El buscavidas 1961

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis en 1961 Robert Rosen  tomo la primera novela de Walter Tevis titulada The Hustler para crear lo que se convertiría con el tiempo como una de las mejores películas de la historia del cine, una obra que narraba las desventuras de un jugador de ventaja, una especie de tahur del billar que deslumbró a generaciónes, ya que la película que hoy vamos a reseñar y aconsejar su visionado no es otra que El Buscavidas que es como se llamó en España o El Audaz que es como se tituló en parte de hispanoamerica.

Y bueno en este ciclo que le estamos dedicando a joyas del cine en blanco y negro no puede faltar este singular film, una película que es y no es a la vez, veréis me explico mejor, si me preguntarás de que va este film, te contaría que es una película de billar, pero realmente no lo es, te diría que es una historia de perdedores y tampoco sería del todo cierto, podría decirte que es una historia de amor y redención pero tampoco te estaría contándote toda la verdad por que esta película de poco más de dos horas toca todos esos temas y muchos más.

Así que ponte cómodo sírvete tu bebida favorita por que vamos con la reseña del Buescavidas.

Esta vez es necesario empezar por contar un poco de que va el film ya que el resto de la reseña va muy vinculada a la trama de la pelicula en la que Rosen vuelca varias de sus experiencias vitales, así que sin que sea un precedente vamos a la sinopsis del film, no te preocupes por que no te voy hacer ningún tipo de spoiler.

Eddie Felson es un joven jugador de ventaja del billar, junto a Charlie viajan desde Oucland California por todos los pueblos de los estados unidos ganandose la vida con las apuestas de los incautos lugareños, felsón simula ser peor jugador de lo que realmente es para convencer a sus victimas de que jueguen contra él en una partida en la que tienen todo perdido. Un día en la ciudad de Nueva York se topan con un jugador que es leyenda de la ciudad el Gordo de Minesota un billarista que no ha perdido ninguna partida, así Felson y El gordo de Minesota se enfrentan en una partida de billar.

 el caso es que junto al jugador veterano se encuentra su manager Bert Gordon un hombre calculador, capaz de beber leche cuando todo el mundo bebe Wisky una persona que busca la apuesta segura, aunque en un principio ve que Felson es mejor jugador que  su promocionado el Gordo de Minessota decide continuar con la partida ya que ve una debilidad en el joven jugador, esa debilidad es el mismo, su caracter con lo que decidn alargar la partida 25 horas, a pesar de la insistencia de su amigo Charlie de que abandonaran Felson no lo hace y termina arruinado.

El joven decide abandonar a su amigo y vagabundear por la ciudad pensando que podría haber ganado al Gordo, hasta que en una estación de autobuses se cruza en su camino Sara Packard que llena de cicatrices como él deciden vivir un romance que le dará un nuevo brillo a sus vidas apagadas pero a Felson aún le ronda en  su cabeza aquella partida que perdió contra el Gordo de Minesota y hasta aquí te voy a contar, el resto del film tendrás que verlo tu en una obra que es hoy mítica.

Veréis la película en cierta forma es un descargo vital de su director Robert Rossen, el al igual que Felson tuvo un inicio fulgurante un talento como escritor que le llevó a ser contratado por la warner con un contrato de 7 años con un incicio realmente espectacular siendo guionista de obras míticas como La mujer marcada del 37 o Los violentos años 20 del 39 entre muchos más éxitos, pronto decidió ponerse tras la camara y dirigir películas y sus éxitos no paraban incluso su película El politico de 1949 ganó el Oscar a Mejor película, pero un día todo se torció al igual que a Eddie Felson, en su caso fue por culpa del Macartismo y su caza de brujas, aunque en un principio se negó a delatar a sus compañeros del partido comunista, pronto se vio en la calle, ningún estudio le contrataba y vivió como un apestado, entonces en una segunda audiencia con el comite de actividades antiamericanas delató a alguno de sus compañeros, pero esto no le dió la posibilidad de seguir trabajando por lo que tuvo que emigrar a España e Italia donde rodó Toros Bravos, Mambo y Alejandro Magno, alejado de lo que fue volvió a estados unidos cuando el senador Macarthy cayó en desgracia y su comité de actividades antiamericanas ya no tenía el poder que llegó a tener y es en ese momento cuando el director cogió una novela sobre un jugador nómada de billar y la hizo suya, tomó la premisa de la novela para narrar la incosciencia de un jugador joven que se cree invencible y esa desfachatez le lleva a enfrentarse a un rival impoenente el Gordo de Minesota un hombre capaz de adaptarse a las circustancias sean estas buenas o malas, un ser invecible ya que sabe retirarse a tiempo no como Eddie Felson que su obsesión por ser el mejor le llevará a ganar cuando pierde sin saber que está triunfando y perder cada vez que gana sin saber que la parte más brillante de se va apagando con cada éxito en el billar, el amor que se tienen Sara y Eddie se ve empañada por el personaje metistofelico Bert Gordon un hombre sin talento que disfruta de ver a los rivales a los que su jugador vence no sólo derrotados si no humillados, un ser que no sólo se mueve por dinero si no que tiene en el sentimiento de superioridad una droga de la que no puede deshacerse, siendo sus jugadores representados sólo el atilugio para alcanzar sus despoticas metas. Pero el rival de Bert es Sara y pondrá toda su fuerza en conseguir que Felman y ella se separen.

Pero no sólo la película trata de un drama romantico y la perversidad del mundo, como comentamos antes tambien es un film sobre un duelo singular, un reto entre dos privilegiados del juego, en donde todo su talento se desborda ante las 6 troneras del billar americano, el duelo entre relampago como se le llamó a Rápido Felson en el doblaje al español y el Gordo de minesota, el primero es un joven impulsivo, el otro un veterano maestro, el mayor es un personaje elegante, su peso le da una imponencia mítica pero sus movimientos sobre la mesa son de una elegancia que llega hasta el extremo al igual que sus formas y modos, de gustos refinados, el pide que le traigan White Tabern en un baso con un poco de hielo, un Wisky americano de gran refinamiento, mientras que Eddie Felson bebe un burbon barato Jts Brown y lo pide sin baso ni hielo sólo la botella.

A pesar de la diferencia tan abismal de ambos contrincantes estos se admiran, Felson por ver a un maestro del billar a su altura, mientras que El gordo de minessota sabiendo que ese joven pronto le ganará, si no arruina su vida antes.

Y es que la magia de Newman y Jacky Gleeson es hoy leyenda, curiosamente el papel no estaba pensado para Paul Newman si no para Frank sinatra pero este no pudo entrar en la producción y fue a parar en manos del joven actor, lo curioso es que el Grodo de Minessota fuera a parar a Jacky Gleeson una estrella de la televisión que da aquí una lección de interpretación de hecho es que consiguió una nominación al Oscar por su trabajo, aunque lo cierto es que Gleeson se crió entre mesas de billar, de hecho su juego era el de un autentico profesional por lo que todos sus tiros están realizados por él,  Newman necesito de la ayuda del campeon de billar Willy Mosconi para que realizara las tiradas más audaces de Felson.

La lucha de estos dos titanes marcan gran parte del film en una película de un blanco y negro mágico, ese que se realizaba en los 60 cuando la técnica de este formato ya estaba en lo más alto que aunque sucumbiría ante el color, este film guarda la magia de monocromo gracias al talento de Eugene Schufftan que por supesto se llevó la estatuilla del Oscar con este film una obra de arte que no sé si es perfecta pero está muy cerca de serlo, la forma de rodar y escribir de Rossen se ve enriquecida por la partitura jasistica de Keyton Hopkins que es hoy en día una de la bandas sonoras más preciadas por los amantes del Jazz.

Y ahora antes de comentaros que pasó con la distribución de este film y la recepción en la norteamerica de los 60 dejenmé un momento para recordaros que si os gustan nuestros vídeos, te hacemos pasar un buen rato en Youtube por que no te suscribes, subimos dos reseñas a la semana de cine clásico e indepeniente de todos los géneros por lo que seguro que descubriras películas maravillosas que se harán de inmediato en tu favorita y si además crees que esta reseña se lo merece por que no me regalas un Like, me hace muy feliz ver esos pulgares hacia arriba.

pues lo dicho, lo curioso del asunto es que una vez rodada y montada la película la Fox tenía miedo de promocionarla, la desconfianza en la película era tal que se abandonó durante un tiempo, Richard Burton se pudo hacer con una copia e impresionado por la calidad y por que la Twenty Century Fox iba a estrenarla sin promoción alguna se dedicó a proyectarla de madrugada en los cines de Brodway para sus amigos y compañeros del cine, entre ellos se creo un boca a boca del misticismo maraviloso del film llegando a los oidos de la fox que por fin se decidió a estrenar el film como debía, siendo un exito de publico casi cuadruplicando en EE.UU. el costo de producción. A ello habría que sumar las 9 candidaturas a los Oscar y las dos estatuillas ganadas.

Pero el film no fue tratado como lo es hoy en día, la carga de crítica social y alejada del final deseado por muchos hizo que el film fuera considerado como una buena película pero poco más, pero el tiempo que es sabio ha ido dando sabor a la obra, la ha enriquecido y hoy en día es considerada no sólo como una obra maestra del cine si no una de las mejores películas de la historia. Un film que da igual las veces que la veas, siempre tienes la sensación de que es la primera, un grito callado de un director maldito que moriría solo 5 años después.

Y bueno con este segundo film de nuestra selección de películas en blanco y negro nos vamos a despedir, esperando que si aún no la has visto acudas de inmediato a su visionado y cómo para empezar con la siguiente maravilla de este arte en el color de los sueños, dejenme que me despida con dos deseos, el primero que seais inmensamente felices y el segundo como no puede ser de otra forma que viváis el cine 

 

Gilda 1946

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, veréis hoy comienza en el canal un ciclo de películas míticas en blanco y negro, obras tan descomunales como este consejo de cine que traemos hoy.

Veréis, David Lean que de películas épicas sabía un rato dijo una vez, que no había mayor aventura en el cine con más épica que una simple historia de amor y si esta afirmación tiene un buen ejemplo es esta obra mítica que me cuesta calificarla ya que en cierta forma es un thriler, pero también es un noir y tiene tintes de melodrama clásico y musical, una obra indescriptible en la que sólo podemos llamarla por su nombre, Gilda de 1946 dirigida por Charles Vidor, obra maestra del cine y película que lanzó a la fama a su actriz principal Rita Haword.

Veréis esta película nace como tantas otras obras míticas, siendo algo pequeñito, un film sin más pretensión que hacer cambiar de género a la actriz que en ese momento querían lanzar al estrellato, el caso es que la Columbia tenía en plantilla a Rita Haword desde hacía 9 años desde que rodara en 1937 The game That Kills, su belleza y el trabajo de su marido que por aquel entonces era además su manager Edward Judson hicieron que la joven promesa fuera teniendo más importancia en el estudio, pronto vendrían grandes éxitos comerciales como Sólo los ángeles tienen alas dirigida por Howard Hawks, Seis destinos o Las modelos film tambien dirigido por Vidor, la actriz estaba encasillada en el papel de chica angelical en comedias más o menos ligeras, el caso es que su vida personal se empezó a tambalear desde que en 1943 se divorciara de su marido para casarse con Orson Welles y desde entonces los chismes sobre su promiscuidad hacían que el perfil blanco de la actriz en pantalla se tambaleara por lo que la Columbia decidió dar un cambio de timón y preparar una historia de una mujer totalmente alejada del perfil angelical que tenía y crearla un personaje más acorde al de la Haworth real.

La Columbia se puso en contacto con Virginia Van Up, una de las mujeres con más fuerza en el cine de la época, para que su productora se pusiera manos a la obra con el proyecto, la productora mandó el encargo de escribir una historia a Ellington, un film noir clásico que orbitaba sobre la figura de Rita Haworth, para el guión se encargaría Joe Eshinger, Marion Parsonet y Ben Hetch. 

La primera opción de Van Up fue el director Edmond Goulding y como actor principal Humphrie Bogard, 

el caso es que llegado el momento, ni el director quería rodar una de gansters, ni a Bogard le apetecía rodar con Haiworth se gún sus propias palabras con rita en pantalla quien iba a verle a él y por si fuera poco el censor Joshph Breen no dio su visto bueno a la historia con lo que Virginia Van Up tuvo que cambiar el proyecto totalmente, la historia no sería de gansters si no de posguerra, con nazis llegados a argentina en un film que jugaba con el misterio y el drama, para ello se lo encargaron a uno de los directores de la casa Charles Vidor que con poco más de 2 millones de dólares tenía que empezar el rodaje de inmediato, el presupuesto ajustado no permitía el uso de cámaras a color, para que os hagáis una idea Las chicas de Harvie rodada en Technicolor el mismo año costó un tercio más que  Gilda, Vidor puso como condición que su director de fotografía en blanco y negro fuera Rudolf Maté y para que le diera la replica contrataron a Glen Ford.

Bueno y ahora que nos hemos metido en la preproducción del film, ¿Que os parece que nos adentremos un poco sobre de que va esta película? Mirad ya sé que es un clásico, pero puede ser que nadamás te suene el bofetón, los guantes de Heyworth y poco más, así que estate tranquilo, no vamos hacerte ningún tipo de spoiler por que creeme que esta película tiene unos giros argumentales míticos.

Así que en ese aspecto estar tranquilos.

Veréis estamos en Argentina donde un buscavidas norteamericano John Farrell se gana la vida de mala manera haciendo trampas a los dados a los marineros estadounidenses que llegan a puerto, un día tras vaciarles el bolsillo aun grupo de soldados tras salir del local un ladrón intenta robarle el dinero ganado, pero este desdichado acontecimiento se soluciona gracias a la intervención de un extraño caballero el Sr Ballin Mudson.

Este tiene un local de juego, un casino clandestino donde Farrel consigue trabajo localizando a tramposos como él en el salón, pasa el tiempo y Ballin y John se van haciendo cada vez más amigos Y Farrel asciende hasta convertirse en la mano derecha de Ballin Mudson, pronto éste le desvela la verdad, que el casino sólo es una tapadera de su verdadero negocio la compraventa de tugsteno del que busca crear un monopolio. Un día y tras un viaje de negocio el Sr Mudson regresa con su nueva  esposa Gilda una mujer exuberante a la que parece que Farrel no tolera y hasta aquí os voy a contar, ya que la película es una de esas joyas que si no has visto te va a conseguir impactar en lo más hondo del alma y ahora antes de continuar con la reseña me vana permitir un segundo para que les recuerde que este canal sube dos reseñas de cine clásico e independiente a la semana, que si te gusta el cine y crees que te hago pasar un buen rato en Youtube, por que no te suscribes y formas parte de nuestra tribu de cinefilos, y si piensas que el vídeo se lo merece que no se te olvide darme like que me hace muy feliz ver esos pulgares hacia arriba.

Pues lo dicho, el resultado del film fue mucho mayor a lo esperado en un principio, el papel de Gilda se convierte en una especie de astro donde gravitan todas las tramas, su presencia es total, da igual que el personaje este o no en pantalla y diría más son las ausencias de gilda las que marcan el perfil del personaje, las que crean esa subtrama y conflicto que poco a poco va ir dando forma a la película, otro de los aspectos maravillosos del film es su espectacular fotografía realizada por uno de los grandes maestros del cine, el grandísimo Rudolf Maté, su trabajo con la luz pero sobretodo con las sombras crea un espacio único, expresionista a más no poder que consigue no sólo ensalzar el plano y la composición del mismo si no que junto con la silueta y el vestuario diseñado para Rita Hayworth consigue crear imágenes icónicas que trascienden a la película y se considerán iconos de este arte y es que al fin y al cabo el blanco y negro de este film le sienta como un guante, un reflejo del propio personaje que pone titulo a la película Gilda, en cuanto al elenco en el que además de Heyworth y Glen Ford podemos disfrutar de la presencia del gran Gregory Macreidy como Balling, del detective Obregon que lo interpreta Josheph Calella y el encargado de los baños, el deslenguado y valiente Tio Pio encarnado por Steven Geray, pero si hay un personaje que enmudece al resto ese es el de uno que no aparece en pantalla nunca, la voz de Anita Ellis que recrea en el film dos de las canciones míticas del cine, Amado mio y Put the Blame on mame, que Haworth le puso el cuerpo, le dió la coreografía pero Ellis le otorgó la voz

Y es que si este film fue todo un acontecimiento en su momento que encumbró tanto a la actriz que desde entonces siempre fue Gilda y a su director donde toco la cima con este film es por que la historia que narra, libre y perversa que supo saltarse la censura del momento dejando para la eternidad el bofetón de Ford, el guante de Gilda y esa maravillosa presentación de Hayworth en pantalla que nos muestra un amor amargo, unas palabras que duelen más que los golpes en un film que el romanticismo se vive desde el lado oscuro del amor, ese que deja cicatrices.

Y esperando que te animes a ver la película, que te adentres en este film que tiene mucho más de lo que parece, me despido de vosotros no sin antes desearos que seais inmensamente felices y que vivais el cine 

Aliens 1986

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, quiero antes de empezar con la reseña de la película contaros una expresión legal norteamericana, Hollywood Accounting o contabilidad de Hollywood, veréis esas dos palabras esconden una forma de estafa muy común dentro de las malas prácticas de los estudios de Hollywood, viene a relación de una forma opaca de ocultar beneficios a productores o actores que tengan regalías por la película, veréis muchas veces como forma de pago a las estrellas vienen de los beneficios netos conseguido por la película en forma de porcentaje o al resto de coproductoras que han metido dinero en el film y retornan las ganancias del porcentaje neto conseguido por la película y lo que hacen estos grandes estudios es inflar el gasto de empresas creadas por ellos que dan algún tipo de servicio al film y que engordan la factura tanto, que puede una película de éxito dar perdidas, obviamente este dinero retorna al estudio y al declararse como pérdida los miembros del staff que tengan ganancias por porcentajes ganan mucho menos dinero. ¿Y por que para hablar de una de las joyas de Cameron os cuento esta historia legal? Pues por que gracias o por culpa de este Hollywood Acounting pudo realizarse este Maravilloso film de ciencia ficción titulado Aliens y rodado por James Cameron en 1986 y si quieres saber que une este concepto a la obra pues tendrás que verte esta reseña y consejo sincero de cine.

Veréis esta secuela que se estrenó 7 años después de el original Alien el octavo pasajero, tuvo realmente un desarrollo temprano, Brandywine la productora de Walter Hill, David Giller y Gordon Carroll que había coproducido el film de Ridley Scott quiso realizar una secuela inmediatamente, con lo que empezaron los contactos con el presidente de la Twenty Century Fox Allan Lad Junior, ambos estaban deacuerdo que el éxito logrado del primer film daba para una secuela, pero la casualidad hizo que Lad Jr saliera de la Fox para montar su propia productora de cine Lad Company con lo que abandonó el estudio y tomó el relevo Norman Levy, al ser un recien llegado no quiso tomar una decisión precipitada y dejó dormir el proyecto durante un tiempo, el caso es que llegaron los 80 y el cine juvenil copaba los éxitos de cartelera decayendo el terror y la ciencia ficción , el batacazo en taquilla de Atmosfera Cero Film de la Warner coproducido por Ladd Companý estrenado en 1981,  sólo pudo recaudar el costo del film y llevó a Levy a descartar la secuela.

El caso es que no se reactivaría si no llega a ser por una casualidad cósmica, veréis, Brandywine se encontró que llegado un momento los royalties de Alien desaparecieron, cuando fueron a reclamar resultó que del éxito brutal que tuvo la obra de Scott estaba dando pérdidas, el caso es que la Fox había engordado los gastos con la famosa contabilidad de Hollywood que os hemos contado al principio, Walter Hill y sus socios no se quedaron de brazos cruzados y se metieron en una demanda judicial contra la Twenty century fox, el resultado fue que la Fox en 1983 perdió el juicio y fue condenada a producir la secuela que quería Brandywine de Alien. Y aunque la Fox en un principio sólo estaba condenada en  a la coproducción y no iba a distribuir la película Hill, Giller y Carroll comenzaron con la producción del film.

Buscando guionistas para la secuela que fueran expertos en ciencia ficción Larry Willson el ejecutivo de desarrollo de Giller en Brandywine se dio de bruces con el guión de Terminator de James Cameron, esta atención se volvió en deseo cuando vieron el trabajo de escritura que había hecho junto a Silverster Stallone con Rambo, secuela de acorralado o como se llamó originalmente First Blood, por lo que contrataron a Cameron para que se encargara de la secuela de Alien.

El poco interés que ponía la Twenty Century Fox en el desarrollo del film, llevó a Brandywine a intentar vender los derechos del film a Carolco Pictures, pero al no estar interesados otra vez quedó guardada en un cajón, mientras tanto James Cámeron comenzó con el rodaje de Terminator estrenado en 1984 siendo un éxito de taquilla absoluto.

Mientras tanto la Twenty Century Fox cambió de presidente, llegando Lawrence Gordon éste buscando producciones en su catálogo encontró el guión de Cámeron sobre la continuación de Aliens, sorprendiendose que no le hubieran dado luz verde, con lo que se puso en contacto con Brandywine y empezó ahora si y definitivamente la producción de Aliens.

Ahora si os parece bien vamos a comentaros un poco de que va la trama, ya sabéis que como siempre sin ningun tipo de Spoiler por lo que podéis estar totalmente tranquilos en ese aspecto, pero antes de comenzar con la Psinopsis del film una pregunta.

¿Que te parecen mis reseñas? ¿Te gusta el cine y quieres conocer obras clásicas e independientes? ¿Quieres recordar aquellas películas que te marcaron? pues suscribeté y dale al bóton y a la campanita para que no te pierdas ninguna de nuestras reseñas. Y ahora si...

Veréis, han pasado más de 50 años desde que la Teniente Ripley escapara del Alien y una nave de rescate la encuentra en pleno estado de hibernación, tras despertarla y ponerla al día de todo lo ocurrido Ripley se encuentra ante un tribunal que la juzga por haber explosionado la carga.

sin licencia de piloto se ve obligada a trabajar como estibadora en los muelles de carga, el motivo es que nadie cree la historia del alien asesino ya que en el planeta donde dice ella que estaban los huevos, llevan los colonos trabajando más de 10 años sin ningún problema.

Pero de repente todo cambia, la comunicación con los dos centenares de trabajadores se ha cortado de raiz y deciden mandar a unos marines espaciales para averiguar el motivo, con las sospechas de que Ripley tenga razón, el directivo de la compañía Burke convence a esta para que vuele con ellos como asesora civil y ya no te voy a contar nada más de una de esas secuelas que son dignas de su original, un film divertido como pocos con imagenes icónicas del cine.

Bueno el caso es que la película no terminó de tener problemas, la contratación de Sigurney Weber se convirtió en una autentica pesadilla, primero por que la Twenty Century Fox no quería pagar el millón de dólares que Weaber quería, cuando por fin afloja la presión la fox, es el representante de esta el que empieza a poner problemas por lo que Cameron y los productores decidieron preparar una secuela en donde no entraba el papel de Ripley y corrieron la voz por las productoras, el caso es que al enterarse el manager de Sigurney que quizá perdería el que sería el papel mas rentable del momento de la actriz, este dejó de poner problemas y pudo comenzar el rodaje.

La película dista mucho del terror de la primera obra y apenas es perceptible la estética oscura de Giger, aquí es todo un poco más película de ciencia ficción estandar, aunque la historia no adolece en absoluto de este cambio ya que todo ocurre en una estación espacial muy alejado de lo que era la Nostromo de Alien ,creandose una buena continuidad de los acontecimientos narrados en Alien, aunque son muchas las similitudes del film y juega mucho con los lazos de la primera entrega, este film mantiene un universo propio siendo en si una obra única y diferenciada totalmente de la de Ritley Scott.

El film que duplicó el coste de producción de Alien, llegando a los 18 millones y medio de dólares resultó ser un éxito absoluto consiguiendo en la taquilla mundial más de 130 millones de dólares creandosé así el inicio de una franquicia que ha llegado a sobrepasar el milenio con secuelas y spin off de este curioso ser venido de otro mundo, aunque a medida que se avanzaba en la secuela esta iba perdiendo interés, aún así esta obra sigue teniendo la dignidad de las buenas películas llegando a estar nominada a 5 oscar de hollywood ganando dos estatuillas.

Ahora vamos a contaros una anecdota bastante curiosa, veréis la presión del estudio sobre el tiempo de rodaje hizo que el compositor James Horner no pudiera realizar su partitura con el film terminado si no que tenía que componer a toda velocidad la Banda sonora para que estuviera en fecha, el caso es que estas prisas y tensiones llegaron a un extremo tal que ambos, director y compositor dijeron que jamás volverían a trabajar juntos y lo cumplieron, pero sólo durante 11 años, ya que tras escuchar Cameron la sintonia que realizó para Bravehard, acercó posturas con el compositor y volvieron a colaborar en la que sería quizá una de sus partituras más recordadas la sintonia del film de cámeron Titanic.

Y bueno, esperando que os animéis a verla o a volver a ver este film de aventuras interplanetarias me voy a despedir, esperando que si os ha gustado esta reseña de un film que salió  a la luz gracias a una decisión judicial me regales un like y no me quiero marchar sin desearos que seais inmensamente felices, o por lo menos lo intentéis y por su puesto como no puede ser de otra forma que viváis el cine

Alien el octavo pasajero

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis en 1979 un casi desconocido Ritley Scott rodó el film que creó una nueva cumbre en la ciencia ficción, una película referente de una generación y uno de los mayores filmes de la historia del cine, por que ese año se extrenó Alien el octavo pasajero. Pero ¿Sabéis que este film nació como una película de serie B clásica y que gracias a una cantidad asombrosa de acontecimientos ajenos a la obra, Alien terminó siendo lo que és? pues si quieres saber todas las casualidades que han hecho de este film una obra mítica, sientaté, preparaté tu bebida favorita por que empezamos.

Para poder empezar con la historia tenemos que retrotaernos a principio de los 70 cuando el guionista Dan Obanon coincidio el la universidad del sur de California con John Carpenter y el concept artist Ron Cobb, a ver antes de seguir creo que es necesario poner en su sitio a Cobb por que aunque quizá no lo sepas eres un enamorado de su trabajo ya que a él le debemos el DELOREAN de regreso al futuro, la rueda de la muerte de Conan el Barbaro y por supuesto su trabajo en Alien.

Estos tres talentos hicieron una película de estudiantes en forma de comedia y ciencia ficción llamada Dark Star, aunque la película es una obra de estudiantes con aciertos y posibilidades sólo se queda en eso, pero es necesario comentarla por que a O´banon le sirvió para preguntarse, que pasaría si en vez de una comedia, el género de Dark Star  huviera sido el terror, así que empezó a trabajar con la idea de un ser que entraba en una nave espacial y empezaba a matar a todo el mundo. Por otro lado Ronald Susset estaba terminando el guión de Desafio Total y se estaba encontrando con una infinidad de problemas que le hacían que el guión quedara rechazado tras la primera lectura, el caso es que llevar a la pantalla Desafío Total sería carisimo, al no encontrar salida a su película se puso en contacto con O´banon para poder coescribir lo que por aquel entonces se llamaba Memory. Dan accedió y Susset entró en el proyecto, éste pronto le dió consejos a O´banon para que el film no se encontrara con las mismas dificultades que el había tenido, la obra tendría que ser barata de producir, con un elenco limitado y con pocas localizaciones tomando como ejemplo la matanza de texas, esta idea le dustó a Dan y empezaron a trabajar seriamente en el guión de lo que posteriormente sería Alien.

Con el guión en una fase inicial en la que ya se narraba el acontecimiento de una astronave que detiene su trayecto por una señal de alarma, recibe una llamada de su amigo Ron Cobb, Cobb llevava unos meses en Paris junto a Jodorvsky preparando el aspecto grafico de Dune, el artista estaba emocionado con lo que estaban creando y le había hablado a Jodorovsky de él y este quería conocerle, Dan O´banon no se lo pensó y se marchó a Paris allí estuvo 6 meses trabajando en el proyecto, entabalndo relaciones con todos los artistas y creadores que Jodorovsky había reunido y aunque al final el proyecto se calló, Dan regresó totalmente cambiado, los conceptos del Dune de Jodorovsky le impactaron tan fuerte que no podía perder de vista la estetica creada en aquel sueño fallido, por lo que su guión iba a incorporar la estetica  creada por Ron Cobb, la magia de Moebius, las naves de Chriss Foss y por la oscuridad gótica del artista plastico de origen suizo Hans Rudy Giger.

Esta visión oscura de la obra de Giger permitió a los guionistas para plasmar en un su proyecto la criatura que iba a ser el antagonista del film que no era otra que el cuadro de Giger Necronom IV, ¿Pero como entraría?. Ese era el mayor problema, pero mietras tanto estaban enfrascados con la acción y El caso es que a medidados de los 70 O´bannon escribió el guión de un comic para la revista Heavy Metal Magazine titulada B-17 donde unos gremlims intentaban derribar el avión de un piloto en la segunda guerra mundial y Susset le convenció para que incorporara partes de la idea de aquel proyecto del comic. la historia iba cogiendo forma y Memory pasó a llamarse La bestia del espacio y a Susset se le ocurrió la brillante idea de como entraría en la nave, sería en el interior del cuerpo de uno de los tripulantes, este giro en la trama le pareció brillante a O´bannon y lo incorporó de inmediato a la historia, con las lecturas y relecturas observaron la cantidad de veces que se narraba la palabra Alien por lo que decidieron cambiar el titulo de La Bestia Espacial a la palabra Alien.

Y ahora vamos a parar un segundo en la historia de la gestación de este film para comentaros un poco de que va la película, ya sabéis los más veteranos al canal que sin ningúntipo de spoiler por lo que si no la has visto aún, puedes estar tranquilo.

Estamos en una nave comercial que lleva minerales a la tierra, la nave Nostromo, esta tiene a la tripulación hibernando para solventar el largo viaje, pero una señal de auxilio detiene la marcha y despierta a la tripulación, estos tardan poco en enterarse que no están en casa si no a mitad de camino pero la ley les obliga a atender cualquier señal de auxilio. Así que se prepara una expedición a un extraño planeta a ver de que se trata dicha señal, pero cuando están dentro de la nave estrellada la teniente Ripley descifra que más que una señal de auxilio la nave está lanzando una advertencia y hasta aquí te voy a contar para que puedas disfrutar de esta joya del cine y obra maestra del séptimo arte.

Y antes de continuar con la gestación del film, una pregunta. ¿Te gustan nuestras reseñas de cine, te lo pasas bien conociendo las entrañas de clásicos tan poderosos como este alien el octavo pasajero, pues a que esperas, dale al boton de suscribirte y a la campanita para que te avise cada vez que hay una nueva reseña en el canal y si crees que nos lo merecemos, regalanos un like por que no sólo me hace muy feliz si no que es una señal de que nuestro trabajo os gusta.

Y ya volvemos a la producción de la película, el guión estaba plagado de homenajes a películas clásicas de la ciencia ficción como Enigma del otro mundo, Planeta prohibido o terror en el espacio, pero tambien de slasher setenteros por lo que O´bannon cuando alguien decía que el guión de Alien tomaba prestado tal o cual concepto él decía que No le robó Alien a nadie, se lo robó a todos y en cierta forma tiene razón ya que cogió conceptos de otras películas y las hizo suyas en una nueva creación tan singular que quedó siendo única. 

Con el guión casi terminado se pusieron en contacto con Roger Corman que estaba bastante interesado con la idea, pero se enteraron que el director Walter Hill, David Giler y Gordon Carrol habían creado una productora Bradwine que tenía contactos de producción con la Twenty Century Fox, por lo que se lo presentaron a ellos, la idea era que Walter Hill la dirigiera mientras que la Fox la distribuyera, pero a Hill y Giller no les gustaba el guión como estaba y emprezaron a reescribirlo, estas versiones alejaban la historia de Alien original de una película de terror de ciencia ficción a otra cosa de la que los autores no estaban deacuerdos por lo que terminaron la relación, el caso es que estas nuevas versiones tenian unos dialogos mejores que los escritos por Susset y O´bannon a demás de meter a un androide dentro de la tripulación por lo que O´bannon decidió dejar aquellos cambios por lo que Hill y Giller reclamaron la coautoria pero fue denegada por el sindicato de guionistas de america. 

Con el guión terminado y las relaciones rotas con Hill pero no con la productora Bradwine que seguía a delante, la Twenty Century Fox entierra en un cajón el guión, pero el inusitado éxito de Star wars hace que todas las productoras busquen en su catalogo guiones sobre naves espaciales y la Fox la única obra que se adaptaba a esos canones era Alien por lo que buscaron un guionista para que se pusiera enseguida a rodar la película con un presupuesto de algo más de 4 millones de dólares, se contactó con Peter Yates, Jack Claiton, Robert Aldrich y Robert Altman pero ninguno estaba interesado. Es entonces cuando Walter Hill y Giller vieron los duelistas de Ritley Scott quedando impresionados y proponiendo al director para que dirigiera Alien, los autores y la Fox dieron su visto bueno y entró Ridley Scott en la producción del film, este pronto quedó impactado por el aspecto visual de la película, el tono oscuro de la obra y los conceptos artisticos en los que se sustentaba la obra. Así que Scott empezó a crear su mirada personal con el prisma creado por aquel tiempo que O´bannon pasó con el equipo de Dune que iba a rodar Jodorovski.

La película tenia un aspecto singular para cualquier pelicula de ciencia ficción y terror, era el perfil de los personajes, alejados de heroes jovenes, la tripulación era la de un grupo de cuarentones y es que la trama no nos habla de una nave estelar del ejercito si no la de una empresa de trasportes, personas reales con un oficio común como es el de trasportes de minerales pero en el futuro. esto dio al reparto una nueva importancia, el primero en ser contactado fue Tom Skerrit para interpretar a Dallas, pero rechazó la oferta, el pensaba que con 4 millones no se podría realizar la película que tenian en mente los autores, por lo que se buscó entre otros artistas para interpretar al capitán de la nave, pensaron en Harryson Ford que rechazó para no encasillarse en el papel y con la dificultad de buscar actores que dieran el perfil lo dejaron apartado, el siguiente en ser contactado fue Hurt que interpretaría a Kane, la estrella del cine independiente del momento Harry Dean Staton entró en la producción como Brett y este contrato empujó a otros actores a apuntarse al elenco, la Twenty century Fox viendo las dimensiones de la película decidio duplicar el presupuesto y fue entonces cuando volvieron a contactar con Skerrit que ahora si aceptaría ser Dallas, Veronica Carwrite audicionó como Ritley y fue seleccionada, el problema es que dudaban entre el papel de la teniente y el de Lambert por lo que la dejaron en duda hasta cerrar el reparto, Iam Holm fue contratado como Ash y Yappet kotto como Parker, la producción hizo llegar una propuesta a Meryl Streep pero la reciente perdida de su pareja Cazale hicieron desistir, pero Ritley vio la prueba de cámara de una total desconocida Sigurney Weaver que apenas había participado como actriz de reparto en un par de películas antes y pensó en ella como Ripley, el caso es que esta decisión no se la comentó el director a Veronica Carwrite así que en las pruebas de vestuario se enteró que su papel sería el de la temerosa Lambert, esta decisión no la sentó nada bien, pero realizó uno de los papeles más memorables en la pantalla de cine, un personaje lleno de temor real que empatiza con lo que está sufriendo el espectador.

La película creada por un elenco en estado de gracia, con un aspecto visual único y con un guión tan sencillo como eficaz resultó ser un éxito de taquilla consiguiendo más de 110 millones en taquilla y no sólo eso ya que la música compuesta por Jerry Golsmith fue todo un superventas de la época, su sintonía ahora mítica marcó el terror en el espacio ese que decía que en él nadie te escuchará gritar. 

Una joya del cine simplemente memorable, la película se convirtió casi inmediatamente en película de culto, la gente acudía en masa a las pantallas de cine y creo así una franquicia que tendría una gran segunda parte no tanto así el resto de secuelas y spin offs. Por cierto el alien que era una mezcla de animatronicos tomó vida gracias al actor Bolaji badejo dando forma a nuestras peores pesadillas.

Y bueno, esperando que esta reseña os haya parecido interesante, vamos a ir por dando el video por terminado, pero no sin antes desearte que seas inmensamente feliz o lo intentes y por último como no puede ser de otra forma que vivas el cine

Los teleñecos en la Isla del tesoro 1996

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, con este maravilloso y entretenido film de los teleñecos, que es como se conoce en España a los Mappet vamos a concluir nuestro sincero homenaje a la eterna obra de Robert Luis Stevenson y es que si hay una versión más gamberra, divertida y acertada, es este largometraje de las criaturas creadas por Jim Henson, creador de los personajes más míticos de la infancia de los que nacimos en los 70, un titiritero que elevó su arte a cotas jamas pensadas y al que sus creaciones recrearon esta adaptación de la Isla del tesoro, acertada como pocas, pero que lamentablemente Jim no pudo disfrutarla y es que la Isla del tesoro de 1996 es la reseña y consejo de cine de hoy.

Veréis esta historia se remonta mucho tiempo antes del estreno de este film y es que 1989 Jim Henson y Michael Eisner, presidente por aquellos entonces de Walt Disney Estudios firmaron un contrato de fusión de los Mapped con ellos durante 15 años, el caso es que cuando debía de formalizarse la fusión, Henson en 1990 moriría de una extraña neumonía quedando en el aire el contrato. 

Su hijo Brian entonces tomó las riendas de Jim Henson Company que aunque no fusionó la empresa con la Disney si que firmó un contrato de colaboración, en ella se comprometían a realizar un largometraje de corte navideño que tendría como co-productora y distribuidora la Walt Disney estudios, creando así Los Teleñecos en cuento de navidad o Los Mapped en Cuento de Navidad. 

El resultado fue bastante rentable ya que con un presupuesto de 12 millones consiguieron casi triplicarlo en taquilla sólo en la zona de Norteamerica, con lo que habría que sumar el resto de taquilla mundial así como el vídeo domestico, ese éxito comercial llevó a la productora del ratón a pedir una segunda entrega de los Mappet en otra historia clásica, por lo que Brian Henson llegó con dos propuestas. Una de ellas sobre el Rey Arturo y la segunda sobre la novela de Robert Louis Stevensón la Isla del tesoro, con lo que al final se decantaron por esta joya del cine de piratas.

Y ahora para poder entrar en harina que os parece si primero os cuento un poco de que va, ya sabéis que sin spoiler de ningún tipo, por lo que en ese aspecto estar tranquilos, es un principio del canal que jamás nos saltamos.

Billy Bounce se hospeda en la taberna donde trabaja el huerfano Jim Hopkins, allí el viejo marinero Bounce cuenta la historia del capitán Fint un temido pirata que enterró un tesoro en una isla desconocida, al parecer el tesoro se encuentra intacto ya que Flint era el único en saber su paradero y este al regresar murió sin que se lo contara a nadie, bueno o mejor dicho a casi nadie ya que se cree que uno de los miembros de la tripulación de Flint tiene un mapa con la localización exacta. 

El caso es que esa noche entra un extraño personaje, un marinero ciego en busca de Billy Bounce y tras él todo el resto de la tripulación de flint con lo que este en un momento desesperado le entrega a Jim el mapa del tesoro.

Jim con la ayuda de Gonzo y la rata Rizzo parten a buscar a un armador que les lleve a dicha isla para encontrar el tesoro, cómo el naviero no está, le recibe su hijo el Sr Trelawny que no es otro que el oso Fozzy, este encantado flota el galeón la Hispaniola capitaneado por Habraham Smolet que no es otro que la rana gustavo, tambien conocida como Kermit), junto a ellos un simpatico cocinero cojo llamado Long John Silver que se convertirá en el mejor amigo de Jim y ya no te voy a contar nada más.

Veréis la película es una adaptación muy libre de la novela, que aunque está en esencia en la película se adapta para que los mappet hagan de las suyas y esto que puede parecer un poco forzado no lo és en absoluto, en cambio de lo que puede parecer coge un dinamismo propio de una gran película, uno de los aciertos es el no parodiar la obra original si no hacer un trabajo de escritura donde poder meter a los locos muñecos dentro de la trama y no forzar esta para que luzcan mejor, de ello se encargaron los guionistas Jhul, Tatcher y Hart, en un trabajo memorable.

Uno de sus puntos fuertes fue adaptar las canciones de los teleñecos a una sintonía seria de piratas y es que no en vano se le encargó a Hans Zimmer que realiza una sintonía memorable, llena de épica y potencia que contrasta con las voces y actuaciones de los titeres siendo una joya atemporal.

En un principio el protagonismo del relato lo iban a llevar Gonzo y Rizzo siendo uno Jim y otro Hopkins, pero se dieron cuenta que no funcionaría sin un niño real que interpretara a Jim, así que volvieron a la novela y buscarón un actor joven capaz de interpretar y cantar los temas de la película, contratando a un jovencisimo Kevin Bishop, que por cierto en pleno rodaje le pilló la pubertad cambiandole la voz con lo que tuvieron que usar grabaciones previas de canciones tan míticas como Sommethin Better. 

Por otro lado para el pirata John Long Silver contactaron un actor que era un autentico enamorado de los mappeds como era Tim Curry, si el mismo actor que fue protagonista en la mítica Rocky Horror Picture Show y que realiza un papel memorable como Silver, su actuación fue tan sobresaliente que en Jim Henson Shop realizaron un mappet de su personaje par él y se lo regalaron.

Ahora me van a permitir un segundo que les recuerde que si os gusta nuestro contenido, nuestros consejos de cine y reseñas, suscribeté, es la mejor manera de no perderte ninguna de nuestras reseña que como poco son dos a la semana donde hablamos de cine de calidad, sea este del género que sea y de el año con unas reseñas pensadas en vosotros, donde no os destripamos la trama para que la podáis disfrutar como se debe descubriendolas por vosotros mismo y por último te esta gustando esta reseña, pues ya sabes haznoslo llegar dandole like al video ya que nos encantan esos pulgares hacia arriba.

Y volviendo a la producción, veréis desde que Jim Henson murió la marioneta del perro Rwolf dejó de aparecer, eso es por que representaba el carácter de Henson en sus seriales, aunque aquí aparece brevemente entre los títeres de la taberna de Jim, aunque sólo aparece un segundo y no tiene dialogo, verla es un placer nostálgico.

Por otro lado Frank Oz no pudo representar a sus marionetas como titiritero siendo estás movidas por miembros del estudio de Henson, esto era debido a que estaba en medio de la preproducción de la que sería su película Bowfinguer el pícaro film que dirigió el bueno de Oz, por lo que sólo podemos disfrutar de su voz ya que se dobló en postproducción para crear las voces de sus personajes míticos.

La película volvió a ser un exito recaudando en taquilla casi 48 millones de dólares en todo el mundo y habríamos tenido más versiones de los mapped con disney si no fuera por que Brian firmó un contrato con la Columbia que era por aquel entonces propiedad de  Sony, con quien realizaron los teleñecos en el espacio película rodada en 1999, aunque hay que decir que con el tiempo la Disney se hizo con todo el catalogo poco a poco y terminó absorviendo en el 2004 al viejo estudio de Jim Herson formando ahora parte del conglomerado Disney aunque mantiene cierta independencia sobre el estudio del ratón.

Y nada, ya vamos a ir dando por terminada la reseña ya que para empezar la siguiente tenemos antes que terminar está por lo que deseando veros en un par de días sólo me quedan por desearte dos cosas, la primera Que seais inmensamente felices o lo intentéis y la segunda como no puede ser de otra forma que vivas el vine

El planeta del tesoro 2002

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA como bien sabéis los asiduos al canal estamos dedicándole un ciclo a tres versiones de la Isla del Tesoro de Robert Louis Stevenson y si empezamos con una obra canónica, como fue la versión que la Disney que realizó en 1950, por cierto un clásico del cine incontestable,  hoy venimos con otra obra del mismo estudio pero en este caso en una película de Animación lugar donde la empresa se mueve a la perfección no hace falta que lo digamos  y aunque la obra es un alarde técnico, simplemente maravilloso, ya desde el lejano año del 2002 que fué cuando se estrenó este film, empezó la disney a tener algunas actitudes que la llevarían a perder la ejemonía del cine animado familiar, ya que este Planeta del tesoro fue uno de sus mayores fracasos no sólo de la Disney si no tambien de la historia del cine pero de esa parte me van a permitir que lo narremos en la parte final de esta reseña de cine.

Así que sin más preambulos vamos a empezar por la producción de El planeta del tesoro film rodado en el 2002 por los directores John Musker y Ron Clemens.

Veréis la pareja de directores era en su momento una de las más deseadas por las producciones animadas, sus trabajos previos en Basil el ratón superdetective film de la Disney estrenado en 1986 seguirían a clásicos tan rotundos como La sirenita del 89, Aladin del 92 y Hercules de 1997, con esa carrera cinematográfica podemos intuir el poder que Musker y Clemens tenían en la Walt Disney Pictures.

El caso es que aunque esta historia se estrenó en el 2002 la idea surge mucho, pero que mucho antes, veréis la historia fue presentada por los directores en 1985, antes de que rodaran Basil, el ratón superdetective, por aquellos entonces se titulaba La isla del tesoro en el espacio, además presentaron otra obra clásica al estudio en este caso La sirenita de Hans Christian Andersen.

Michael Eisner presidente por aquel entonces de la Disney rechazó la Isla del tesoro en el espacio debido al rumor de que la siguiente película de Star Trek de la Paramount iba a tener un enfoque similar a la obra de Robert Luis Estevenson, con lo que aprobaron la Sirenita.

Tras el éxito de la Sirenita los directores volvieron a presentar el proyecto de la Isla del tesoro y otra vez fue rechazado, en este caso por el proyecto cinematográfico de Aladin en el que otra vez Clemens y Musker vuelven a crear otra obra memorable, así que ahora con más peso en la compañía los autores fueron a Eisner no ya con la petición de rodar La isla del tesoro en el espacio, si no más bien con la exigencia, pero el presidente no le tembló el pulso al negarselo y proponer el rodaje de Hercules, Los autores decepcionados y enfadados, acudieron a Roy Eduard Disney director ejecutivo de la compañía, este intercedió por ellos frente a Eisner que permitió hacer su película cuando terminaran Hercules y así lo hicieron. Tras terminar la película basáda en el heroe de la mitología griega, comenzó en 1998 el rodaje de este film que ahora si, se tituló El planeta del tesoro.

Y ahora, vamos a contaros un poco la trama, aunque es un clásico tanto del cine como de la literatura, puede haber algún espectador del canal que aún no se haya acercado a una de sus múltiples adaptaciones, así que vamos a ser igual de exigentes con el no hacer ningún tipo de espoiler con esta película como con otras más desconocidas, que además los spoiler  son totalmente inecesarios para empujarte a ver la película, así que vamos a ello.

Jim y su madre regentan un restaurante galáctico, la ausencia paterna de Jim le han hecho ser un joven un poco conflictivo, por lo que su madre se ve superada por el trabajo y la actitud de Jim. Pero un día sus vidas cambiaran para siempre cuando una nave tripulada por Billy Bounce se estrella junto a la posada y antes de morir le da una esfera con un misterioso mapa. Pero tras la nave de Bounce aparecen un grupo de piratas que buscando el mapa, destrozan la posada de la madre de Jim.

En la casa del amigo de la familia el Dr Dember Dopler Jim consigue descifrar la clave de la esfera y desplegar el mapa que les llevarán al fomoso planeta donde el pirata Filnt enterró su tesoro. 

Tras este descubrimiento el Dr Dopler fletará una nave junto a Jim para ir a por el tesoro escondido en una tripulación bajo el mando de la capitán Amelia y como cocinero el ciborg John Silver, poniendo rumbo así al planeta del tesoro y hasta aquí te voy a contar el resto lo tienes que ver tu, en una película notable sobretodo en lo estético, no tanto así en lo narrativo pero aún con algunos pequeños grandes problemas, son de esas películas que se dejan ver y que son totalmente disfrutables.

Y ahora volviendo a la producción, los directores John Musker y Ron Clemens quisieron mantener la esencia de la vieja novela de piratas, por lo que aunque se localizaba la acción en un futuro plagado de naves espaciales y viajes estelares, mantuvieron la estética  de la novela usando lo que ellos llamaron un 70, 30. un setenta por ciento clásica y un 30 porciento futurista creando un estilo realmente impresionante y ese acabado se potenciaba con unos movimientos únicos en las películas de animación de la Disney, veréis por aquellos entonces, recoradr que estamos hablando de 1998, Pixar había revolucionado la animación gracias a los programas 3D, ya se había estrenado Toy Story, Bichos y estaban enfrascados en Toy Story 2, por lo que Musker y Clemens aprovecharon esa nueva forma de hacer cine en animación para mezclarlo con el método tradicional del estudio, los elementos de la escenografía eran generador por CGI, y una vez renderizados estos pasaban a los ilustradores que situaban encima los personajes animados de forma clásica hoy conocida por 2D.

Esta mezcla de estilos dio un resultado realmente impactante, hasta hoy en día sigue siendo un ejemplo de estilo, pero para poder hacerlo, tuvieron que duplicar a los artistas implicados en la producción, por un lado los tradicionales y por otro los animadores 3D dando como resultado un film de más de 140 millones de dólares y 4 años de producción. 

Para poder poneros en situación de la barbaridad del presupuesto, Aladín costó 28 millones de dólares o Toy Story que costó 30.

Pues bien, para que esta obra fuera rentable tenía que ser un éxito de más de 200 millones de dólares, aunque los directores estaban acostumbrados a conseguir esas taquillas con sus producciones.

Pero como el destino es caprichoso, algo falló. pero antes de meternos en esa parte oscura de la película vamos hacer un pequeño parentesis.

¿Os gusntan nuestras reseñas, te gusta el cine y quieres saber más de esas producciones clásicas que adoras o quieres conocer obras nuevas para crecer en este maravilloso arte? Pues si la respuesta es que sí, por que no le das al botón de suscribirte y a la campanita para que te avise la plataforma de cada vez que subimos un vídeo nuevo de esa forma no sólo no te vas a perder nada, si no que vas a estar al día de todas la películas que subimos al canal.

Y tras este parentesis vamos al problema que tiene este film. La película tiene un guión escrito por los propios directores y ayudados pot dos guionistas míticos, Rob Edwars que es leyenda en la televisión con guiones de series míticas como El principe de Bell Air o Padres forzosos y de Terry Rossio guionista de la Mascara del Zorro o la versión de Godzilla del 98, ambos escritores contaron la dificultad de modernizar la obra de Stevenson y más con la premisa de los directores de no ver ni sustentarse en las películas anteriores que se hicieron de la novela, este desprecio total por parte de los directores del film a los cineastas predecesores se ve en la obra, esta pierde la esencia de la narración clásica y no hablamos por que se lleve la historia a un futuro galactico si no que buscan empatizar con los espectadores actuales haciendola como ellos decían más moderna, Jim no es un niño pequeño ingenuo que poco a poco va despertando en un mundo cruel lleno de traiciones, que es la base de la novela de Stevenson y como a pesar de la corrupción moral que le rodea sabe mantenerse en el lado luminoso de la vida a pesar de que a veces puede costarle la misma, siendo el Jim del final de la película un chico totalmente diferente que el que empieza el viaje.

En contra deciden crear a un adolescente surfero un poco intensito, esta aventura es la de un joven hecho y derecho, la de un personaje al que su comportamiento hace que no enpatices con él, tampoco funciona el aspecto paternal que tiene las obras anteriores, Jim de niño ve en Silver la figura paterna, aquí con el Jim adolescente es más un amigo o un colega, perdiendo ese aspecto tan poderoso de sustitución paternal, el resto de la obra contiene cambios de roles como por ejemplo el del capitán Smolett por el de la capitana Amelia, el motivo de este cambio no se ve reflejado en ningún momento por nada más que por meter más personajes femeninos en la cinta y ojo no me parece mal, pero si vas a meter un cambio de sexo en un personaje enriqueceló, muestrame por que eliminaste a smolet y metiste a amelia no que al final queda la capitana con el mismo papel del viejo capitan de navio, sin más acciones que este ni más peso tampoco. 

Este desprecio por el clasico que en principio se suponia estaban homenajeando, al final resultó ser un film que enmendaba la plana a Stevenson, hasta el propio guionista Rossio comentó el error de no adaptar fielmente la obra y modernizarla.

Este film que iba a ser un antes y un despues dentro de la compañía, fue realmente así. La película de 140 millones recaudó en salas de todo el mundo sólo ciento quince, siendo uno de los mayores fracasos de la historia de la disney y del cine en general y es que la maldita moda de querer modernizar los clásicos al gusto imperante no funcionó ni entonces ni funciona ahora y llevan insistiendo producción tras producción la factoría del ratón donde poco a poco ha ido perdiendo fuerza por otros estudios que han tomado el relevo de la Disney como mejor estudio de animación, siendo ahora copado por el Estudio Ghibli y por azares del destino ya se veía venir con este film y es que en los premios Oscar de aquel año, donde la Disney reinaba con mano de hierro, la película perdió la estatuilla contra el viaje de chihiro de Miyazaki demostrando que la esencia y la delicadeza de la animación no tiene que ir de la mano de la ñoñería y lo politicamente correcto de las obras, que las películas de cine para todos los publicos no deben de inculcar valores, para eso ya está la educación de los padres, si no hacer que los más jovenes dejen volar su imaginación y que mejor que en aventuras de piratas, pero bueno siempre nos quedarán los clásicos para ello. aún así la película se deja ver y te aconsejo su visionado aunque sólo sea por ver la maravillosa técnica de un estudio que por aquel entonces era invatido.

Y ya te voy a dejar para empezar cuanto antes con el cierre de ciclo, esta vez si, con una película maravillosa una versión fantástica que no te voy a decir cual és, aunque sé que muchos suscriptores, sobretodo los más veteranos van a adivinarlo. Pero como para empezar con ella tengo que terminar esta me despido de vosotros, pidiendote por favor que si te ha gustado esta reseña de corazón me regales un like y hasta que os vuelva a ver en un par de días sólo me quedan dos deseos para vosotros, el primero que seais inmensamente felices y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine 

La isla del tesoro versión 1950

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, verán de vez en cuando recuerdo con cariño las novelas y películas de aventuras juveniles en los años 70 y 80 que fue mi infancia, una época en donde las narraciones para los más jóvenes eran parte de una vida real, con buenos y malos con vida y muerte, una literatura que no infantilizaba al lector, donde no se nos maquillaba un mundo real en definitiva una época en donde no se trataba de imbéciles a los niños y nos hacían soñar con aventuras fantásticas plagadas de peligros reales y en donde no todo era paz y harmonía.

Y si hay una novela que devoré varias veces es La isla del tesoro del maravilloso Robert Louis Stevenson y la culpa de llegar al libro fue su adaptación cinematográfica de 1950 uno de esos films que emitían en la televisión de la época con bastante asiduidad y cómo está semana le vamos a dedicar 3 versiones de la obra de piratas por excelencia, que mejor que empezar por la obra que para mí lo empezó todo, que sin ser la primera ni la mejor, la guardo en el alma junto a la fascinación de mi infancia, así que señoras y señores, niños y niñas, con todos la versión de la Isla del tesoro de 1950.

¿Y que os parece si empezamos por contaros de que va el film? Aunque es un clásico puedo entender que haya personas que aún no se han adentrado por lo que evitaré cualquier tipo de spoiler, ya sabéis que es una norma del canal.

Esta película y obra literaria tiene una vertiente singular dentro de las historias de piratería y es que aunque se dibuja el aspecto más romántico de dichos asaltantes marinos, aquí no son los buenos de la trama, si no que representan el mal al que combatir y todo empieza con la llegada de un extraño individuo a la posada que regenta Jim y su madre.

Allí el extraño marinero pregunta a Jim por un viejo bucanero Willy Bounce, el niño intenta engañar al cliente diciendo que no lo conoce y esperando que se marche, pero un descuido hace que el bahul de Bounce quede a la vista y delatada la presencia del viejo pirata. 

Bounce entonces se ve obligado a desvelar su secreto a Jim. El conserva en su poder el mapa del tesoro escondido del capitan flint, mapa al que sus viejos camaradas han decidido apoderarse, pero todo cambiará cuando Bounce le ceda el mapa con el tesoro a Jim y este muera de una apoplegia quedando el botín en manos del muchacho.

Para poder emprender el viaje, sus amigos el Sr treekawny y el Dr. Livesy flotaran un barco para partir en su busca y dentro de la tripulación contratada estará un viejo marinero de una sola pierna llamado Long Jon Silver que sera el cocinero a bordo y el nuevo amigo de Jim. Y ya no te voy a contar nada más por si no sabes la historia la disfrutes por que decir que es maravillosa es quedarse corto.

Y volviendo a la reseña.

La adaptación del film por parte de la Disney estudio llevaba en el cajón desde los años 30, el estudio del ratón se había hecho con los derechos de la novela con la intención de hacer una película animada, pero el tiempo pasó y quedó el proyecto relegado hasta que Disney decidió abarcar en su producción también las películas de imagen real, para ello contaba con una ya decadente RKO que desaparecería sólo 9 años después de este estreno, pero aun funcionaba bien como distribuidora y llevan siendo socios desde finales de los 30 en donde la RKO distribuía los cortos y largos de animación de la Disney. Así que aprovechando el conocimiento técnico y personal del equipo del que fue uno de los cinco grandes estudios de Hollywood se aventuraron a realizar su primera película en imágenes real que a la vez sería la primera adaptación en color de la Isla del tesoro.

Para llevar a buen término el proyecto necesitaban a un director de estudio capaz de realizar un film con una estética impecable y para ello contactaron con Byron Haskin, veréis el director que años después rodará uno de los filmes de catástrofes míticos como fue cuando ruge la marabunta lleva en la profesión casi 25 años donde empezó como director de fotografía de las producciones de la Warner. Ese conocimiento estético se puede apreciar en el rodaje de esta película, su maestría a la hora de componer el plano y el uso del color y la luz realiza un trabajo que hoy en día sigue siendo impactante y es que no en baño bajo la dirección de la fotografía se contó con un maestro en este arte el grandísimo Freddy Young, si el mismo que poco después diera luz y color a Ivanhoe y el mítico director de foto con Lean en Laurence de Arabia, Doctor Zivago y la Hija de Ryan en la que podemos ver uno de sus primitivos trabajos llenos de fuerza y color, su visión sobre el mundo de los piratas es un estilo que hoy en día sigue vigente.

Y ahora antes de entrar en el reparto de esta maravillosa obra déjenme invitarles a formar parte de nuestro clubs de cinéfilos, veréis si os gusta el cine, te apetece descubrir o redescubrir clásicos de este arte, que mejor que suscribirte, dale ahora mismo al botón y la campana y así no te vas a perder ninguna de nuestras reseñas, por otro lado. ¿Te está gustando este ciclo que le estamos dedicando a La isla del tesoro?, pues si es así regalanos un pulgar hacia arriba, nos hace muy feliz saber que os gustan nuestros vídeos. Pues bien, dicho esto.

Vamos con el elenco artístico, para los papeles secundarios el del doctor Livesy tenemos a Dennis O'dea, y como Se Treelawney al mítico Wálter Fitzgerald, pero si está película ha llegado a ser mítica es por sus dos protagonistas la del fantástico Robert Newton que emparejó su nombre de por vida con Long John Silver y la del joven Bobbie Driscoll que hace de Jim, por cierto está actuación tiene una anécdota curiosa ya que la Disney fue condenada por el joven actor. Veréis resulta que el rodaje se realizó en Reino Unido y para poder trabajar allis se necesitaba de un permiso de cual el joven carecía, el problema y por lo que no disponía de él era por que no alcanzaba la edad mínima para conseguir el permiso de trabajo que le permitiera rodar, así que hicieron oídos sordos a las posibles responsabilidades y el muchacho rodó el film, el sindicato de actores británico se enteró siendo. Denunciados tanto los padres del muchacho como el estudio.

Y bien con esta anécdota te voy a dejar con esta reseña de cine en el que te aconsejo si es que te apetece seguirme en el ciclo, comenzar por esta versión del 50, primera de las tres películas que debes ver, la más canónica y fiel de la novela a pesar de que difiere un poco el final. Por qué en un par de días regresaremos con otra versión de la Disney en este caso con la maravillosa El planeta del tesoro, pero me van a permitir que me adentre en ella la próxima reseña t hasta que llegue ese momento que mejor que despedirme con dos deseos el primero que seáis inmensamente felices y la segunda como no puede ser de otra forma, que vivas el cine

Héroes fuera de Órbita 1999

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, veréis hoy la reseña y consejo de cine que traemos, queda lejos de esas obras maestras del cine, si no que hoy volvemos a recomendar un film ligero, de entretenimiento puro y en cierta manera un poco simplón, pero curiosamente si rascamos un poco en la patina de obra prescindible, encontraremos uno de los films más interesantes de los noventa en cuanto a comedia se refiere y es que este film con un reparto bastante superior para el género de lo que podríamos suponer y con uno de esos guiones perfectos en cuanto a trama y ritmo de acontecimientos, guarda muchos secretos, uno de ellos es que esta obra que podemos disfrutar hoy en día no es la que se concibió previamente si no que fue mutilada en la sala de montaje, pero de ese aspecto entraremos al final de la reseña. Pero aún así, aunque rebajada de tono, el film sigue siendo entretenido como pocos por que no estamos hablando de otra película que Héroes fuera de órbita de 1999 pero que me niego a llamarla así y siempre recurriré a su título original y maravilloso Galaxy Quest.

Y es que este film nace de lo que podemos suponer, estando el guionista David Howard en un cine IMAX, presentaron un avance del siguiente documental sobre galaxias y carreras espaciales y la voz que lo presentaba era la de Leonard Nimoy si el Sr Spock de Star Trek e irremediablemente pensó como la serie había encasillado a sus actores, siendo estos confundidos con sus personajes y teniendo que vivir para siempre así, sin representar otro papel que el que realizaban en el serial televisivo y tras terminar la serie tenían que seguir enfundadose en sus papeles para documentales o ferias de fans, así que en cuanto llegó a su casa, se puso a fantasear que ocurriría si una inteligencia extraterreste pensara que todo lo que ellos interpretaban era real naciendo así el primer germen de Galaxy Quest que se llamó primitivamente como Capitán Starshine. 

Con el guión terminado Howard lo movió por la industria esperando que alguien comprara la historia llegando así en manos del productor Mark Johnson que tenía un contrato de tanteo con DreamWorks studios, aunque el guión no le gustaba en absoluto Johnson vio en la trama una película de acción y comedia que podría funcionar como parodia de Startrek por lo que compró los derechos y le pasó el libreto a Robert Gordon, este tras una lectura rápida no veía nada interesante en la obra por lo que en una preimera instancia rechazó reescribir el guión, pero tras la insistencia de Johnson decídió dar una oportunidad a la historia y empezó la reescritura, el mismo confesaría que hasta que no tuvo el primer guión terminado no vió su potencial y desde ahí fue reescribiendo la historia plagandola de homenajes a series míticas de aspecto galactico y sobretodo del universo Star Trek del que era un seguidor acerrimo.

Con el guión terminado, Johnson se lo llevó a Dremworks que compró el proyecto comenzando así la producción de la película y antes de seguir con el resto de la gestación de esta fenomenal película que os parece si os cuento un poco de que va la trama.

Jason, Gwen, Fred, Tommy y Guy  son actores de una serie de corte galactico títulada Galaxy Quest, el serial metía en mil y un apuros a la tripulación de la nave espacial que siempre salía airosa de todos los problemas que le planteaban los guionista, con el tiempo y cancelada la seríe los actores anclados a sus personajes languidecen con contratos en los que enfundados en sus viejos uniformes en convenciones de fans viven de cobrar por cada autografo firmado.

Esa nueva situación les lleva a aborrecer el papel que una vez interpretaron, todos menos Jason Nesmith que vive con entusiasmo cada convención de fans, hasta que un día un grupo de personajes que parecen sacados de un episodio de la serie, se plantan ante Jason para que capitanee su nave espacial y logre negociar la paz con el temible Roth nar Sarris, esto que podría parecer una locura resulta convertirse en realidad y los estraños personajes resultan ser una raza alienigena llamada los thermians que han creido que las retransmisiones televisivas eran sucesos reales y hasta aquí te voy a contar, ya sabéis que jamas hacemos spoiler de las películas que aconsejamos para que os sorprendáis con los giros de guión que tiene esta película y que son maravillosos.

El caso es que el primer director en ser elegido por el productor Mark Johnson es curiosamente Dean Parisot ya que había trabajado anteriormente con él, pero esta propuesta al estudio no le convenció y buscaban un director con más trayectoria en el cine por lo que Dreamworks contrató a Harold Ramis que venía de dirigir éxitos como Cazafantasmas uno y dos y atrapado en el tiempo.

Ramis comenzó a montar el elenco artístico y se encontró con un problema que no esperaba, no conseguía cerrar el contrato con el actor que iba a ser el protagonista, Ramis quería a Alec Baldwuin pero este no estaba disponible, despues contactó con  Kevin Klien que rechazó por motivos personales y tambien con un actor clásico de comedia como era Steve Martin que tampoco cuajó, estos problemas junto con una visión totalmente diferente de la película que deribó en problemas con los guionistas crearon una incomodidad del director que terminó con su renuncia cuando el estudio contrató a Tim Allen, actor que triunfó con el serial un chapuzas en casa y con la película Vaya santaclaus que fue todo un éxito en estados unidos. Así que sin director para el film, permitieron a Johnson que contactase con Dean Parisot que se puso manos a la obra.

El elenco actoral casi se montó sólo ya que a Ramis le llegaron propuestas de actores que el descartó por que quería rostros nuevos en pantalla y uno de esos descartes era Sigurney Weeber que estaba enamorada del papel de Gween de Marco, Allan Rickman le encantaba el papel de Dr Lazarus no por interpretar una obra de ciencia ficción si no por el humor socarron que derrochaba el personaje y Tonny Shalbou que entró de primeras en la producción, curiosamente el que más problemas tuvo fue Sam Rockwell que no quería hacer un film de parodia y que sólo cuando su amigo Kevin Spacy le convenció de que sería un buen papel para de ahí ir a papeles más dramáticos, Rokwell aceptó.

Y ahora antes de comentaros un hecho que cambió la película pero no a mejor dejenmé un pequeño parentesis para recordarte que si te gusta que te aconseje películas de cine de todas las épocas y géneros ¿Por que no te suscribes? tenemos más de 350 reseñas dispuestas para ser vistas y encontrar así esa película que te apetece ver aunque no lo sepas y por otro lado, te gusta nuestro trabajo, quieres hacernosló saber, pues reagalanos un like a forma de propina y saber que nuestras reseñas os gustan.

Pues dicho esto vamos al tema.

La película era mucho más oscura que la que llegó a las salas, sólo para que os hagáis una idea la calificación por edades de aquel primer montaje recibió la categoría R que es la que prohibe la entrada a menores de 18 años años y es que la obra estaba llena de insinuaciones sexuales por parte de Gwen con los Thermians y llena de gore, si esta película tenía violencia de alto voltaje un ejemplo era cuando llegaban con la nave espacial a la convención esta decapitaba a parte de los asistentes.

Esta calificación hizo temer a dreamworks no recuperar los 45 millones en taquilla, así que remontaron la obra quitando cualquier sexualización y toda la violencia dejando al final una película para todos los públicos que es la que ha llegado a nuestros días.

al final la película fue un éxito moderado consiguiendo con la taquilla internacional recaudar 95 millones de dólares, siendo una obra de consumo al final de los años noventa, pero curiosamente esta película, poco a poco ha ido siendo más reconocida por parte de los aficionados al cine y es que más allá del humor y la aventura que tiene, en ella se puede disfrutar de unas actuaciones maravillosas con un reparto de autentico lujo, unos efectos especiales que ya quisieran muchas producciones serias de la época y de una partitura fantástica del gran David Newman que han llevado a esta obra a ser considerada película de culto y que desde aquí recomendamos su visionado ya que no sólo ha envejecido de una forma fantástica es que encima la trama más vigente que nunca.

Y para empezar con la siguiente reseña antes tengo que terminar con esta, así que antes de despedirme permitanme dos deseos, el primero que sean inmensamente felices y el segundo como no puede ser de otra forma que vivan el cine