capricornio uno

 Bienvenidos, bienvenidas, queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy con todos vosotros Capricornio Uno de Peter Hyams

Que ganas tenía de reseñar esta película y es que Capricornio Uno es una de esas obras que nunca defraudan, un thriller enmascarado bajo una película de ciencia ficción que como os dije en el vídeo de la semana pasada no lo es, ni mucho menos y es que esta obra lejos de centrarse en la carrera espacial, se centra en todo lo contrario y no puede ser más prodigiosa.

Para empezar vamos a romper el hielo con la trama y después contaremos como Nixon, si el 37º presidente de los EE.UU. tuvo mucho que ver con que pudiera realizarse esta obra que se enmarca dentro de las películas conspiranoicas.

 El film nos adentra en el primer vuelo a Marte por parte de los astronautas Walker, Willis y Brubaker y de una sociedad cansada de los viajes espaciales, esta nueva sociedad ha perdido el interés en la carrera espacial y ve  el dinero invertido más como un despilfarro que como un adelanto, esta tensión entre la ciudadanía y la Nasa lleva a la necesidad de un golpe de efecto.

Este golpe efectista va a ser un viaje espacial hasta el planeta rojo, pero por culpa de la falta de fondos que no permiten mantener a nadie con vida fuera de la capsula, deciden realizar un plan B, hacer una representación fílmica del viaje con el fin de engañar a los ciudadanos y volver a tener fondos para la carrera espacial y marcarse otro hito histórico, pero un problema inesperado dará al traste con todo el plan establecido y el resto lo tienes que ver tú.

Si te parece poco la trama vamos ha hablar un poco de la producción, como con 5 millones de dólares llegan ha realizar la secuencia en biplano más peligrosa de todos los tiempos, uno de los accidentes de tráfico que más se han repetido en el cine y una de las mejores bandas sonoras de la historia gracias a mi siempre admirado Jerry Goldsmith.

Tenemos que viajar hasta el año 1972 cuando Hyams muy sensible a la leyenda de que Kubrick rodó el primer paseo del hombre en la luna, decide montar una historia en forma de thriller con dicha leyenda de base, pero cambiando marte por la luna. Este guion no encontró a ninguna productora que quisiera meterse con estamentos tan nortemaricanos como la Nasa, así que Hyams le dejó dormir el sueño de los justos y hacerse director, ya que hasta aquel momento solo era guionista y fue en 1974 cuando rodó su opera prima Nuestro Tiempo, un melodrama de amores entre alumnos que no pasó de ser un film sin más, luego llegaría Manos sucias en la ciudad donde ya contó con Elliot Gould y Un detective curioso, una comedia de intriga con el gran Michael Cane como protagonista y todo habría seguido su curso si no fuera por que en el verano del 74 Nixon se vio obligado a dimitir por el caso Watergate y la sociedad vió con estupor como sus políticos y los estamentos publicos podían engañar al ciudadano y Hyams vio su oportunidad de oro para retomar aquel guion de conspiraciones gubernamentales y ahora nadie se atrevía a decir que no a una obra de ese tipo, ni siquiera la NASA que era retratada como la mala de la película se atrevió a denegar su ayuda y no solo eso, es que le prestó material, maquetas y via libre para rodar en sus instalaciones a Hyams no le tembló el pulso en retratar a una elite política corrupta y retratar una de la leyendas urbanas que hoy sigue en vigor, si de verdad el hombre puso el pie en la luna o no.

La película tiene dos partes muy bien definidas, la parte del engaño donde James Brolin, Sam Waterson y O.J. Simpsom hacen de unos astronautas en apuros y Hal Holbrock como el mandamás sin escrupulos, que decide ponerles las cosas dificiles a estos muchachotes (Por cierto de O.J. tenemos que hacer un documental por que su vida se las trae) y la segunda donde el ingeniero de la nasa interpretado por Robert Walden pone sobre la pista a un no muy reputado periodista que interpreta como nadie el bueno de Elliot Gould y con estos mimbres Hyams hace un cesto favuloso lleno de giros argumentales que te vana tener las dos horas que dura el film con el corazón en un puño.

¿Y donde podéis ver esta película?

Pues ahora ya no hay excusa que valga por que la tienes tanto en Filmin como en Amazón Prime por suscripción pero si aún no tienes ninguna de las dos, está totalmente gratis en PLUTO TV 

Así que con toda la info dada solo me queda recordarte que si te gusta el cine pero hay veces que no sabes que ver, que te suscribas por que desde aquí te vamos a aconsejar cine del bueno y sin hacer spoiler, desde obras maestras a otras más populares y que si te a gustado el vídeo me des un like y si piensas que a tus amigos les puede interesar que lo difundas por redes sociales y con todo esto dicho solo me queda decirte que seais muy felices y vivais el cine

El tiempo en sus manos (La máquina del tiempo) H.G. Wells y su ciencia ficción

 Bienvenidos, bienvenidas, queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy con todos vosotros El tiempo en sus manos de George Pal.

Hubo un tiempo en que la ciencia ficción no hablaba de naves espaciales, alienígenas o civilizaciones extraterrestres si no de cosas más cercanas pero a su vez por lo menos igual de interesantes. 

Antes de la carrera espacial ya se fantaseaba con lo que nos encontraríamos en el centro de la tierra o en los abismos submarinos como Julio Verne nos narró en sus novelas, pero si una obra me intrigó desde muy joven es el libro de Herbert George Wells y su novela sobre viajes en la cuarta dimensión o lo que es lo mismo, los viajes en el tiempo que nos narró en su libro llamado La máquina del tiempo, pero si pude llegar a esa obra maravillosamente filosófica y llena de teorías complejas y brillantes fue gracias a esta película casi de serie B que rodó George Pal en 1960 y comento lo de serie B por que este film costó solamente 750.000 dólares y se llegó a llevar el Oscar a los mejores efectos especiales.

El film uno de los pocos largos que dirigió mi admirado George Pal que para quién no lo sepa fue uno de los pioneros del cine de animación en Europa con mas de 60 cortos animados en su haber y que realiza una obra victoriana llena de tensión con está Maquina del tiempo como se llamó en toda hispanoamerica o el tiempo en sus manos como se la tituló en Europa.

La trama nos adentra en la vida del inventor H. G. Wells y de sus compañeros y socios en la última noche del año de 1899, esa noche se dispone a enseñarles su último gran invento una máquina para navegar a través de los siglos con solo mover una palanca, estos no solo dudan de su eficacia si no que le reprochan que no esté creando inventos más lucrativos como armamento para el ejercito, con lo que Wells enfadado les despide y les cita para cenar 5 días después.

Tras eso y con la decisión más clara que nunca, Wells se sienta en su artilugio y parte a vivir una aventura que le llevará a ver como la humanidad se destruye guerra tras guerra hasta localizar una época donde el hombre vive en paz y armonía aparente, por que los Morlok vigilan sus pasos.

La película fue una de mis favoritas no solo de mi infancia si no de mi adolescencia, donde sus constantes giros narrativos nos tienen en tensión durante la hora y media larga que dura el film.

Sus efectos especiales y sus personajes femeninos no han envejecido todo lo bien que debieran, pero entendiendo en la época que se hizo tanto una cosa como la otra, es una obra que hoy en día entretiene y te deja ese gusto dulce al final donde no todo es tan simple ni tan happy end como se sospecharía en un primer momento.

La obra, un film fabuloso para inculcar el gusto por la lectura de la ciencia ficción cumple a la perfección entre otras cosas gracias a su actor protagonista el infravalorado Rod Taylor, uno de los mejores actores del momento un galán portentoso con unas maravillosas dotes interpretativas que se vio ensombrecido por figuras deslumbrantes como Rod Hudson o James Dean que le dejaron en una segunda fila, pero esto no le impidió que protagonizara los Pájaros una de las mejores obras de Hitchcock en la que volvió a demostrar que como actor no tenía ni una pega y en este film lo da todo desde el principio al fin, el desencanto del protagonista, la emoción y la indignación raya la perfección de la interpretación de verdadero caballero británico 

Una de las cosas más curiosas que tiene esta película y no es un acierto, es mostrar un futuro cercano para ellos como eran los años 60 como un pastiche de serie B, con guerras termonucleares y uniformes plateados, quizá sea por que el guionista David Duncan se había breado en la serie B más pura de los cincuenta con fims como El escorpión negro o algunos episodios de más allá del limite, pero una vez pasado ese momento la cosa fluye con mayor acierto.

Aventuras, acción y entretenimiento asegurado para todo suscriptor que se atreva con este film bizarro y adorable a partes iguales y que en la actualidad se puede ver en FILMIN y MOVISTAR + 

y que desde aquí os recomendamos siempre que te guste ver una película de ciencia ficción de corte clásico.

Quiero decir, por que no muchas personas lo saben es que este film tiene una secuela con un Rod Taylor ya con unos años, un mediometraje que se hizo para la televisión llamado La Máquina del tiempo El regreso y que se deja ver bastante bien, no como su versión del 2002 que no llega a estar a la altura ni del telefilm y que por desgracia no puedo recomendar  y ya vamos a cerrar este consejo semanal de reseñas sin espoiler pero quiero recordaros que tenemos una cita la semana que viene y que si no estás suscrito que lo hagas, por que la semana que viene vamos con una ciencia ficción que no lo és, de viajes espaciales que no son en un maravilloso thriler que ha pasado a ser un clásico del cine.

Y ya solo me queda deciros que seais muy felices, viváis el cine y hasta dentro de siete días

2001 Joya de la ciencia ficción: Historia del rodaje y explicación del final por Kibrick

Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, hoy vengo con una reseña muy especial, ya que no vamos hablar de la película de Kubrick 2001 una odisea en el espacio, si no de como se gestó, como Kubrick se creo enemistades con el equipo del film y lo más importante, como Kubrick desveló el final a un periodista. Si lo has oído bien, te voy a contar el final que quiso contar Kubrick y que lo hizo con sus palabras, pero antes de llegar a ese momento empecemos por el principio.

Tenemos que hacer un viaje a 1965, fecha en la que Kubrick influenciado por Roger Andrew Caras, deciden hacerse con los derechos de la novela corta "El Centinela" de Arthur C. Clarke. 

 En aquellas fechas, la carrera espacial entre la U.R.S.S y EE.UU. era un asunto político de primer orden. Una de las ideas que tenía el ciudadano medio de la época es que con los viajes espaciales encontraríamos vida extraterrestre y Kubrick estaba fascinado con la idea.

Caras había leído el Centinela y le propuso a Kubrick que la usara para hacer su próxima película, éste accedió a leerla y tras ello decidió ponerse manos a la obra y rodar un film basado en el cuento corto de Clarke

Si Kubrick era un gran cineasta hay que decir que además era de los más astutos en conseguir financiación, la posibilidad de que un gran estudio produjera un film de ciencia ficción era poco menos que imposible pero Stanley tenía una carta en la mano para levantar la producción.

Él conocía de primera mano que la Metro quería implementar el CINERAMA. El CINERAMA era un sistema de proyección en tres pantallas simultáneas, pero nadie quería optar por ese sistema, por lo que la Metro tenía grandes dificultades de sacar el proyecto a delante.

Así que Kubrick le vendió la idea de que su película sería el colofón final al CINERAMA y que su película se proyectaría a traves de ese sistema, la Metro tragó el anzuelo y comenzó la producción.

Quiero decir que en la mente de Kubrick no estaba el rodarla en Cinerama ni algo por el estilo, si no rodarla y proyectarla en 70mm como al final hizo, dando la puntilla definitiva al proyecto de la metro.

Con esa primera marrullería Kubrick empezó la película, pero si alguno se cree que fue la última, no te marches por que hay muchas más.

La fecha inicial del rodaje estaba prevista para agosto de 1965, pero Kubrick no empezó hasta pasadas las navidades de ese mismo año, el 29 de diciembre de 1965. El nerviosismo de los directivos de la Metro era palpable, habían sufrido un duro revés económico con el fracaso de Rebelión a bordo y no se podían permitir otro fallo de aquellas características.

Pronto Kubrick se alejó de la novela de Clarke, su idea era hacer una obra visual, una epopella, una experiencia única al espectador donde pudiera ver la inmensidad del espacio y el principio del hombre como jamás se habría visto antes, la trama pasaba a un segundo plano siendo los máximos protagonistas la puesta en escena y la composición, de hecho es que en solo 30 minutos del film hay diálogos de las dos horas y media que dura la película, esta ausencia de narrativa hizo que ninguna de las grandes estrellas que busco la Metro para llevar el público a la pantalla quisiera aceptar ninguno de sus papeles, por lo que al final tuvieron que recurrir a actores de segunda fila o totalmente desconocidos.

En el planteamiento de producción la película tenia que durar 3 meses pero debido a que Stanley reescribía el guion constantemente se alargó a más del doble, se rodó tanta película que el montaje del film duró la friolera de 2 años 

Kubrick no quería que fuera una película al uso y para ello las imágenes debían de bailar al son de una música excepcional, sabía que era igual de importante la BSO que todo lo que había rodado y mucho más que cualquier trama. El encargado de realizar la Banda Sonora era Alex North, creador de bandas sonoras como Cleopatra o un Tranvia llamado Deseo y que ya había trabajado con Kubrick en Espartaco. North compuso dos horas de música original para Kubrick, durante meses trabajó en la música de 2001 y se la entregó para que la montara con la película, en la fecha del estreno North llegó a la premiere del film y vio horrorizado como ni una sola de sus composiciones fueron al final montadas por Stanley, toda la música fue sustituida por piezas clásicas y no le había avisado, esa actitud de Stanley hizo que North no quisiera volver a trabajar con él y jamás volvió a hacerlo.

Con la película enlatada, los directivos de la Metro pidieron ver el film en donde habían invertido más de 10 millones de dólares, tras el visionado ninguno entendió nada, las alarmas se habían encendido en la productora del Leon, otro fallo más y la metro desaparecería, al no comprender nada, decidieron hacer pases privados a críticos de cine y personas autorizadas de los medios y no obtuvieron ni una crítica buena.

Con todo el futuro en un film que no podían recortar ni modelar a su antojo decidieron estrenarla tal cual la rodó Kubrick con la sensación de perdidos al río. Así el 1 de enero de 1968 se estreno 2001 Una Odisea en el Espacio y en tan solo 2 semanas el film había recaudado 200 millones, la sensación en el publico fue brutal, artistas como Bowie se sintieron inspirados por el film y como él el resto del mundo, se formarón coloquios existencialistas sobre el monolito y se crearon tratados sobre el final del film.

2001 ya era leyenda en menos de un mes, todo el equipo de la película irradiaba felicidad, excepto Clarke que había visto como su trabajo como guionista del film había sido ninguneado, ninguna de sus ideas finales fueron admitidas por Kubrick, así en venganza Athur C. Clarke escribió su libro 2001 donde narraba todas sus ideas que fueron desdeñadas por el director, este es uno de los pocos casos que la película es anterior a la novela y tras ver el film y leer el libro, he de reconocer que la película supera con mucho el 2001 de Clarke.

Por cierto Arthur C Clarke consiguió pingues beneficios con la novela y escribió el guion de una secuela 2010 odisea 2, se lo presentó a Kubrick para que este la dirigiera pero Kubrick comentó que 2001 ya estaba cerrada, se negó y fue Peter Hyans el mismo director que Atmosfera cero el que tomara el testigo en una secuela maldita que no llegó ni a la altura de los talones al original.

Ahora ha llegado el momento de explicar el final.

Resulta que el productor de televisión japonés Yun´Ichi Yao en 1980 le hizo una entrevista a Kubrick por su estreno de El resplandor, la entrevista tuvo lugar en Elstree Studio. El director de Manhattan siempre había sido reacio de contar su idea de final, sobre todo al ver que cada espectador sacaba su teoría, jamás desveló nada de lo que tenía en su cabeza ni siquiera en la famosa entrevista a Playboy, pero ese día a la pregunta directa de "¿Que tenía usted en la cabeza cuando rodo ese final?" el productor japonés se sorprendió al ver que Kubrick por fin respondía.

Kubrick contó que pensaba en algo similar a un inmenso Zoo pero para humanos, donde seres más avanzados que nosotros  nos estudiarían. 

Al igual que nosotros creamos escenografías ideales para que los animales se sientan en un ambiente similar  a su hábitat, pero que de todas, todas es una idealización falsa, así pensó en la escenografía donde una habitación de corte francés hiciera las veces de hogar para el espécimen, en este caso Dave Bowman.

Tras ello pensó como los semidioses griegos que una vez en el olimpo volvían pero con poderes superiores a sus demás congéneres, así  Dave regresaría tras su periplo en el Zoo humano donde el tiempo y el espacio se confunden. Esa parte final del regreso no se desarrollaba en el film y quedaba a la interpretación final del espectador.

Como podéis ver es un final críptico pero que una vez se sabe la intención absolutamente todo cobra una nueva forma y seguro que te apetece volver a verla, uno de los problemas es que no hay plataforma que la tenga en Streaming en la actualidad, pero es una película con cientos de ediciones en DVD por lo que es una buena manera de rescatar un film simplemente maravilloso.

Y ya solo me queda decirte que si quieres que todas las semanas te recomiende una película de calidad, ¿Por que no te inscribes como suscriptor? estaremos encantados de que pertenezcas a esta fantástica tribu de cinefilos y si te ha gustado el vídeo dame un Like y ya solo me queda decirte que seas muy feliz y que vivas el cine

El Viyi Terror gótico en la Unión Soviética

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy con todos vosotros una rareza del género del terror y una delicia para todos los que amamos las historias góticas, El Viyi de Kropachyov y Yeshof.

Hay que remontarse hasta 1967 para que la Unión Soviética realizara su primera película de terror y pasarían muchos más hasta que se continuara con el género, con lo que este Viyi durante muchos años fue la única película de terror hecha en la antigua U.R.S.S.

La obra mantiene una riqueza de planos y estilismos muy propio de la escuela soviética, donde la puesta en escena y la coreografía con la cámara llega a rallar la perfección para narrar una obra gótica de brujas y vampiros, basáda en un cuento de Nicolai Gogol

La historia cuenta la aventura de tres seminaristas que al terminar sus estudios parten de vacaciones a su casa, estos se pierden en el bosque y encuentran una cabaña regentada por una bruja, tras una noche de locura Khoma se enfrenta a la vieja diablesa asesinándola a golpes, pero esta una vez muerta se transforma en una bella joven. 

Khoma asustado vuelve al seminario donde le aguarda una noticia que no será de su agrado, el jefe cosaco del pueblo pide que un sacerdote rece al cadáver de su hija durante tres noches, Khoma piensa que puede ser la bruja y parte a enfrentarse contra ésta.

La obra mantiene los principios de la mayoría de obras realizadas en aquel tiempo, donde muestras el folclore típico de sus antiguos pobladores, recreándose (quizá en exceso) en canciones y bailes populares, esta narrativa costumbrista interrumpe muchas veces la progresión de la historia ralentizándola bastante y creando partes tediosas que sin ellas la obra ganaría muchos enteros, pero aún así los directores Kropachyov y Yesof consiguen mantener bastante bien el interés de la audiencia, incluso para espectadores de la época actual donde no estamos acostumbrados a las obras lentas. 

Uno de los puntos fuertes es los efectos especiales que debido a su sencillez, alejados de alardes técnicos consiguen aguantar bastante bien el paso del tiempo, las dobles exposiciones y el rodaje sobre pantalla eran técnicas que a finales de los 60 se dominaban casi a la perfección con lo que el resultado de estás técnicas aplicadas al film dan como resultado una obra técnicamente impecable.

La película adolece de la falta de precedentes del género, abrir camino nunca fue fácil y el hermetismo de la sociedad Soviética donde apenas se podían ver obras occidentales hicieron que los directores se adentraran en un género totalmente extraños para ellos con lo que algunos errores de continuidad de tensión hace que el espectador pierda la sensación de estar ante una atmosfera terrorífica y opresiva, pero descubrir la obra de unos pioneros en el género es una delicia que no se suele ver todos los días y sus aciertos son tan grandes que podemos pasar por alto algunos fallos narrativos.

Si eres un arqueólogo del género, esta obra se convierte directamente en un indispensable, si eres una persona abierta a nuevas narrativas el Viyi va a colmar tus exigencias, pero aviso que no es una obra para todo el mundo.

Antes de decirte donde la puedes ver, quiero recordarte que si no estás suscrito lo hagas ahora mismo para no perderte ningún consejo de cine que te damos semanalmente y ahora sí.

¿Y dónde la puedes ver? pues la tienes ni más ni menos que en Filmin, como es normal está en ruso con subtitulos en español.

Deseando que esta obra que es una rareza en si misma os colme de felicidad esta semana me despido sin antes no desearos que seáis muy felices y viváis el cine.

Erase una vez en America. Obra maestra del cine

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, hoy con todos vosotros la sublime e inconmensurable Erase una vez en America del grandioso Sergio Leone.

Hace tiempo que nuestra amiga y subscriptora Ana, pidiera una reseña de está película y que mayor placer que hablar de un film que me marcó la juventud e hiciera que me enamorara del cine de contrastes, del bien y del mal, de lo real y lo irreal, de leyendas imposibles en historias imposibles, ya que aunque al principio pueda parecer una película de gansters, lo que realmente cuenta este film es el tributo del director romano a un país imaginario llamado America.

Sergio Leone director poco prolífico a la hora de rodar y un buen ejemplo de ello es que hacía la friolera de trece años de su anterior película "Agáchate maldito", quería rodar lo que al principio iba a ser un final de ciclo con una de sus películas mas personales. Con un prestigio ganado a base de spaghettis westerns, Leone se embarcó en su gran obra, un film de gansters que abarcarían todas las épocas más reseñables de los EE.UU.

Para ello tomó como base la autobiografía del ganster judío Harry Grey llamada The Hoods, pero problemas de derechos hicieron que se alargara el comienzo de la producción, cuando por fin pudo arrancar la creación de la película se encontró con otro escollo. ¿Quíen iba a dar vida a los nuevos personajes? en los Western lo tenía claro pero al cambiar de época, necesitaba nuevas caras y esto le llevó a un casting que se alargó hasta los 3000 actores y dos años de proceso de selección, donde Robert de Niro y James Woods serían los protagonistas de la obra a la que se sumaría Joe Pesci, Elizabeth McGobern y el debut de Jennifer Connelly.

Otro de los problemas que se encontraba la producción era el recrear la Ameríca de los 20 por lo que Leone prefirió llevarse el rodaje a los estudios de Cinecitta en Roma donde se sentía cómodo para rodar interiores y planos de estudio, pero también llegaron a rodar en Canadá más concretamente a Quebec y París, pero también se rodaron exteriores maravillosos del puente de Brooklyn en Nueva York en planos que quedarán siempre en nuestra memoria, en un mágico collage que sirve para recrear una Ámerica falsamente real.

La historia se contaba a base de flashback en una narración con idas y venidas en el tiempo para construir la vida de Noodels uno de los capos de la mafia judía pero también contarnos la vida y el proceso de cambio que  EE.UU. sufrió en el siglo XX

La trama contiene tres tonos distintos, optimista y vitalista en la américa de los 20 donde unos niños comienzan su vida como pequeños delincuentes para contrastar con los años conflictivos de los 30en donde aquellos niños se han convertido en una de las bandas mafiosas más temidas y con más poder y como aquel imperio del crimen se desmorona junto con la abolición de la Ley Seca, para terminar con la añoranza de los 60 donde la America moderna aleja de su vida a aquellos mafiosos.

Y en aquellos años de los 60 un Noodel ya anciano recibe una invitación, una invitación que no tendría más misterio si no fuera por que lleva 30 años escondido en otra ciudad con una identidad falsa viviendo una vida prestada y esa invitación llega con su nombre real.

La curiosidad hace que el anciano mafioso regrese a la ciudad de su infancia a visitar viejos amigos y recordar su vida cruel, despiadada y romántica, pero a su vez honrar a sus tres amigos y compañeros de andanzas que yacen muertos tras un brutal accidente.

Como era de esperar Leone mantiene su estilo de rodar, con lo que Erase una vez en América sigue siendo un Western pero de mafiosos, con largos planos narrativos que terminan abruptamente con violencia, con primeros planos que enmarcan los ojos de De Niro en donde su mirada cargada de ayer se convierte en la interpretación más grande jamás filmada, sin una palabra, ni un gesto, solo esa mirada es suficiente para narrar la vida de un hombre anclado en el pasado.

De amores maltratados por su violencia, que le mantiene en ese lugar solitario de los que no saben amar y de amigos, amigos que eran parte de su vida pero que murieron hace muchos, muchos años.

La obra llega a ser perfecta por la sincronicidad entre imagen y música en una danza lenta que acompasa Ennio Morricone de una manera tan magistral que se convierte en el trabajo de su vida, en una de las mejores bandas sonoras de la historia del cine que no pudo participar en los Oscar debido a que la productora de Lad Jr no la incorporara en los créditos finales y ese formalismo hizo que los Oscar del 84 fueran uno de los menos justos de la historia. Ya que La fuerza del Cariño película ganadora ese año está a años luz de esta obra de Leone que a su vez murió sin ser premiado por una academia que siempre le dio la espalda.

Aunque la verdad sea, esta vez no fueron los académicos los ciegos, si no los propios productores de la Warner que tomando a sus espectadores por imbéciles, remontaron la obra a espaldas de Leone de manera temporal, quitando los flashback y recortando la película o mejor dicho mutilandola hasta tal punto de hacerla incomprensible e insulsa.

Un buen ejemplo de ello fue la prestigiosa crítica de cine Sheilla Benson que al ver el montaje americano, comentó que erá la peor pelicula del año y 6 años después tras ver el montaje original de Leone que se estrenó en el resto del mundo dijo que estaba entre las tres mejores películas de la historia.

Mientras tanto Leone se metió en litigios con la Warner por haber mutilado su obra, litigios que le impidieron empezar el rodaje de Leningrado y que jamás rodaría ya que en 1989 a causa de una dolencia cardiaca fallecía uno de los mayores cineastas de la historia.

¿Y cual es mi opinión sobre la película? Pues que es tan maravillosa que no es para todo el mundo, si eres una persona con la piel fina que busques valores y principios en una película, borra esta de tu cabeza, por que es dura, despiadada, romántica y violenta. Pero si buscas la verdad ficticia que da un cuento cruel y desalmado este es tu film.

¿Y donde la puedes ver?

La tienes en Amazon Prime Video, presta y dispuesta, con su montaje internacional que vuelve a ser el bueno para disfrutar de esta obra maestra llena de matices.

Y ya solo me queda recordarte que le des al botón de suscribirte por que la próxima semana vengo con una película que pocos conoceréis pero que amaréis si eres de esos que disfrutan con el terror gótico, una rareza soviética que es una joya en si misma.

Y nada queridos amigos y amigas de cinefilia, me voy a despedir esperando que seais muy felices y vivais el cine 

   

   

 

Golpe en la Pequeña China: Magia, Aventuras y Artes Marciales

 Bienvenidos, bienvenidas, queridos amigos y amigas de cinefilia, hoy con todos vosotros Golpe en la Pequeña China de John Carpenter.

Esta película que se llamó Masacre en el barrio Chino en Mexico y en el resto del continente Americano como Rescate en el Barrio Chino es una de las películas más divertidas de los locos años 80 y no es de extrañar que nuestro amigo y suscriptor Jesus Alberto nos haya pedido esta reseña.

Antes de empezar con la película en sí, hay que decir que fue un producto mediático de primer orden, si eras un niño en aquel tiempo, no eras nadie en el recreo si no habías visto la película y un buen ejemplo de ello es que fue un rompe ventas de videojuegos, aquella época del 8 bit donde el Spectrum, Comodore y Amstrad eran los reyes, lo mejor que le podía pasar a una película era ser transformado en juegos pixelados, que hacían subir las ventas no solo en taquilla de los cines si no en la venta y alquiler de Video doméstico que tan en auge estaba en aquellos momentos. 

Carpenter había encadenado una racha de éxitos que pocas veces se han visto en la historia del cine y es que, La niebla, Rescate en Nueva York, La cosa,  Cristine y Starman fueron las obras que  precedieron a este fabuloso film.

La trama, sencilla a más no poder donde se mezclaba a dos heroes por accidente, una novia en apuros que luego resultan ser dos, una guerra entre familias rivales y un sacrificio humano no es nada si no lo mezclas con magia y elementos sobrenaturales y si piensas que no puede tener más sorpresas, estas muy pero que muy equivocado por que el bueno de Gary Goldman escribió uno de sus primeros guiones donde llenó de giros argumentales toda la trama haciendo, un trabajo tan eficaz que le permitió escribir años después Desafío total y Minority Report.

Con un presupuesto de 25 millones y un reparto de lo más granado encabezado por Kurt Russel actor fetiche del director desde su telefilm Elvis y que repitió 1997: rescate en Nueva york Y  La cosa, para llegar a ponerse en la piel del camionero fanfarron Jack Burton.

Kim Cattrall de belleza espectacular y un oficio en pantalla sobresaliente que ya había soltado su bis cómica en películas como Porkys o loca academia de policía, llegaba a este film como uno de los rostros más populares de la gran pantalla en aquellos años.

Dennis Dun, que ya había trabajado bajo las ordenes de Cimino en Manhatan Sur y que repitió con Carpenter en el Pincipe de las tinieblas, por cierto película que ya hemos reseñado en el canal y el grandisimo Victor Wong. Manhatan Sur, El chico de oro, El último emperador entre otras muchisimas películas que no necesita presentación.

A pesar del apoyo financiero, la 20th Century Fox no hizo una promoción a gran escala, entre otras cosas por que Aliens la secuela de la obra maestra Alien se estrenaba dos semanas despues, pero aunque en taquilla el resultado fue satisfactorio, donde realmente triunfó la película era en el recien creado circuito de vídeo doméstico donde se convirtió en un clásico de los vídeoclubs.

La 20th Century Fox no creyeron en el producto nunca, básicamente por que Jack Burton no era un heroe al uso, si no un camionero al que le superaba la aventura y tenía que ser constantemente rescatado por Wang Chi, esto a los directivos no les gustó en absoluto e interfirieron tanto en la obra que le obligaron a meter secuencias donde hacían más aguerrido al personaje interpretado por Rusell, tras el estreno Carpenter abandonó la 20Th Century Fox para producir independientemente sus películas.

Acierto total ya que habría sido imposible que años despues rodara ESTAN VIVOS, obra maestra y obra que entrelíneas hace una crítica social sobre el mundo preestablecido.

Y ya sé que ahora estáis deseando que os diga donde podéis verla, peeero antes te voy a pedir que te suscribas que si no te lo recuerdo se te olvida, que me des un like si te ha gustado esta reseña libre de spoilers y que lo compartas por redes sociales si es que te apetece y ahora si.

Dónde podéis ver este film. pues en la actualidad la tenéis en Disney +

Y que os espera la próxima semana. Pues un clasicazo que es una petición de nuestra suscriptora Ana, la magnifica Erase una vez en América.

¿Y tras eso que más os puedo decir? pues desearos que seais muy felices y vivir el cine

Tres obras maestras contra la Censura en Hollywood

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, hoy vengo con un vídeo sobre la censura en el cine, una idea de nuestro suscriptor Diego y como hubo grandes películas que jugaron con ella para reprocharla y luchar contra la censura imperante y se convirtieron en obras maestras  

La industria cinematográfica en EE.UU. cabalgaba libre, con obras controvertidas y sin más límite que el creativo, hasta que en 1930 llevado por la presión de parte de la sociedad se limitó esa libertad  con un Código de buenas conductas que asumieron todas las productoras en el llamado Código de producción de películas o más conocido como Código Hays en "Honor" al político republicano que las redacto. 

Las películas tendrían que tener un carácter antibelicista, se tenía que proteger a las clases bajas de la sociedad, se tenía que denunciar el abuso de los poderosos y por supuesto tenían que ser moralmente aceptables.

Esto llevó a coartar la libertad de los cineastas en muchisimos aspectos de la obra, ya que el mal no podía triunfar y todos los actos negativos tenían que tener una respuesta en la obra, además de mantener la moralidad tanto en las acciones como con la desnudez y actos decorosos, con lo que todas las películas se infantilizaron en exceso, obras simples, de lecturas simples pero bien intencionadas donde terminaban con un final feliz con personajes moralmente intachables creando así el conocido final made in Hollywood, final que ahora vemos como negativo y poco creativo pero que tiene su origen en aquellas normas que encorsetaban las tramas

Este código intentaba que no se repitieran casos de películas controvertidas y con excesos que ofendieran a la audiencia más mojigata del país, como la película de la Metro la Divorciada, donde el adulterio era la tónica habitual del film y que resulto ser un escándalo para la sociedad del momento, ya que una mujer casada sufre una infidelidad del marido y ella decide vengarse dándole de su propia medicina, liándose con el mejor amigo de éste

Esa película estrenada en el 30 fue el punto de inflexión y el resultado fue el famoso código Hays

Con el tiempo el Código Hays se les quedó corto a la parte más reaccionaria del país, aumentando la presión hasta llegar a su cumbre en el 46 con el Macartismo y su detestable caza de brujas.

Esta caza se basó en  buscar  a autores y actores que fueran o hubieran pertenecido al partido comunista en un comité de actividades antiamericanas, eso hizo que algunos cineastas como Bogard, levantara la voz ante el atropello que estaban sufriendo pero también a delaciones sin piedad como las que hizo Kazan y gracias a esas delaciones  se pudo crear una lista negra que prohibía trabajar a personajes de la talla de Trumbo, Lossey o Dassyn entre muchos dagnificados, por cierto Kazan jamás pidió perdón por aquellos acontecimientos y esa actitud hizo que en la ceremonia de 1999 donde le dieron un Oscar honorifico gran parte de los asistentes no aplaudieran en repulsa a aquella actitud.

Pero como toda represión tiene su contestación estas son tres obras maestras que se revelaron contra la censura imperante y la primera de ellas es:

En un lugar solitario de 1950 dirigida por Nicholas Ray.

Primero decir que si os gustan los diálogos de esos que te rompen el alma en dos, Nocholas Ray es vuestro director y está película es un buen ejemplo, rodada justo cuando su matrimonio con Gloria Grahame coprotagonista del film hacía agua y con uno de los momentos más oscuros del director creo esté film atípico junto a su gran amigo Bogart, por cierto el actor de Casablanca fue el que financió la película ya que se rodó alejada de los grandes estudios y ¿por que?.

Básicamente por que dibuja una industria podrida por dentro, con viejas estrellas defenestradas y personajes oscuros manejando la industria, pero también por el personaje protagonista, una persona mas cercana a un villano que a un heroe con una imposibilidad de reprimir su violencia que ejerce contra todo y contra todos que le mantienen en un lugar solitario, con uno de esos finales que se encuentran a 100 mil millas de un happy end Hollywoodiense. que se puede resumir en una frase del film "Viví unas semanas mientras ella me amó"

Por cierto una curiosidad Art Smith, maravilloso actor de reparto fue uno de los actores investigados por el Macartismo.

¿Cómo se puedo rodar y distribuir este film? primero por que lo produjo Santana Pictures propiedad de Bogard y segundo por ser distribuida por la Columbia Pictures una de las major más permisivas con las películas que rallaban lo políticamente incorrecto  y ¿donde podéis ver este prodigioso film? 

Pues lo tenéis en Filmin y Amazón Prime vídeo, simplemente UN INDISPENSABLE.  

La próxima película en retratar lo peor de la censura es la obra maestra de Mankiewichz con guión de Tennessee Williams en De repente el último verano. Esta película de alto voltaje ya que habla de hosexualidad, pedofilia y hasta de canibalismo y de altos quilates ya que en su reparto están ni más ni menos que Montgomery Cliff, Liz Taylor, Katherine Hepburn y mi adorada Mercedes McCambridge  haciendo de familiar carroñera como nadie, es una oda a la lectura entre líneas donde una mujer totalmente censurada es encerrada en un Psiquiatrico para evitar que exprese los que la moralidad de una madre quiere mantener en secreto, como podéis ver esta película habla de más cosas que de una simple relación materno filial. Obra maestra y otro imprescindible que podéis ver en Filmin.

Y para terminar este terceto nos tenemos que ir a una de las tramas que mejor retrataron el Macartismo cuando este estaba en auge como son Las Brujas de Salem de Arthur Miller, pero si la obra está escrita en 1952 no tuvo una película de producción norteamericana hasta el 67, si 15 años después cuando el Macartismo no existía y digo Norteamericana por que en el 57 hubo una  versión de producción francesa, en fin que este telefilm que se tituló el crisol es un alegato sobre la injusticia no solo del comité de actividades antiamericanas si no de la sociedad que la respaldaba, otro indispensable que tienes que ver y que lamentablemente no está disponible en ninguna plataforma por lo que tendréis que buscarla por otros medios.

Y ya terminamos esta reseña alertando que cualquier tipo de censura lleva a épocas oscuras de las que hay que huir y para terminar con buen sabor de boca, que os parece la semana que viene una de acción y fantasía como Golpe en la Pequeña China? película que es una petición de nuestro amigo Jesus Alberto. Pues ya sabéis contar las horas por que en 7 días volvemos y solo me queda deciros Ser felices y vivir el cine