por que es la misma película e incluso el estilo sigue siendo muy Hollywoodiense pero Minghella supo darle esa guinda final que a mi me encanta. por cierto Jude Law, Matt Damon y Gwynet Paldrow están soberbios, creíbles y maravillosos y además nos trae de vuelta una de las canciones sesenteras italianas favoritas de un servidor "Tu Vuò Fa' L'Americano" de Renato Carosone, una delicia para la vista y el oído.

La segunda novela de la saga de Ripley también tiene versión cinematográfica, esta vez a cargo de Roger Spottiswoode que recoge la novela de la máscara de Mr Ripley en su película Ripley Under Ground del 2005.

En esta obra nos narra las aventuras del bueno de Tom Ripley y el arte, concepto este muy vinculado al personaje en las siguientes novelas. El caso empieza con la extraña desaparición de un pintor pone en solfa la inauguración de una exposición pictórica, pero los amigos del pintor deciden ocultar la desaparición de este y poner en marcha dicha exposición engañando a todo el mundo, con lo que Ripley les ayudará en esa labor delictiva a la que le va a saber sacar provecho. 

La película buena no es, pero tampoco es un espanto, tiene altibajos durante toda la trama y al final te das cuenta que no engancha la interpretación del bueno de Barry Pepper que sin hacer un mal papel, la floja dirección no le sabe sacar todo el jugo al buen actor que es, pero que si eres un fan de la saga esta película es imprescindible ya que es la única versión que tiene esta segunda novela de nuestra amiga Patricia.

Y ya entramos a saco con la tercera entrega de la saga, El juego de Ripley que tiene una prodigiosa versión a cargo de mi admiradisimo Wim Wenders llamada el amigo americano, la película rodada en el 77 tiene ese gusto tan de la época, esa carencia de efectos especiales y esa artesanía en la puesta en escena hacen de esta versión un imprescindible, te guste Ripley o no, con un duo a la altura de los más grandes ya que veremos en la misma pantalla a Dennis Hopper haciendo de Ripley y a Bruno Ganz que hace de Jonathan Zimmerman.

La historia es de esas que son una verdadera delicia, Ripley oculto en Alemania, le surge la misión de asesinar a un capo de la mafia en Francia, tras un desencuentro con un fabricante de marcos para cuadros, Ripley decide un juego macabro, convencer a una persona común y corriente como es el marquista para que sea él el sicario... ¿Cómo lo consigue? Pues tienes que verla si o si por que es prodigiosa de principio a fin y aparte tiene una curiosa intrahistoria.

Wender quería realizar una película de Patricia Highsmith llamada el Grito de la lechuza pero sus derechos ya estaban adquiridos, busco otra y le pasó lo mismo, así hasta darse por vencido, entonces el editor aviso a Patricia de que Wender estaba interesado en su obra, esta llamó al director y le enseño el manuscrito de el Juego de Ripley, Wender quedó entusiasmado y se puso manos a la obra, por lo que podemos decir que novela y película convivieron en el mismo espacio temporal.

Y vamos a la última versión cinematográfica, no de la reseña por que aún os tengo que contar cuales son mis favoritas y donde puedes verlas de momento.

Y es que en el 2002 Liliana Cavani, por diós que directora, la amo , la adoro, suyas son La piel que me encantaría reseñar y Portero de noche, por favor que film. Hoy en día rodar portero de noche es impensable, pero es que Cavani es una directora libre a más no poder y lo demuestra en este Juego de Ripley donde antes de los créditos el bueno de Malkovich ya se ha cargado a uno. Por cierto, no se puede tener más clase que Malkovich en esta película está sobervio, no hablo de la trama por que es la misma que el amigo americano, sólo que cambias Alemania por Italia y ya la trama sigue igual, pero he de confesar aunque me duela que el final que rueda Cavani me gusta mucho más que el de Wender.

Y cuales son mis favoritas, yo creo que me quedo con el talento de Mr Repley de 1999 que puedes ver en HBO Max y que es perfecta en todo. 

Cómo segunda El juego de Ripley 2002, es completa, atractiva y con un Malkovich que eso de matar no le queda tan mal, me quedo con una frase de él, menos mal que encontré el reloj, si no tendría que matar a todo el maldito tren. Brutal y la puedes ver en HBO Max

Como tercera El amigo americano del 77 la puedes ver tanto en Amazon Prime como en  Filmin, solo decir Hopper, Ganz en una pelicula de Wenders y ya está todo dicho, a verla si o si.

Cómo cuarta A pleno Sol, maravillosa película con unas interpretaciones brutales, ver a Delon y Ronet en el barco no tiene precio y la puedes ver en Filmin

Y por último Ripley Under Ground, llena fallos narrativos no engancha pero si eres un fan del personaje tienes que ver. No está en ninguna plataforma de momento pero si sabes inglés no te costará encontrarla en Youtube, si la quieres en Español pues tendrás que ir a buscar al DVD y por cierto no sé si esta doblada.

y una primicia pronto empezarás a ver cositas de este personaje por que se prepara una serie para el 2022, habrá que verla y opinar después.

Y con esto terminamos el repaso al bueno de Ripley y te dejo con la posibilidad de suscribirte si no lo has hecho y que decidas entre estas dos reseñas que te propongo.

Un saludo, ser muy felices y vivir el cine 

Jo que noche! Una comedia de Martin Scorsese

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy con todos vosotros After Hours o como lamentablemente se tituló en Español Jo que noche! de 1985

Ya necesitaba Scorsese entrar en el canal con una pelicula suya y para este estreno tengo el placer de saber que vamos hacer una reseña más que necesaria por que After Hours es una de las películas más infravaloradas del genio Neoyorquino.

Cuando hablamos de una película de él estamos hablando de que los géneros se diluyen la narrativa tiene tal dosis de autor que muchas veces nos encontramos ante la imposibilidad de enmarcarla en un género. En principio esta película es una comedia, pero también es una película de aventuras y podríamos decir que es una cuento, pero dicho lo dicho vamos a dejarlo en comedia aunque carcajadas no vas a tener ni siquiera risas pero sí entretenimiento puro, sus 94 minutos se te van a pasar en un abrir y cerrar de ojos viendo como al bueno de Paul, magistralmente interpretado por Griffin Dunne le pasan cada vez cosas más descabelladas.

Por cierto, si te quedas hasta el final del vídeo te voy a contar una anécdota que puede ser que se te haya pasado de largo en el momento que viste el film y si no la has visto aún, me lo vas a agradecer.

La trama es una historia de Joseph Minion que firma el guion y que nos mete en la vida de un informático que trabaja para una gran compañía llamado Paul.

Su vida solitaria en el centro de Nueva York se ve aderezada una noche en la que conoce a Marcy una chica jovial con la que parece que hay más que un simple contacto, tras recibir el número de teléfono de su amiga Kiki (Permítanme que haga un paréntesis, no puede estar más arrebatadora Linda Fiorentino en este papel, actriz por la que tengo una total devoción y que tenemos que reseñar alguna de sus papeles principales por que es de justicia, cierro el paréntesis y vuelvo a la trama) pues bien Kiki es la amiga con la que Marcy se acaba de mudar y que al parecer hace unos pisapapeles de escayola con forma de pastel de crema.

Tras marcharse Marcy, Paul con la excusa de comprar uno de esos pisapapeles, llama a Kiki, esta le pasa a Marcy que le invita a su casa, a pesar de ser las 11:30 de la noche, Paul accede y a partir de ahí tienes que verla tú.

La película es vibrante, llena de acción donde una persona común y corriente se ve envuelto en una pesadilla de la que no puede escapar,  no puede salir de la ciudad, ni de la relación con Marcy y por si fuera poco el vecindario se levanta en una especie de cacería al hombre, todo sin que el bueno de Paul pueda hacer nada por solucionarlo. 

La obra narra en forma de comedia la soledad de algunas personas, esas que son capaces de llamar a una desconocida en plena noche y de la desconocida que da su teléfono a un extraño en un bar. Toda la atmosfera del film habla de lo mismo de la soledad de esos individuos y de la necesidad de terminar con ella, personas con el corazón roto mil y una vez que siguen empeñados en encontrar su media naranja.

Scorsese era ya un director consagrado, sus dos anteriores películas habían sido obras de grandes presupuesto con un reparto estelar, Toro salvaje y El Rey de la comedia que tenían el respaldo de grandes productoras, entonces ¿Por que hace un film independiente con dos productoras pequeñas como eran Double Play y Geffen Pictures?  Pues por que estaba harto de pelear por que le permitieran hacer la última tentación de Cristo, su historia polémica hacía que las grandes productoras no quisieran meterse en algo tan peliagudo como lo que el libro de Milos Kazantzakis nos cuenta. Y el encontrar la financiación necesaria para hacer el film se estaba convirtiendo en una pesadilla, pesadilla que duró 3 años hasta que por fin pudo rodarla,

Pues bien, cansado de los grandes estudios y toda su burocracia decidió hacer un pequeño film que no superaba los 4 millones y medio de dólares en donde quiso volver a sus origines, el contar sentimientos humanos usando la realidad como estilo. Hay que recordar que Scorsese era discípulo de Cassavettes y la película lo nota, la falta de presión de no tener a un directivo pegado como una lapa y la libertad creativa se siente en cada fotograma, las cámaras rápidas del taxi, que se nota falso desde el primer momento o las visitas a las diferentes cafeterías donde Scorsese juega con los encuadres de una manera prodigiosa, deja más que patente que fue una liberación, un descanso en su particular guerra y un regalo para el espectador que se adentre en esta disparatada historia

Por supuesto ninguneada por los Oscar como no podía ser menos, la película se alzó con el premio de Canes a mejor director, 5 nominaciones a los indepdet spirits donde se llevó mejor dirección y mejor película y varias nominaciones tanto en los Cesar como en los Bafta.

Y antes de decirte donde ver esta película quiero comentarte una anécdota del film, Si hitchcock tenía por costumbre aparecer en sus obras en el cine de Scorsese no es habitual, pero en esta película si aparece brevemente, justo en el Berlín donde tras un cañón de luz podemos ver al bueno de Martin haciendo de las suyas.

¿Y ahora donde la puedes ver? Pues la tienes en HBO Max y si de verdad te apetece pasar un buen rato viendo como lo pasa mal el bueno del prota esta es tu película.

Por cierto, puede ser que no conozcas a Cassavetes uno de mis directores de cine favoritos y una leyenda del cine independiente, fundador de la escuela de Nueva York y profesor de grandes directores, entre ellos nuestro amigo Matin Scorsese, por lo que te invito a que veas la reseña de El asesinato de un corredor de apuestas chino que tiene que aparecer a tu derecha y veas si se ajusta a tus gustos o no, si crees que puede gustarte, no lo dudes y lanzaté a ver la reseña y la película, seguro que te enamoraras del director independiente americano más relevante de la historia.

Y ya sólo me queda desearte que seas muy feliz y que vivas el cine  

Sergio Leone: La forma de crear un género.

A veces la realidad es tan compleja que ni la mente de un niño con su torrente de imaginación llega abarcar, algo así debió pensar Sergio Leone que en su infancia creía que su padre inventó el cine , pero jamás pudo prever que sería él el que inventaría una nueva forma de entenderlo.

En 1929 nacía en Roma, hijo de Vincenzo un director de cine mudo y de Edvinge actriz cinematógrafica Sergio Leone, con tales precedentes era inevitable que el joven Sergio terminara por dedicarse al mundo cinematográfico.

Su trabajo dentro del mundo del cine empezó de uno de los puestos más básicos, el de Script, pero Sergio siempre estaba haciendo cosas, moviéndose por los rodajes hasta que consiguió ser ayudante de dirección con Mario Soldatti, con él coloboró un tiempo hasta que llegó Mario Bonart, Bonart fue su verdadero mentor, durante años trabajó bajo sus órdenes hasta aprender el oficio. Poco a poco se fue haciendo un nombre en la industria hasta convertirse en un ayudante de dirección referente en Italia, no es de extrañar que cuando necesitaron un segundo director para la segunda unidad en  algunas tomas de Ben-Hur pensaran en Leone cuando terminó su colaboración con los americanos, volvió a trabajar bajos las ordenes de Bonard que estaba rodando los últimos días de Pompeya, Bonard tenía el corazón frágil por lo que una recaída impidió terminar la película por lo que tuvo que hacerse cargo Leone y terminarla por él, cabe decir que Bonard fallecería 6 años después por infarto agudo de miocardio.

Tras su experiencia tras la cámara por fin pudo dirigir su película, El Coloso de Rodas. Sergio veía en el Peplum un género que le fascinaba, no había límites a la imaginación, en el Peplum todo valía así como las altas dosis de aventura que tenía el género colmaban con creces al joven Sergio. 

Leone había nacido viendo cine y eran las propias películas su máxima inspiración, por encima de la historia o la literatura, cuando descubrió a Kurosawa en su película los siete samurais, leone quiso hacer su versión Peplum de la historia, llamada Los siete del águila dorada.

Tenía todo, el guion, los protagonistas, incluso una coproducción italo-española, pero no llegaba el dinero de garantía para la distribución con lo que al final el proyecto acabó en un cajón.

Entonces llegó otro film que cambiaría su suerte, Kurosawa había estrenado Jojimbo y leone volvió a quedar prendado de la película, el veía un western, una película de vaqueros en vez de samurais y esta vez se embarcó a rodar el film, sin un duro y con fondos propios llegó a Almería, el rodaje era tan precario que no tenían ni catering para los actores con lo que ellos tenían que pagarse de su propio bolsillo la comida y así empezó el rodaje en Almería de Por un puñado de dólares.

La cosa no pintaba nada bien, se estaba hacíendo el film sin un presupuesto mínimo, la suerte que tuvo Leone fue el coincidir en Almería con Marcello Baldi que estaba rodando Saúl y David, este tuvo que regalarle dinamita para hacer una explosión a su artificiero y le prestó dos cámaras más para rodar la explosión desde varios ángulos por que solo tenía dinero para una unidad. El resto es historia, la película fue toda una revolución, la gente hacía cola en los cines para poder verla, el revuelo llegó a EE.UU. donde los própios amiericanos iban a ver en masa una italianada que narraba su historia fundacional y la cosa funcionó, Leone no se basaba en la historia ni en las leyendas del oeste americano, si no que se basaba en lo que más le gustaba de las películas de vaqueros, su visión deformada por la visión de otros, hizo que el western se quitara el olor a rancio, la moralidad y la losa de los clásicos. En este nuevo Western la línea entre buenos y malos era muy fina, su falta de moralidad y su violencia enganchó con una juventud que había dado de lado a las películas de Ford, Walsh o Hawks y fue así como el spaghetti western nació como lo conocemos, No el Eurowestern que casi desde el principio del cine se hacía, si no el nuevo formato creado por Leone. Este éxito hizo que ocurrieran dos cosas, que el resto de directores italianos que hasta entonces hacían Peplum se pasaran hacer películas de vaqueros y que llegara la película a ojos de  los japoneses que pusieron una demanda por plagio a Leone que obviamente ganaron, al final un acuerdo entre los productores se saldó con la distribución de los nipones de la película para toda Asia.

Tras ese éxito Leone se enfrentó a su segundo Western intentando repetir el éxito del primero y a fe que lo consiguió con la Muerte tenía un precio y con el Bueno el feo y el malo, cerrando así su trilogía del dólar, tras tres éxitos consecutivos Leone era una figura dentro de cine universal, los actores querían trabajar con él las productoras financiarían cualquier presupuesto dado pero lejos de quitar presión a Sergio, esta necesidad de hacer cada vez algo más grande, más impresionante y con mayor éxito le superaba, sus nervios en los rodajes eran míticos.

En hasta que llegó su hora el rodaje llegó a extremos insospechados por la presión, mientras que rodaba la inseguridad crecía y repetía planos y planos, pero donde su trabajo llegaba a lo enfermizo era en la mesa de montaje, casi un año dando forma a una de las películas más bellas y crueles del cine un Western que hablaba del fin del western, la llegada del ferrocarril que llevaban la sociedad a los lugares más salvajes.

Esta presión de Leone la imitó Rod Steiger en una improvisada interpretación en Agáchate maldito, donde movía las manos quitándose la presión de la misma forma que hacía Sergio Leone en el rodaje, esta broma le gustó mucho a Sergio que la incorporó en el metraje final del film.

Leone habría rodado Agáchate Maldito mientras preparaba la producción de su película más ambiciosa hasta el momento Erase una vez en America. Leone había pedido a Grimaldi que se hiciera con los derechos de la novela de Harry Grey donde se basaba todo el inicio del film, mientras que rodaba Agachate Maldito, su equipo se documentó en Nueva Yorck para hacer la película, meses de trabajo, de localizaciones, de buscar fotos en los archivos para cuando llegara el momento.

Con todo preparado, apunto de rodar, Grimaldi le dice que no está interesado en la película, Leone que tenía a Grimaldi por un amigo le pidió que le vendiera los derechos, pero este se negaba, cuando llegaban a un acuerdo, este subía el precio, así constantemente, a Leone se le rompió el corazón, no podía rodar la película sin ese inicio, sin la parte de la juventud de los chicos, así que a la mujer de Leone Carla se le ocurrió una idea. Le dijo que en la siguiente entrevista dijera que va a empezar un film de mafiosos, que está teniendo problemas con los derechos de la primera parte y que está en contacto con un escritor que le va a ceder su novela para abarcar esa parte del film. La trampa tejida por Carla tuvo sus frutos y es así como engañaron a Grimaldi para que desbloqueara el film  ya que en cuanto escuchó la entrevista el napolitano llamó corriendo a Leone para venderle los derechos. 

Cabe destacar el duro golpe que sufrió por parte de su amigo, pero que no fue nada comparado con lo ocurrido al terminar el film. La obra de Leone era una suerte de Lawrence de arabia donde todo el film era un flashback, aunque a diferencia de la obra inmortal de Lean, aquí las idas y venidas en tres décadas diferentes eran constantes, creando una obra maravillosamente caleidoscopica, rica, compleja y llena de matices, pero los productores Estadounidenses no lo entendieron así y para la versión americana remontaron el film quitando los flashback y remontandola en orden temporal, aquel desastre hizo que la película con el montaje original de leone arrasara en Europa y sin embargo era criticada en EE.UU. por el público y la crítica. Eso hizo que Leone se metiera en litigios contra los productores y al final no pudiera rodar Leningrado.

Una cosa que no todo el mundo sabe, es que antes de hacer Leningrado Leone estaba preparando otro western, en este caso sobre la guerra civil y como los potentados se libraban de ir a la guerra pagando a otros que fueran en su lugar. Esa idea le vino por dos llamadas una de Richard Gere que le comentó por teléfono que para su siguiente western contara con él y la segunda de Mike Rourke que en aquellos entonces era el chico prodigio de hollywood. Peo nada de eso fue posible por que en 1989 a la edad de 60 años Sergio Leone moriría de infarto agudo de miocardio al igual que su mentor Mario Bonard.

Espero que su cine llegue a todo el mundo, su calidad, su obra y su manera de ver el cine era única, padre del Spaghetti western, figura fundamental para entender el cine, te dejo en esta pantalla las reseñas de sus dos obras míticas, hasta que llegó su hora y erase una vez en america. Hasta siempre maestro.

El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford

 bienvenido, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinelilia hoy volvemos de regreso al siglo xxi y por ser más preciso al 2007, año en que Andrew Domnik rodó El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford.

Antes de nada y para que quede constancia de ello Dominik es un director que personalmente me encanta, cierto es que causa controversia no solo en el público si no también en la crítica especializada y es que estamos ante un director con un sello tan personal que a nadie deja indiferente y está, que es su segunda película no puede ser más personal y eso demuestra valentía cosa que últimamente no se valora como se debería, por que si todos siguen los caminos establecidos, no dejaremos de ver siempre la misma película y con este film el bueno de Andrew creerme que os va a sorprender.

En un principio el film puede llevar a equivoco, una obra basada en Jesse James, es un western, pero cuidado por que no lo es. O podemos pensar que es un biopic del famoso foragido y tampoco y es entonces donde te preguntas ¿Y entonces que voy a ver? pues vas a ver un cuento capitular o mejor dicho la recreación de un articulo de posible periódico  de la época.

Ya desde el título del film que sigue la doctrina de un encabezado periodístico, nos da pistas sobre lo que vamos a ver y la cosa se pone aún más seria cuando una voz en off nos narra los acontecimientos que vamos a ver a continuación, si, te dice como termina la secuencia antes de que empiece con lo que el director consigue que el espectador se pregunte ¿Cómo llegan ahí? ya que sabemos perfectamente lo que va a suceder y es aquí donde la película tiene magia, por que lo más importante de este viaje fantástico es el camino y no la llegada. 

La película nos adentra en los últimos días de Jesse James. Los hermanos James con la banda original diezmada por la acción de la justicia donde la mayoría de ellos o están muertos o presos, se ven obligados a recurrir de nuevos delincuentes totalmente desconocidos, granjeros y vagabundos englosan ahora las filas de los dos famosos forajidos. 

El problema viene cuando Jesse cree que esos nuevos miembros de su banda le van a delatar para llevarse la recompensa y estos temerosos creen que Jesse los va a ejecutar por si le delatan, con lo que tenemos una lucha intestina entre los miembros y el forajido. Una premisa que nos va a poner los nervios de punta.

En cierta forma esta obra es más un thriller que un western, su poca acción que se reduce al mínimo, hace posible que profundicemos en el perfil psicológico de los personajes, personajes de lo más variopinto ya que tenemos desde ladrones románticos  como Dick Lidill fantasticamente interpretado por Paul Schneider, Leales familiares de James como es Wood Hide interpretado por el siempre eficaz Jeremy Renner, dos hermanos ladrones uno un simple delincuente el interpretado por Sam Rockwell que luego hablaré de él y el hermano pequeño Robert Ford que le da vida Cassey Afleck y por último Jesse James que lo interpreta el poderosisimo Brad Pit que se come todo el cartel promocional así como los actos a la prensa pero que en pantalla veremos que alguien le roba la tostada.

Esta película basada en duelos verbales, en intensidades dramáticas, tiene la necesidad o más bien la obligación de contar con un reparto cuajado de buenos actores o está bien interpretado y mete al espectador en lo que está sucediendo o la película se cae y en este aspecto la obra cumple con creces, el duelo principal entre un Brad Pit que interpreta a un James que es más una sombra, su llegada es sinonimo de muerte, cuando aparece Jesse en escena sabemos que algo malo va a ocurrir y por otro lado en ingenuo y admirador de Jesse, el bueno de Robert Ford que lo interpeta Afleck le da el contra punto al personaje de Pit, ambos tienen química en la pantalla, sus momentos juntos son de lo mejor de la película si no fuera por un mínimo detalle, quiero abrir un paréntesis.  

Siempre se ha hablado de esos secundarios que son capaces con su interpretación de robar protagonismo a las estrellas, una suerte de actor encasillado o con pocas oportunidades que de vez en cuando le contratan y se convierte en lo mejor del film, pues en este caso pasa y no veáis de que manera, cierro el paréntesis y continuo.

Pues sí, el duelo entre Afleck y Pit sería de lo mejor si no fuera por Rockwell, por dios que papel hace el bueno de Sam Rockwell sus momentos en pantalla, su mirada nerviosa, temerosa o deprimida traspasa la pantalla y llega al corazón de los espectadores, da igual el dialogo profundo que tenga Jesse con Robert, tu siempre te encuentras mirando al bueno de Charley Ford y en la parte final de la película, que por supuesto no narraremos, aquí eclosiona de tal manera que da sentido no solo a su personaje si no a toda la película al completo, hay que ver que ciegos están en los premios cuando hay una mega estrella en el reparto, por que las nominaciones y los reconocimiento le llegaron al bueno de Brat que hace un gran papel, pero nadie se acordó de ese papel de reparto encarnado por uno de los mejores actores de la actualidad que le pilla en un momento dulce y nos regla para la eternidad el perfil desdibujado de un hombre sin futuro.

¿Y donde puedes ver esta maravillosa película? Pues lo tienes fijo en HBO max.

Ahora un consejo, sus cribete al canal si quieres pero te voy a dar un motivo por el que hacerlo, las plataformas cambian constantemente el catálogo y si te gusta como te reseño los films sin spoiler y contando lo justito de la trama para que sepas de que va, suscribete y así estás al día, por que si llegas tarde a la reseña puede ser que haya desaparecido de la plataforma que te indicamos y dicho esto, solo me quedan por decir dos cosas la primera un adelanto de la próxima reseña y es Animación para adultos, si volvemos a mi género el de la animación con una obra IN-DIS-PEN-SA-BLE. no os digo nada y con eso os digo todo y por último desearos que seais muy felices y viváis el cine

 

Pesadilla en Elm Street 1984 ¿por que es mejor que su remake?

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, hoy vengo con un vídeo de rabiosa actualidad, por que hoy vamos a hablar de Pesadilla en Elm Street de 1984.

¿Muchos ahora os preguntaréis por que es actual esta reseña si el film es del 84 y su remake es del 2010?

Pues por que vuelven a hacer una película basada otra vez en un original de Wes Craven, en este caso de Scream que se estrenará en este 2022, si es un éxito o un desastre el tiempo lo dirá.

Por eso vamos a hablar un poco de Craven antes de entrar en su film más famoso como es pesadilla en Elm Street y su mejor villano como es Fred Krugger y al final del vídeo veremos por que es un fiasco total su remake, pero para eso tendréis que llegar hasta el final de la reseña y ahora vamos por el principio ¿Quien era Wes Craven?

Nacido en Ohio es considerado como uno de los padres del terror de los 80 y 90 junto con Cronenberg y Carpenter en una época que en la que se cimentaron las bases del Slash terror que hoy en día sigue vigente y que seamos sinceros, no hay película Slash del 2000 que superen a aquellas viejas películas que se hicieron a partir de La matanza de Texas.

En 1972 rueda su opera prima, hay que recordar que estamos dos años antes de la película de Tobe Hooper que se llamó la última casa a la Izquierda y que se hizo con un presupuesto irrisorio de menos de 90.000 dólares y que tuvo una acogida brutal y se ha llegado a convertir en una obra de culto, la película no es buena pero marca las bases de un género maldito y aunque no ha envejecido muy bien tengo que decir que es mejor que su remake del 2009 y eso que contó con un presupuesto 16 veces mayor, pero es que este género no está a la altura de todo el mundo.

Tras ese primer éxito Craven pudo rodar 2 años despues otro film mítico del género, Las colinas tienen ojos de 1974, con algo más de presupuesto 250.000 dólares y vuelve a recibir el éxito de público y como no su Remake milenial y que otra vez se vuelve a quedar por debajo a pesar de contar con un presupuesto de 15 millones.

En el 81 rodaría una de sus películas menores pero que guardan la esencia del director Bendición Mortal, una de sus pocas películas que no tienen remake oficial, por que si que existen cintas inspiradas en esta obra.

En 1982 Craven rodó su particular visión del comic la Cosa del pantano que ya había sido llevada al cine en 1954 en La mujer y el Monstruo y que resultó ser un fracaso y que en el 2019 tuvo su revisión esta vez en forma de serie.

Y así llegamos a 1982 año en el que se estrena Pesadilla en Elm Street, Craven había dulcificado mucho con el tiempo su forma de narrar la violencia y esto le permitió alcanzar a mucho más publico, fuera del gore, esos nuevos espectadores amantes del terror encontraron en este film no sólo una película si no un villano a la altura de los más grandes  Fred Krugger, por cierto en esta primera parte de la saga no se le llama Freedy en ningún momento y para ello contó con casi 2 millones de dólares y un reparto de jovenes estrellas llegadas de la mano de New Line Cinema la mayor productora cinematografica fuera de los grandes estudios. De su mano llegaron dos debutantes la protagonista Heather Langenkamp y Jonny Deep que hacía su primer papel en el cine y que ambos están excepcionales.

La trama no creo que haya que contarla ya que es conocida por todo el mundo pero si has venido de otro planeta o eres muy, muy joven y aún no sabes quién es el bueno de Freddy, decirte que en la calle Elm Street un grupo de jovenes empiezan a tener pesadillas con un misterioso hombre, de cara quemada, jersey a rallas y cuchillas en las manos y todo quedaría en algo anecdótico si no fuera por que dicho personaje te puede matar en sueños.

La película guarda la esencia de las cintas de serie B, los personajes creíbles a más no poder marcan la esencia de la adolescencia preuniversitaria donde se representa a la niña buena hija del poli, la madre a la que se le va la mano de vez en cuando con el alcohol, su amiga popular con novio macarra y el chico bueno novio de la chica buena y que lucharán en toda la película para no dormirse, el film está lleno de giros, donde unos policías que siendo generosos son como poco despistados no son rival para el bueno de freddy pero que la dulce niña asustadiza al principio se las va a poner moradas al final de la cinta ya que ver la progresión del personaje durante el metraje es de lo mejorcito del film.

La obra que no es perfecta, es entretenida y cuando digo entretenida lo digo en el mejor sentido de la palabra, por que hacerte pasar un buen rato viendo litros y litros de sangre no está a la altura de cualquiera y es aquí donde quiero entrar a hablar de su remake del 2009 Pesadilla en Elm Street el origen y que no es que sea mala, que lo es, es que peor, es aburrida hasta el bosezo.

El primer problema está en la misma estructura del guión, mientras que en el original vemos la vida cotidiana de nuestros protas, chicos que van a clase que se citan en casa para tener sexo y que tienen alguna pesadilla nocturna que les atormentan pero que no le dan mayor importancia, en el remake tienen prisa por meter sangre, con lo que sin ni siquiera conocer al bueno del chico en cuentión que se pide un café para no bebérselo y así quedarse dormido, nos meten con calzador a Freedy así sin más, para que pueda matarlo antes de llegar al cuarto de hora, no sea que alguien se canse y mire el movil. 

Otro problema está en el propio diseño de vestuario y maquillaje, mientras que en el original ves unos chavales que puedes ser tú o tu hijo o tu hermano pequeño, en la nueva todos parecen salidos de un anuncio de colonia, siempre perfectos, maquillados y peinados, hasta cuando pelean con Krugger están monos y eso es algo que te hace que no empatices con ellos, no te los creas.

Para más inri y de verdad que no se quien fue el lumbreras y perdonarme que voy hacer spoiler del final, te lo digo para que saltes esta parte si no la has visto te pongo esta imagen cuando se quite puedes subir el sonido. 

Si recordáis el final, la chica consigue vencer a Krugger por que dice que no cree en él, que le quita su fuerza por que es su miedo quién le alimenta y en está usan en la primera muerte del adicto al descafeinado las mismas frases que en el primer film usa la chica para derrotarle, con lo que ya sabemos que en el sueño él es invencible, menuda metida de pata. Pues ya terminado el  spoiler decimos adiós a la imagen

Y esta película se mantiene en exclusiva por que Krugger vende y es por eso que nos lo menten hasta en la sopa, haciendo que los chicos se queden dormidos en los sitios más inesperados, en un funeral ¿Leches, te quedas dormida en el funeral de tu amigo? o lo que es peor en medio de un entrenamiento de natación, pero a quién se le ocurre, es imposible que entrenando con el subidon de todo que te da te quedes dormido, leches justifícamelo dándose un golpe en la cabeza o algo, pero para que van a justificar nada si lo que interesa en mantener a Freddy el máximo tiempo en pantalla.

En fin la película es una chapuza y lo que es peor el director lo sabe, es por eso que solo en 15 minutos del film de los 110 que dura no hay música incidental de fondo, intentan reparar con música de tensión lo que no consiguen con imágenes y así jamás vas a llegar a nada.

No es de extrañar la legión de detractores que tiene por que es mala a más no poder.

Y donde puedes ver esta película y su remake, pues ambas las tienes en HBO Max con lo que si quieres compararlas las tienes allí, pero si solo puedes ver una, te aconsejo el original.

Y ya me despido hasta dentro de siete días pero ya sabes que las plataformas suelen cambiar el contenido y puede que cuando veas esta reseña, alguna o las dos peliculas no estén ya disponibles, así que lo mejor que puedes hacer es suscribirte, así estarás al día de nuestros consejos de cine y no te perderas nada y ya solo me queda decirte que seas muy feliz y que vivas el cine

Los Siete Samurais, una obra de arte hecha cine

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia hoy con todos vosotros una de esas obras perfectas, uno de esos films que no pasan el tiempo por ella y una de esas rarezas que parece más moderna que todos sus remakes posteriores, con todos vosotros Los siete samuráis de Akira Kurosawa.

Ya necesitaba el canal vestirse de gala con algún film del grandisimo Kurosawa y creo que ya era hora de que hablaramos de uno de los grandes directores de la historia, de esos que no necesita presentación, como bien le llamó Steven Spielberg el Shakespeare del cine.

Kurosawa un director bastante occidentalizado en Japón y  bastante japonés para occidente, tenía todas las papeletas para ir de fracaso en fracaso, pero supo demostrar que su acertada mirada sobre elementos del ser humano era tan aguda y universal que no solo supo capear el temporal si no abrirse hueco a base de obras maestras en el mundo cinematográfico universal, antes de rodar estos Siete samurais, ya había dado la campanada con varías películas como El Angel Ebrio, perro rabioso y sobre todo rashomon que consiguieron la máximas distinciones internacionales creando así una gran base de seguidores y una tampoco desdeñable masa de detractores, por que aunque ahora nos parezca mentira, creerme que en aquellos años los tenía. 

Tras Rashomon vendría el Idiota una adaptación de un cuento de Dovstoiesky y Vivir uno de los mejores dramas del director y quizá de la filmografía universal, tras este último gran éxito, Kurosawa quería relizar una película épica con una mirada hollywodiense, un western a la japonesa y fue así como se gestó Los siete samuráis, para ello necesitó de dos guionistas que ya hubieran trabajado con el director y que supieran su mirada cinefila y recluto para esta taréa a dos de los mejores guionistas del cine japones y quizá del cine de todos los tiempos como eran Shinobu Hashimoto e Hideo Oguni, Hashimoto ya había trabajado en su anterior film Vivir y en Rashomon y con Oguni había trabajado en vivir, con lo que repetía el tamden de su último gran éxito y así pudieron dar vida a esta epopeya de samurais.

La historia nos adentra en el Japon feudal, donde un grupo de campesinos está siendo acosado por una banda de forajidos, estos desesperados mandan a dos emisarios con todas sus pertenencias a contratar a un samurai que les defienda y así empieza este maravilloso film, de honor, amistad y muerte. Una joya única del cine, un film que visto más de diez lustros después sigue siendo moderna y actual, con un ritmo pausado que no lento y unas interpretaciones simplemente prodigiosas, no es de extrañar que estuviera en el reparto uno de los mejores actores de todos los tiempos y uno de los habituales del cine de Kurosawa el grandioso Toshiro Mifune, pero quedarnos en él es una injusticia por que todos absolutamente todos están en estado de gracia. Una cosa que me pasa con esta película es que no me puedo imaginar a ninguno de los personajes con traje occidental cenando en un restaurante de moda, es como si fueran samurais, como si no existiera el actor y solo estuviera el personaje, algo que pocas veces me ha pasado y una de ellas ha sido con este film.

 Si cabe destacar un punto fuerte en está época de Kurosawa es el montaje, directo y lleno de transiciones fantasticas del film, esto fue posible a que el director japonés rodó con multicamaras para poder tener diferentes puntos de vista de una única acción y así poder emplearlo en el montaje final, este sistema lo usó Kurosawa en este film por primera vez y ya jamás abandonó este sistema.

Es especialmente visible el funcionamiento de este montaje en la carga de caballería final,  batalla que ahora la vemos como sublime pero que en la época no fueron pocos los que criticaron su larga duración, que ciegos estaban.

Y como fue acogida esta película de Kurosawa, pues como todo un acontecimiento, nominada al Oscar y a los Bafta y ganadora del leon de plata de Venecia.

Y llegó tan lejos que solo 6 años después Struges rodó su particalr visión del film en otro film mítico llamado los siete magnificos, que sin superar al original es un remake de lo más logrado de la historia del cine, una revisión que has de ver también, el problema vino luego, con secuelas poco agraciadas como el regreso de los siete magnificos, la furia de los siete magnificos, El desafío de los siete magnificos y el Remake del 2016 inecesario totalmente llamado tambien Los 7 magnificos, todas ellas nacen de un mismo árbol la película del 54 de Kurosawa que es más moderna, profunda y dramática que todos los productos y sub productos derivados de ella.

¿Y donde puedes ver este film, donde te puedes recrear de una de las joyas inmortales del cine?, pues la tienes por el momento en pues la tienes a tu disposición en Amazon Prime Video, Filmin y MoviStar +, pero ya sabes que continuamente están cambiado el catálogo las plataformas por lo que no tardes mucho en verla y para que estés al día de nuestras reseñas te recomiendo que te suscribas si aún no lo has hecho por que la semana que viene volvemos con el terror, con una reseña doble ya que vamos a comparar un original, clásico indiscutible del terror con su remake, creo que no te lo puedes perder, así que hasta dentro de 7 días y mientras tanto ser felices y vivir el cine