A finales de los años 80 fueron una época prolífica en cuanto a películas que daban una vuelta de tuerca al American Style Live. La más destacada es Terciopelo azul de David Linch rodada en 1986 y que mostraba la trastienda oscura de un típico pueblo americano de casas unifamiliares con jardín rodeadas de vayas blancas y vecinos que saludan sonrientes al pasar pero que no soportan el filtro del microscopio donde se notan todas las grietas del maquillaje, sus perversiones y delitos.
Esta película fue tan brillante que no dejó espacio a otras obras menores pero igual de interesantes que trataban el mismo tema como la película que os traigo a continuación, Parents.
Película canadiense co-producida por Great American Films y Vestron Pictures, con un maravilloso guión de Christopher Hawthorne escritor que hizo toda su carrera como guionista de series de TV y que vuelca en este film todo el humor negro aprendido en su trayectoria y dirigida por el también televisivo Bob Balaban que hace un grandísimo trabajo y que quizá mereció más repercusión ya que Parents es graciosa, fresca a veces terrorífica y con un ritmo estupendo que la hace de todo menos aburrida.
La historia nos adentra en un pueblo americano típico de los años 50, con hombres trabajadores y amas de casa sonrientes dedicadas a sus labores y niños, niños obedientes que no pueden dejar nada en el plato.
Y es que la película se enlaza con la gastronomía fuertemente al pensar el joven Michael que sus cariñosos y comprensivos padres, Nick y Lilly le están dando de comer carne humana.
Si, el niño de una imaginación voraz piensa que el padre trae todos los días partes humanas para que Lilly su mujer llene los platos con tan suculento manjar.
Esta película juega con la incógnita de descubrir si de verdad el matrimonio Laemie son caníbales o es solo una imaginación del joven Michael... que por supuesto no os vamos a desvelar.
Quiero destacar el nivel de los actores que están en estado de gracia, incluyendo al siempre talentoso Randy Quaid, nominado por este papel a los Indepedent Spirits.
¿Por que tienes que ver esta película? la verdad es que son muchos los motivos pero quizá el más contundente es que en los 81 minutos que dura la película te vas a reír, asustar y disfrutar como un niño con el ritmo genial que imprime el Sr. Balaban y por cierto... no dejes nada de carne en el plato
En la historia del cine, son pocas las veces que podemos decir que estamos ante una película que marca una época, que mueve los cimientos propios de la industria y vuelve del revés la relevancia que una película independiente tiene dentro del circuito comercial.
Y es que París, Texas son de esos productos que nadie absolutamente nadie cree en un primer momento y que por gracia del destino logran hacerse para demostrar al mundo que otro cine es posible.
Antes de adentrarnos en la película hablemos un poco de como se gestó una obra maestra y del milagro que fue que saliera a la luz.
Wim Wenders director que había tenido un cierto prestigio con "El amigo americano" rodada en el 77 se plantó en el 84 sin ninguna obra de renombre y con algunos fracasos comerciales que le hicieron perder parte del crédito conseguido con la obra del 77. Aunque hay que remarcar que Wenders es un cineasta que cree en su arte y que siempre hizo lo que quería mas allá de modas y público.
Su nuevo proyecto volvía a ser intimista y bastante renacentista en el las formas ya que toda la historia se basaba en la creación de un hombre, para dar forma a ese laberinto que es el la vida misma y llevarla a la pantalla contó con Sam Shepard, artista multidisciplinar y reconocido escritor, poeta y dramaturgo con un premio Pulitzer y con varias nominaciones en ciernes, Shepard crea un guión prodigioso donde un hombre perdido y sin recuerdos despierta como un bebé que ve el mundo por primera vez y es su hermano el que le recoge y poco a poco construye al hombre que fue y el hombre que será en una obra de segundas oportunidades.
Con el guión terminado la película necesitaba de un millón y medio de dólares para poder llevarla a cabo y no fue tarea fácil a pesar de ser una cifra irrisoria para un largometraje de la época, un ejemplo para poner en valor el millón de libras de Paris, Texas es mencionar que Footloose costó ese mismo año más de 8 millones de dólares.
Es por eso que Wenders recurrió a la producción internacional necesitando la entrada de 5 productoras como eran. Road Movies Filmproduktion; Argos Films; Westdeutscher Rundfunk (WDR); Film4 Productions;Pro-ject Filmproduktion.
Tras ese periplo tocaba crear el elenco artístico y para dar vida a lo que sería esta obra de culto, para el personaje protagonista contó con el inconmensurable Harry Dean Stanton a demás de una jovencísima Natasha Kinski y de un siempre eficaz Dean Stockwell, es imposible mejores actores para esta trama.
Con todo atado, Wim Wenders consiguió terminar una obra que habla de la soledad, de las segundas oportunidades, de la presión social y de la redención, todo bajo una mirada humanista sobre los personajes. Todo el film está envuelto por la guitarra sureña de Ry Cooder que consigue crear un clima en el que los sentimientos lo llenan todo y creando así escenas icónicas del séptimo arte.
La película consiguió la Palma de Oro de Cannes y Wim Wenders un Premio BAFTA además de varias nominaciones en la que destacan el Globo de Oro a mejor película extranjera.
Y poco más nos queda por contar de esta sublime obra, quizá pediros encarecidamente que si os sentís con el cuerpo de ver una película que marca por dentro al espectador, sigáis mi consejo y descubráis el mundo junto a Travis Henderson, jamás un acorde de guitarra os llegará más adentro
Tengo que decir que soy un absoluto fan de los subgéneros del cine y quizá del que soy un fanático empedernido es de las películas de vampiros y es que no hay película más diferente a una de vampiros que otra de vampiros, por que sin salirnos del género encontramos dramas, thrillers, comedias y hasta musicales y es que los chupasangres jamás le hicieron asco a nada.
En este articulo no busco hacer una lista de imprescindibles, ni de las mejores de la historia, ni de las que debes de ver antes de morir.. Enunciado que cuando lo veo me entra urticaria.
Es más bien el compartir con vosotros las más extrañas, hipnóticas y desconocidas películas que me he encontrado en mi vida como cinefago
Cierto es que el género ha sido bastante tratado o mal tratado depende de como se vea por las modas del momento en que se rodaron.
Las primeras versiones de los años 20 y 30 retrataban con fidelidad el romanticismo de las novelas góticas en las que se basaban, en los años 50 dieron un giro al cine adolescente que era el que más caso hacía al género, en los 60 y 70 con la irrupción de la productora Hammer los vampiros se cargaron de erotismo y sexualidad, en los 80 dieron un giro a lo aventurero y cómico muy al gusto de la época, en los 90 las tramas miraron a un mundo más femenino y dieron una vuelta de tuerca en el erotismo en este caso siendo ellos el objeto de deseo y en el 2000 al 2010 los vampiros tomaron la senda de las series adolescentes que tan de moda estaban.
Pero en todas esas épocas hubo un cine que no llegó a las grandes masas, que pasó bastante desapercibida para el gran público y que a mi parecer son mil veces más interesantes que la oferta más comercial.
Así que ponte una ristra de ajos, coge una cruz y ven conmigo a cazar vampiros.
Nº6
LO QUE HACEMOS EN LAS SOMBRAS 2014 de Taika Waititi, Jemaine Clement
Estra producción Neozelandesa la coloca en quinto lugar no por que no se merezca estar más arriba por la originalidad de la película si no por que su reciente adquisición por parte de HBO para hacer una serie ha dado una repercusión a la cinta que en su momento no tuvo.
La película rodada a modo de falso documental nos narra la vida cotidiana de un grupo de vampiros, más cercana a unos ingleses de juerga en una zona de playa que de unos asesinos letales, el genero es comedia.
Nº5
DRÁCULA de Guy Maddin
Película rodada en el 2002, nos cuenta la historia de Bram Stoker o más bien su adaptación teatral. ¿Entonces donde está la originalidad para estar en esta lista? Básicamente por que la película es un ballet, con música de Gustav Mahler sin diálogos ni sonido ambiente y en blanco y negro, el género es musical
Nº4
SANGRE FRESCA 1992
John Landis nos regala esta obra de vampiros y que en su momento tuvo un éxito moderado que no a aguantado el paso del tiempo.
La película mezcla el genero de vampiros y la mafia italoamericana de una manera bastante original, en donde el personaje protagonista es el de Anne Parillaud que encarna a la vampira asesina de mafiosos, un papel muy similar al que encarnó dos años antes en Nikita, dura de matar dirigida por el genial Luc Besson.
Nº3
ARREBATO de Iván Zulueta
1979 el magnifico artista multidisciplinar Iván Zulueta nos regala esta película de vampiros totalmente inclasificable, hay que decir que el SR. Zulueta rodó la película hasta arriba de heroína, lo que no impidió que hiciera una obra que hoy en día se sigue estudiando en las escuelas de cine, una autentica joya.
Nº2
THE ADDICTION 1995
Abel Ferrara nos lleva hasta el New York cosmopolita de los 90 para incorporar a los temidos bebedores de sangre, aún siendo formal con el genero el contrapunto anacrónico de una ciudad individualista y snob crea un contraste perfecto con el romanticismo y voracidad de los vampiros, rodada en un precioso blanco y negro ha sido durante muchos años mi película favorita del genero
Nº 1
SÓLO LOS AMANTES SOBREVIVEN 2013
El irregular director de cine Jim Jarmusch se adentra en el mundo de los vampiros con esta genial y soberbia película que en cuanto la vi me dejo un rastro de sangre en el cuello y no pude más que rendirme a ella, nos habla de un mundo de vampiros viejos, cansados de la inmortalidad y buscando la tranquilidad de pasar desapercibidos y de los vampiros jóvenes que aún se pierden en deseos voraces con sabor a sangre fresca. una película película perfecta que da un halo de veracidad al mito.
Película perfecta para cualquiera sea o no fan del género.
Y hasta aquí la lista especial de películas de vampiros que te recomiendo ver si es que se ajusta a tus gustos y puedes proponerme tú las tuyas justo aquí abajo.
Mi enemigo intimo es un documental rodado por Werner Herzog en 1999 en donde narra su amistad y enemistad con uno de los actores más controvertido de la historia del cine Klaus Kinski.
El cine es la única industria capaz de aunar odio y amor a partes iguales y es que el choque de egos puede resultar hasta homicida y este documental narra un ejemplo perfecto de ello, de como un amor toxico puede dar verdaderas obras maestras.
Werner Herzog convivió de niño en una pensión con un joven Klaus Kinski, y ya en aquellos entonces tenía ataques de ira que fascinó al bueno de Werner.
Con el tiempo Klaus Kinski que convertiría en una estrella de talla mundial y Herzog en un joven director prometedor y como era de esperar el destino les tenía guardada una jugada maestra ya que en 1972 Kinski protagonizaría la película de Herzog Aguirre, la cólera de Dios. Lo que nos cuenta en el documental narra un odio entre ambos que casi llega al asesinato mutuo, un rodaje cercano a la locura que sin embargo nos regaló una de las mejores películas europeas de la historia.
Tras esos sucesos de violencia entre el actor y el director cabría esperar que ambos no trabajan nunca más juntos, pero curiosamente, siete años después en 1979 volvieron a trabajar en Woyzeck y en el remake de Nosferatu, en el 82 rodaron Fizcarraldo, donde los choques entre ambos casi le cuesta la vida en este caso a Kinski ya que Herzog poco menos que animó a una parte de los figurantes (indios amazónicos) a que terminaran con la vida de Kinski que hacía la vida insoportable a todo el equipo. terminada esta cinta con ambos colosos del cine vivos, en el 87 volvieron a la carga ambos en Cobra Verde cuatro años antes de la muerte del controvertido actor.
El documental es una joya, es el tributo que le hace su mayor enemigo en el cine, al que fue su mejor actor en la pantalla, una incongruencia lírica que se da hasta en el título que jamas fue más acertado.
Mi enemigo íntimo.
En cuento al documental es simplemente perfecto, Herzog no es un director ajeno al genero, es un cineasta que alterna con asiduidad el documental y la ficción siendo en ambos un director excepcional, documentales como El país del silencio y la oscuridad, Fata morgana o Gaserbrum, la montaña luminosa, son un buen ejemplo de ello. Pero quizá ninguno de sus documentales ni de sus películas tengan tanto corazón debido a que la vida de Kinski que narra el documental está fuertemente atada a la de Herzog y viceversa.
Este documental se merece un 9 por nuestra parte y si tú espectador te animas a verlo, no solo te resultará entretenida si no que te preguntarás ¿Como es posible que los dos salieran vivos?
Hoy he escogido está película de Otto Preminguer que sin ser la mejor película política ni la más épica ni la más reseñable del Sr Preminguer, es la que mas se adapta a la catadura moral de la mayoría de políticos en mi país y creo que por desgracia del resto del mundo y es que estos fluctúan entre lo deficiente y lo lamentable.
Dejadme que os cuente una cosa. Hoy es veinte de Marzo del 2020 y os escribo desde Madrid España, como no sé cuando tú leerás este artículo he de contarte que la actual situación que estamos viviendo es de confinamiento total, no podemos salir de casa debido a un coronavirus llamado COVID 19.
La cosa es grave, hoy hay en España 20.000 infectados y superamos los 1000 fallecidos y con la expectativa de que estos datos seguramente se doblarán antes de llegar al pico de infectados y muertos.
El caso es que los políticos en un momento como esté en vez de hacer cosas por el pueblo, hablo de cosas concretas como poner a las empresas del sector textil a crear máscarillas y batas de protección para la sanidad publica y privada, en vez de agilizar las aduanas para traer respiradores, lo único que hacen es darnos mitines en televisión para ver quien es más Churchil de todos, a ver quien consigue el discurso más épico y a ver quien consigue más votos.
Mientras que la sociedad está aislada en cuarentena cumpliendo, nuestros políticos se la saltan para salir en tv, no vaya a ser que el merito se lo lleve otro, mientras que lo sanitarios no tienen kits para ver si tienen el virus y no contagiar a pacientes, ellos se hacen la prueba dia sí y día tambien.
Es por eso que lo que estoy viviendo es lo que escribió Allen During y que Otto Preminger hizo película.
Una clase política amoral, inútil, totalmente dedicada a escalar en el partido que a otra cosa.
Una clase política con viejas rencillas y enemigos que buscan destruir al rival como sea y usando las herramientas que sean, solo por ver en el fango a la otra persona, unos políticos que jamás se preocupan por nadie más que por ellos mismos siendo el pueblo ese ser inferior que al que manejan a voluntad.
Esta película tan lejana en el tiempo es un reflejo de lo que vivo día a dia.
Una película que hay que ver, una película que estamos viviendo
La máscara del demonio, cuenta la aventura de dos viajeros que se topan con la sepultura de dos antiguos brujos condenados por la Inquisición rusa a morir ensartados en un ataúd, por azares del destino estos brujos vuelven a la vida sembrando el pánico en el pueblo.
Es curioso como la popularidad de un arte como el cine, crea por un lado maestros que no lo son, genios mediocres y gigantes olvidados.
Esto es debido a la necesidad de repercusión que un director ha de tener para ser considerado maestro. Ya que no basta con ser el mejor en tu género, ni que crees escuela, ni que el resto de directores te tengan como uno de los grandes, es casi imprescindible que te conozca el gran público.
Todos escuchamos con naturalidad la misma lista de directores una y otra vez donde con justicia se habla de Coppola, Spielberg o Scorsese. Pero nunca o casi nunca se oyen directores que por su enormidad deberían de ser nombrados incluso antes, como Roger Corman o como es el caso Mario Bava. Por que ser director se basa en saber dirigir y no tanto saber vender, ya que al final se valora más el trabajo del departamento de marketing que el del propio director.
Hace ya varias décadas que terminé mis estudios de cine y tras mis estudios apenas había visto una película de Bava, fue un compañero mío que allá por el 96 me pasó una cinta en VHS con una película de suspense llamada "La muchacha que sabía demasiado" y no me olvidaré lo que me dijo.
Mira esta película, la trama es espantosa pero es la mejor dirigida que he visto en mi vida.
Ante tal exageración no tardé ni un día en vérmela y devolvérsela, dándole la razón tanto en lo mala que era como en la maestría de la dirección. Y desde ese momento caí rendido ante el gran Maestro
La relación de Mario Bava con el cine le viene de cuna, ya que su padre Eugenio Bava había sido director de fotografía y creador de efectos especiales en obras cumbres como QVO VADIS. Aunque en un principio su formación no se desarrollo en el campo cinematográfico si no en Bellas Artes estos conocimientos de estructura y composición le dieron ese punto esteteta que fue marca de la casa durante toda su vida.
Tras trabajar con directores como Jaques Torneur en "La batalla de Maratón" y conociendo el oficio desde abajo tanto como camarografo como director de fotografía pronto le llegó la oportunidad de dirigir su primera película en solitario y esta sería nada más ni nada menos que "La máscara del demonio" película que nos ocupa en este árticulo.
Galatea Films que ya había trabajado con Bava en "La batalla de Maratón" le encargó que rodara una película de terror muy del gusto de la época y junto a Ennio de Concini y Mario Senandrei rehacen un relato de Nicolai Godol llamado el Viyi creando uno de los guiones más redondos que ha dado el cine gótico.
Para que la película fuera un éxito necesitaban a una actriz joven y con magníficos recursos interpretativos ya que en la cinta tenía que desdoblar personajes e interpretaciones, para ello contrataron a una casi desconocida Barbara Steele, la que fuera musa de las películas de terror de los 60/70 y que protagonizará películas míticas del gran Roger Corman.
Mario Bava en la cinta vuelca todo su conocimiento adquirido no solo en el oficio de cineasta si no que también los principios de estructura y composición aprendidos en Bellas Artes, dándonos unos de los mejores planos no solo de la época si no de la historia del cine. Cada plano, cada cámara es un cuadro viviente, la luz, el contraste tiene hoy en día una fuerza difícil de superar.
Hay pocos directores en la historia en los que como opera prima hagan una obra maestra, solo a la altura de Orson Welles con Ciudadano Kane o Ridley Scott con los Duelistas.
La única diferencia es que a Bava, fuera del mundo cinefilo es apenas conocido, por lo que desde aquí intentamos hacer justicia a un Maestro de Maestros, fundador de una corriente cinematográfica el Giagio y que si es cierto que su filmografía no es perfecta, sus aciertos son inconmensurables.
Son pocas la veces que uno se siente honrado a la hora de recomendar una película y está es una de esas pocas veces y es por que hoy en día recomendar un film del 54 de nacionalidad británica sin grandes estrellas en su reparto y más cercana a una obra de teatro que a una película al uso, sería una insensatez a no ser que dijera que nadie, absolutamente nadie va a quedarse impávido tras el final de la obra.
Y es que "Ha llegado un Inspector" no es un thriller al uso, tiene partes de drama social, película costumbrista y mucho, mucho suspense.
La película comienza con la cena de una familia de la alta sociedad, muy comprometida con sus causas benéficas, su misa diaria y siendo un ejemplo de moralidad, todos menos el hijo pequeño que les ha salido un poco crápula. En la cena la hija anuncia el compromiso matrimonial con su novio también presente, todo son buenas noticias hasta que aparece como de la nada un Inspector de policía con una única pregunta. ¿Conocen a la Srta. Eva Smith?. esa simple pregunta no solo tambaleará la robusta y solida familia ejemplar si no que nos hará a nosotros replantearnos algunas actitudes cotidianas ya que en cierta manera en algún momento hemos sido como esa primorosa familia que ni son tan primorosos ni tan buenos como ellos creen.
Y es que la cinta lo tiene todo, por que es un relato de crítica social. Quizá por que esta basada fielmente y quiero recalcar la fidelidad no solo en la narrativa si no en el formato con la obra de teatro en la que se basa escrita por J.B. Priestley solamente 8 años antes del rodaje de este film.
Es imposible que nadie salga defraudado y doy mi palabra de que tú, espectador que ves, si sigues mi consejo y la visionas hasta el final vas a quedar enganchado de tan hipnótica y extraña película, mucho mas moderna que la mayoría de thrillers sociales que se hacen hoy en día.
Quiero dejar claro que la versión que se ha de ver es la de 1954 y no su posterior remake del 2015 y no es por que la revisión que hace la Hellen Edmundson sea mala, es que con ese estúpido vicio de los directores de reescribir la obra en la que se basa para intentar ser más original que el original, el final de la misma, parte importantísima en esta obra, queda descafeinada, sin fuerza y todos los lazos que se construyen quedan flojos, siendo una película totalmente olvidable, mientras que la versión rodada por Guy Hamilton es una obra para la posteridad.
Y si a alguien le suena el nombre del director, efectivamente es el mismo que años después rodara James Bond contra Goldfinger, Funeral en Berlín o la película de acción Remo desarmado y peligroso.
La puntuación que le damos a esta película es de un 10, es perfecta, dinámica, trasgresora, bien rodada e interpretada y una obra maestra que no sé como no ha llegado al gran público. Admito reclamaciones, si no te gusta la película escríbeme y dime que no tenía razón. Estoy convencido de que a todos os gustará
En tiempos de coronavirus y demás pandemias internacionales, no se que extraña razón me lleva a visionar películas apocalipticas, quizá sea para adquirir una bofetada de realidad de lo que quizá algún día pase si seguimos jugando con la naturaleza.
En este caso he recurrido a mi clásico favorito, no por que sea el mejor si no por que el retrato que hace de un mundo exento de humanos me da miedo y me reconforta al mismo tiempo.
El último hombre sobre la tierra película basada en la obra cumbre de Richard Matheson es la primera adaptación a la pantalla de Soy leyenda, libro que tuvo dos revisiones posteriores, Omega Man 1971 dirigida por Boris Sagal e interpretada por Charlton Heston y Soy Leyenda del 2007 con dirección de Francis Lawrence e interpretada por Will Smith.
A diferencia de los posteriores remake, El último hombre vivo sobre la tierra es una película de bajo presupuesto, de hecho es una coproducción italoamericana en la que la productora principal es American International Pictures, productora especializada en el genero y a la que tengo gran cariño junto a la británica Hammer.
La cinta está dirigida por el neoyorkino Sidney Salkow y encargándose de la parte italiana Ubaldo Ragona. Salkow director eficaz pero sin renombre en la industria ya que sus éxitos se basaban a dirigir capitulos de televisión como Lassie o Mike Hammer, era lo suficientemente bueno como para dirigirla y lo suficientemente barato como para contratarle, su trabajo lejos de ser perfecto es bastante notable, creando puestas en escena muy al gusto de la época aunque si tiene un pero es la fotografía que jamás transmite aunque tampoco estropea el film.
Rodada en las afueras de Roma en localizaciones de nueva construcción, consigue así el director crear ese ambiente de ciudad desierta, usa con pericia el Colisseo Cuadrado, obra mastodóntica de Mussolini que apenas es reconocible en la cinta.
Lo mejor de todo el film es Vincent Price, actor de culto que demuestra en esta cinta por que es el rey del cine de terror y aunque pueda parecer extraño ya que su presupuesto es limitado, supera con creces la caracterización a la versión posterior del 71 donde los monstruos lejos de dar miedo rompian el climax.
Es sin duda la mejor adaptación de la novela, la más divertida y menos pesada, ya que Soy Leyenda del 2007 su segundo acto es tan lento que se convertía en un film farragoso.
Quiro explicar a los que aún duden si verla o no, que esta cinta fue la inspiracion que George A Romero necesitó para crear su maravillosa obra maestra La noche de los muertos vivientes.
Nuestra nota a esta cinta es de un 6. Una magnifica opción para comprobar que el ser humano es estúpido y que aún no entiendo como hemos llegado hasta aquí.
