UNO DE LOS NUESTROS 1990

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis si hay tres películas que han sabido retratar la mafia en el cine, esas serían las dos primeras partes del padrino y este Uno de los nuestros film que nos ocupa hoy, tanto como reseña de cine así como videoconsejo. 

Pero si en las obras maestras de Coppola la mafia está, se ve, es tangible y en cierta forma cotidiana. En Goodfellas que es como se llamó originalmente este Uno de los nuestros no es así.

En este caso la mafia está como en un rango etereo durante toda la película ya que el fim lo que realmente nos retrata son los ganster asociados que aún no pertenecen a una familia o que nunca podrán pertenecer ya que no son completamente italianos requisito imprescinidble para ser miembro de una familia mafiosa.

Así que goodfellas de los que nos habla realmente de las alcantarillas del hampa, de esos personajes que no dejan de ser unos matones o unos recaderos de los verdaderos miembros de la mafia, de aquellos ganster que han de cumplir ordenes, sean esta cuales sean y que llevan tanto tiempo obedeciendo que saben que no estan seguros ni con los amigos de siempre ya que si por lo que sea estos reciben la orden de aniquilarlos no les va a temblar el pulso y es que no en vano esta obra nace desde la verdad de un libro de investigación sobre el caso de Henry Hill escrito por el escritor y periodista Nicolas Pileggi.

El caso es que la novela cayó en manos de Scorssese que no tenía intención ninguna de hacer una película sobre la mafia, pero que tras leer el libro quedó embaucado, tanto fue así que el propio Scorssese llamó a Pileggy diciendo que había estado esperando toda la vida su novela a lo que el escritor le replicó que él siempre había estado esperando su llamada.

Y se pusieron manos a la obra para realizar el guión de goodfellas, estamos sobre medidados de los años 80 y el trabajo de escritura de guión les llevó largo tiempo de realización, por un lado Scorsesse intentaba hacer entender al escritor que no era necesario seguir un orden temporal de los acontecimientos si no que podías desplazarse en el tiempo constantemente, por otro lado el escritor entendió que ya desde el guión tenía que llevar inmerso en el texto la imagen de los acontecimientos y este trabajo necesitó de más de 12 borradores literarios para dar por terminado el guion definitivo.

en un principio la película se iba a llamar muy parecido al libro Wise Guys pero debido a que ya había dos películas que sonaban bastante parecidas, decidieron llamar a su obra Goodfellas.

El caso es que cuando ya estaba todo preparado para empezar incluso ya se dispone de los fondos económicos, Martín Scorssese abandona el proyecto o mejor dicho lo deja hibernando ya que justo en ese momento es cuando recibe luz verde para realizar la película de su vida La última tentación de Cristo, por lo que se tuvo que esperar casi un año para que Scorssese volviera hacerse cargo del proyecto. 

Y ahora creo que es un buen momento para contar un poco de que va el film, no os preocupeis si  aún no lo habéis visto por que aquí en cinefilia no hacemos spoiler, es una regla de la casa que no nos saltamos nunca.

Henry Hill es un joven neoyorquino mitad siciliano y mitad irlandés, su máxima ambición en la vida es ser uno de los ganster que pululan por el barrio, por lo que cuando le ofrecen un puesto menor para trabajar como recadero del jefe mafioso Pauline Cicero, este acepta sin pensar comenzando así su andadura dentro de la extructura paralela que tiene la mafia con los ganster asociado. Su trabajo le llevará a conocer a un Irlandés temido por ser uno de los mayores asesinos de la familia, Jimmy Conwey creandose una amistad junto con el chico italiano Tommy Devito, creandose una amistad que en un principio debería de ser estable si no fuera por que Devito es un Psicopata asesino y Conwey asesina a cualquiera que piensa que puede delatarle, viviendo el bueno de Hill siempre al borde del precipicio.

Y ya no te voy a contar nada más, el resto de la película tienes que disfrutarla tú una extraña joya del cine que se salta varios dogmas del guión para elevar este film a algo irrepetible en el séptimo Arte.

El reparto del elenco, sólo De Niro estaba contratado de antemano, de hecho el si de Robert fue el que levantó el proyecto y consiguió los fondos necesarios para la película, mientras que Ray Liotta que estaba obsesionado con la historia desde que leyó la novela tuvo que audicionar ya que se pensó para el papel tanto a Sean Pen, Alec Balduin, Tom Cruise y Val Kilmer, pero al final la pasión de Liotta en la audición hizo que se quedara con el personaje, algo parecido a lo que ocurrio con Pesci, por cierto por este papel de Psicopata asesino Joe Pesci consiguió el Oscar de la Academia por su papel de secundario, marcando de por vida al actor que pocas veces ha podido desprenderse de su papel de mafioso.

El estilo filmico de Scorssese vuelve a ser arriesgado, otra vez, por que con la última tentación de cristo caminó por el filo de la navaja. Aqui Martin se salta una de las reglas que parecen sagradas en el cine como es la Voz en Off, este recurso está mal visto en la industria más que nada por el mal uso que se le da, pero en este caso Scorssese vuelve a marcarse una lección de maestría en este sentido , entrando de una forma natural el recurso de narrar lo que se ve.

Pero es que con el respaldo de Telma Schoonmaker la portentosa y gigantesca montadora de cine que acompañó a Scorssese en casi toda su trayectoria, pues era facil tomar riesgos, por cierto el trabajo de Schoonmaker estuvo tambien nominado al Oscar que aunque no se lo llevó indica el trabajo tan descomunal que realizó la maravillosa montadora.

La película es una joya, un film que no nos narra la cuspide de una organización criminal cosa que se suele contar normalmente en las películas, ni siquiera se trata a un ascenso hacía la cúspide por que el origen de los personajes no les permite ascender más, si no que se centra en esos personajes que en otros films del hampa son ese personaje que hace de chofer para el capo, roba el camien de licor o ametrallan al rival y se fugan en un coche a toda velocidad, esos donadie que hacen el trabajo sucio y que han perdido cualquier vestigió de las normas sociales que nos hemos puesto las personas de bien y no sólo no lo lamentan si no que se jactan de ello, siendo al final personajes podridos por dentro y en cierta forma unos seres acomplejados, que cabalgan entre lo magestuoso y lo cutre.

Y ahora quiero hacerte una pregunta, ¿te gustan mis reseñas de cine donde hablamos de la producción de la película, de los entresijos de las mismas y además os sirve como consejo de cine para esos momentos que no sabes que ver? Pues si tu respuesta es afirmativa, no lo dudes más y suscribeté a esta maravillosa comunidad que formamos los suscriptores de Cinefilia y segundo, te está gustando la reseña, pues entonces premia nuestro trabajo regalandonos un Like que nos hace muy felíz cada vez que vemos esos pulgares hacia arriba.

Y volviendo a la película, que la hace tan especial incluso hoy en día, pues la verdad, esta película lejos de bendecir a los protagonistas, los toma como títeres, realmente no les pertenece ni la vida y sólo cuando nuestro protagonista toma el control para si mismo, se adentra más en una espiral autodestructiva, algo así como que el karma les lleva siempre por el camino equivocado en una especie de comedia destructora y destructiva. Otro de los motivos por lo que no te lo tienes que perder es por como nos cuenta Scorssese la historia, es totalmente divertida, nos hace que cojamos la suficiente distancia de los acontecimientos que ocurren que en ningún momento nos sentimos mal por el destino haciago de los protagonistas. siendo como espectadores en un zoo viendo las girafas comer, pero gracias a la forma de crear el film, estamos ante una constante montaña rusa de acontecimientos donde visitamos 3 décadas marcadas por una peculiar banda sonora que se restringe casi exclusivamente a la selección musical del momento, siendo esta selección musical un elemento más de la narración del film ya que te situa en que momento nos encontramos sin más necesidad que el escuchar la obra.

Y bueno, esperando que os haya gustado la reseña, vamos a ir dando por terminada la misma, esperando que si no la has visto aún pongas remedio de inmediato ya que la obra es simplemente una joya del cine considerada una obra maestra que probablemente sea la mejor de su director.

Y cómo en un par de días volvemos con otro consejo de cine, sólo me queda por desearte dos cosas, la primera que seas inmensamente felis y la segunda que vivas el CINE

 

En la boca del Miedo

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, es curioso como a John Carpenter le acompañan siempre las grandes películas de terror, cómo hoy en día es más que un referente del género y es considerado un maestro, pero también como el éxito de sus películas en el momento de su estreno le era totalmente esquivo, siendo quizá el director de cine considerado todo un referente y seguido por infinidad de fanáticos el que más fracasos económicos acumula en taquilla y esta joya del cine, esta película monumental del terror cósmico un referente del terror lovecrasiano y una película que ha sido aupada por los amantes de la fantasía y terror como obra maestra también fue un fracaso en la taquilla de los años 90.

Y es que sí, En la Boca del miedo fue un desastre taquillero en su momento pero que tiene tanta magia, tanta fuerza y tantos puntos sobresalientes  que tengo que aconsejar si o si su visionado y los suscriptores del canal que ya han disfrutado de esta película pueden dar fé de ello.

La obra no deja de ser una rareza dentro del terror debido a que bebe del terror cósmico de Lovecraft, veréis si hablamos de referentes del terror literario, Stocker, Edgar Allan Poe incluso nuestro autor de terror vivo más universal, Stephen King han sido constantes sus adaptaciones al cine y a la televisión y es que el terror sobrenatural o el terror gótico encaja perfectamente dentro de la técnida del séptimo arte, pero sin embargo Howard Philippe Lovecraft no ha tenido tanta suerte y es que su visión terrorifica de seres llegados del cosmos es tan eterea e intangible que pocos directores se han atrevido a realizar sus películas o seguir su legado en el cine y es que sólo podemos destacar en este género a dos autores, por un lado Stuard Gordon y por el otro como no nuestro John Carpenter.

Y dentro de este terror cósmico Lovecrasiano, la película más destacable de todo el cine es esta en la boca del miedo a pesar de no estar basado en ningún relato del escritor de Providence.

Para poder entrar de lleno con la producción del film dejenme antes que les cuente un poco de que va esta película, como ya sabéis los veteranos del canal como siempre sin spoiler de ningún tipo, así que estate relajado por que en nuestras reseñas jamás destripamos la obra que aconsejamos.

Sutter Cane es un famosisimo escritor de novelas de terror, su fama le ha llegado por el fanatismo casi descontrolado de sus lectores que llegan a la agresividad más salvaje con el fin de hacerse con la nueva novela del escritor, el caso es que el editor de Cane Jackson Harglow está preocupado por el paradero del escritor ya que lleva desaparecido varias semanas, por lo que contratan los servivios de uno de los mejores detectives privados de la cuidad John Trent, Trent es bastante incredulo frente a la petición de Harlow pensando que está siendo manejado en una estrategia de marqueting, aún así acepta y junto con la ayudante del editor la señorita Lynda Styles parten a la búsqueda de Sutter Cane y hasta aquí os voy a contar, el resto de la película tienes que disfrutarla tú y tras esto volvamos a la reseña.

A ver, el film aunque maravilloso y de una manufactura que ralla la perfección es una película para fans, una obra que tiene infinidad de guiños a todos los que son aficionados al terror de Lovcraft, por ejemplo todas las novelas que aparecen escritas por el autor desparecido, son un homenaje directo a las autenticas obras de H.P. Lovecraft, pero tambien es un guiño a todos los que disfrutamos del terror clásico de Carpenter, donde en cierta forma parece una continuación en cuanto al aspecto filmico a la cosa clasico de culto del terror rodado en 1982, pero de la misma forma que el espectro de espectadores que van a disfrutar muchísimo esta película, hay otra parte de la audiencia que o bien no le va a convencer o directamente la va a destestar y es que si no estás en esa orbita de espectadores que quieren pasar un rato desconectado del mundo y se resisten a ser llevados a este mundo que nos dibuja Carpenter, pues directamente se van a sentir decepcionados e incluso no comprenderán por que este film es una obra maestra.

El guión aunque parece creado exproceso para Carpenter por parte del director Michael di Luca y en cierta forma fue así ya que cuando compro los derechos New Line Cinema  fue al primer director que se le ofreció pero Carpenter se niega, no le convence y la productora se ve obligada a buscar otro director, entre ellos se lo ofrecieron a Tony Randell por cierto un director que seguramente no te suene y es que sus mejores proyectos los hizo dentro del montaje pero aún así fue el responsable de dirigir la segunda parte de Hellraiser quizá su película de más calidad, tambien sonó dentro de la productora Mary Lambert directora tambien especialista en el género y tambien con un escaso exito en sus producciones aunque podemos destacar Cementerio viviente, el caso es que New Line CInema estaba perdido en la búsqueda de un director que supiera sacar adelante el film hasta que en 1990 Carpenter quiso hacerse cargo de la película `por lo que la productora antes de que se arrepintiera empezó la producción de este film con 8 millones de presupuesto con lo que sería el cierre de la trilogía del apocalipsis de Carpenter. en la que entroca con La cosa y el principe de las tinieblas.

Cómo os comentamos al principio de la reseña el film fue un desastre en taquilla apenas recaudó los mismos 8 millones que costó en EE.UU. y Canadá, pero creo que esto era un riesgo sabido por la productora por que donde si que fue un exito rotundo y en todo el mundo además en el video domestico convirtiendose en todo un blockbuster de las cintas de VHS.

El ritmo de la película es trepidante, de hecho el film nos mete de lleno en una historia empezada, sus 3 primeros minutos ya te tiene atrapado, siendo la película un gran racondo por cierto para los que no sepan que es un racondo es similar a un Flahsback pero que ocupa todo el film, un recuerdo que te cuenta como y por que ha llegado el bueno de Trent al psiquiatrico donde es encerrado y donde empieza la película.

El reparto está en un momento álgido de su profesión de hecho Sam Neil que es el que interpreta al detective Trent está inconmensurable, probablemente es su mejor papel en el cine dotando a la historia de un cinismo y humor negro maravilloso, un antiherore al uso pero que engancha desde el primer momento, para dar la replica nos encontramos a la pareja de Editor y ayudante como son Charlton Heston, que se puede decir de un actor que es leyenda o July Carmen una actriz que no ha tenido el éxito que se merece por que es maravillosa y ya lo demostró en otro film de culto como Noche de Miedo 2. 

Y en el aspectos de secundarios el film cuenta con Jurguen Prochnow, si el conde Leto en el Dune de Lynch o el protagonista de Dash Boot de Wolfgan petersen

En cuando a la música que se puede decir otra vez corre a cargo de su director como casi siempre en colaboración con Jim Lang.

Además es un tributo tanto a las novelas de terror como a las peliculas de miedo de serie B donde tanbien tiene su hueco en el film

La película es un deleite y una rareza, ahora Lovecraft está muy de moda tanto en lectores como en jugadores de rol y de mesa pero que pocas veces podemos ver en pantalla.

Y nada con este consejo de cine vamos a ir dando por terminado el vídeo pero antes quiero pedirte una cosa, suscribete si es que aún no lo has hecho ya que así cuando subamos un vídeo el algoritmo te va a notificar la nueva reseña y segundo, si te gusta este video y este consejo de cine hazmelo saber con un like.

Y nada esperando que te adentres en este maravilloso film de Carpenter, por cierto creo que es el director de cabecera del canal por que es el que más películas tiene en Cinefilia y con la promesa de volver con el resto de filmografía del director pronto me quiero despedir ya de vosotros, no sin antes recordarte dos cosas, la primera que seas inmensamente feliz o por lo menos lo intentes y la segunda como no puede ser de otra forma que vivas el cine.

El caso de Thomas Crown 1968

 bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, Veréis si hay un director que supo adaptarse a la época en la que le tocó trabajar, ese es Norman Jewison, todos sus films son hijos de la década en que fue rodado a veces para bien y otras para mal, un buen ejemplo lo tenemos en sus tres mejores décadas en cuanto a producción cinematográfica, los noventa fue marcada por la controvertida Huracán Carter, en los 80 hechizo de Luna, de la década de los setenta podemos destacar El violinista en el tejado y de los 60 este maravilloso y desenfadado film de atracos El Caso de Thomas Crown una de esas joyas por la que su gusto antiguo le ha dado esa pátina de nostalgia que hace de la obra aún mejor film.

La película originalmente títulada The Thomas Crown Affair tuvo infinidad de retitulados en Español, En Mexico El affair de Thomas Crown, en Argentina Sociedad para el Crimen y para España El caso de Thomas Crown título con el que le conocí yo.

La película tiene en su honor el haber ganado en los Oscar la estatuilla a Mejor Canción Windminds of your maind compuesta por el francés Michael Legrand, personalemente y sólo personalemente este tema melancólico y romántico no contiene la esencia desenfadada de la película y para mi no es la justa ganadora a pesar de ser una maravillosa canción rómantica que seguro que habéis escuchado alguna vez.

Por cierto para los más curiosos os dejaré un enlace en la descripción del vídeo para que luego me digáis si pensais como yo o no.

La película tiene su mayor gloría en el guion libreto escrito por un totalmente novato en este trabajo Alan Trusman siendo este su primer guión el cine, Trusman pensó mientras escribía a Sean Connery, siendo esta la primera opción para interpretar a Thomas Crown, el caso es que cuando el productor de cine Water Mirish y el que sería el director de la película Norman Jewison se dieron cuenta que era el papel ideal para Steve Mc Queen, un apasionado de los deportes de riesgo donde aquí podría desplegar buenas dosis de adrenalina, la única pega es que como el escritor pensó en la flema inglesa de Connery los dialogos no encajaban con el actor de indiana por lo que tuvo que rehacerlos completamente para que no sonaran raros en la boca de Queen.

El caso es que el actor quedo tan contento con el resultado del guión que para la siguiente película de Steve Mcqueen, también rodada en el 68 Bullit se volvió a contar con el trabajo de Alan Trustman y que os parece si antes de continuar con la producción del film os narremos un poco de que va la película, los más veteranos en el canal saben que jamás hacemos spoiler pero puede ser que tú seas un recien llegado a CINEFILIA y no lo sepas, así que tranquilo, aquí no se hacen nunca spoiler de ningún tipo, hacmos la reseña con el fin de empujarte a ver la película y no destrozarte la experiencia, así que vamos con la sinopsis.

Veréis Thomas Crown es un millonario cansado con su rutina diaria, busca en los deportes, la velocidad y la aeronautica nuevos retos que le hagan sentirse vivo, pero parece que nada le llena del todo, así que decide una última ocurrencia que va a ir un paso más allá, ha ideado el robo perfecto y lo va a poner en práctica. Según el plan establecido el atraco al banco sale a la perfección, la policía esta perdida y no hay ninguna pista, pero el seguro del banco no se va a quedar con los brazos cruzados, van a llamar a su mejor detective uno que jamás falla por muy complejo que sea, la bellisima señorita Vicki Anderson, la detective se aliará con la policía aportando nuevos datos que le pondrán sobre la pista del multimillonario Crawn y ya no vamos a contar nada más para que puedas ver esta obra divertidas como pocas y puedas sorprenderte con una trama maravillosa llena de giros argumentales que llegan al disparate, pero un disparate glorioso.

Antes de nada y para que no nos llevemos a engaños el film es un digno hijo de su tiempo, rebosa sesenterismo por los cuatro costados pero esto que a veces es una losa para otras películas en El caso de Tomas Crown es un punto a su favor y es que esta comedia se enriquece gracias al estilismo del momento, a la moda y la música de aquella epoca siendo casi un personaje más de la película, la obra que aunque tiene el compas de un thriller es en parte una película de humor romantico y aventuras de atracos un film que ayuda a evadirte durante la hora y media que dura el film y en parte es gracias al estado glorioso de su pareja protagonista principal, veréis Steve Mcqueen está en su salsa, interpreta un personaje del que no estaba acostumbrado ya que él como nadie interpretaba al hombre medio de los EE.UU. y en este caso se tenía que meter en la piel de un hombre rico en busca de nuevas sensaciones que aderecen una vida que le aburre, en parte y sólo en parte algo que le pasaba en realidad a McQueen que se adentraba en cualquier deporte de riesgo para alimentar su necesidad de adrenalina y que en este film le da un plus ya que cuando vuela con el ultraligero, el piloto es realmente él, cuando conduce con el boggie a toda velocidad es precisamente McQueen  que además era un formidable piloto de velocidad, por lo que da una realidad total al poder ver al actor por ejemplo jugar al Polo  por ejemplo.

Por otro lado y no es menos protagonista que Crown nos encontramos a Vicky Anderson interpretada por una increible Faye Dunaway que venía de realizar uno de los papeles más importantes no sólo de la época de los 60 si no del cine en general ya que encarnó a Bonnie en Bonnie and Clyde de Arthur Penn  y aquí hace de una mujer liberada, que no se ata a los convencionalismos que en su época tenian las mujeres y tomaba un rol activo a la hora de seducir y usar sus encantos para fines profesionales y alcanzar otro éxito en su afan de seguir siendo esa detective infalible.

Ambos cuando están juntos chocan como dos trenes de mercancía que viajan por la misma via pero en direcciones opuestas, en donde sabemos o mejor dicho intuimos que nada bueno va a salir de ese contacto pero que es irremediable una vez los dos se han encontrado.

Esta película fue uno de los grandes éxitos de la United artist en la década de los sesenta uno de esos filmes que consiguieron un éxito en taquilla ya que sólo en los estados unidos consiguió recaudar más de 14 millones de un presupuesto incial de 4 millones de la época.

Aunque el tiempo ha caido injustamente sobre este film siendo más recordado en la actualidad el remake de John Mctierman titulado El secreto de Thomas Crawn con Pierce Brosman y René Russo y que hay que decir que no está nada mal, no llega a la maestría de esta película que se atreve con la pantalla divivida por viñetas donde nos muestra varias acciones simultaneas con una maestría típica del gran Jewison, con dos actores en estado de gracia  que simplemente hacen de sus personajes unos seres míticos y es que no siempre se puede ver en pantalla a dos titanes del cine como eran Mcqueen y Danaway siendo este original mucho mejor que el remake del 99

Y bueno, ya vamos a ir dando por terminada esta maravillosa película pero no sin antes adelantaros cual va a ser el film a reseñar la semana que viene ya que volvemos a invitar John Carpenter, pero antes de eso dos preguntas, ¿te gustan mis reseñas, te lo pasas bien con nuestros consejos de cine? entonces ya estarás suscrito a nuestro canal y si no lo estas no te fies del algoritmo apuntate a nuestro club de cinefilios dandole al botón y la campanita así no te vas a perder nada y segundo no menos importante, Cuando vas al restaurante y has salido satisfecho del servicio seguro que dejas una propina por el trabajo hecho, pues por favor reagalame un like en forma de propina si crees que nos lo hemos merecido ya que siempre agradecemos cada like que nos realais.

Pues ahora si. la siguiente película a reseñar no es otra que el film rodado en 1994 En la boca del miedo.

film que algunos suscriptores me han pedido y ha llegado por fin el momento.

y nada, para que empiece una reseña antes tengo que terminar la actual y como en un par de días nos vamos a volver a ver sólo tengo dos cosas que desearte, la primera que seas inmensamente feliz y la segunda como no puede ser de otra forma que VIVAS EL CINE

GRUPO SALVAJE 1969

Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA veréis Grupo salvaje película dirigida por Sam Peckinpah en 1969 es el film que nos ocupa en la reseña de hoy, película ampliamente pedida por los amigos suscriptores que por fin ve la luz en el canal, está película es una de esas obras maestras del cine un patrón que marcó el estilo a seguir y una joya incontestable del séptimo arte, aunque fijaros, la película si somos precisos podríamos contar de que va, cual es la aventura de nuestros personajes en apenas 3 líneas ¿Y entonces cómo nos puede tener anclados en el asiento las dos horas y media que dura el film? pues por que en ella se esconde otra historia más allá que la aventura de un grupo de forajidos, el film es una obra fronteriza, no sólo por que ocurre entre Mexico y EE.UU. que también, si no por que nos habla de esa frontera temporal donde el salvaje oeste está dejando paso a la civilización, el tren, las armas automáticas y el vehículo está aplastando de forma inexorable al viejo cawboy nómada, al aventurero de solitario en un mundo por descubrir, pero tambien la frontera moral, del bien y del mal que es tan difusa como la calima de polvo en suspensión en el desierto y por si todo esto no fuera poco, la obra marca el final del romanticismo en el western para narrar obras sucias, amorales y violentas como pocas, films en donde casi se puede oler la carne muerta a base de montajes frenéticos y cámaras lentas, por que si, The Wild Bunch es mucho más que un western es el principio de los setenta es la modernidad en el cine

Puede parecer precipitado que decida comentar yá, de que va la trama pero  es que este film tiene tal profundidad en la producción de esta obra que necesitamos quitarnos del medio la sinopsis del film, si aún no la ha has visto y no conoces nuestro canal, no te preocupes por que jamás hacemos spoiler de las reseñas que hacemos así que tranquilo.

Pike es el lider de un grupo de asaltantes, viven al margen de la ley intentando sacar el mejor partido, mientras tanto Thorton un exmiembro de la banda es contratado por el forrocarril a fin de que de caza a su amigo con la recompensa de librarse de la carcel en Yuma. La persecución por el desierto le llevará a implicarse entre la guerra que tiene el gobierno mexicano contra pancho villa y ya no te voy a contar nada más para que puedas disfrutar de este film lleno de explosiones tiroteos muerte y pasión. 

Y ahora contándote de que va la película déjenme que me adentre en la producción de esta película.

Veréis corría el año de 1965 cuando el productor Reno Carrell compró los derechos de un guión escrito por Wallon Green y Roy Sickner, el libreto ya tenía como título grupo salvaje, durante dos años buscó comprador encontrandoló en la Warner, el caso de estár dos años en la busqueda de compradores era que el wester clásico americano no vendía debido a que los italianos habían llegado con su Spaghetty Western a cambiar el género para siempre,

los  productores Kennet Hyman y Fild Felman de la Warner habían tenido problemas de producción con el bueno de Peckinpah que había llevado al traste una película de aventuras llamada la historia del diamante, el caso es que sin película para el director la Fox compra Buch Cassidy y Sandance Kid o cómo se tituló en españa Dos hombres y un destino con lo que vieron una replica a la twenty century fox en el guión de grupo salvaje, esto le hizo apostar por un duelo de western atipicos que tenían el mismo presupuesto 6 millones de dólares y quien mejor que el director de Duelo en la Alta Sierra, El mayor dandy o Villa calbalga de nuevo para hacerse cargo.

Por lo que le adjudicaron la nueva producción y unos meses despues ya estaba haciendo retoques al guión, la admiración de Pekinpah sentía por los siete samurais de Kurosawa le llevó a incorporar la cámara lenta y sobretodo el desfile a la salida del poblado, Pekinpah había avanzado en su cinematografía mientras se las hacía pasar bastante mal a los productores debido al mal genio y su alcoholismo pero esta vez su mente iba un paso más alla que la de cualquier director de la época, inmediatamente el director pensó en el actor Wiliam Holden aunque se barajaron otros nombres Holden era su mejor baza para su papel principal un hombre que había mostrado ya su valía en papeles moralmente ambiguos, cosa diferente pasó con Thorton, aquí varios actores rechazaron el papel hasta que llegó a las manos de Robert Ryan donde hizo un papel magistral.

Otro actor que tenía claro Pekinpah era el de su amigo personal el escritor, director de cine y actor el gran Emilio Fernandez que interpretaría al general mapache.

El resto del elenco tubo que formarse mediante audiciones y representantes, pero parece mentira que no se pensara en el trio actoral Bourgnine, Ben johnson y Warren Oates por que simplemente están magistrales su trabajo junto con la joven estrella Jaime Sanchez crean el grueso del grupo de forajidos que simplemente parecen que son y no que están actuando .

El trabajo de Pekinpah fue memorable no sólo por que se movía como pez en el agua en el género western si no que se lo tomó como la última película que rodaría ya que había tenido tantos problemas con los productores que pensaba que su carrera había llegado al final y he aquí el perfecionismo al que llegó, para que os hagáis una idea las pistolas en el cine sonaban todas igual pero aquí no, como si de un actor más los rifles tienen su sonido, los revolveres el suyo, las pistolas automaticas otro diferente y por su puesto la ametralladora, esa riqueza auditiva hace que te metas como nunca en el tiroteo lleno de matices sonoros.

La película redefinió todos los conceptos del género justo despues de que lo hiciera Leone y tras grupo salvaje la manera romántica del western murió para siempre siendo desde entonces obras más ásperas y de contenido más sombrío.

Y antes de deciros que film ganó en la taquilla mundial en este duelo del mismo género y coste de producción entre Dos hombres y un destino y este grupo salvaje, dejenme que les pregunte un par de cosas ¿Te gustan mis reseñas? te hago pasar el rato en youtube y te gusta el cine, pues entonces por que no te suscribes, es la única forma que tienes para estar al día de todas los maravillosos consejos de cine clasico que os proponemos, así que no lo dudes y unete a esta maravillosa tribu de cinefilos que formamos los suscriptores de Cinefilia y la segunda pregunta ¿Te ha gustado esta reseña, crees que se merece un premio el canal? pues entonces dale like, es como una propina por el trabajo si piensas que está bien hecho pero que no te cuesta nada al bolsillo.

Y ahora si. Quién gano este singular duelo que se dió en 1969, pues Dos hombres y un destino fue todo un acontecimiento, la cinta que costó 6 millones de dólares recaudó en todo el mundo más de 100 millones de los 70 un hito poco común en el cine que llevó a este film en lo más alto del escalafón de rentabilidad, mientras que este grupo salvaje, que se estrenó tambien en el 69 y con el mismo presupuesto de 6 millones de dólares recaudó en la taquilla mundial algo menos de 30 millones de dólares que aún siendo una gran taquilla la película de la Fox se coronó en este particular duelo siendo el film más visto aquel año en Estados Unidos mientras que este Grupo Salvaje se tuvo que conformar con la posición 17 recaudando algo menos de 12 millones de dólares.

Pero aún perdiendo el duelo comercial la película creó historia que dejó seguir rodando a Peckinpah a apesar de lo que pensaba y con el tiempo se alzó como la obra maestra que es hoy en día

Y nada, con esos datos os voy a dejar esperando que aquellos que no la habéis visto os adentreis a este crepuscular western y para los que ya la conocéis os animéis a ver de nuevo este film que toca tantos temas que es imposible abarcarlos todos en una reseña

Y como ya hemos llegado al final de la reseña dejenmé que les desee dos cosas de corazón la primera que seas inmensamente felíz o luches por ello y la segunda como no puede ser de otra forma que vivas el cine

 

INSTINTO BÁSICO 1992

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, Instinto Básico que es la película que cierra el ciclo de obras con un contenido de alto voltaje hoy en día es un referente en el cine, sus escenas son míticas, sus personajes y tramas forman ya el imaginario colectivo de todos los amantes del cine, por lo que ahora y con la visión del resultado final podemos caer en el error que fue una película de manufactura fácil, un film medido por las productoras en donde el éxito está asegurado. 

Pero curiosamente esto no fue así, si la película es hoy el producto de éxito en el que se convirtió, fue por la locura de varios miembros del staff del film por que tenía tantas papeletas de ser una absoluto desastre, que si por aquellos entonces hubiera existido el Algoritmo esté se negaría a rodarlo, pero para entender el porqué va a ser necesario que te veas la reseña que os traemos hoy que creerme es una joya.

Veréis a mediados de los ochenta Joe Eszterhas uno de los guionistas más afamados por aquellos entonces, debido a obras como Flashdance, Al filo de la sospecha o La caja de música, por cierto este film fue la primera reseña del canal, le hacían el autor más deseado por las productoras norteamericanas y cuando escribió su nuevo guión una película de suspense con altas dosis de erotismo, todas las productoras del momento quisieron hacerse con el libreto entrando en una especie de subasta que disparó todos los records del precio de un guion y es que los productores Marshall y Kassar dueños de Carolco films pagaron por el libreto la friolera de tres millones de dólares. 

El caso es que una vez comprado por esa elevada cifra carolco se encontraba con la necesidad de que el resultado en pantalla fuera excelente, por lo que pensaron que el director ideal para hacerse cargo de la obra no era otro que Paul Verhoeven, su anterior film con Carolco, desafío total había sido un éxito absoluto, su trabajo anterior Robocop tambien lo había sido y estaba en ese periodo que Sidney Lumet llama como Periodo Caliente que es cuando un director encadena una racha de obras con un resultado excelente y todo el mundo te ve como salvador de la producción en ciernes.

Así que tras el si del director, Verhoeven se puso a cargo de la preproducción de la película, el caso es que lejos de tratar el libreto de Eszterhas como viable para el rodaje, se puso a pedir cambios y más cambios de guion, el escritor pronto se sintió molesto con los cambios que le estaba haciendo Paul Verhoven ya que tenía la impresión que lejos de mejorar el film lo estaba destruyendo, el punto de inflexión llegó cuando solicitó una escena romántica de alto voltaje entre las dos protagonistas del film una escena lésbica que Joe Eszeterhas se negó a realizar ya que pensaba que el tono del film se estaba yendo a una obra de Explotatión, por lo que abandonó el proyecto.

Entonces Verhoeven contrato los servicios del escritor y guionista Gary Goldman que realizó cuatro versiones diferentes del guion original y es entonces cuando Verhoeven se dio cuenta que estaba equivocado que la obra original escrita por Eszterhas era infinitamente mejor que lo que estaban haciendo Goldman y él por lo que volvió al libreto original que escondía una maravillosa historia de intriga.

Ahora creo que ha llegado el momento de que reseñemos un poco de que va el film, aunque se que es un clasicazo del cine, que casi todo el mundo ya la ha visto, pienso en ese otro número de personas, en ese "casi" que aún no han disfrutado la película por lo que no voy a desvelar nada de los acontecimiento y evitaré cualquier tipo de spoiler por que creerme que tampoco son necesarios.

Estamos en Sanfrancisco, allí un miembro reputado de la sociedad, Johnny Boz un antiguo cantante de Rock pero que ahora tiene contacto con el alcalde de la ciudad a sido asesinado con un picahielo mientras que mantenía una relación con una mujer. El caso, que debe ser resuelto lo antes posible por la vinculación politica del finado cae en manos del detective de homicidios Nick Curran, este pronto ve en la novia del Sr. Boz a su principal sospechosa, la señorita Catherine Tramell, esta curiosamente ha escrito una novela donde relata parrafo a parrafo el asesinato con el picahielos siendo a la vez prueba y exculpación, la investigación sigue su curso y todo bajo los parametros establecidos si no fuera por dos pequeños detalles, el primero por que el detective se enamora de la escritora y el segundo por que la Señorita Tramell ha empezado un nuevo libro donde un inspector de homicidios muere a manos de su amante y ya no os voy a contar nada más, la película es una joya del cine que tiene en su guión la mejor baza posible y que hace de esta historia descarnada un clásico del thriller universal.

Y ya volviendo a la producción, la película tenía que tener el reclamos de un actor que llamara al publico a las salas de cine por lo  que se pusieron en contacto con Michael Douglas, este dudaba participar debido a la carga herotica que tenía la película, las escenas más hardcore estaban realizadas de tal forma que era imposible usar dobles de cuerpo y tampoco quería Douglas manchar su reputación con una obra que probablemente fuera declarada X en muchos países, por lo que los productores empezaron a barajar otros nombres, Mel Gibson, Kevin Koshner o Richard Gere fueron algunos de los contactados, pero llegado el momento Douglas dijo que sí y firmó con Carolco su participación.

El caso es que Michael Douglas pidió compartir las escenas con una actriz de reconocido prestigio, de esa forma no estaría solo dando la cara si el puritanismo existente quisiera buscar un chivo expiatorio, es entonces cuando se encargó de contactar con actrices de primer nivel, Kim Basinguer que era su primera opción pero que declinó por la cantidad de desnudos que tenía la cinta y que tras nueve semans y media estaba intentando que no la encasillaran en dichos papeles subidos de tono, tras la negativa de Bashinguer la siguiente opción fue Julia Roberts que declinó por lo mismo, Greta Scarchi, Meg Ryan, Debra Winger, Michelle Pheipher, Mariel Heminguey e incluso Kelly Ann Linch se negaron tambien por la cantidad de escenas sin ropa, desesperado Douglas llamó a Katheling Turner aunque sabía los problemas con el peso de la actriz y esta tambien declinó. Así que Douglas se quedó solo con un contrato que le obligaba a realizar el film. Es entonces cuando Carolco encontró a dos actrices jóvenes que si estaban dispuestas a desnudarse en pantalla, Demi Moore y Sharon Stone ambas unas desconocidas por aquellos entonces, de hecho Verhoeven fichó a Stone por que quedó muy satisfecho del pequeño papel que hizo en desafío total.  

Cómo os podéis imaginar el Bueno de Michael Douglas estaba aterrorizado con el resultado de la cinta, pero no contó con una cosa, los dialogos y la construcción de los personajes, estos últimos son casi perfectos, los personajes no son para nada planos, tienen una vida pasada más allá de la historia que nos cuenta que los dota de un realismo brutal, El detective curran es un hombre lleno de taras con una actuación policial que le ha llevado a ir a la psicológa y que está al filo de la cuchilla para que asuntos internos le eche del cuerpo, por otro lado es un hombre con actos de enmienda ha dejado el tabaco y el alcohol en busca de su mejor versión una versión buena que saca con su nueva pareja que no es otra que la doctora en psicología Beth Garner, por otro lado tenemos la vida de la sospechosa, una mujer cínica y fría que ha tenido en el fallecimiento de su anterior novio, un boxeador muerto en el ring un golpe del que se ha protegido poniendo una coraza a sus sentimientos comportandose casi como una mantis religiosa.

Esta riqueza vital que dificilmente vemos en películas de este tipo dan una profundidad a la trama que simplemente te envuelve durante todo el metraje y si además dispone de unos dialogos dignos del grandísimo Nicholas Ray un alarde tecnico en la escritura por parte del guionista que sabe como crear unos duelos vervales que más parecen una lucha a florete que una simple conversación podemos entender por que este guión rompió todos los records de la obra literaria para el cine más cara de todos los tiempos.

Y es que aquí ya solo les quedaba a los actores hacer lo que mejor sabían que era actuar, de Douglas era sabido pero de Stone y Tripplehorn fue toda una sorpresa, ambas actrices se comen la pantalla, hasta entonces unas desconocidas casi totales pero que este film las lanzó al estrellato de tal manera se que convertirían en los astros escenicos que son hoy en día.

Para envolver la acción necesitaban de una banda sonora creada por un maestro y ese fue el maravilloso Jerry Golsmith, veréis os cuento algo que me ocurrió una vez, viendo esta película con una persona que no la había visto me dijo... "Ah la música es la de esta película"... y es que esta sintonía se ha convertido en un clásico, se escucha en todos los lados, radio, podcast y otros medios, siendo parte de nuestra vida auditiva pero que donde despliega toda su belleza como si de un pavo real desplegara su cola es cuando se escucha acompañando este film.

Cómo habéis visto la película distribuida por Trystar pictures no las tenía todas consigo y en parte varios colectivos como el LGTBI del momento quiso boicotear la cinta al entender que el guión daba una versión negativa del lesbianismo, actos que apenas se notaron cuando la película se estrenó, siempre pienso que hoy en día una campaña de este tipo en redes sociales harían a la productora replantearse el guión pero gracias a diós twitter por aquellos entonces no existía y nos dejó disfrutar de un film que la audiencia veneró, 5 semanas seguidas como número uno en taquilla, exito mundial tanto de recaudación como de espectadores hicieron que este film de casi 50 millones de dólares, una aútentica locura de presupuesto en los años noventa se transformaran en más de 350 millones en todo el mundo y eso sólo con la taquilla del cine, ya que el vídeo domestico aumentó esa cifra por más de dos, siendo uno de los éxitos comerciales más rotundos del cine.

Y bueno con el deseo que te acerques a esta obra que seguro que si no la has visto ya, por lo menos has conocido de su existencia y si aún no has entrado en este maravilloso mundo criminal en las calles de sanfrancisco que tiene uno de los mejores finales de toda la historia del cine, superes tu pereza y veas esta joya del séptimo arte, claro está si tienes más de dieciocho años.

Y nada ya voy a dar por terminada esta reseña con la intención de adelantaros cual es el próximo film, pues ni más ni menos que un consejo que me habéis pedido muchos, la mayor obra de Pekinpah en el cine, el maravilloso western Grupo Salvaje, pero como eso será en un par de días ahora solo me queda despedirme con una petición y dos deseos, la petición es que te suscribas al canal, si te gustan mis reseñas no confies que el algoritmo te enseñe lo último que subimos así que dale al botón y a la campanita y así tenemos una cita con el siguiente film y si te ha gustado este video dale a like para demostrar que este tipo de películas clásicas tienen cabida en los catalogos de todas las plataformas y ya me marcho con los dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o por lo menos lo intentes y la segunda como no puede ser de otra forma que vivas el cine

fin

JUEGOS SALVAJES 1998

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA veréis la película que vamos a reseñar o mejor dicho aconsejar, queda muy lejos de ser una obra maestra y en cierta forma no es una gran película. ¿Entonces por que dediacamos este video a una película que no es ni una cosa ni otra? Pues por que es entretenida como pocas, es de esas obras que de vez en cuando nos regala el cine y que solemos mirarlas por encima del hombro, películas de entretenimiento puro, obras pensadas para pasar el rato, que cierto es que no destaca en ningún aspecto pero tampoco naufraga, no es una película de una manufactura impecable pero ésta cumple con lo que se le pide y por si fuera poco, al terminar de ver la obra no sólo no tienes la sensación de haber perdido el tiempo si no todo lo contrario, sales con esa impresión de que en el fondo es mejor película de lo que parece y estas en lo cierto, por que Juegos Salvajes film rodado en 1998 por Jon Mcnaughton es de esas obras que tienes que ver y espero empujaros a su visionado gracias a esta reseña.

Veréis el film está medido hasta el extremo y es que no en vano no es obra de un recien llegado al cine si no de uno de los directores más afamados de la escena independiente y del cine de género.

Tras esta fachada de película intranscendental se encuentra un director haciendo que parezca como tal, pero que curiosamente nos tiene enganchados de principio a fin, no sabemos muy bien por que, la película hace que te enganche desde el minuto uno y ese encantamiento no para hasta que llega el final de la película y es que realmente no es tan ligerita como parece, en el interior contiene una película de género maravillosa, un thriller con carga erotica bien rodado y con una historia llena de giros maravillosos y todo sobre una base de una comedia y es que si, este film lleno de crueldad y delitos, con una tensión dramatica digna de la mejor obra de suspense, es en el fondo una gran comedia, comedia negrisima pero comedia al fin y al cavo y es que no en vano tras las camaras nos encontramos a John Mcnaughton 

¿Y quien es este director? Pues ni más ni menos que el responsable de la famosisima Henry Retrato de un asesino película ganadora en 1990 del festival de Sitches un film de terror que hoy en día es una de las mayores películas de culto que ha transcendido en el tiempo y que en este film Mcnaughton vuelve a hacer gala de lo mejor que sabe hacer que es crear un vinculo en el espectador y su obra.

Veréis Mcnaughton decidió meterse en la producción de Juegos Salvajes para crear una película comercial ya que hasta ese momento siempre había rodado dentro del cine independiente, la película contaba con un guión escrito por Stephens Peters que es el responsable de la película de Frankenheimer rodada para la Canon Group La cuarta Guerra de 1990 y que en este film vuelve a demostrar por que sus obras siempre gustan.

Y entonces el bueno de John Mcnaughton hace lo que mejor sabe, realizar una película sublime bajo el aspecto de un telefilm de tercera y para poder entrar en este concepto me van a permitir que antes les cuente de que va la película, ya sabéis que como siempre sin spoiler y más en esta obra que tenemos entre las manos, cualquier desliz por mi parte puede llevar a una merma en la sorpresa y el encanto de este film, así que tranquilo por que no desvelaré más que lo necesario.

Sam Lombardo es profesor y tutor en un instituto de secundaria, su vida transita entre las clases y la navegación y además del reconocimiento social tiene la simpatía de sus compañeros de trabajo, su actitud es intachable. Las alumnas del instituto están locas por él y él intenta esquivar como puede dichas invitaciones. Su vida es tranquila y perfecta hasta que un día Kelly Van Ryan una joven adolescente rica y mal criada se encapricha de Lombardo y al sentirse rechazada le acusa de un delito de agresión sexual, todo su mundo se tambalea, la gente no sabe a quién creer si la muchacha o al profesor pero inexplicablemente otra alumna en este caso más modesta y que ha sido su amiga durante gran parte del tiempo se une a la demanda explicando que ella tambien fue agredida por el profesor y lo que antas era un tambaleo directamente su mundo se hundirá teniendo que ir a juicio contra las dos jovenes y ya no te puedo contar nada más, me apetecería adentrarme en los acontecimientos que suceden posteriormente pero no puedo sin destrozarte la experiencia por que este film realmente arranca donde terminan otras películas.

Cómo os estaba comentando antes, la apariencia de la película al principio nos retrata un film casi de tercera, llena de efectismos manidos, cámaras lentas mientras las chicas en bañador salen de la piscina.

A veces tienes las sensación de estar viendo un videoclip trasnochado de los 80, este arranque tan extraño esta forma de rodar por parte del director te puede llevar a la falsa sensación de que estamos ante una película mala, pero no dejéis que la apariencia de la primera impresión se apodere de ti, dale un tiempo, tras ese primer trago dulce hasta la diabetes, el film muta a una comedia extraña donde se juzga al profesor por dos delitos sexuales y si crees que no tiene ninguna gracia lo que narra, espérate un poco más ya que luego el film como si de un camaleón se tratara muta a un thriller maravilloso y loco donde nos llevará hasta el final del metraje de sorpresa en sorpresa que están tan bien medidas que una vez vuelta a ver la película entiendes de por que ese peculiar arranque tan suigenris.

La película con una carga erotica importante es la segunda obra que hacemos de este ciclo que arrancamos con Fuego en el cuerpo, ambas obras no pueden estar más alejadas entre si, mientras que la primera se tomaba en serio a si misma y con razon ya que es una de las obras cumbres del género, este film no lo hace, el mismo en cierta forma se toma a broma, a veces nos muestra el director planos que parece que te dicen "tranquilo, no te tomes muy en serio todo lo que va a pasar a continuación ya que simplemente es un film". Para realizar la película no buscaron a actores reputados si no que buscaron actores de comedias ligeras, por ejemplo Matt Dillon venía de rodar la comedia In and Out  de Frank Oz y luego daría vida al detective alocado en Algo pasa con Mary, para el duo de colegialas encontramos a una maravillosa Denise Richard que por cierto parece mentira que nos podamos creer que es una joven estudiante cuando la buena de Denise tenía 27 años y que venía de rodar un año antes la película de ciencia ficción Star Ship Troopers y Neve Campbell la actriz de la serie televisiva cinco en familia que había tocado el éxito con la primera y segunda parte de Scream.

Por otra parte nos encontramos al cómico referente de los 80 salido de la factoria de Saturdey Night Live Bill Murray que aunque sólo tiene unos 20 minutos en pantalla que realmente es lo que dura la comedia en la película tiene uno de esos papeles inolvidables de principio a fin.

Si somos precisos el único actor que podríamos considerar serio es Kevin Bacon, pero es que su aparición es la del detective en delitos sexuales Ray Duqquette, por lo que el perfil es ideal para el personaje.

Y ahora puedes preguntarte como puede este actor haber participado en dicha locura, pues por que ademas de interprete es productor del film y quiero sumarme al comentario qui hizo en una entrevista sobre la película, decía algo así, cuando leía el guión decía, vaya película más mala, pero en la siguiente página pasaba algo que no podía dejar de leer"

Y es que es tal cual, la obra contiene tantos clichés, tantos dialogos manidos que en principio tendrían que repelerte, ¿Pero entonces por que no la quitas? Pues por que están pasando tantas cosas a los personajes del film que te sientes que estás en un parque de atracciones, sabemos que todo es de cartón piedra pero y que te encanta aunque luego no lo confieses.

La obra contó con la nada desdeñable cifra de 20 millones de dólares donde tuvo un éxito moderado consiguiendo en taquilla mundial más de 60 millones siendo más o menos la mitad de lo recaudado  en estados unidos y canadá, pero donde arrasó fue en el video domestico que la hicieron merecedora por decir algo de un remake en el 2004 pero que no tiene la gloria de este film y sólo se queda con lo peor del original.

La película es de esos filmes que intentan parecer peor obra de lo que es y no lo consiguen la gloria y el talento salen por todos los lados, los momentos en los manglares, la música noventera a más no poder realizada por George S Clinton hacen de esta reseña una necesidad de empujaros a ver esta película  y aunque no disfruta no se muy bien porque de ese aura de obra de culto, quizá sea por el tono de comedia desenfadada que tiene, es un film más que aconsejable con un libreto lleno de glorias en forma de giros de guion y con un reparto artístico que sabe muy bien lo que se hace.

Y con este consejo vamos a dar por teminada la reseña pero antes permitanme que les pregunte una cosa.te gustan mis reseñas, crees que te entretengo y además te gusta que te hablen de cine, pues no lo dudes, suscribeté al canal, por que si no vete tú a saber cuando vuelvo a aparecer como sugerencia y cuantas películas te has perdido y que te gustaría conocer, así que nada, dale ya al botón y a la campanita

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Así que nada antes de dar por terminado el vídeo de youyube sólo adelantaros que el proximo film en ser reseñado y con el que vamos a cerrar el ciclo es el todopoderoso y famosisimo Instinto Básico, película imprescindible de los 90 y joya de este género

Y como para empezar con una reseña hay que terminar con la actual sólo me quedan dos cosas por decir, la primera que intentes ser inmensamente feliz, cosa que la vida a veces nos lo pone dificil y la segunda como no puede ser de otra forma que vivas el cine

fin

FUEGO EN EL CUERPO 1981

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis, cómo os comenté en nuestra anterior reseña, este nuevo consejo de cine sería una sorpresa y que sorpresa, un film que por su concepción estaba abocado al desastre pero que curiosamente terminó siendo una de las obras Neo Noir más importantes de la historía un film referente de un género que se quitaba de encima cualquier tipo de censura para narrarnos de una forma cruda y salvaje historias de pasiones desmedidas, traiciones y venganzas, estos films con el tiempo se les llamó Thrillers Eroticos y esta es la primera película de un ciclo maravilloso que vamos a empezar, por que Fuego en el cuerpo fue el principio de muchas cosas y que mejor que empezar ya con la reseña de este portentoso film rodado en 1981 por el director y guionista Lawrence Kashdan.

Para poder reseñar como es debida la cinta tenemos que empezar por el trabajo como guionista del bueno de Kashdan. Hay que decir que su carrera en el cine vino en parte por una frustación, él aspiraba a ser profesor de literatura pero al no conseguir plaza tuvo que subsistir cómo escritor de spots publicitarios, aunque dicho trabajo no le llenaba, inmediatamente por su talento en la escritura empezó a tener éxitos tan rotundos que todas las agencias querían trabajar con él y mas desde que ganó un premio Clio.

Esto le supuso la oportunidad de poder entrar en el cine como guionista, en 1975 escribió un film que se basaba en una cantante que se enamoraba de su guardaespaldas, aunque no se hizo la Warner Bros compró el libreto por si en un futuro decidía a rodarla, cosa que hizo en 1992 con Whitney Huston y Kevon Koshner en el film El guardaespaldas. Tras eso escribió otro guión llamado COntinental Divide una comedia que llegó en manos de Spielberg que le encantó y compró los derechos, por aquel entonces Spielberg estaba preparando su película de aventuras con su amigo Lucas, el film de Indiana Jones titulado En busca del Arca perdida por lo que pidió a Kashdan que entrara en el proyecto como guionista, el resultado fue maravilloso y claro cuando el guionista de El imperio contraataca Leight Backet falleció dejando la historia a medias, Spielberg comentó a George Lucas el gran trabajo que hizo Kashdan con En busca del Arca perdida por lo que inmediatamente fue contratado para que terminara el guión de la secuela de Star Wars una nueva esperanza, en la que es considerada hoy en día la mejor película de toda la saga la maravillosa El imperio contraataca.

Y entonces Kashdan decide dirigir su primera película, sin más conocimiento que el de guionista y lo que pudo ver en los set de rodajes, cómo Lucas le debía un favor al sacarle del apuro de sustituir a Backet, puso dinero y apoyo para que realizara la opera prima del guionista, pero en la que no está acreditado y así pudo comenzar la preproducción de Fuego en el cuerpo.

Veréis la idea que tenía Kashdan de su primer film era hacer una película inspirada sobretodo en Perdición obra maestra de Billy Wilder rodada en 1944 y que por cierto ya reseñamos en el canal y os dejaré en la descripción del vídeo un enlace por si queréis ver nuestro consejo de cine que hicimos de esta maravillosa pelicula.

¿Y que pasa cuando un director novato a más no poder se atreve a actualizar un clásico tan rotundo como esté? Pues que se masca la tragedia, el batacazo está casi asegurado, pero sorpresivamente esto no fue así, Kashdan realiza una historia totalmente alejada del original, una historia que aunque tiene la esencia de aquel clásico sobretodo en la construcción de los personajes en ningún momento es un remake ya que esta película tiene vida propia y ya os adelanto que resultó ser un éxito mayusculo y sin lugar a dudas el película más grande rodada por el guionista reconvertido a director.

Ahora si os parece bien vamos a comentar un poco de la trama, en este caso contar más de lo necesario es destrozarte la experiencia por lo que vamos a ser cuidadosos hasta el extremo para sólo adentrarte en el mundo del film sin contar nada del argumento, argumento que luego desgranaremos pero de una manera técnica, así que tranquilos.

Ned Racine es un abogado de florida con un encanto casi magnético sobre las mujeres, su vida personal está llena de conquistas amorosas y los juicios a los que asiste le han granjeado la amistad del fiscal Peter Lowestein y del detective Oscar Grace. Un día se cruza en su vida la Sra Walker, Matty Walker una mujer con un encanto casi animal sobre los hombres.

Pronto ambos iniciarán un romance bajo la amenaza del celosisimo Sr Walker con lo que deciden poner remedio al triangulo amoroso y continuar con su relación clandestina y ya no les voy a contar más, el resto de la película tenéis que verla, ya que es maravillosa.

La obra que no le duelen prendan en mostrar el erotismo de una ciudad tan calurosa como florida que además sufre una ola de calor donde el fuego en el cuerpo es literal, fue una mezcla explosiva que años despues seguiría con otros Neo Noir cargados de subidas de tono que le vienen como anillo al dedo ha estas obras tan salvajes, en este caso la mejor arma que tiene la película es el guión en el que se sustenta, la base de la historia escrita por el propio Kashdan, su impronta es tan importante que no sólo es un referente de su género si no en las escrituras de guión siendo ejemplo de como desarrollarlo en métodos míticos de escritura como es el Syd field en su archifamoso manual del guionista.

Y es que la historia es un prodigio que empata con aquella obra maestra escrita por Raymond Chandler y Billy Wilder, veréis es de esas tramas clásicas donde el espectador avanza según los acontecimientos suceden, nosotros entendemos lo que sabe el protagonista y no son de esas obras que los espectadores van más avanzados que el investigador y crea tensión por el conocimiento de los acontecimientos, aquí la tensión se crea poco a poco, la película muta de una película erotica a un noir, su primera parte podría encajarse con obras del tipo Emmanuel de 1974 no en vano se pensó en Sylvia Kristel para el papel protagonista y la idea original era mucho más dura, dejando bastante metraje de alto voltaje en la mesa de edición ya que se pensó que no aportaba nada a la trama y después de esa primera hora el film se transformara en un Noir típico. 

La maestría de la narrativa de Kashdan hace de una trama compleja como pocas en un film totalmente accesible y eso lo consigue gracias al dialogo que nos guía de una forma magistral el uso de la anagnorisis que es ese díalogo que hace un personaje para descubrir la figura de otro y que muchas veces se hace de una forma tan burda que el espectador se da cuenta, aquí entra de una forma organica, siendo alguno de estos simplemente un ejemplo de su uso como el momento en el muelle entre Ned y Lowenstein y el monólogo de este último es uno de esos dialogos dignos de estudio.

La película aunque venía de la mano de uno de los mejores guionistas del momento el que fuera obra de un total neofito en la dirección hacía de la posibilidad de desastre algo totalmente factible, pero Allan Lad Junior que tenía un olfato brutal para las grandes películas y junto el apoyo en la sombra de George Lucas consiguió levantar un presupuesto nada desdeñable de 9 millones de dólares.

Para la atmosfera músical contaron con uno de los mayores talentos del cine, un músico irrepetible el grandísimo Jon Barri, si el creador de bandas sonoras originales tan memorables como Bailando con lobos, Cawboy de medianoche y sobretodo la incomensurable Memorias de Africa

Para el reparto se pensó en Christopher reeve que declinó la oferta, por cierto tiempo despues declaró que sa había arrepentido, tambien pensaron en Jeff Goldblum pero al final fue a parar a un William Hurt que siempre cumple y en este film está fabuloso de principio a fin, creando un personaje totalmente creible que junto con el resto del reparto masculino en el que encontramos a un jovencisimo Ted Danson y J. A. Preston que están sobresalientes en todo el momento, el marido ausente está interpretado por uno de los mejores secundarios de la historia del cine el portentoso Richard Creena, pero si hay un papel que trascendió el tiempo y la lanzó directamente al estrellato ese es el papel del personaje femenino de Matty Walker interpretado por una descomunal Katheling Turner que interpretaba aquí su primer papel en el cine y que papel, un personaje complejo como pocos, de unas secuencias duras como pocas y con un peso en la historia en el que una novata puede naufragar pero Turner sale airosa en uno de sus mejores papeles de la historia.

Y bueno poco más podemos decir del film para empujarte a verlo, una película única e irrepetible que nace de un clásico para convertirse en otro, una de las mejores operas primas de la historia del cine y una joya de este arte.

Por cierto quiero decirte un par de cosas, la primera es que si te gustan mis reseñas, si crees que te entretengo y a la vez te hago recordar buen cine o conoces nuevas obras, ¿Por que no te suscribes? verás todas las semanas subimos dos vídeos, seguro que algunas películas no son para ti, pero otras seguro que son de esas obras que encajan contigo y quizá no la conocias y claro si le has dado al botón y a la campanita Youtube te lo va a recomendar y tu luego decides si ver el video o no y por último, ¿te ha gustado esta reseña? pues regalame un like que me hace muy feliz, oye dale ahora que luego se te olvida.

Y nada antes de despedirme recordarte que durante estas semanas vamos a reseñar thrillers eroticos que fueron un antes y un despues pero para poder empezar con la siguiente reseña antes tengo que terminar con esta y jamás me marcho sin desearte dos cosas.

Una que seas muy feliz o lo intentes y la otra que no es menos importante que vivas el cine

POLTERGEIST 1982

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis antes de empezar con la reseña de esta maravillosa película quiero adelantaros a todos aquellos espectadores que esperen que entremos en supuestas maldiciones del film o elementos paranormales durante y después del rodaje, que no vamos a entrar ahí, entre otras cosas por que ya existen canales que hacen ese tipo de vídeos de una manera maravillosa que son unos verdaderos especialistas y que cómo este canal es un canal de cine, sólo vamos ha comentar sobre la película y la producción de la misma, pero si alguien cree que no hay contenido y anecdotas que hacen por si mismo interesante la reseña de la producción de Poltergeist está muy pero que muy equivocado.

Veréis Steven Spielberg había salvado de la ruina a la Columbia Pictures gracias a su film encuentros en la tercera fase, obra que costó 20 millones de dólares y reacudó más de 300 en todo el mundo, este rotundo éxito se transformó en una oferta al director para una segunda parte que se llamaría Night Skies pero el bueno de Spielberg declinó dicha oferta para adentrarse en una producción alejada de una segunda parte de un film que el ya daba por terminado. Esa película sería E.T. que rodaría para la universal.

El caso es que tiempo antes Steven Sipielberg había propuesto a los guionistas Michael Grais y Mark Victor realizar una película de terror paranormal, a ver esto no está acreditado en ninguna parte, pero es facilmente comprobable, el germen de dicha historia era un pequeño capitulo de Zona desconocida, por cierto serial en el que había trabajado Spielberg llamado Pequeña niña perdida que se basaba en un guión de Matelson y esa es la historia que les propone adaptar Spielberg a los escritores. Tras una primera negativa, es cuando Spielberg firma un contrato de exclusividad con la Universal para dirigir E.T. cuando los escritores cambian de idea y están libres para crear el guión.

Así que Steven Spielberg se ata la manta a la cabeza y decide producir la historia que se llamaría Poltergeist con el respaldo de la Metro Goldwing Mayer.

El director decide meter en la historia recuerdos de su infancia a la vez de crear la familia que siempre el había querido, de hecho es que aquel año repitió la formula en E.T. que si vemos ambas películas pueden parecer la misma familia, el trabajo que Spielberg volcó en la historia original de Grais y Victor le llevó a estar acreditado en el film como coguionista de la historia.

Ahora antes de meternos en la dirección del film que se convirtió en su momento en un río de dimes y diretes y que ha durado hasta nuestros días, creo que ha llegado el momento de contaros un poco de que va la trama, como ya sabéis los más antiguos del canal, como siempre sin spoiler no importa que sea un clásico del terror, siempre hay personas que aún no la han visto y nosotros estamos para empujarles a ver las películas y no en estropearles la experiencia. Así que tranquilos.

Estamos ante una nueva colonia de viviendas en EE.UU. Los empleados de la inmobiliaria viven en la primera promoción que se hizo en dicho lugar mientras que intentan vender las nuevas promociones .  El mejor empleado es Steve Freeling un comercial que ha vendido más de la mitad de chalets de la primera fase, su familia vive en el nuevo barrio junto con el resto de empleados. Un día algo raro le sucede a su hija pequeña caroline, parece que es sonambula, ya que en media noche se levanta para hablar con alguien dentro de la televisión desintonizada , esta preocupación de los padres llega a su punto más alto cuando empieza el resto de la familia a vivir extraños casos paranormales dentro de su propio domicilio. Y ya no te voy a contar nada más para que puedas disfrutar de esta maravillosa joya del cine.

Veréis Spielberg en Tiburón quiso hacer una cosa poco común con su película, era mutar de una comedia a una obra de terror según avanzaba la trama, no la tipica mezcla de terror y humor si no un viaje del espectador de la risa al espanto, el caso es que con todos los problemas de producción que sufrió el director en Tiburón tuvo que dejar de lado la idea quedando un film clásico de suspense, pero en este caso no iba a ser así, es por ello que durante más de la primera media hora de la película es una comedia familiar al uso, con chiquilladas traviesas, enemistades vecinales y una relación matrimonial idilica que está aderezada por tres hijos cada uno en un punto diferente de la niñez, el casi bebé que es Caroline, el preadolescente Robbie y la jovencita Dana metida de lleno en la adolescencia crean conflictos cotidianos cercanos a las comedias familiares de la época, pero poco a poco, la película se va oscureciendo hasta convertirse en un film de terror.

Spielberg necesitaba un director experto en el género del terror que supiera imprimir humor dentro de sus películas y es entonces cuando pensó en Tobe Hooper, veréis Hooper no era un director cualquiera, había sido el precursor del Slash con la matanza de texas y un año antes de este poltergeist había rodado un telefilm de dos capitulos que aterrorizó a todo el mundo en uno de los mejores telefilmes vampiricos de la historia, el misterio de Salem Slot.

Y bueno ahora vamos a entrar de lleno en los chismes de esta película que Spielberg no ayudó mucho en mitigar. El caso es que parte de los técnicos y la actriz zelda rubinstein dijeron que realmente el director de la película fue Steven Spielberg mientras que Hopper apenas servía para asentir a todo el tiempo, además de decir Zelda que Hopper estaba todo el día drogado.

Por si fuera poco Spielberg en una entrevista comentó que estuvo muy encima de la producción y que si había algun problema en el set de rodaje la última palabra la tenía él. 

Claro esto dejaba la figura de Hopper por los suelos, tirando por tierra todo el trabajo de rodaje y montaje del director del film.

Spielberg viendo la injusticia que se estaba haciendo con Tobe, que trataban el film como la película apocrifa de Spielberg y que tendría que estar acreditado como codirector o incluso como director unico, escribió una carta abierta en la prensa, hablando que se había malentendido su comentario por parte de los periodistas, comentando que el trabajo de dirección era completamente de Tobe Hooper aunque el estuvo muy presente en la preproducción del film y en la postproducción de efectos especiales.

Esta última parte fue ratificada por la mayoría del equipo técnico lamentando el maltrato que se le dió a Hopper y dejando claro su profesionalidad diciendo que no entendian las mentiras del Zelda que además apenas estuvo 6 dias en el rodaje y que en ese tiempo Spielberg no entró en el set por que ya había empezado el rodaje de ET.

Esto llevó al sindicato de directores a investigar el asunto y llevó a una multa de 15000 dolares que la Metro Goldwing Mayer tuvo que pagar a Hopper por alentar dichos comentarios para dar más importancia de la que tenía Spielberg en su producción, ya que su nombre era simbolo de exito asegurado.

A ver, las personas que quieren decir que es un film de Spielberg actualmente obvian la investigación profunda por parte del sindicato y creanme que no se andan con tonterías en los estados unidos, así que es más que cierto que el que rodó el film es sin duda Hooper.

Pero ahora quiero dar mi opinion sobre el asunto y es que en cierta forma la película es de Steven Spielberg pero rodada por Hooper y para aclarar este asunto tenemos que hablar un poco del trabajo de dirección desde una forma técnica.

Veréis muchas personas no saben que realmente existen dos guiones diferentes en una película siempre y cuando el director no sea autor y guionista de la obra pero para el resto que es la gran mayoría, antes de estos está la historia, esta suele venir de la mano de la productora, se ha hecho con los derechos de determinado personaje o libro y decide hacer un guión sobre él, este primer guión es el literario lo realizan los guionistas y crean la historia, las situaciones y los dialogos, aquí el director puede dar su opinión pero el trabajo lo hacen los guionistas.

 pero despues existe otro guión en texto, este se llama guión técnico y sólo lo puede realizar el director, por que lo que va ha realizar es la partitura del film, segmentará las secuencias en planos, comentará lo que se vé y como se ve, describe los movimientos de cámara, los sonidos, la luz, la lente con la que se va a rodar, donde empieza y donde tarmina cada plano y hasta se expecifica el encadenado con el plano siguiente. Esta es la verdadera partitura de una película donde el director crea su impronta y mete su sello, aquí se aceleran tramas, se pica metraje o todo lo contrario y este trabajo lo hizo sobretodo Spielberg, al final Hooper rodo la película pero sobre la partitura de spielberg, el director es Hopper por que es al final el que hizo realidad lo escrito, pero claro sale spielberg por todos los lados, ya que igual que un músico interpreta a Mozart, Hooper interpreto al bueno de Spielberg, según el propio Hooper el guión técnico se hizo a medias, pero cualquiera que haya dirigido sabe que un guión tecnico se crea en solitario que puedes acceder a cambios despues  pero el trabajo es de uno y ese uno es de Spielberg.

La película es todo un prodigio, la música de Jerry Golsmith es una joya que se ha convertido en inmortal y que con un presupuesto de 10 millones consiguió multiplixcar por diez en taquilla llegando a superar los 120 millones en todo el mundo, poniendo de moda la palabra Poltergeist que antes de esta película no se usaba de forma común y que gracias a esta obra entró en el bocabulario popular, de hecho es que cuando se estrenó la película se retituló como Fenomenos Extraños ya que Poltergeist nadie sabia su significado.

Y ya voy a dar por terminada esta reseña y consejo de cine, un flim maravilloso y de terror suave que tan de moda estaba en los 80 una obra inmortal que se convirtió en franquicia pero que siempre este film quedará como la obra maestra que es, un film inigualable con una polemica en quien fue realmente el director.

Y ahora tras contarte la película, quiero preguntarte si estás suscrito al canal y si la respuesta es no, decirte que por que no te unes, todas las semanas hablamos de dos películas, en donde nos adentramos en todos los géneros del cine, de una forma divertida y breve,  por lo que si te gusta el cine, seguro que lo vas a disfrutar y quizá conocer obras que te encantarán en el futuro

Por cierto, si has llegado hasta aquí es por que te ha gustado, si no te habrías ido hace tiempo, así que por favor regalame un like que me hace muy feliz

Y ya vamos a continuar con el siguiente film que es toda una sorpresa pero para empezar antes he de terminar este consejo y como bien sabes, sólo me puedo ir tras decirte dos cosas, la primera que seas muy feliz y la segunda como no puede ser de otra forma que vivas el cine

Las amistades pelígrosas 1988

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, hoy quisiera antes de hablar de la producción y el rodaje del film que nos ocupa, Las amistades pelígrosas film rodado en 1988 por el grandísimo Stephen Frears, hablar de la singularidad que tiene este film, sé que habitualmente dejo este apartado para el final de la reseña, pero creo que para entender por que esta pelicula es una obra maestra tenemos que entender el por que, que tiene de especial esta obra con el resto de películas y el por que es tan grande esta maravillosa obra literaria, inspiración constante de películas y obras teatrales, por que ya desde la novela esta historia es especial.

Veréis en la mayoría de las historias y sobre todo en el cine, el heroe tiene que empatizar con el espectador por algo y el villano repelernos, de esa forma se crean vinculos de simpatía en el que queremos que nuestro heroe salga airoso y su enemigo pierda, normalmente los personajes, protagonista y antagonista son arquetipos sólidos petreos, uno representa actitudes positivas y el segundo negativas, jamás por mucho contacto que tengan a forma de pilares de marmol cada uno de los personajes se mantienen fiel a su esencia, pero en esta obra no, aquí ambas lineas son porosas el contacto del bien y del mal hace que este primero se contamine pero de la misma forma el bien con el mal donde este muta a sensaciones y actitudes más elevadas.

Esta maestría en la construcción de los personajes, se hizo en el lejano siglo dieciocho donde su escritor Pierre Choderlos de Laclos creo la novela que hoy en día es considerada una obra maestra de la literatura francesa donde podemos ver una lucidez digna de un genio y que no hay que pasar la oportunidad de adentrarse en la lectura de la obra.

Esta magia contenida en las hojas de papel no se ve reflejada en ninguna de las posteriores adaptaciones cinematograficas, no la encontramos en su primera adaptación al cine de la mano del director frances Roger Vadim en 1959 donde se lleva la trama a un film de atmosfera sesentera, titulada Las relaciones peligrosas, aunque la película funciona, es entretenida y tiene algun acierto como el que la pareja de arpías sean un matrimonio liberal, esta obra filmica queda a años luz de la obra literaria, tampoco funciona mejor el film de Milos Forman rodado en 1989 llamado Valmon y aunque entretenido, tampoco encontramos la gloria de la obra original, excepto en este film de Stephen Fears, el director de Leicester está tan inspirado que consigue con este film empatar con la prodigiosa novela en la que se basa y que es el ciclo que con este film cerramos, el de versiones cinematograficas que superan o empatan al libro original y por ello quería empezar la reseña con esta explicación y así de primeras poner en valor la maravillosa película que vamos reseñar.

¿Y de que habla la historia de esta novela y por extensión de este film? Pues nos situamos en la francia del siglo XVIII donde una pareja de amigos libertinos la Marquesa de Merteuil y el Vizconde de Valmount les une la intención de corrupción moral de todos aquellos que se cruzan en su camino a forma de juego perverso, mientras que a Valmount su fama de libertino le precede la marquesa de Merteuil ha sabido mantener en secreto sus actitudes tras una falsa fachada de moralidad. Un día tras una cita entre ambos la Marquesa le pide a su amigo Valmount que seduzca y culmine su relación con la joven Cecil de Volange, el caso es que dicha muchacha va a ser entregada en matrimonio a un enemigo de la Marquesa y quiere humillarle de esa forma, pero Valmount de una manera incomprensible deniega dicho reto ya que sus esfuerzos se centran en un objetivo mayor, la Sra Madame de Tourvelle, una mujer felizmente casada, piadosa y de moralidad intachable, dicho reto si es cumplido tendrá como rcompensa una noche entre la Marquesa de Merteuil y Valmont pero necesitará esta una prueba en forma de carta escrita por el puño y letra de la propia Madame de Tourvelle y hasta aquí os voy a contar, el resto has de descubrirlo tu viendo una película maravillosa en la que no avanzamos más para evitar cualquier tipo de espioler, ya sabéis que es una práctica común evitarlos en todos nuestros vídeos.

Esta producción de Frears fue llevada a los parajes reales de la francia del norte en Ille de France donde no sólo disfrutaremos de las impresionantes interpretaciones de un reparto en estado de gracia y del que nos ocuparemos un poco más adelante, si no que además nos veremos impresionados por la belleza de los entornos naturales y arquitectura del dieciocho que aún se conserva en Francia, siendo el visionado un autentico placer para los sentidos que el gran Stephen Frears sabe destacar sobremanera.

Pero el resultado del film fue toda una sorpresa ya que en el 88 Frears no era un director con el aura de autor que tiene en la actualidad, Stephen se había granjeado una relativa fama en reino unido a base de telefilmes y series de televisión, habiendo rodado un par de largometrajes que no tuvieron mucho más recorrido que el doméstico. 

Y es que la producción que rondó los 14 millones de dólares pudo contar con un reparto de autentico lujo. Para el papel de pareja de libertinos se contó con una rotunda estrella de Hollywood Glen Close, hay que recordar que ya por aquellos entonces la actriz había realizado papeles tan impactantes en películas como El mejor, Al filo de la sospecha y sobre todo Atracción fatal. Close crea el papel de una mujer maquinadora, con un extraño sentido de la moralidad y vengativa como pocas, la construcción del papel se basa en la mirada, en los silencios y los gestos y no tanto en la actitud por lo que la realización del director de regalarnos primeros planos de la actriz nos regala una interpretación llena de matices, algo parecido hace con Jon Malkovich otro de esos actores privilegiados capaces de transmitir con una mirada actitudes que otros actores necesitan de largas líneas de guion y es que la pareja Close y Malkovich transciende la pantalla, es simplemente brutal hace que la vida de esos libertinos se hagan dueños de tu tiempo durante las dos horas que dura el film.

Para la otra parte, las de las presas de este par de crápulas nos encontramos a dos bellezas interpretadas por dos grandiosas actrices, la dulce y joven Cecile de Volange interpretada por una maravillosa Uma Thurman en uno de sus papeles más serios hasta el momento y el de un autentico sexsimbol de los ochenta, una actriz que transcendía al cine la maravillosa Michelle Pfeiffer el patrón de belleza femenina en los años ochenta y noventa.

Por cierto en el apartado de chismes, que sé que tambien os gustan tanto como a mi, os cuento que durante el rodaje, Malkovich y Pfeffer vivieron un romance más allá que el que sus personajes vivian durante el rodaje, dicha torrida relación llegó a oidos de la mujer de Malkovich la tambien actriz Glenne Headly con la que llevava 6 años casado y que le costó el divorcio 

Así que cuando veais las actuaciones de ambos en pantalla pensar que no todo es fingido.

Y si este film tiene una gloria poderosa y esa es la adaptación de la novela por parte de Christopher Hapton, veréis el guión de la película no fue la primera adaptación del escritor de la novela si no que antes realizó una primera versión para el teatro que ganó un premio Tonni siendo una de las representaciones más destacadas del año, por lo que el paso del teatro al cine por parte del escritor fue un proceso natural y que por cierto le hizo merecedor de un Oscar de la academia siendo 3 las estatuillas ganadas por parte del film.

Y ya vamos a ir dando por terminado este consejo de buen cine, una película inolvidable para todos los que ya la han visto y un film imprescindible para cualquier enamorado del cine. Obra maestra indiscutible, que pudo empatar con una de las novelas más grandiosas de ese genero que se llamó galante.

Así que ahora vamos a empezar con la siguiente reseña para dentro de un par de días, ya que el canal siempre sigue adelante, por cierto una pregunta ¿Te gusta el cine? ¿Quieres conocer todas las obras importantes que este arte nos ha dado sin distinguir generos cinematográficos y época en la que se rodó? un canal que os narra las películas sin espoiler entrando de lleno en la producción del mismo y el por que es una obra aconsejada del canal? pues si tu respuesta es si, a que esperas a suscribirte si es que aún no lo has hecho, mas de 10 mil suscriptores forman parte de esta familia de cinefilos y tenemos sitio tambien para ti. 

¿Y si has llegado al final del vídeo y te ha gustado y te he hecho pasar un rato agradable en youtube, por que no me regalas un like?

Pues nada, como en un par de día nos volvemos a ver con otro consejo imprescindible de cine, ya voy a despedirme pero antes me gustaría desearte dos cosas, la primera que seas muy feliz o por lo menos lo intentes, que es bastante en los tiempos que corren y la segunda como no puede ser de otra forma QUE VIVAS EL CINE

tiburón 1975

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, metidos como estamos en el ciclo de películas que empataron o mejoraron la novela en la que se basa, hoy tenemos el placer de hablaros de uno de esos clásicos tan rotundos del cine que eclipsaron totalmente la novela y es que si hoy digo Tiburón, a la mayoría de las personas le vendrá a la cabeza este prodigioso film rodado en 1975 que fue el principio de muchas cosas, entre otras, por que es la primera película actual de la historia, un antes y un después que va más alla del cine, pero para poder narrar toda su magnitud tendremos que empezar casi por el principio, los inicios de un joven Steven Spielberg que empezaba su andadura como director de películas y ojo digo películas y no cine consciente de lo que me hago.

Steven Spielberg no fue un director que arrasara en su época de estudiante y que se le rifaran en las universidades más punteras como si les pasó a otros coetanios como Coppola, Scorssese o Lucas, el bueno de Steven Spielberg era un mal estudiante que se tuvo que conformar con acceder a la Universidad Estatal de California en Long Beach y tampoco se pudo granjear grandes amistades dentro de la industria, de hecho si consiguió que un estudio se fijara en el por algo, fue por que de joven Spielberg cogía el autobus turistico de los angeles y cuando llegaban a los estudios de la Universal el joven muchacho se bajaba y se colaba en los set de rodajes, en algunos le echaban pero en otros le dejaban que se quedara, así poco a poco se fue granjeando amistades que le permitieron entrar en el departamento televisivo que tenía el estudio Universal Tv.

Y es que aunque mal estudiante los cortos de spielberg en 8mm ya tenía algo que le hacía especial para todos aquellos productores que sabían de cine.

Steven fue progresando lento, mientras que sus compañeros estaban haciendo cine, cierto es que la mayoría realizando peliculas de explotación dentro de la factoría Corman pero cine al fin y al cabo, el seguía como ayudante de director o meritorio en telefims y series hasta que se coló en su vida el detective colombo.

Vereis en 1971 se había dado luz verde tras dos pilotos dirigidos por Richard Irvin a la que sería la nueva serie detectivesca del canal, El detective Colombo que contaba en su reparto a uno de los mejores actores del momento al grandisimo Peter Falk y para su primer episodio pensaron que sería el ideal para que el Joven Steven Spielberg dirigiera su primera obra importante para el estudio, cosa que consiguió y con bastante buen acierto.

Hablo de obra importante por que su primer telefilm fue una película con Joan Crawford titulada galería nocturna un pequeño episodio de terror de apenas media hora de duración.

Tras el buen resultado del episodio de colombo le permitieron dirigir una película de terror que iba directa a televisión Duel o como se llamó en españa el diablo sobre ruedas, el caso es que el telefilm tuvo tantísimo éxito que le permitieron rodar más metraje y convertirlo en una película de cine.

Tras este buen resultado le dieron otro telefilm de terror que por cierto lo conozco por dos títulos Algo diabolico y tambien el Influjo del mal, el típico film sobre casas encantadas que todo el mundo que la ha visto detesta, pero que yo adoro, el momento del revelado de la foto me parece maravilloso, pero en fin eso daría para otro vídeo.

Y con dos telefilms rodados le permiten adentrarse en el cine por fin. con tiburón, pues no, cun un melodrama un poco ñoño para mi gusto titulado Loca evasión con Goldy Hawn como principal reclamo.

Y ahí nos vamos a quedar.

En 1973 Peter Benchley escribe su novela tiburón, manuscrito que por azares del destino cae en manos de dos míticos productores de la Universal David Brawn Baren y Richard D Zanuk, estos tras leer la novela compran los derechos para una versión cinematografica antes incluso que se publicara el libro, el caso es que con la adaptación comprada no había ni un sólo director que supiera lo que se hacía que quisiera rodarla, la experiencia les decía que un film de ese tipo con la tecnología de los 70 era imposible de que saliera bien y en parte tenían razón, el caso es que el libreto rondaba por los despachos como una botella sin rumbo en medio del oceano y cómo ocurre en las películas cae en manos de un director tan novato e insensato que ve en ella su película, ese director como os podéis imaginar es el bueno de Steven Spielberg, habó con los productores y les convenció que podía replicar el éxito de duel si le permitían rodar tiburón, cosa que hicieron.

Y creo que ahora ha llegado el momento de comentaros de que va la película, a ver se que es un clásico del cine y que parece que hacer spoiler de este tipo de películas está permitido, pero no es así, ¿que pasa con los jovenes?¿Acaso no tienen derecho de disfrutar de este film como se debe, sorprendiendose con la trama y disfrutando de esta maravillosa película? Pues claro que sí, así que lo narraré sin ningún tipo de Spoiler para que la puedas disfrutar de principio a fin.

Amity Island es la típica localidad turistica, cada año sus playas se llenan de gente que traen riqueza al pueblo, otro año más su alcalde el Sr Vaughn se dispone a dar el pistoletazo de salida a la época estival, pero hay algo que empaña dicho comienzo de riqueza en el pueblo, una joven bañista a sido devorada por un tiburón blanco, del asunto cae en manos del sheriff Brody que poco puede hacer ante tan luctuoso acontecimiento, pero si pensamos que todo va a quedar ahí estamos muy pero que muy equivocados, un nuevo asesintato por parte del tiburón en este caso sobre el niño Alex nos indica que dicha bestia marina a tomado como territorio de caza las playas de Amity Island y ya no te voy a contar nada más para que puedas disfrutarla tu y creeme que si este film se ha convertido en un clasico es por algo.

Tras comentaros de que va la trama volvamos a la producción, Spielberg quiso rodar la película no en estudio si no en localizaciones reales igual que hizo con su famoso telefilm duel, lo que no pensó es que el mar es mucho peor enemigo que la arena en las producciónes cinematograficas y si no que se lo digan a Kevin Koshner, los rodajes en el oceno pronto se convirtieron en un desastre, las cámaras mecidas por el mar sumaban su movimiento a los elementos a rodar mecidos por el mar  convirtiendose cada toma en un autentico infierno tanto para la producción como para los operadores de cámara que tenían que compensar todo el rato dicho bamboleo, los actores se mareaban y por si todo esto fuera poco, el agua salina hacía estragos sobre el animatronico del tiburón, este desastre spielberg lo compensó de una forma poco usual, no se iba a rodar lo escrito si no que se iba a escribir lo que se iba a rodar, que funcionaba el tiburón, pues se metía en la trama, que no funcionaba, pues se escribía que un bidón era arrastrado por el bicho, que había mala mar, pues se rodaba en la arena, que ese día el mar estaba en calma, pues se rodaba en el oceano, estas desastrosas condiciones hicieron que el tiburon apenas se viera, algo parecido a lo que ya hizo spielberg con Duel cambiando casi de género a la película siendo más un film de suspense de hitchcock que una película de terror al uso, con varias semanas de retraso, con varios cambios de presupuesto al final Tiburón se hizo realidad pero claro con un coste tan excesivo que los productores Baren y Zanuk se arrepintioron de haber producido el film ya que costó la nada desdeñable cifra de 7 millónes de dólares de los años setenta.

La película tenía en el reparto quizá una de sus mejores bazas, Para el papel de Sheriff buscaban a un rostro casi desconocido, huyendo de actores que interpretaban siempre al heroe que sale indemne, Spielberg buscaba la sensación en el espectador que en cualquier momento el personaje podría morir y una gran estrella en el reparto hacía de este personaje al salvador, al superheroe de la película que nada malo le puede ocurrir, fue entonces donde pensaron en Roy Scheider que venía de protagonizar un policial llamado los implacables patrulla policial, la actuación creible de una persona que huye de la delicuencia de las ciudades refugiandose en una isla, pero que su educación de urbanita hace que tema al mar, creo un heroe atipico en este tipo de películas.

 Para el contrapunto de este personaje nos encontramos al grandísimo Robert Saw el marinero que mantiene una relación casi de odio con el mismo y que sólo se une al grupo salvador por dinero siendo una especie de mercenario del mar.

Y para terminar la terna Richard Dreifus un enamorado del oceano, de sus especies marinas que se unirá a la lucha contra el escualo por amor a los mismos, es el hombre anclado a la naturaleza en cierta forma el único que no busca venganza si no cazar a tan prodigioso animal en una especie de duelo. Por cierto Dreifus que fue un actor que consejó George Lucas  a Spielberg ya que su trabajo en American Graffitti fue impresionante, declino participar en el film, no le interesaba el género de terror y prefirió no participar, pero tras un visionado de la película que estaba rodando en aquellos entonces Insertos, pensó que iba a ser un fracaso y necesitaba un film que no le hiciera caer como actor, por lo que al final se unió al equipo realizando una interpretación que a Spielberg impresionó sobremanera y le permitió que encarnara en el futuro el papel protagonista en Encuentros en la tercera fase.

El caso es que con una fortuna gastada por parte del estudio, sin grandes estrellas en el reparto y con un director totalmente desconocido, necesitaban un milagro para que no terminara siendo un desastre, entonces pensaron una campaña de marketing novedosa por parte de la Universal.

Ahora, hoy en día, cuesta entender esto pero veréis, en los 70 la televisión y el cine eran rivales, de hecho las grandes estrellas de la televisión apenas aparecian en pantalla grande y viceversa, pocos fueron los actores y actrices que pudieron compaginar ambos trabajos, ya que eran enemigos, se pensaba que la televisión y los telefilmes acabarían con las proyecciones en sala y entonces estos despreciaban al pequeño formato.

Así que lo que ahora es usual, por aquellos entonces era descabellado y es que este film fue el primero en ser anunciado en televisión, veréis el trailer que se solía poner en salas como adelanto de las siguientes producciónes se emitió en la cadena de televisión que tenía la Universal, esto creo toda una revolución, era como ir al cine y adelantarte el trailer de la siguiente película, el resultado fue una audiencia desconocida por aquellos entonces, la recaudación superó los 475 millones de dólares en todo el mundo, sólo por detrás de Lo que el viento se llevó, un sistema publicitario que nació con este film y que posteriormente fue replicado por el resto de producciones llegando hasta nuestros días, creando así el primer film de promoción publicitaria moderna.

Y nada, ya vamos a ir dando por terminada esta reseña, deseando que te animes a verla si es que aún no te has animado, a volverla a ver si ya la has visto y enamorarte de este film que hizo que al año siguiente la afluencia a las playas fuera mucho menor.

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¿Y cual será la proxima película de este ciclo de películas que empataron o superaron a la novela en la que se basa? Pues será ni mas ni menos que la maravillosa y portentosa Las amistades pelígrosas, película rodada en 1988 por el maravilloso Stephen Fears y si no te la quieres perder, suscribete y dale al botón y a la campanita y disfruta de dos reseñas semanales y más de trescientos vídeoconsejos de cine que tenemos en el canal.

Pero hasta que lleguemos con aquel film ochentero mítico y maravilloso os dejo con dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o lo intentes y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine

El cartero siempre llama dos veces (1981)

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, hoy empezamos un ciclo de cine basado en esas películas que empatan o superan la obra literaria en la que se basa y aunque en este caso vamos a reseñar un clásico de la literatura noir como es el Cartero siempre llama dos veces un autentico superventas, la versión cinematográfica rodada en 1981 es capaz de empatar con tan prodigiosa novela y es que este remake directo de la película rodada en 1946  por Tay Garnett es ni más ni menos que la cuarta adaptación la historia escrita por James M Cain, veréis ya en 1939 el director frances Pierre Chenal realizó un film inspirado en la novela titulado El último punto de inflexión que en frances sería algo así como Le dernier tournant, tras esa adaptación vendría otra pero esta vez realizada en italia por Luchino Visconti en 1943 títulada Obsession, para que en  1946 ya con el título original se rodara aquel film mítico interpretado por Lana Turner y John Garfield una joya del cine que tendrmos que reseñar más pronto que tarde y terminando con este film ochentero del prodigioso productor y director Bob Rafelson.

Veréis Rafelson no es de esos directores con una larga trayectoria como cineasta ya que gran parte de su vida profesional la dedicó a la televisión, pero como productor de cine tiene como mayor merito haber producido la maravillosa película de culto Easy Rider, obra que resultó ser uno de los films más atipicos dentro de la industria de cine y es que el bueno de Bob Rafelson siempre se movió fuera de los grandes estudios siendo uno de los precursores del movimiento cinematográfico del Nuevo Hollywood donde podemos destacar la maravillosa y singular Mi vida es mi vida película que dirigió y que contaba con la actuación principal de Jack Nicholson, por cierto el Director siempre ha dicho que Nicholson impulsó su carrera como director y por la parte del actor dice que es mentira y que fue Rafelson el que impulsó su carrera actoral, estas idas y venidas de halagos indican la amistad profunda que unen a ambos artistas por lo que no es de extrañar que para realizar esta nueva adaptación de la obra de James M Cain contara con su actor fetiche y creo que tras esta presentación del film ha llegado el momento de comentaros un poco de que va la trama, a pesar de ser una obra reconocida por bastante público siempre me pongo en los zapatos de la gente joven que por edad aún no han podido acceder a esta cruel y maravillosa historia por lo que cómo siempre esta narración de la psinopsis del film queda fuera cualquier tipo de Spoiler .

Nik Papadakis es un inmigrante griego que ha abierto una estación de servicio con restaurante, allí se ha casado con una mujer estadounidense Cora, esta trabaja de cocinera junto a su marido, el caso es que ella por un lado se siente molesta por la procedencia extranjera de su esposo y por otro se siente atrapada en un mundo cerrado el de su casa junto al negocio. Un día llega un pequeño truhan Frank Chambers, un buscavidas que intenta llenar la tripa gratis en el restaurante de la familia Papadakis con una de sus tretas, el caso es que tras decir que es mecanico Nik Papadakis le ofrece un puesto de trabajo en su estación de servicio a lo que este accede empezando así una truculenta relación de atracción animal con la esposa de Nick la bella Cora en un triangulo amoroso que como os podéis imaginar está apunto de explotar al sentir Cora y Frank que el vértice que sobra es Nick y ya no te voy a contar nada más el resto de la obra tendrás que verla tu por que es una joya de película una obre cumbre de los ochenta que no puedes dejarla de lado si es que aún no la conoces y si ya la has visto seguro que te va a apetecer recordar esta maravillosa película protagonizada además de Nicholson por la descomunal Jessica Lunge y por el actor canadiense John Colicos uno de los grandes actores de reparto de la historia del cine y que aquí vuelve a realizar un papel descomunal.

La película que personalmente para mi es la mejor adaptación de la novela, tiene una carga sexual y amoral que no se pudo realizar en el 46 por el codigo Hays, aquel sistema de censura cinematográfica que lastraba el contenido de alto voltaje y la moral de las películas que se realizaron bajo su vigilancia, por lo que a pesar que la versión de Tay Garnett mostraba bastante bien la crudeza de la relación gracias al descomunal papel que hizo la prodigiosa Lana Turner, quedaba bastante lastrado respecto a la película que Raffelson rodó en los 80, el momento de la mesa de la cocina, esa relación casi animal entre los dos amantes, carente de cualquier ternura y siendo más cercano a dos animales en celo que la de dos amantes fue una de las secuencias míticas del cine, su crudeza la hicieron un ícono en el imaginario colectivo que aún hoy sigue patente.

La obra realmente no sigue fielmente lo narrado en la novela, siendo su parte final la que más difiere del libro de Cain, pero en cuanto a la esencia, lo narrado por el prodigioso autor es esta película la que más cercana está y es que el costumbrismo de la historia, las relaciones entre inmigrantes y esposas locales que se casan sólo por su dinero y las dificultades de estas de asumir un rol que no desean y que terminan por detestar al marido, es en esta versión cinematografica donde está totalmente retratado, gracias a la generosidad actoral de la gran Jessica Lunge y por otro lado el del caradura acostumbrado a malvivir que se siente en la posición de tomar el lugar de su patron y que lo encarna un totalmente creible Jack Nicholson en uno de sus mejores momentos hacen de esta obra un imprescindible, película que por cierto tiene una aparición mítica la de Angelica Huston que tiene un pequeño papel como la domadora de circo Madge que aunque la aparición es bastante fugaz tendrá su importancia en la parte final de la historia 

Y es que son de esas películas imprescindibles para entender la revolución del cine más adulto en los años ochenta ya que aunque siempre recordaremos esa década por el cine de adolescentes y de aventuras tambien se realizaron obras mucho más maduras y con más fondo y profundidad. 

La película una de las últimas obras de la corriente cinematografica del Nuevo Hollywood que empezó alla por los años 60 y que una de sus primeras obras fue la maravillosa Bonny and Clyde, tiene como contrapunto este El cartero siempre llama dos veces, película que la unen bastantes lazos entre ambas y que sin ser exactos podemos decir que marcaron el principio y el fin del movimiento.

Y cómo se pudo mejorar ya un clasico como era la versión del 46, pues entre otras cosas por que de la adaptación de la obra se encargó uno de los mayores guionista, novelista y dramaturgo el grandísimo David Mammet que se enfrentaba aquí con el primer guión de su posterior gran carrera en el cine.

Que junto con la música de Michael Small fueron capaces de crear este retrato tan eficaz y sordido de una historia amorosa a tres.

Y ahora permianme un momento para recordaros que el canal sobrevive gracias a vuestro apoyo, si os gusta mi contenido, si te entretengo y a la vez piensas que es útil ya que conoces nuevas películas entre los clásicos y las obras independientes, que mejor que suscribirte al canal así no te vas a perder ninguna de las dos reseñas que subimos semanalmente y tendrás más de 300 consejos de cine ya subidos en el canal y si ya te has suscrito ¿Cómo me puedes ayudar? pues dando un like al vídeo que me ayuda saber que te gustan mis consejos de cine.

Y oye si encima lo compartes miel sobre hojuelas, no puedo estaros más agradecido a todos los que lo compartís.

Y antes de marcharme, cual es la película que reseñaremos en un par de días, pues la todopoderosa, magica y que fue el principio de algo nuevo en el cine TIBURÓN de Steven Spielberg, que fectivamente está basado en una novela, pero de todos esos datos permitanme que me adentre en un par de días.

Y hasta que llegue ese momento sólo me queda por desearte dos cosas, que seas inmensamente feliz o por lo menos lo intentes y segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine