El GATOPARDO 1963

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA antes de empezar  con el consejo de cine que nos ocupa en esta ocasión, creo oportuno deciros que el guepardo es un felino de tamaño inferior al leopardo y extremadamente veloz que vive en las zonas de asia y africa, dicho animal consigue ser uno de los felinos cazadores más eficaces de toda la fauna y eso es debido a  dos motivos el primero por su gran aceleración siendo el animal terrestre más rápido del planeta y por otro lado por su capacidad de camuflaje  y a dicho animal tambien se le conoce como GATOPARDO, título de la novela escrita por Giussepe Tomasi de Lampedusa en 1958 y que tuvo su versión cinematográfica en 1963 en un film dirigido por el genio del cine italiano Luccino Visconti y que es un honor personal que sea la película que vamos a reseñar en este video del canal, una obra inmortal y una obra de arte que narra la vida de verdaderos supervivientes de esos que como el famoso animal son capaces de camuflarse en medio de la refriega para salir indemnes y parafraseando al principe de Salina don fabricio Corbera, hagamos la revolución para que nada cambie y con esta frase sacada del film comencemos con la reseña de esta maravillosa e inmortal obra de arte realizada en celuloide.

Por cierto vengo con una buena noticia. a día de hoy se puede ver gratis en España, no sé por cuanto tiempo y si vives en otro pais con una vpn podrás verla totalmente gratuita y legal ya que está en el catalogo de PlutoTV y para los más despistados os dejaré un enlace a la película en la descripcion de este vídeo y así cuando terminéis la reseña podréis ver esta joya de coproducción italofrancesaestadounidense que hoy en día es considerada una obra maestra.

ahora antes de continuar una pregunta. ¿Te gusta el cine y quieres que te aconseje películas tan maravillosas como este El gatopardo? ¿Hay veces que no sabes que ver en la malgama de plataformas y quieres un sincero consejo de cine? ¿Quieres descubrir más sobre las producciones que hicieron posible estas obras maestras, pues si la respuesta es si, no lo dudes y suscribeté al canal, a cambio yo te prometo dos reseñas semanales de buen cine, así que no lo dudes, dale al botón y a la campanita y disfruta de reseñas de peliculas tan importantes como este Gatopardo.

Y tras este breve parentesis empecemos por el principio de cómo se gestó esta película. La novela de Giusepe Tomasi de Lampedusa fue todo un superventas en Italia que pronto se expandió por toda Europa teniendo gran repercusión en Francia, no hay que sorprenderse cuando Titanus Film una de las mayores productoras de cine italiano se fijó en la novela y se hizo con los derechos de la misma para llevar la historia a la gran pantalla, el caso es que Titanus ya había coproducido con francia varios titulos reseñables, A pleno sol película con Alain Delon que fue todo un éxito en su momento y la descomunal película La Fuga de Jaques Becker. Por otro lado Titanus ya había trabajado con Luccino Visconti en Rocco y sus hemanos film que consiguió alzarse con el Leon de Oro en el Festival de Venecia y que fue un éxito en toda Europa.

 Así que viendo Titanus la envergadura de la producción donde no sólo hablamos de grandes solenes, vestuario y atrezzo de la época si no tambien de batallas y planos con gran afluencia de extras pensó inmediatamente en ambos aspectos, Visconti para dirigir una película que le venía perfectamente a su perfil de creación de obras cargadas de mensaje político  y por otro lado la ayuda en la producción de Francia, siendo Pathé la elegida. El primer tratamiento de guión se escribió antes de la llegada del director a la producción y corrió a cargo de Ettore Giannini pero tras la llegada de Visconti decidió reescribir por completo la adaptación del borrador así que Visconti mismo junto a Susso Cecci de amicco, Enrico Medioli, Campalle Festa, Massimo Franciosa y René Barjavel (Este último sin creditos en el film) decidieron dar forma a esta película que se narraba en un tiempo de cambios y revueltas y que os parce ahora si hablamos un poco sobre de que va la trama, ya sabéis los más veteranos que sin spoiler pero si eres un recien llegado comentarte que en ese aspecto puedes estar tranquilo en este canal, es un principio del mismo el no desvelar nada de la trama para empujarte a ver la película y no destrozarte la experiencia, así que sin riesgos de ninguna clase vamos a contar de que va la película.

Veréis en 1860 que es cuando se localiza este film, italia estaba dividida por varios reinos El de las dos sicilias, el de cerdeña. el de Veneto y los estados pontificios, es entonces cuando una revuelta popular de reunificación de italia detona en una guerra civil llamada EL RISORGIMENTO, La cabeza visible de la revuelta es garivaldi que con sus carsacas rojas comienzan a tomar terreno frente a las tropas de Francisco II Rey de las dos Sicilias, allí y en ese momento de gran confusión.

Allí en Sicilia vive el Principe de Salina Don Fabricio Corbera un noble de gran reputación que viendo la guerra cerca suya decide marcharse a Palermo, pero el ejercito de Garibaldi ya ha tomado a los borbones la ciudad de Sicilia y decide marcharse a su palacio de verano en Donnafugatta. La vida pasa recibiendo noticias del exterior gracias a que su sobrino preferido se ha alistado en el ejercito de garibaldi Tancredi Falconeri y en esos momentos de revueltas y guerras el amor surge entre su sobrino Tancredi y  la joven hija de Calogero Sedara un rico comerciante de la ciudad.

La trama se verá salpicada de movimientos politicos, de traiciones y romances en donde el Principe de Salina intentará con su buen juicio salir a flote y mantener sus privilegios sea el resultado que sea.

Y hasta aquí te voy a contar el resto de la trama tienes que disfrutarla tu en un film que tiene hasta 5 cortes finales y es que el primer montaje de la película realizado por Visconti llegaba casi a las 4 horas, a ver quiero hacer una aclaración, un film que superara las dos horas y media no era normal ni ahora ni antes, pero si que por aquellos entonces no era nada inusual ver películas que superaran las 3 horas y eso era debido a que muchos cines proyectaban sesiones dobles y estas películas solían tener un entre acto para que los espectadores visitaran el ambigú que es el nombre que recibe el bar del cine y que dicha palabra hoy a quedado en desuso pero que me encanta ya que me lleva a mi infancia. Pues lo dicho no era tampoco una rareza extrema duraciones largas en los films para que os hagáis una idea Novencento de Bertolucci dura cinco horas y media.

Pues volviendo a la película, el primer montaje de Visconti de 4 horas se vió excesivo por parte de la productora y le pidió que la recortara con lo que tras su primer recorte el film quedó en tres horas y media que fue la película que se envió a Cannes y que ganó la palma de oro, tras ese recorte se pensó que para salas sería recomendable rebajar más el metraje con lo que visconti hizo un segundo montaje comercial para las salas de cine italianas de tres horas y para el resto de europa Visconti volvió a recortar el film dejandoló en 171 minutos que confesó el director que de todos los montajes fue el que más le gusta y que es el que hoy se puede ver más facilmente, pero la Twenty Centuri Fox que era quien distribuía el film y que tenía derechos de montaje sobre su territorio la rebajó casi hasta las 2 horas y media por su cuenta y riesgo llegando al director a plantearse una demanda contra el estudio.

Y es que la llegada de capital americano no fue del todo amable con el bueno de Luccino Visconti, os cuento.

Veréis al principio en 1961 entró en la producción  de la película la Metro Goldwing Mayer, por aquel entonces se estaba hablando de un actor de primera fila para encarnar al principe de Salina, los papeles del joven Tanqcredi ya estaba adjudicado al rostro europeo del momento el grandísimo alain delon que ya había trabajado con el director en Rocco y sus hermanos y con la productora en a pleno sol. El personaje de Angelica Sedara iba a ser interpretado por la bellísima Claudia Cardinale, pero el protagonista estaba en el aire. Visconti quería a Warren Beaty y estaba en contacto directo con el actor, tambien el director milanés mantenía conversaciones tanto con Laurence Olivier como con Spencer Tracy. Por su lado la Metro estaba en conversaciones con Gregory Peck, Anthony Queen y con Brut Lancaster, siendo este último al final el actor contratado, el problema fue que no se contó en absoluto con Luccino Visconti para la contratación por lo que el director italiano entró en colera contra el estudió y esto explotó antes del rodaje cuando en un momento dado, la Metro Goldwind Mayer se deshizo del proyecto vendiendoselo a la Twenty Century Fox. Tras esa venta en 1962 comenzó el rodaje de la película.

Hay que decir que el trabajo actoral de Burt Lancaster sorprendió para bien a Visconti, dándose cuenta que la metro acertó al contratarlo. el caso era que por aquellos entonces el inmenso actor, se veía encasillado en papeles de heroe de acción, cierto es que suyos son trabajos tan memorables como el temible burlón, el halcón y la flecha o western tan famosos como duelo de titanes, pero no hay que olvidar que tambien rodó papeles más dramáticos como Chantaje en Brodway, Vencedores o vencidos, El hombre de Alcatraz o Los Ángeles sin alas, donde desplegaba el bueno de Lancaster una cantidad de recursos interpretativos sólo al alcance de unos pocos y que llegaría a su culmen solo unos años despues de este film con la obra maestra El nadador, por cierto si no conoces esta película no te pierdas nuestra reseña de este film que no te puedes perder y si crees que no puede tener más aciertos la banda sonora musical de esta película corió a cargo del inconmensurable NINO ROTA uno de los grandes genios que despliega aquí todo su poderío para hacer una sintonia de leyenda

Al final El Gatopardo es una película por un lado descreida de la política en todos sus conceptos, pero humana y brillante, un film de hombres que intentan por un lado sobrevivir a los cambios sociales adaptandose a ellos y manteniendo los privilegios, mientras que al final la gente común perdida en promesas valdías siguen siendo esos parias antes y despues de la revolución.

La obra aunque con tintes políticos innegables es una visión del mundo eficaz en la que nos ponemos tras las lentes del personaje interpretado por Burt Lancaster en donde al final como todo en la vida es salvado por el amor y añorando la juventud por que si hay algo que no se puede comprar por parte de la élite es el tiempo y nos muestra una obra que narra como pocas ese salto de la madured a la ancianidad, ese momento en el que sólo queda el presente y los recuerdos y ya no el futuro.

Un film memorable con un elenco irrepetible que como digo vas a poder disfrutar gratis y legal. ¿Por cuanto tiempo? no lo sé por lo que si eres de España o te puedes conectar por una VPN al país no dejéis de disfrutar de este gatopardo en Pluto TV y os dejo el enlace en la descripción del vídeo y como para empezar la proxima reseña antes tengo que terminar esta, creo que ha llegado el momento de despedirme no sin antes desearte que seas inmensamente feliz o por lo menos lo intentes y como no puede ser de otra forma que vivas el cine

superdetective en Hollywood 3

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, veréis con esta tercera entrega del detective axel folley dejamos el ciclo que le hemos dedicado al personaje y aunque habrá una cuarta pelicula rodada en esta segunda década del nuevo milenio, de esa reseña  del nuevo film no nos encargaremos por lo menos en un futuro próximo y aunque este épilogo temporal de la saga que quedó durante décadas en una trilogía no estaba a la altura de las dos obras precedentes, la producción y los motivos de que esta obra no llegara a ser lo que fue es tan interesante que se merece la reseña por si misma.

Pero por otro lado, debido a un gusto personal, veréis siempre me han interesado los thriller que ocurren en lugares de ocio donde parece que nada malo te puede pasar, sea esto un estadio olimpico, un partido de futbol americano o como es el caso en un parque de atracciones. Esa aparente discordancia hace que vea estos títulos con ojos más permisivos y este Superdetective en Hollywood 3 rodado en 1994 no es una excepción y sigue dándome tardes de diversión a pesar de ser consciente del bajón de calidad que sufrió la franquicia de la Paramount, pero de todo eso si te quieres enterar, que mejor que ver esta reseña  que empezamos ya.

Veréis la película había dormido el sueño de los justos varios años desde el estreno exitoso de la segunda entrega de superdetective en hollywood o como se tituló en america latina un detective anda suelto en Hollywood. El caso es que la Paramount quería arrancar con un éxito de taquilla asegurado en los noventa y que mejor que volver a desempolvar al personaje que interpretaba el cómico de referencia en aquella época Eddie Murphy. El caso es que el actor no era el mismo que trabajó en las anteriores películas, el ego desmedido del cómico le había cambiado, si en la primera entrega Murphy era un actor joven que empezaba y era disciplinado, en la segunda entrega ya se le intuía el Divismo pero de una forma llevadera en la que quería destacar como estrella que se sentía pero en los noventa las actitudes de primma donna del actor llegaban a tal punto de verse él mucho más importante que su personaje y despreció a Axel Folley de tal manera que no quería interpretarlo.

La Paramount sabía que sin Murphy no tenían película ya que su humor y su rostro estaba emparejado irreversiblemente al personaje por lo que le dieron uno de los mayores cheques del momento 15 millones de dólares por volver a ser Axel Folley y Murphy aceptó, pero como él mismo decía, sólo por tener más ceros en el banco.

A pesar de la fortuna que pagaba la Paramount al actor, la productora quería contener gastos por lo que sólo otorgó como presupuesto final 25 millones de dólares para su rodaje. Esta cantidad de presupuesto la vio escasa el productor y responsable de los mayores éxitos de tinte comercial de la Paramount Don Simpson que pidió una subida en la partida dedicada al rodaje del film, al no ser otorgada Simpson se desmarcó del proyecto.

El primer borrador del guión estaba firmado por una leyenda como era Robert Towne, si el mismo guionista que Chinatawn de polansky, La tapadera de Pollak o Conexión tequila donde también actuaba como director entre otras muchas películas. Towne se quiso llevar la película a Londres donde se iba a cruzar con un detective londinense interpretado por Connery donde el personaje interpretado por Cox sería secuestrado.

La trama no dejaba de ser un nuevo refrito de la historia de las dos primeras partes por lo que Ronny Cox tras leerlo abandonó el proyecto, junto a él y por motivos similares John Ashton tambien denegó la invitación a participar en el film, por lo que parte del elenco original se cayó antes incluso de empezar el rodaje. 

así que la Paramount abandono aquella historia y encargaron a un especialista en cine de acción como era Seteve de Souza el encargo de escribir la nueva aventura del detective, el problema es que Souza es capaz de lo mejor y de lo peor, un ejemplo es que es el responsable de Límite 48 horas, La jungla de cristal o Duro de matar como se llamó en hispanoamerica o la adaptación al cine del Juez Dreed, pero tambien es famoso por algun que otro desastre como en el ojo del huracán o Street Fighter la última batalla y en este caso sin llegar a ese extremo, este superdetective en hollywood tres no es precisamente de sus mejores guiones. 

Y ahora antes de continuar con la trama del film y de que va esta película una pregunta, por que no te suscribes al canal, hacemos reseñas de películas clásicas e independientes de todos los géneros, sin complejor por reseñar cine de entreteniento puro como es el caso y así podras disfrutar de un lugar donde podrás descubrir todos los secretos de la producciónes que las hicieron realidad. Así que si te gusta el cine y quieres recordar o descubrir todas esas películas han dado gloria al cine sea del género que sea ya sabes dale al botón y a la campanita y disfruta de cada vídeo que subimos semanalmente.

Y ahora vamos a contaros la trama de esta película como siempre sin spoiler.

Veréis volvemos otra vez a Detroit en este caso el Detective Foley ha crecido dentro del cuerpo de polícia y se encarga de realizar operaciones de detención, en una de ellas los policiás se van a enfrentar con un grupo de ladrones de coches de poca monta, estos trabajan felices hasta que unos clientes de ellos entran a sangre y fuego dentro del taller clandestino justo cuando llega Folley y sus hombres, en la refriega el jefe de policía Todd es asesinado por uno de los pistoleros con lo que va a llevar a Folley de vuelta a los ángeles, al parecer todas las pistas indican un mismo lugar que no es otro que el parque de atracciones WonderWorld, allí Axel se reencontrará con viejos amigos y cono cererá a otros nuevos en una aventura delincuencial escondido tras las atracciónes infantiles del parque de ocio.

Y ya no vamos a contar nada más para no destriparte la historia.

El film que es irregular como pocos, que lamentablemente no funciona como debiera y que quizá es de las peores obras tanto de Murphy como de su director John Landis.

Y ahora vamos a hablar un poco sobre el director. Veréis Landis venía de realizar una de esas películas que hoy son de culto pero que en su momento no acompañó la taquilla como fue Sangre fresca un film que mezclaba vampiros y mafiosos italoamericanos, una obra que por cierto tengo que reseñar un día de estos, esto hizo que cuando la Paramount llamó al director este accediera, el caso es que tanto el estudio como Landis acptaron el trabajo y al cineasta por el mismo motivo, El director ya había trabajado en dos peliculas anteriores con Murphy y en ambos casos fue un éxito, Entre pillos anda el juego y la famosisima el Principe de Zamunda, el caso es que la productora estaba tranquilo con el director ya que al haber trabajado con él antes pensaban que las actitudes negativas del actor se mitigarían y por otro lado Landis sabía de las capacidades cómicas del actor, el caso es que como el propio Landis comentó, el guión era un desastre, casi nada tenía sentido pero que podría ser levantado gracias a la comicidad de Murphy, el problema era que por un lado el bueno de Eddie no quería hacerlo, más bien quería quitarse de enmedio el trabajo y llevarse los 15 millones de dólares y por otro que no admitía segundas opiniones ni siquiera de John Landis que no llegaba en su mejor momento precisamente.

Landis al ver que la película no había por donde cogerla por culpa del guión, pidió a Murphy plagar de chistes la trama, un truco que podría levantar el film ya que el disparate del argumento ayudaba a ese tipo de parodia, pero el problea fue que Eddie Murphy no estaba deacuerdo, el pensaba que Folley era más adulto, que se había convertido en un polícia serio y había sentado la cabeza, con lo que se negó a cargar de situaciones cómicas a su personaje y sólo en determinados momentos permitía volver al pasado.

Esta negativa llevó a realizar por parte de Ediie Murphy un personaje desganado, gris, sin capacidad de llegar al espectador, mientras que el resto de actores estaban para ayudar al chiste que tenía que hacer Foley este no llegaba, quedando casi como inveciles al resto del reparto como Judege Reinhold y Hector Elizondo.

Landis al final se dejó llevar, como Murphy decidió dar carpetazo a la película y terminarla de la mejor manera pero sabiendo que estaban dilapidando por siempre la franquicia que se centraba exclusivamente en un actor que se estaba autodestruyendo tanto en su profesión como en su vida privada.

Aún así decir que Landis salva la cara de la película quedando para el recuerdo un par de cameos míticos y un par de momentos francamente divertidos, pero poco más.

Si te soy sincero, es una de esas películas disfrutables siempre que no le exijas mucho, un film para un sábado por la tarde de esos que si te quedas dormido no te arrepientes pero que si aguantas la hora y media larga que dura el film, este te va a entretener y divertir. Aunque los que conocimos la buena época del cómico notamos que ya su declive estaba cerca, de hecho es que ya no tuvo como actor de imagen real ningún éxito rotundo aunque si como doblador en Sreck, suyas son películas tan olvidables como Un vampiro anda suelto en Broocling, el remake del profesor chiflado, El gurú, Pluto Nash, todas películas que no consiguieron reverdecer la figura del actor que caía en picado junto con su desmedido Ego.

Y bueno ya vamos a ir dando por terminada la reseña de este film que costó 50 millones de dólares y sólamente pudo recaudar cien, dejando por parte de la productora a Axel Folley 30 años dormido y que en este momento en el que estoy haciendo la reseña desconozco si la nueva película milenial del detective de detroit ha vuelto a rejuvenecer la figura de Murphy o ha seguido siendo una olvidable obra de del cómico otra vez.

Y ya sin más que contaros voy a despedirme de vosotros, agradecioos que me hayáis acompañado en esta reseña, que te quiero recordar que si te gusta el cine y te hago pasar un buen rato en Youtube suscribeté que no te vas a arrepentir, que si te gustan nuestras criticas de cine que me des un Like y que como no me puedo despedir de otra forma dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine

Por que ciudadano Kane es la mejor película de la historia

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, hoy venimos con un vídeo bastante atipico ya que no vamos a reseñar una película si no más bien hablar de la historia del cine con mayúsculas y es que vamos a analizar por que Ciudadano Kane es considerada como una de las películas más importantes del cine y por que siempre encabeza los rankins de las más valoradas de la historia.

Antes de empezar quiero hacer una aclaración, veréis muchas veces me he encontrado en conversaciones en las que han salido a relucir cosas como gustos personales o una visión actual de una pelicula rodada hace más de ochenta años y es que un hito del cine como es ciudadano Kane no tiene por que ser de tu gusto o a la que más valores, no tiene que ser el film que te cambió la vida e incluso te puede aburrir sobre manera pero no caigas en el error de pensar que está sobrevalorada y para que puedas entender la importancia de esta película en el cine he realizado este video en el que podrás comprender su valor historico y artístico aunque no te guste el film.

Veréis desde que Sigmun Lubins realizara lo que se considera el primer largometraje en el cine en 1903 con su adaptación cinematografica de la Pasión de cristo, los cambios tanto técnicos como narrativos ocurrían de una forma paulatina, el séptimo arte se alimentaba de diferentes formas de ver el cine en cada una de las regiones, desde las que buscaban el simple espectaculo de feria que es como se desarrolló este arte en un principio, a las más contemplativas, naturalistas o atisticas, siendo famosos los movimientos cineatograficos de la visión cinefila de Francia, Alemana, Rusa o Estadounidense por poner un ejemplo y desde aquel lejano año del principio del siglo veinte hasta 1941, treintayocho años despúes de aquel primer largometraje, ocurrió algo excepcional, un film que sin inventar nada lo cambió todo, un film tan adelantado en muchos aspectos que no fue un éxito de masas en su momento y que sólo el tiempo ha dado su sitio en la historia y ese film fue Ciudadano Kane.

Veréis para entender como pudo nacer esta extrañísimo acontecimiento en el que podemos decir que marcó la modernidad en el cine, es necesario comprender un poco de la vida de su creador, Orson Wells.

Veréis desde muy joven Wells destacó en la escena teatral tanto como actor como director de diferentes obras que le llevaron desde Dublín a Brodway, su voz y la forma de interpretar le abrió la ventana de la radio, el medio de comunicación de masas en los lejanos años treinta, hasta que llegó un momento cumbre en su carrera que se dió un 30 de octubre de 1938 que con su grupo teatral The Mercury crearon  una adaptación radiofonica de la novela, la guerra de los mundos de H.G. Welles y aquella narración creo una sensación en la CBS.

Más allá de exageraciones y noticias sensacionalistas y demás hechos exagerados de lo ocurrido, si que resultó ser un éxito sin dobleces lo que llevó a la RKO a ficharle para que con una libertad total dirigiera dos películas para el estudio y la primera de ellas sería ciudadano Kaine.

Así que nuestro querido Orson, con 24 años y una esperiencia nula en el cine, tenía a su disposición a un plantel de tecnicos y artistas de los más eficaces de la época y es que no en bano la RKO era uno de los cinco grandes estudios de cine en Estados Unidos.

La idea de Wells era cotar una idealización de la vida del por aquel momento magnate de los medios de comunicación William Randolf Herds y para dar forma a la historia se contrató al grandísimo Mankiewich, por cierto no confundir con el director Joseph Mankiewich, ya que hablamos de Herman J. Mankiewich uno de los guionistas clasico de la época que ya había trabajado en el mudo con gran éxito y que en el 33 tuvo uno de sus grandes itos con Cena a las Ocho film dirigido por Cucor y que su escritura del guión de esta película podemos verla en la película Mank por lo que no vamos a incidir mucho en esta historia ya que tampoco es necesario para el vídeo de hoy.

El caso es que Ciudadano Kane es todo un alarde de cine, una revolución que inspiró a cineastas de todas las épocas y que aunque ahora ochenta años despues ha perdido frescura, en ese momento fue toda una revolución.

Y si os parece bien vamos a narrar algunas de esas técnicas que como hemos dicho al principio no es la primera vez que se hacía en el cine, pero si de una manera tan palpable.

Y el primer avance lo tenemos en la estructura del guión, veréis hasta ese momento los géneros eran ferreos en si mismo, si que es cierto que podían mezclarse en algún momento pero de una forma leve, pero es que en ciudadano Kane pasamos del terror, al drama, pasando por el romance y porsupuesto al falso documental, a veces es una película de investigación y otras es de como un personaje se hace a si mismo, esta mezcla de estilos llena toda la obra de principio a fin.

Por otro lado la no linealidad de la trama, la película a veces ocurre de forma lineal pero gran parte la pelicula son flashback que nos trasladan continuamente por el tiempo desordenando la historia, hecho tambien poco común.

Por otro lado tenemos la técnica, Orson Welles al no conocer el medio pedía cosas imposibles a los técnicos que debían de ingeniarselas para sacar adelante el plano, alguno de esto alardes técnicos serían el Enfoque profundo, un reto que consiguió sacar a delante Gregg Toland usa una lente de 24 mm. Debido al gran espacio del enfoque tuvieron que crear techos en los decorados que dió un aspecto único en algunos momentos del film.

El uso de contrapicados en plató, Welles necesitaba para su visión de la película crear planos desde el suelo para poder ver desde un contrapicado a su personaje de Kane, debido a lo aparatoso de las cámaras de cine del momento, necesitaron cavar un foso en el plató para poder meter la cámara.

Necesitaron de el uso de la truca para crear superposición de planos en revelado, la truca era un aparato que conseguia rodar una imagen sobre el celuloide como si rodamos una película de una película, de esa forma conseguía transiciones increibles teniendo dos proyecciones en pantalla de forma simultanea.

El uso de las retroproyecciones y algo que ahora nos puede parecer extraño pero que para mi es el pricipio de todo, los dialogo superpuestos, la rigided de los estudios de hollywood de los 30 usaban el sonido como algo sagrado, recordar que era un avance temprano en el tiempo y querían que todo se escuchara perfectamente, los dialogos tenían su tiempo no se pisaban y las conversaciones no se mezclaban unas con otras pero en Kane esto no es así, usa la trasposición de sonido de una forma magistral.

Veréis todos esos alardes técnicos ahora son de uso común pero os imagináis a ese estudiante de cine o a ese aficionado al séptimo arte de principio de los 40 ir a ver una película de cine y encontrarse con todo ese alarde de técnicas.

Cómo digo al principio quizá ahora con los ojos del nuevo milenio todo esto no tenga sentido y sólo quizá los muy aficionados al cine clásico se den cuenta de lo que supuso ciudadano Kane para el cine o mejor dicho para el arte.

Y no sólo por los adelantos que son importantes si no tambien por el resto del film, el encuadre, la puesta en escena la fotografía la interpretación el ritmo, todo en la película es inconmensurable y aquí no pueden entrar los gustos personales, como os decia al principio, la película te puede gustar o no, puedes disfrutarla o no pero su consideración como obra cumbre pionera y revolucionaria va mucho más allá de gustos, filias y fobias personales.

Y con este ultimo consejo que no es otro que ver la película, que os dejéis llevar por esa investigación de que es Rosewood os dejo, con un deseo que en este video cobra más sentido que nunca y que no es otro de que vivas el cine.

Superdetective en Hollywood 2

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, como sabéis los suscriptores al canal le estamos dedicando un ciclo a uno de los personajes míticos de los 80 como era el policía de Detroit Axel Foley, personaje interpreatado por uno de los cómicos del momento Eddie Murphy y dirigida por el director de moda como fue Tonny Scott y es que esta segunda parte de aquella película inicial dirigida por Martin Brest en 1984 volvía a la vida 3 años despues en este Superdetective en Hollywood 2.

Veréis en la década de los 80 el productor de la Paramount Don Simpson iba de éxito en éxito, todas sus películas eran un blockbuster en taquilla y sabía ver el exito cuando lo tenía delante y cuando su film Superdetective en Hollywood recaudó más de 300 millones de dólares sabía que tendría que realizar una segunda parte. Lo primero que hizo fue intentar atar a todo el elenco para esta segunda parte, Eddie Murphy estaba casi asegurado ya que estaba rodando con la Paramount el Chico de Oro, así como el elenco de secundarios, lo que con no contó fue con la negativa de dirigir la película por parte de Martin Brest interesado en continuar su carrera de cineasta alejado del policiá de Detroit que le dió fama. Por lo que necesitó buscar un director capaz de volver al exito cosechado en el 1984.

Y aquí voy hacer un alto en el camino para explicar como un director de publicidad británico pudo acceder a un film de franquicia de éxito. Veréis a finales de los setenta y principio de los 80 ocurrió en hollywood el desembarco de directores británicos de publicidad Allan Parker, Hugh Hudson, Adrian Line y por supuesto su hermano Ridley favorecieron a Tony que contaran con él para dirigir para la Metro Entrevista con el vampiro y aunque al final el proyecto se canceló, muchas de sus ideas recalaron en su siguiente film la película vampirica El Ansia con Bowie y Catherine Deneuve y aunque no fue un éxito ni de publico ni de crítica si que llamó la atención de Don Simpson que le fichó para dirigir un film para la por aquel entonces estrella emergente Tom Cruise en el film que se convertiría en todo un rompetaquillas Top Gun. 

Así que con la propuesta sobre la mesa de la mano del productor, Tonny aceptó el reto y se puso a dirigir la segunda parte de superdetective en Hollywood dos.

Y ahora si que ha llegado el momento de hablar un poco de la trama del film, ya sábeis que es una norma del canal no hacer espoiler de la película aunque sea un film tanpopular como este, pero creeme que no hace falta para animarte a ver este film.

La película vuelve a centrarse en el detective Axel Foley, el policía caradura de Detroit que consigue con fondos públicos vestir trajes de dosmil dólares y conducir un ferrari. Un día el jefe de polícia de los ángeles y amigo personal de Folley es tiroteado por un grupo de atracadores.

Folley no duda en saltarse las normas y acudir a los Ángeles a ayudar a los agentes Reinhold y Asthon en la búsqueda del responsable del tiroteo que ha dejado en el hospital al jefe de policiá Andrew Bogomil y hasta aquí te voy a contar, no necesitas saber nada más para poder disfrutar de esta película.

Y tras comentaros un poco de la trama para poneros en el hilo de la historia vamos a continuar con la reseña del film pero antes un breve parentesis para animaros a suscribiros al canal, Si te gusta el cine sea del género que sea, si te lo pasas bien con mis reseñas y te hago pasar un rato agradable en youtube, pues no lo dudes, dale al botón y a la campanita y así no te perderás ninguna de nuestras propuestas de cine.

Pues lo dicho, tras este breve parentesis vamos a continuar con la gestación de esta película que tiene mucho más que ofrecer.

Tras el fichaje de Scott el film mutó a una película de acción pura, por lo que Eddie Murphy tuvo que trabajar con los guinistas Ferguson y Skaaren para dotar de comedia la película y que se adaptara al papel del comediante del momento. Una cosa que hay que comentar es que el Eddie Murphy de esta segunda entrega no era el mismo que el de 1984, entonces era un comediante que despuntaba, ahora tres años despues de aquella película era una estrella de la comedia y esa fama se le subió a la cabeza con lo que ya tenía los problemas que arrastraría de prima donna, aún así Scott sabía que debía dejar a Murphy hacer lo que sabía ya que él completaba el film dandole un humor que por su parte Scott no podría llegar, ese tandem de acción por parte del director y comedia por parte del actor hace que esta segunda entrega no caiga en más de lo mismo aunque en el fondo así lo hera.

La forma de rodar, de gestionar la puesta en escena y la acción le dieron frescura a la película. Además se contó con un elenco de secundarios increible y es que a las viejas caras conocidas de Cox por cierto se tuvo que recortar por estar metido en el rodaje de Robocop los viejos colegas de Folley John Ashton y Judge Reinhold y a su compañero en detroit Paul Reiser se sumaban unos villanos incribles, los actores Ex Dune, Jurguen Prochnow y Dean Stockwell se le uniría un rostro mítico de los ochenta como era Brigitte Nielsen y ahora vamos un poco a un momento que se que os encanta que el de los chismes.

Veréis la Sra Nielsen tenía fama de devoradora de hombres desde su película de Red Sonja con Swachsenegger donde su romance fue público, tras eso empezó una historia de amor con Stalone que terminò con el divorcio de sus respectivos matrimonios para casarse en 1985 al conocerse en el rodaje de rocky 4, tras esa película rodó cobra con su esposo, recordar que el personaje de Marion Cobreti nace de Axel Foley como os comentamos en la anterior reseña y que aquí lo dejan patente poniendo los poster de la película de Silvester Stalone en la casa de Rosewood y esto hubiera terminado como un pequeño chiste interno si no fuera por los romances que ocurrieron durante el rodaje, primero con Eddie Murphy y despues con Tony Scott que por cierto terminó con el matrimonio del director y tras las noticias que le llegaron al bueno de Silvester, tambien con el divorcio de los actores y quedó para siempre esa imagen de los poster de stalone como testigo involutario de la infidelidad de su por aquel entonces mujer.

Pero más allá de los chismes el físico imponente de la actriz y modelo danesa crea una villana mítica del cine de los 80, su actución es creible y apesar de compartir pantalla con autenticos maestros de la interpretación como era el alemán Prochnow y no desmerece ni un solo momento su trabajo actoral y es que Nielen no era tan mala actriz como la tachaban en su momento cuando la taquilla no la acompañaba.

Al final el film volvió a ser otro éxito en la taquilla mundial, llegando a los 300 millones de dólares de la época con lo que ya sabíamos que más tarde o temprano tendríamos una nueva entrega de Axel Folley en la que será el final de la trilogía con la reseña que nos espera en un par de días con Superdetective en Hollywood 3.

Y bueno cierto es que esta segunda entrega no da nada nuevo ni al cine ni al género, pero disfrutar del humor ochentero y lo comento por que en muchos momentos tendremos que contextualizar dichos chistes a una época en la que hoy no se tolerarían determinadas cosas y sobre todo por una visión única de la acción de su director Tonny Scott son una delicia divertirse con este film que no es una obra maestra del séptimo arte pero es honesta con sigo misma dando lo que promete, acción, humor y diversión de principio a fin sin que la trama sencilla y directa juegue en su contra.

Así que con este sincero consejo de cine de entretenimiento, que bebe directamente de su primera parte y aún así sigue funcionando voy a despedirme, no sin antes pedirte un like si crees que nos lo hemos merecido pero me lo regales o no tengo dos deseos para ti. el primero que seas inmensamente feliz y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el CINE

Superdetective en Hollywood 1984

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis ¿os podéis imaginar un personaje que aunara a dos directores tan diferentes como eran Tony Scott y John Landis? ¿podéis poner rostro a un policiá memorable de los 80 que fuera germen de otro no menos conocido de aquella época?.

Pues sí, ese personaje es Axel Folley o lo que es lo mismo el protagonista de la reseña que vamos a narrar hoy que no es otra que Superdetective en Hollywood  como se llamó en España o Un detective anda suelto en Hollywood titulado así en Hispanoamerica y que fue rodada por Martin Brest en 1984.

El germen de esta película nace al final de los años 70 y se lo debemos al productor de la Paramount Don Simpson, el se imaginó la historia de un detective de la costa del medio oeste que se desplaza a Hollywood a investigar un homicidio y esta premisa se la pasó a su amigo el guionista Danilo Bach para que escribiera un tratamiento del futuro guión cinematografico.

Tras dejarlo apartado Simpson se centró en otro proyecto Flashdance y aunque la preproducción de la película del policiá de detroit en Hollywood avanzaba, no fue hasta que el film sobre la huerfana que quiere ser bailarina arrasara en la taquilla mundial y Flashdance se convirtiera en el éxito absoluto que fue y fue entonces cuando con un presupuesto que superó los 13 millones de dólares se dio el pistoletazo de salida a aquella obra y ahora para poder continuar con la reseña, ¿Que os parece que os cuente un poco de que va? ya sé que es un clásico de los 80 y muchos de vosotros ya han visto el film, pero por respeto a la gente joven que llega a este tipo de películas, voy a tener mucho cuidado en no hacer ningún tipo de spoiler como es costumbre en el canal.

Axel Folley es un policia de detroit, una ciudad marcada por la industria del automovil que ya empezaba a tamabalearse y por los altos indices de delicuencia.

 un día mientras recibe la visita de un viejo amigo, este es ejecutado por unos asesinos profesionales, Folley decide comenzar una investigación por su cuenta a pesar de que su jefe se lo prohibe taxativamente pero aprovechando su periodo de vacaciones parte a Hollywood a intentar esclarecer lo ocurrido y dar con el responsable de su asesinato. Pronto su actitud le llevará a tener problemas con el cuerpo de policiá de los Angeles y hasta aquí os voy a contar el resto de la trama tienes que disfrutarla tu.

Y cuando digo disfrutarla es por que creeme cuando te digo que vas a estar con una media sonrisa todo el film.

Bueno y con la trama y la sinopsis hecha vamos a seguir con la narración de la producción de esta película por que es simplemente mítica. 

Con el borrador hecho, se empezó a buscar un actor que diera rostro a Axel y el primero en ser contratado por casi medio millón de dólares fue Micke Rourke, el caso es que no avanzava la producción por estar centrado el productor con Flashdance y Rourke rescindió el contrato para embarcarse en el film de Cimino Manhatan Sur. Es entonces cuando buscaron a rostros diferentes y uno de ellos era Richard Pryor, para que el comediante aceptara plagaron la historia de humor y aunque al final no ficho por la película si que el nuevo guión de Daniel Petri que mezclaba comedia y acción a partes iguales le conquisto el alma a Don Simpson. Por lo que cuando Silvester Stallone fue contratado como Axel, este empezó a quitar todo el humor para dejarlo en una película de acción pura, cosa que al productor no le gustó en absoluto, Stallone había cambiado el apellido a Folley por Cobreti y cuando fue despedido Stallones con las ideas recogidas en la producción de superdetective en Hollywood realizó el film mítico de los ochenta Cobra.

Tras entender Simpson que la mejor opción habría sido Pryor decidio apostar por su heredero que no era otro que Eddie Murphy, Murphy se hizo famoso a principio de los 80 en Saturday Night Live y ya había demostrado que podría hacerse con el papel al haber rodado dos comedias maravillosas, límite 48 horas y Entre pillos anda el juego, siendo esta película su tercera incursión en el largometraje.

Con el protagonista fichado y con este colaborando con los escritores para adaptar su humor a la película empezaron a buscar un director de renombre, el problema era que los perfiles buscados no encajaban en estas obras ligeras, veréis aunque pueda parecer mentira las dos opciones que tenían eran Martin Scorssese y David Cronenberg, que cómo podéis sospechar denegaron la oferta por no encajar la tematica con ellos y fue entonces cuando Simpson hizo una apuesta arriesgada que no fue otra que la del fichaje de Martin Brett, Bret venía de realizar dos largometrajes interesantes, Hot Towmorrows y sobretodo Un golpe con estilo. Por cierto si no te suena el nombre del director no te fustigues, verás tras esta película realizó tres films bastante interesantes como fueron Huida a media noche con Charles Grodin y Robert de Niro, Esencia de mujer con Al pacino y por la que estuvo nominado al Oscar como mejor director y ¿Conoces a Joe Black? con brath Pit y Anthony Hopkins. Pero tras esa película rodó un film con Ben Affleck y Jennifer lopez titulada Gigly y que en españa se tituló UNa relación peligrosa del 2003 que fue uno de los mayores desastres en taquilla del momento y que enterró la carrera del director por siempre ya que no volvió a trabajar.

Pero en esta película Brest muestra un pulso narrativo audaz y dinamico, con escenas de acción maravillosas y poniendo siempre la cámara en el sitio justo.

El film se enriquecía gracias al trabajo actoras de un grupo de secundarios en el que podemos destacar Jude Reinhold que vuelve hacer un papel de policía mojigato que le viene estupendamente, John Ashton que hace el papel de rudo sargento de policía, Johnathan Banks que los fans de Breaking Bad pondrán cara y para mi uno de esos personajes que aparece un segundo pero que roba la escena por la maravillosa interpretación que hizo Bronson Pinchot que era su segundo papel en un film tras risky bisness y que aprobechó cada linea de guión para ganarse un puesto en una industria tan competitiva como era la de actor de comedia en Hollywood.

Y bueno antes de comentaros que me parece a mi esta película germen de una trilogía que vamos a reseñar, ya os lo dejo avisado. quiero hacerte una petición y esta no es otra de que te suscribas si es que aún no lo has hecho, verás te gustan mis vídeos, ¿quieres conocer películas de todos los generos y épocas pero de gran calidad?¿Te gusta saber todos los entresijos de la historia de las películas? o ¿Simplemente disfrutar de un rato en Youtube recibiendo consejos de cine para ver ese día que no tienes nada en la televisión? Pues dale al botón y la campanita ya que este canal es para ti.

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Pues lo dicho. Veréis estas películas de los ochenta buscan el entretenimiento puro, no son obras con dobles lecturas ni giros de guión de esos que te quedas asombrado, aquí todo es sencillo, la dirección de la trama va en un solo sentido y sabes desde el principio como va a terminar, pero son honestas como pocas, films para pasar el rato en cualquier momento, obras simpaticas y divertidas que no buscan ni quieren el peso de la critica sesuda ni mucho menos pero que oxigenan como pocas una tarde de cine.

Pero que sean sencillas y directas no es sinonimo de que sean obras filmicas menores, por que no, la película mantiene la esencia de un thriller y en cierta forma una formalidad propia en las películas policiales, las interpretaciones serias y los aspectos técnicos de primer nivel, por lo que disfrutaremos de una fotografía preciosa de la mano de Bruce Surtees si el mismo que realizó la fotografía de Harry el sucio y la música original realizada por el alemán Harold Faltermeyer el mmismo autor que la sintonia de Top Gun.

Estos aspectos cuidadisimos dan un buen ejemplo de la manufactura cuidada que tiene la película por lo que no caigamos en el error de quitarnosla como si fuera un telefilm de media tarde.

Pues lo dicho, con esos mimbres no es de extrañar que en la taquilla mundial arrasara con más de 300 millones de la época y que creara una franquicia de la que nos vamos a encargar en las siguientes reseñas del canal, asi que no te la pierdas por que en un par de días tienes esta obra para ti, pero para poder empezar con ella, antes tengo que terminar con este video y no lo puedo hacer si no te deseo dos cosas antes, la primera que seas inmensamente feliz y la segunda como no puede ser de otra forma que vivas el cine

El león en invierno

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, quiero que penséis una cosa antes de empezar con la reseña, ¿os imagináis ser un profesional del cine y que de repente decidas meterte en la dirección y consigas con tus dos primeras películas un permio a mejor actriz en la mostra de Venecia y con la segunda película 3 oscar de Hollywood y 7 nominaciones? Pues aunque pueda parecer mentira eso es lo que le ocurrió al director de esta película que vamos a reseñar hoy y es que el problema si se puede llamar así de tocar el cielo con las manos con tus dos primeros filmes, es que repetir éxito es muy complicado y eso fue lo que ocurrió, que aunque logró una filmografía bastante correcta el resto de su trayectoria como cineasta no llegó jamás a las cotas tan altas conseguidas con sus primeras obras y es que es dificilisimo conseguir una obra maestra del cine y más con tu opera prima en los largometrajes que es lo que realizó en 1968 Anthony Harvey con este film que vamos a reseñar a continuación titulado El león en invierno.

Veréis para poder empezar con la reseña de esta maravillosa e inconmensurable película tenemos que hablar un poco de su director.

Anthony Harvey fue un joven actor de cine que pronto decidió dejar de actuar delante de las cámaras para ponerse tras el puesto de montador, comenzó en estas lides en 1956 y llegó a la cima en 1962 montando para Stanley Kubrik Lolita, al que siguió Dr. Strangelove o como se tituló en español telefono rojo volamos hacia moscú para terminar la terna con la obra cumbre del cine de espionaje El espia que surgió del frio de Martín Ritt.

El caso es que tras los éxitos cosechados en la mesa de montaje decidió embarcarse en la dificil tarea de la dirección con un mediometraje de 55 minutos titulado Dutchman, la película que se metía de lleno en el conflicto racial que se vivían en los años 60 y que consiguió alzarse con un premio a la mejor interpretación femenina en la mostra de venecia. hizo que se interesara por el director, Peter O´toole ya que tenía contrato con la productora y distribuidora Avco Embassy, puede ser que ahora haya caído en el olvido dicha productora cinematográfica pero en aquellos entonces era la más potente dentro del circuito independiente de cine norteamericano responsble de entre otras muchas películas de Zulu de 1964, Los Productores del 67 o el graduado del mismo año y estos éxitos comerciales hicieron contar para su siguiente producción con una de la pareja de actores más memorable de la época y por que no decirlo de la historia el propio O´toole y Kathering Hepburn que estaban preparando El león en invierno.

Tras la propuesta de O´toole a los productores, estos sorprendentemente aceptaron dejar el film en untotal desconocido, pero su mediometraje Duchman y sobretodo su carrera como montador permitieron a Anthony Harvey dirigir esta película que no me duelen prendas en catalogarla como obra maestra del cine.

Y ahora que os parece si os hablo un poco de la trama, aunque quizá mejor que nos remontemos un poco a la figura historica de Enrique segundo y Eleanor de aquitania, excluyendo obviamente lo que ya nos cuenta la película y sin ningún tipo de spoiler.

Veréis el matrimonio de Ricardo y Eleanor tuvieron 3 hijas y 5 hijos varones, el mayor y primogenito Guillermo murió con apenas 2 años de edad, los otros 4 si que consiguieron crecer y se vieron envueltos en varias revueltas, Enrique el Joven alentado por su madre y por su hermano menor Geofry se levantó en armas contra su propio padre acabando muerto, Geofry defenestrado y Eleanor de Aquitania encerrada.

Enrique segundo decide que su hijo menor lo tutelará y criaría él para evitar más revueltas entre sus vástagos y sería el joven John el heredero de su imperio y para hacerlo público en la vispera de navidad de 1183 crearía una cena donde se reunirían sus dos hijos mayores Ricardo y Geofry, a demás del futuro heredero John y sacaría a su madre de prisión para que acudiera a la noticia.

junto a ellos el rey Felipe de francia al que había prometido que su medio hermana se casaría con el futuro rey aunque es la actual amante del rey y es aqui donde comienza la película.

Poco se puede contar de la trama sabiendo los antecedentes historicos ya que al final todo orbita en la noticia del salto en el trono de los dos hijos mayores al hermano menor y con una esposa que se ha convertido en su mayor enemigo.

La película es perfecta, si vamos a los apartados técnicos la fotografía de Douglas Slocombe es un ejemplo de como se ha de fotografiar el interior de un castillo, castillo que se amueblo con la pobreza propia de los adornos de la época y que junto con el formato de Panavisión dan esa épica necesaria en este tipo de films.

La música de John Barry es simplemente perfecta de hecho es que se llevó la estatuilla del oscar de Hollywood.

El guión esrito por una leyenda como era James Goldman, el mismo autor de la obra teatral en la que se basa.

Por otro lado el trabajo del director es sorprendente, recordar que era su opera prima y aunque hay algunos momentos atropellados, quitando ese minimo error el resto de la película tiene un trabajo de dirección sorprendentemente bueno, pero si esta obra será recordada por su elenco, donde se estrenaban en la gran pantalla Niguel Terry que sería conocido posteriormente como el Arturo de la película Excalibur de Boorman, Timothy Dalton que sería Bond en dos de las películas de  007 de los ochenta y Anthony Hopkins que se extrenaba en el cine tras varios trabajos televisivos.

Pero ahora voy hacer una pausa, por que si hablamos de la dupla protagonista esta es para quitarse el sombrero. el terror en los rodajes, el gran Peter O´toole y la que se conviertió en el terror de O´toole la enorme titan del cine Katherin Hepburn, para que os hagáis una idea O´toole de vida más bien desviada en cuanto el trato con el alcohol tenía en el momento del rodaje 36 años y Katherin Hepburn 61 parece que sean un matrimonio y no madre he hijo como marcaba la edad real y es que el alcoholismo del actor le envejecía tanto hasta el punto de no necesitar maquillaje.

El caso es que la fama de Otole le precedía y Hepburn le pidió puntualidad en el rodaje aunque para ellos retrasaran la entrada varias horas, con el tiempo O´toole dijo de Heoburn que trabajar con ella fue lo más duro de su carrera pero como de una relación masoquista le encantaba y Kathelinh le dijo a él que ella jamás rodaba con niños y animales pero que el era las dos cosas.

Aunque este duelo tras la pantalla creo unos lazos tan fuertes entre ambos que a su hija Otoole la llamo Kath por la gran Hepburn.

Ellos crean un duelo en pantalla fantástico, se aman y se odian, cada uno representa la mejor parte del otro pero que luchan por destruirse dos enemigos intimos que no saben quererse sin odiarse y esta curiosa y extraña historia de amor llena la pantalla de tal manera que ambos estuvieron nominados al Oscar aunque quien se llevó el gato al agua sería ella ganando el que era su tercer oscar en este caso Exaequo con Barbará Streisand.

la película es descomunal en todos los aspectos, entretenida y compleja, lleno de traiciones e intrigas entre todos los miembros de la familia, con unos secundarios que no son otros que ricardo corazón de leon y su hermano Juan sin tierra, si los mismo regentes de la historia de robin Hood y es que ver este film naturalista como pocos es toda una lección de historia de un tiempo donde se estaba creando la gran bretaña y una edad de revueltas y guerras constantes.

Y ahora antes de deciros cual fue el resultado en taquilla del film dejenme que les recuerde que este canal vive gracias a vosotros los suscriptores esos que nos ayudan a seguir trabajando en esto de las reseñas de cine clasico e independiente, donde damos a conocer o a recordar depende del caso películas tan memorables como esta joya titulada El leon en invierno y para ello te pido que te suscribas, somo ya muchos los que pertenecemos a este club pero quizá nos faltas tu, así que dale al botón y a la campanita y disfruta de dos reseñas semanales.

Pues terminado este breve parentesis decir que la película rodada en exteriores reales y con una producción de más de 4 millones de dólares de la época, arrasó en la taquilla, aunó la critica y el publico y se alzó como una de las películas no solo del momento si no de la historia del cine y es que si. este film premiado con 3 oscar de Hollywood de los más importantes ha pasado a la historia del cine como una de esas delicadas joyas que dió la producción independiente en los EE.UU.

Un film que si no lo conoces, tienes que poner remedio en el acto y si ya la has visto seguro que me darás la razón en cuanto a la grandeza del film que es la mejor de su director y una de las mejores películas de todo su reparto.

Y ya me voy a marchar, no sin antes pedirte un like si te ha gustado el vídeo, si crees que puede interesarle a alguien compartelo en redes sociales y para continuar con la siguiente reseña antes tengo que terminar esta y no lo puedo hacer sin desearte dos cosas, la primera que seas unmensamente feliz o luches por ello y la segunda como no puede ser de otra forma que vivas el cine

UN CEREBRO DE UN BILLÓN DE DÓLARES

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, veréis con este film que se llamó El cerebro de un billón de dólares fue con el que se cerró la trilogía de Harry Palmer de los sesenta un cierre del ciclo sobre el agente de inteligencia descreido y burocrata que le dió el contrapunto al agente 007 en el momento que más fama tenía James Bond y es que no estamos hablando de otra película que ni más ni menos de El cerebro de un billón de dólares dirigida en 1967 por Ken Rusell.

Veréis el productor de cine Harry Salzman que ya se había hecho con los derechos de las dos anteriores novelas de Len Deighton compró los derechos de explotación cinematografica de la siguiente novela del escritor antes incluso de ser escrita con la finalidad de aprovecharse de la exclusividad frente a la obra literaria, además había firmado un contrato con Caine que le ataba a realizar dos films más de Harry Palmer creando así una pentalogía del agente y por si todo esto era poco Caine que por aquel entonces tenía amistad con el director de telefilmes Ken Rusell, un autor que tenía desde aquel entonces aura de cineasta importante a pesar de que sólo tenía un largometraje cinematografíco y este no dió los resultados deseados, pidió a Salzman que fuera el director de esta nueva entrega a lo que Salzman aceptó y empezó así la producción de este fantástico film. Que tenía en un principio todas las papeletas para triunfar... aunque ya veremos que tras la fachada ferrea de exito asegurado se escondían unos pies de barro, pero bueno de ese aspecto entraremos despues. Ya que ahora para poder continuar con la reseña, que os parece que os cuente un poco de que va el film, cual es la trama en la que se mete nuestro querido agente del MI6

Pues veréis Harry Palmer ha dejado el servicio de inteligencia y malvive como detective privado, un día su antiguo jefe el coronel Ross le pide que vuelva al MI 6 prometiendole el adelanto que le denegaron, Palmer que no está muy por la labor se niega a colaborar con su antiguo jefe, lo que hace que este abandone el despacho pero no de muy buenas maneras.

cuando el Coronel Ross abandona a Palmer, éste recibe la llamada de un extraño cliente que responde a traves de el audio de una computadora en un encargo remunerado aparentemente sencillo, ese nuevo trabajo para el detective privado le envía a Helsinky con un extraño termo que contine 6 huevos, éste tiene que ser entregado en mano a un cientifico, pero cuando llega al lugar convenido se extraña al ver que acude a la entrega Anya que dice ser la ayudante del doctor, ante la suspicacia del ex espía decide no entregarselo a ella si no al cientifico en persona con lo que acuden ambos donde en teoría está el doctor, pero en cambio la sorpresa es mayuscula al encontrar allí en  la casa de Leo Newbigen un ex agente de inteligencia norteamericana y antiguo amigo de Palmer, que le ofrece un contrato más lucrativo si trabaja para él

Así que nuestro amigo Harry  se verá inmiscuido en un plan cruzado de traiciones y recelos se mezclaran en un plan donde el cerebro y principal ideologo es una computadora de más de un billón de dólares y hasta aquí te voy a contar, el restro tendrás que disfrutarlo tu.

Bueno con la trama planteada vamos a contaros más de esta divertidisima película, pero que es mil veces inferior a las dos entregas anteriores, esto se debe a varios factores que trabajaron en su contra, el primer es que el escritor Len Deighton se estaba acercando cada vez más al personaje del que en un principio quería huir y en vez de resultar un contrapunto a James Bond, esta historia perfectamente podría interpretarla el agente 007, el film está lleno de clichés, el villano es un millonario loco con un supercomputador y una base secreta, o lo que es lo mismo un este film abandona en naturalismo de las tramas anteriores para entrar de puntillas a lo fantástico de las obras de Ian Fleming. 

Este añadido por parte del autor no le sienta nada bien a nuestro díscolo agente de gafas de concha y hace ser una de las mil adaptaciones que por aquel entonces se hacían del éxito de Bond, pero no todos los problemas del film vienen de la mano de su base literaria si no que otro factor que jugó en su contra fue el propio director. Veréis Ken Rusell era un director de telefilms con un cierto prestigio en la industria y buscaba financiación para hacer su película, una obra sobre el que es quizá el mejor bailarin clásico de todos los tiempos, el gran Nijinsky, el caso es que cuando habó con el productor Saltzman, este le prometió financiar su película si antes rodaba este film de espias interpretado por su amigo Caine.

El caso es que Caine,  propuso al director por que su visión artistica, más dramatica y centrada en los sentimientos, podrían elevar la profundidad del agente Palmer creando así un nuevo hilo coductor del personaje para ser interpretado en sucesivas ocasiones, hay que recordar que Caine estaba atado por contrato a encarnar al personaje en dos films más, pero lejos de eso, se encontró a un director con desgana por el proyecto, en el que a veces se quita de enmedio los planos y otras cuando quiere imprimirle su sello personal, sobretodo en los momentos romanticos le quedan tan edulcorados como un anuncio de desodorante y es que se nota que Russel no era el director propicio, de hecho es que al final fue el propio Caine el que asumio su mea culpa al haber sido él el que propuso al director.

Pero no quiero asustaros y que penseis que el film es un desastre total, ni mucho menos, veréis al final esta película pierde la fortaleza de sus dos predecesoras Ipcrees y Funeral en Berlín, pero es que claro, estas dos películas son para mi dos obras maestras del cine de espias y que un film no esté a su altura no significa que sea malo, esta tercera entrega es entretenida a veces tiene algún acierto pero sin ser mucho lo que hay que decir en justicia es que no tiene ningún desastre, al final quedó un producto resultón, comercial y que no desentona dentro de la fantasia de espías que era la saga de James Bond, pero como he dicho antes, queda muy lejos de las dos obras cumbres anteriores de Harry Palmer y de hecho es que la United Artist que actuaba como distribuidora del film, quedó satisfecha con el resultado en pantalla del film y le ofreció un contrato a Rusell, pero si el resultado del film no era malo lo que si que lo fue, fue la taquilla de la película que sin ser un absoluto desastre si que enterró al agente Palmer y se cancelaron todos los proyectos de seguir llevando al espia a la gran pantalla con lo que tambien se rompió el contrato que ataba a Caine a interpretarlo.

Y hay que ser justos, si este film se salva del naufragio no es por su director que no sabe en ningún momento que hacer con un Thriller y se le ve incomodo toda la cinta como hemos comentado antes, no si la película se salva del naufragio es por sus actores, ellos si que están descomunales en esta estrega de Harry Palmer, Caine venía de estar nominado al Oscar por Alfie y ya se había destapado como la flgurante estrella de la interpretación que es, que decir de Karl Maden uno de los actores que mejor han interpretado este tipo de papeles de policia o de detective, un rostro que daba gloria a cualquier producción que se hiciera en su momento, Oscar Omolka que volvía a repetir el papel que interpretó en funeral en Berlín y que volvía a estar sobervio, Ed Begley que crea a un villano histrionico y creible a partes iguales y por último a la bellisima y portentosa actriz Fracsua Dloreak que no puede estar más arrebatadora en este su último film, veréis esta actriz miembro de una de la familia de actrices más destacadas de los 60 ya que su hermana pequeña no es otra que la grandísima Catherine Deneuve, tuvo la mala suerte que en el descanso de la producción cuando ya terminó su trabajo en la película se marchó a Niza donde murió debido a un accidente de trafico espantoso, la muchacha que por aquel entonces solo contaba con 25 años tenía una de las carreras cinematograficas más prometedoras del panorama internacional que se vió truncado por tan luctuoso acontecimiento.

El caso es que este es el último film de la actriz donde podemos disfrutar de su verdad ante la cámara en un papel que le venía que ni pintado el de Femme Fatale.

Y bueno, con este último y triste dato voy a ir dando por terminada esta reseña y aunque no es la mejor de su personaje el Agente Palmer si que aún conserva la gloria de aquellas antiguas películas de espias de los sesenta con lo que verla es toda una delicia hoy en día, un film entretenido como pocos que su desastre en la dirección supuso el primer cierre de Caine interpretando al agente Palmer y que hay que decir que lo rescataría casi 30 años despues en dos telefilmes de los noventa, el Expreso de Pekin y Medianoche en Sanpetersburgo, pero bueno esa segunda etapa del agente del MI6 la dejaremos para fututos ciclos y ahora antes de despedirme quiero preguntarte si te ha gustado la reseña de este film y el ciclo de Palmer, si es así por favor que no se te olvide darle like al vídeo y segundo, ¿Aún no estas suscrito? pues no esperes más y dale al botón y a la campanita y así podras disfrutar de películas tan miticas como esta saga de Harry Palmer que si no la conocias seguro que te va a encantar y por último crees que este vídeo le puede interesar a alguien pues compartelo en tus redes sociales.

Y nada más, voy a despedirme de todos vosotros con dos deseos, el primero es que intentes ser inmensamente feliz o luches por ello y segundo y no menos importante que vivas el cine

FUNERAL EN BERLIN

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis en la reseña anterior comenzamos un ciclo sobre este contrapunto del Agente 007 un personaje coetaneo a la edad dorada de Bond que le ponía ante un espejo y es que si nuestro archiconocido Bond, James Bond pasará a la historia por sus smokins impecables, bailes en la embajada y su pistola Walther modelo PPK, nuestro querido Harry Palmer pasará a ser conocido por sus gafas de pasta negra y su estilo desenfadado al vestir y es que no pueden ser dos agentes secretos más diferentes y que sinceramente tengo predilección por este perdedor que necesita un adelanto mensual para poder comprarse un coche y aunque careció del tirón popular del personaje al que le daban la réplica si que consiguió tener tres maravillosas películas casi seguidas que son conocidas como la trilogía de Palmer de los sesenta y este funeral en Berlín es la segunda de ellas.

En esta película que vuelve a adaptar una novela del maravilloso Len Deighton y que conserva el nombre de su base literaria ahonda más en el personaje descreido y anarquico de Harry Palmer, un hombre al que no le gusta su oficio pero que no sabe hacer otra cosa, una persona que cuando trabaja le gustaría estar en otro lugar como a cada hijo de vecino y que aunque tiene licencia para matar como nuestro querido Bond, Palmer no se siente cómodo disparando contra otra persona.

Esta nueva visión del agente secreto en un film de aventuras siempre me gustó, un hombre al que le gustaría ser más común y que no busca más que hacer su trabajo lo mejor y lo más rápido posible, un agente al que encargar cosas facilitas ya que siempre va a poner quejas al ser enviado a una misión y ahora que ya hemos realizado un retrato del personaje que os parece si contamos un poco sobre la trama, ya sabéis los más veteranos del canal que sin spoiler de ningún tipo para que podráis disfrutar de la película sorprendiendoos de cada giro argumental que tiene por que creanme que esta película está plagada de sorpresas.

Pero antes un breve parentésis. ¿Te gustan las películas clásicas y los films independientes, quieres saber más de la historia del cine y de los actores y realizadores que han hecho posible este arte?. Pues si no estás suscrito por que no lo haces, dale al botón y a la campanita y nosotros por nuestra parte os aconsejaremos todas las semanas dos  reseñas de películas de calidad, a veces más conocidas y otras como el caso que nos ocupa hoy más olvidadas por el tiempo.

Veréis Harry Palmer recibe el encargo por parte de su jefe el Cornoel Ross de una misión en la alemania Oriental, ahora quiero hacer un breve inciso en la explicación de la trama para que los más jovenes conozcan lo sucedido de las dos alemanias. Cuando el ejercito de Hitler perdió la guerra los aliados segmentaron Alemania en cuatro zonas, la Oriental bajo mandato de la URSS, la Occidental dividida entre EE.UU. Gran Bretaña y Francia.

Esta disgregación del territorio se creo para que en el futuro alemania no volviera a levantarse en armas contra los vencedores, aunque pasados dos años Los Estadounidenses y Británicos ante la cantiddad de recursos economicos que consumía el mantener el control de cada una de sus zonas, propusieron a Francia reunificar la parte occidental en una sola región ya que se econimizaría en recursos tanto militares como económicos.  Los franceses recelaron de la propuesta, pero al final admitiron la reunificación y se creo así la Republica Federal Alemana o Alemania Occidental, mientras tanto los Sovieticos crearon la otra alemania la socialista llamada Republica Democratica Alemana o Alemania Oriental.

Tras la segunda guerra mundial la lucha entre ejes de poder, dió como resultado la guerra fría una especie de lucha en la sombra para conseguir que más paises se unieran a uno u otro bando y así ganar preponderancia sobre el otro, mientras que la política sovietica fomentaba las revoluciones sobretodo en centroamerica, sudamerica y africa, el eje occidental encabezado por estados unidos fomentó la creación de las contraguerrillas, creandose un conflicto armado sin que los ejercitos de las potencias en ciernes actuaran directamente pero si los cuerpos de inteligencia y espionaje de ambas potencias, Europa que ya estaba dividida entre paises Sovieticos y Occidentales tenía como nexo de unión entre ambos Berlín que era la puerta de uno y otro lado, al final para crear una frontera física entre ambos ejes se creo el muro de berlín y el único aceso permitido fue el famosisimo Checkpoint Charlie.

Pues bien continuando con la reseña, El coronel Ross pide a Palmer que entre de incognito en la alemania oriental y se ponga en contacto con el coronel ruso Stok ya que al parecer quiere desertar y cruzar la frontera hacia occidente. La misión sencilla a más no poder se la encargan a uno de sus ajentes menos involucrados como es Harry Palmer, este con desgana y desidia viaja a la Alemania Occidental donde un enlace Johnny Vulkan le facilitará la entrada a la Republica democratica alemana.

El caso es que una vez reunido y entrevistado con el coronel Stok algo le lleva a sospechar que no es del todo sincero con lo que alargará su estancia para ver la sinceridad del militar sovietico y hasta aquí te voy a contar el resto de la película es una maravillosa joya de traiciones, romances imposibles y trabajo de espionaje.

La película es una joya, como digo al principio no es un film serio sobre política y agencias de inteligencia del tipo el Espía que rugió del frio por ejemplo, aquí asistimos a un film de aventuras muy similar a las películas del agente 007 o de su precursor en el cine O.S.S. 117 basado en el espía creado por Jean Bruce y que tiene su primera versión cinematogra en 1957 cinco años antes del rodaje de la primera película de Bond, por cierto un día tengo que enfrentar a ambos agentes secretos en una reseña ya que se copiaron mutuamente durante la decada de los 60 y puede ser bastante interesante.

Pues lo dicho, este film aunque con el trasfondo politico real y con acontecimientos probables es una obra de ficción escrita por un autor de ficción y dirigida por Guy Hamilton que venía de rodar Goldfinguer con el otro espía del momento, Hamiltón da un aspecto más sobrio tras la cámara y menos estilista que su antecesor Sidney J Furie con Ipcress, aunque mantiene en algunos momentos sobretodo en el despacho de Ross el contrapicado mítico a forma de homenaje a la primera entrega de Palmer pero despues todo ese alarde de puestas en escena desaparece para dar importancia a la trama y creando así una de las mejores películas de espías que es para mi la mejor de la trilogía aunque no tuviera tanto respaldo en taquilla como IPCRESS.

La película bajo la batuta de Hamiltón crece, te tiene en tensión y hace que te pierdas y te encuentres en una historia compleja como pocas pero que sabe el director mantener el hilo argumental para que todos los espectadores al final de la cinta sepan lo que ha ocurrido, algo que realiza con maestría el director, junto e él el trabajo de direcciónde foto recayó sobre otro gran artesano del cine Otto Heller y con una música que simplente es mítica escrita por Konrad Elfers.

El trabajo actoral de Caine es como se puede intuir magnifico al igual que el de su compañera de reparto la bellísima actriz alemana Eva Renzi, pero en este punto me quiero detener un momento, Renzi no fue la primera opción para el film si no que la primera actriz en interpretar a Samantha fue Anjanette Comer y de hecho se rodaron varias escenas con la actriz hasta que el productor Charles D. Kasser viera el trabajo en That Woman de will Tremper donde Eva Renzi está espectacular y la contrató para que sustituyera a Comer. Guy Hamilton admitió el cambio y rodó de nuevo todas las escenas donde aparecía Anjannete Comer, el problema vino con la actitud de la actriz, esta fue bastante problematica en el set de rodaje, sus continuos enfrentamientos con el director al que le achacaba que no estaba a la altura de la película llevó a crear una incomodidad no solo entre Guy Hamilton y ella si no tambien con el resto del elenco incluido Michael Caine. A pesar de la actitud de la actriz, esta fenomenal en la cinta con lo que llevó a la Paramount que actuava como distribuidora del film a crearla un contrato en exclusiva, contrato que la actriz malogró con su controvertida actitud y aunque ella renegó de este film siempre hay que decir que fue su actitud la que la cerro las puertas de las grandes producciónes, aun así pudo gestarse una trayectoria mediana en francia e italia.

Como hemos comentado antes, el film tuvo una repercusión menor que su antecesora Ipcrees pero aún así dio suficientes dividendos como para rodar una tercera entrega titulada El cerebro de un billón de dólares en 1967 con lo que se cerraría la trilogía de Palmer de aquella década y que por supuesto será el film que nos acompañe en un par de días, pero para empezar con esa reseña y consejo de cine tenemos que terminar esta y no puedo acabarla sin antes desearos dos cosas, la primer que seais inmensamente felices o que lucheis por ello y la segunda como no puede ser de otra forma que vivas el cine

IPCRESS

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis la reseña pasada hablamos de esos directores irregulares capaces de realizar obras maestras y peliculas mediocres en una carrera cinematografica, pero si hay un director mitico en este aspecto que se lleva la palma, es Sidney J. Furie y esque si os dijera que es el director de la saga Aguilas de acero y el responsable de enterrar la franquicia del superman de reeves con Superman 4 de 1987, podrías preguntarte y no sin razón, ¿Que pinta en un canal de consejos de cine de gran calidad? 

Y es que curiosamente es el responsable de dos obras míticas del cine de género, una y quizá la más conocida es El Ente que podemos enmarcarla dentro de los films de terror paranormal de posesiones y que por cierto tendré que reseñarla más pronto que tarde y otra por la reseña que nos ocupa hoy Ipcress un film de espías que fue el principio de una saga memorable que hoy en día es uno de los films britanicos más icónicos pero que curiosamente ha sido enterrada por el tiempo no llegando a las nuevas generaciones, pero como una de las funciónes principales del canal es revivir esas obras memorables del cine y quitarles la patina de polvo que crea el olvido, hoy tengo el placer de reseñar esta joya del cine de espias titulado Ipcress y rodado por Sidney J Furie en 1965.

Veréis si en el cine britanico de los 60 tuviera un nombre, ese sería el de James Bond, desde 1962 hasta 1965 se estrenaron con inmenso éxito 4 peliculas del Agente 007 o lo que es lo mismo un film por año, 007 contra el dr No, Desde Rusia con amor, Goldfinger y operación Trueno y uno de los escritores de los guinoes de aquel agente en Desde Rusia con Amor era Len Deigton, el problema es que fue despedido tras dos meses al no ver avances en la producción y es aquí donde me quiero detener, en el escritor británico Den Leighton, como el mismo dice, se crio en una  casa con 15 sirvientes, el único problema era que sus padres eran dos de ellos, así que nos podemos imaginar las dificultades con las que se encontró el escritor que durante su juventud que trabajó en mil y un oficios mientras intentaba sacar a delante su novela de espionaje Ipcrees. En ella se alejaba completamente del glamur del espía, aquí no hay bailes en la embajada ni smoking blanco con pajarita negra, en Ipcrees la novela retrata a un agente de inteligencia que tiene largas jornadas de observación en pisos clandestinos y de los informes burocráticos que ha de rellenar después, creando así a un agente de carne y hueso mucho más cercano a la realidad que el fántastico Bond con su martini agitado pero no mezclado cargado de cachibaches increibles, en su visión sobre el agente secreto, tras el revolver cold de dotación policial su otro gadget es el boligrafo con el que rellenar el informe de rigor.

Tras varios rechazos en diferentes editoriales, fue gracias a la editoral Simon and Chuster que Ipcress salió a la venta y curiosamente se convirtió en un Best Seller local y que despertó el interes del coproductor de la saga de James Bond Harry Saltzman.

Este se hizo con los derechos de la novela y junto con la distribución de Rank comenzó la producción de este maravilloso Ipcrees. 

Saltzman junto a su amigo Jimmy Sangster vieron en la trama un film ideal para un por aquel entonces jovencisimo Michael Caine que ya era uno de los actores jovenes de referencia en los 60 y para dirigir la película otro director joven pero con trayectoria en la industria britanica Sidney J Furie y con el contrato de ambos comenzó el rodaje del film.

Y ahora con la situación del film planteada que os parece que hablemos un poco de que va la película, como siempre sin spoilers ya que es un principio del canal no destrozaros la experiencia de visionado de la película contando más de lo necesario y así empujaros a ver este maravilloso film.

Pero antes un breve parentesis. ¿Te gusta el cine clasico e independiente de calidad, hay dias que no sabes que ver y buscas el consejo sincero de un amigo para hacer de esa tarde aburrida una velada maravillosa de cine? Pues enorabuena has caido en el canal adecuado así que suscribeté, dale al botón y a la campanita y disfruta de las casi 400 reseñas y consejos de cine que tienes subido en el canal.

Pues hecho este pequeño parentesis vamos a comentar de que va el film.

Veréis estamos en Londres, donde el sargento de inteligancia Harry Palmer vuelve un día más a su anodina vida como agente secreto, otra jornada más de espera en un piso franco, otro informe que rellenar y otro día más de aburrimiento, pero ese día no va a ser otro más. Es relevado por un compañero ya que tiene que presentarse ante su jefe el Crononel Ross, el caso es que uno de sus agentes destinado al cuerpo liderado por el Mayor Dalby a sido asesinado y el cientifico al que escoltaba secuestrado y tiene que reforzar la plantilla poniendose en manos de Dalby y buscar a un mercenario conocido como BlueJay que sospechan que es el responsable de la desaparición del cientifico y hasta aquí te voy a contar el resto de la película tienes que verla tu y disfrutar muchisimo de esta joya del cine de espionaje que fue el principio de una franquicia y el contrapunto del engolado glamour del agente 007.

La película es todo un acierto, no solo por las interpretaciones de su elenco donde podemos disfrutar de rostros míticos del cine de los 60 britanicos como Nigel Green,  que está espectacular como jefe de departamento de inteligencia y que tan bien le sientan este tipo de papeles, de Guy Doleman que realiza un papel soverbio como Coronel Ross, de la bellisima e implacable actriz como era Sue Lloyd y por un aquellos entonces jovencisimo Gordon Jackson que junto a Caine que ya se le intuía la estrella de cine que iba a ser dan un realismo a la trama y los acontecimientos que te van a tener en tensión gran parte de la película. Por otro lado disfrutaremos muchisimo de la sintonía de la película creada por el mismo compositor de varias de las películas de la saga Bond John Barry y que aquí da el contrapunto a la sintonia que hizo para Goldfinguer donde tenía la oportunidad de trabajar con libertad propia sin necesidad de adaptarse a partituras anteriores como le ocurría con la saga de 007 que ya tenía la linea sonora creada por Monty Norman, John Barry en este film despliega todo el poderio musical tanto en las partes más comunes como en el momento sicodelico de la torutra psicologica. 

Pero si hay una mano detras de el exito de este film son tres ejes maravillosos. el primero la fotografía de Otto Heller, veréis el maravilloso director de fotografia checo es uno de los referentes en este arte, el comenzó su andadura en el mudo en los años 20 y llegaba a este film con una experiencia en este arte de 25 años que conseguía unos resultados maravillosos en la fotografia de sus films gracias por un lado a la maestria y otra por la experiencia de tanto años, el segundo por el sistema de rodaje Techniscope que conseguía un formato panoramico muy imaginativo y a bajo coste no como el cinemascope, este sistema creado por Technicolor Italia le da este aspecto de gran producción a un film que apenas costó 750.000 dólares y el tercero gracias al talento de su director Sidney J Furie.

Veréis el director crea una puesta en escena mítica con planos aberrantes gracias a la inclinación de Plano Holandés, este tipo de plano que demuestra el caos es el que tuerce la pantalla para que el horizonte quede en diagonal, pero tambien del uso de lentes de gran angulares donde se crea una distorsión en el personaje que junto a sus planos contrapicados crean un encuadre que hoy en día es digno de estudio y referente para infinidad de directores.

El trabajo de Furie se nota, no es el trabajo de un director que busque pasar desapercibido, el tratamiento estetico de cada plano, la puesta en escena es muy al estilo de otro maravilloso director como era el italiano Mario Bava, crea un alarde estético que creó un estilo en el género del terror y suspense de la época y de el que soy un enamorado de aquella forma magestuosa de colocar lente y cámara consiguiendo sin muchos movimientos de la misma un tratamiento de la intensidad dramática  que lamentablemente a caido en desuso. pero al que siempre es un placer acudir a estas añejas películas para disfrutar de aquel estilo.

Por otro lado encontramos la trama misma, el retrato que hace Cain del agente Harry Palmer es maravilloso, nos retrata a un burocrata que desea salir del trabajo para dedicarse a sus dos grandes pasiones, la cocina y las mujeres, da igual que sea Agente de inteligencia o cartero, su comportamiento humano hace que sintamos como nuestros los acontecimientos que le ocurren, en una persona de carne y hueso, aquí no hay rayo laser que valgan y locuciones del villano interminables especificando como le van a asesinar para que le de tiempo a escapar. En este film todo termina con un disparo, con una ejecución y si consigue salvarse nuestro heroe esto no es por un cable de acero alejado en su rolex si no por una mezcla de suerte y sentido común.

Una joya del cine de aventuras por que si, aunque pueda parecer por lo que hemos narrado un film de intriga polítca del tipo a films como el topo no es así, la obra mantiene el ritmo de una obra aventurera que fue toda una sensación entre los espectadores del momento y que llevó a la productora empezar una franquicia que ha llegado hasta casi nuestros días.

Harry Palmer tuvo una continuación casi inmediata con dos films Funeral en Berlín y el Hombre con el cerebro de un millón de dólares para dejarle dormir casi 30 años para volver a ver sus aventuras en el Expreso de Pekin y un año despues en Media noche en Sanpetersburgo.

Aunque la alargada sombra de James Bond han llevado casi al desconocimiento del agente Palmer por el gran público, creo que es necesario proyectar la luz a ese agente más mundano y por supuesto más creible, que sin desmerecer al agente 007 del que soy tambien un gran Fan de sus películas, creo que Palmer no solo es un gran contrapunto si no uno totalmente necesario.

Y ya me voy a marchar terminando esta reseña que espero que los que no conocían esta película se adentren en este maravilloso film sesentero que no puede ser más britanico y más maravilloso, que todos los que conocen el film pueden dar fe de ello y como no puedo terminar esta reseña sin antes desearos dos cosas dejenmé que les diga que intenten ser inmensamente felices o por lo menos lo intenten y como no puede ser de otra manera que vivan el cine

PELHAM 1,2,3.

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, veréis antes de empezar con la reseña de esta película, me van a permitir dos incisos, el primero viene debido al anterior film reseñado, donde hablamos de un autor como era Bob Fosse que con apenas 5 largometrajes cosechaba 3 obras maestras del cine o de mi admirado Frank Darabount que sus dos primeras películas entro dentro de ese selecto grupo de directores con obras cumbres del séptimo arte y me he quedado con esa sensación de que estoy minusvalorando a ese lado opuesto de creadores que necesitan de una larga trayectoria en el cine para conseguir una muy buena película, como si eso de crear un film reseñable fuera algo fácil a la altura de todo el mundo y que me estoy quitando de encima de un manotazo esos creadores como si de una mosca pesada se tratara y os tengo que confesar que no es así y para ello vengo con la mejor película de este director llamado Josheft Sargent, director de series y películas de televisión que se acercó unas cuantas veces a realizar películas de cine, a él le debemos la dirección de algunos capitulos de la perra Lasie, El fugitivo o Kojak entre muchos otros, y en el cine el dudoso honor de ser el director de Tiburón 4 la venganza o el film de terror capitular Pesadillas, pero entre obras que van de lo decente a lo mediocre, se enbarcó en 1974 en el rodaje de uno de los film de acción míticos de los años 70 una década de oro del cine donde no sería lo mismo sin esta película que vamos a reseñar

Y el segundo inciso es para que podáis comprender mejor no sólo la película si no la infinidad de problemas que tuvo su rodaje debido a lo que estaba ocurriendo en aquella década.

 Ahora en la actualidad que secuestren un avión es toda una rareza, pero para que os pongais en la mente de una persona en 1974 y de lo que estaba ocurriendo en aquellos entonces, entre los años entre los años 1968 y 1972 hubo 326 intentos de secuestros de aeronaves en el que más de la mitad fueron exitosos, eso nos lleva a la espeluznante cifra de un intento de secuestro de avión cada cinco días y esta película y la obra litaria en la que se basa es hija de aquel tiempo y aquella sicosis.

Y ahora si, con los dos breves paréntesis hechos abrochensé el cinturón por que vamos a reseñar esta joya inmortal del cine policial titulada originalmente The Talking to Pelham one, two Tree, de Joseph Sargent y que en español tiene dos títulos el de España titulado Pelham 1,2,3 y el de America titulado la captura del Pelham 1,2,3.

En 1973 el escritor John Godey (seudonimo que ocultaba al escritor Morton Freedgood) publicó la novela donde se basa esta película, la obra literaria fantaseaba con el secuestro de un bagón del tren de Nueva York al igual que lo que estaba pasando con los aviones de pasajeros de aquella época. La productora Palomar Pictures se hizo con los derechos de la novela y encargó la adaptación a guión cinematografica a Peter Stone uno de los más eficaces guionistas responsable de obras tan memorables como Charada, Arabesco o Lejos del mundanal ruido y que aquí da forma y realidad a una historia de secuestradores que a la Atoridad Metropolitana de Transportes no le pareció nada bien, el caso es que tenían miedo que algùn espectador se animara a secuestrar un vagón de metro ya que se había disparado la delincuencia en aquellos años y a pesar de las reticencias del organimo de seguridad pudieron rodar en el metro.

Y ahora si os parece bien vamos a narrar un poco de que va la película, como siempre sin spoiler un principio del canal que nunca nos lo saltamos.

Veréis El Sr. Azul, el Sr Verde, El Sr Gris y el Sr Marron son miembros de una banda criminal, por cierto a los aficionados a Tarantino seguro que les a recordado de algo, pues lo dicho los cuatro miembros de la bandan tienen el plan de secuestrar un tren de pasajeros del metro de Nueva York y lo llevan a cabo en el tren que sale de Pelhan a la 1 y 23.

El caso es que ese día unos miembros del metro de Tokio estan de visita por las instalaciones con el teniente Garber cuando se desata el caos, un vagón del metro con 17 pasajareso es secuestrado por 4 hombres armados y el alcalde de la ciudad tiene una hora para entregarles un millón de dólares antes de que empiecen a asesinar a los rehenes por cada minuto de retraso. Garber se encuentra ante una peticiòn que dificilmente podrá ser llevada en hora antes de que los secuestradores cumplan su palabra y empiecen con la carnicería y hasta aquí te voy a contar el resto de la película vas a tenerla que disfrutar tu en un film no muy conocido que tiene un remake noventero que no le hace justicia y que ha llevado al olvido esta joya de acción de los setenta.

La película es un duelo interpretativo entre dos actores de leyenda, el maravilloso Water Matau que hace un descreido teniente de la policía de la autoridad Metropolitana de transportes y de Robert Shaw un antiguo mercenario que decide poner sus conocimientos ante un asalto criminal. Esta tensión la enaltece el gran trabajo actoral de estas dos estrellas del cine que junto a la fotografía del descomunal  Owen Roizman, si el mismo director de foto que el de el Exorcista, French Conection o los tres días del Condor hace de la oscuridad de los tuneles del metro un personaje más.

Pero no solo el aspecto visual es impresionante, la banda sonora músical de David Shire dan ese extraño sabor de música mítica del cine que hoy en día sigue siendo un referente del género y uno de los CDs míticos para los coleccionistas de bandas sonoras.

Y es que curiosamente este film sin pretensiones ningunas, de un presupuesto que no llegó a los 4 millones de dólares sin grandes estrellas, a pesar de que Shaw y Mattau son actore míticos estaban muy lejos de los cachés de actores más reconocidos como Redford o Hoffman. se destapó como una de las revelaciones del año.

El pulso narrativo que su director Sargent otorga al film es uno de los mejores de toda la historia del cine, donde poco a poco vamos descubriendo quien se esconde tras la fachada creada por secuestrador y policía y todo con una tensión narrativa creada por un director en estado de gracia, donde aquí toca la cima en una cinta que hoy es mítica, junto a ellos un elenco de secundarios de esos inolvidables, el psicopata Sr Gris encarnado por Hector Elizondo, el exferroviario Sr verde encarnado por un descomunal Martin Balsam, el rudo Sr. Marrón al que da vida un siempre eficaz Earld Hindman, El alcalde que piensa más en su reelección que en otra cosa interpretado por un maravilloso Lee Wallace y su sensato asesor interpretado por uno de los secundarios de moda del momento el fantástico Tony Robers y es que la cinta aunque está llena de tensión dramática esta está aligerada gracias a la comicidad tanto de Mattau como de Wallace que dan una tregua al espectador ante los acontecimientos que está viviendo.

El mayor problema que tiene esta película son sus remakes tanto en película dirigida por Tonny Scott un director al que amo pero que en este film no está acertado y por su remake televisivo en forma de serie dirigida por Felix Enriquez Alcalá que bajan muchisimos enteros en dos revisiones innecesarias, siendo este original estrenado en 1974 una obra maestra insuperable Galardonada por el sindicato de guionistas con una nominación a mejor guión y en los Bafta donde la música y Balsam tambien tuvieron su nominación pero si esta película tuvo su premio ese fue en la taquilla donde fue un éxito tal que la autoridad metropolitana de transportes temiendo que algún loco quisiera emular el secuestro, canceló por años la salida del tren de pelham a la 1 y 23 tanto de la mañana como de la tarde y evitar así el título del film.

Un film que insipiró a muchos directores actuales y quizá el que lo hizó mas patente es Quentin Trantino donde en su película Reservoir Dogs toma los alias de los personajes para dar nombre a los atracadores de su film.

Y bueno, ya voy a ir dando por terminada esta reseña y antes de despedirme quiero preguntarte si te gustan nuestros consejos de cine, si es así y te hago pasar un rato agradable en youtube con reseñas de joyas tan memorables como este Pelham 1,2,3. ¿Por que no te suscribes y formas parte de esta comunidad de cinefilos? dale ahora y que no se te olvide activar la campanita para que te avise cuando tengas un nuevo consejo en el canal.

Y si te ha gustado el vídeo regalame un Like ya que me hace muy feliz ver que os gusta nuestro trabajo y sin nada más que añadir, solo que te adentres en esta maravilla del cine de acción me despido con dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o que luches por ello y como no puede ser de otra forma que vivas el cine

All That Jazz 1979

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis en la vida hay sectores del arte o del deporte que no se mide por lo bueno que seas, veréis puedes ser un gran boxeador, es más un boxeador excepcional imbatido y con el respeto de la profesión y no llegar jamás a ser una estrella de ese deporte, un pugil que mueve masas y crea espectación en cada velada, pues lo mismo pasa con el baile, puedes ser un gran bailarin, un artista que encuentra trabajo en cualquier reparto de un músical pero no llegar a estrella y eso es lo que le pasaba a Bob Fosse.

Veréis antes de empezar con la reseña de esta obra es obligatorio hablar del director de la obra, de su vida personal en la que sin ese conocimiento jamás llegaremos a entender este maravilloso film que es simplemente una obra maestra.

Esperando que sirva de descargo en lo sucesivo,  quiero decir que sé que el apellido del director se pronuncia Fossi, pero han sido tantos años diciendolo mal que me parece que estoy hablando de otra persona curiosamente cuando lo pronuncio bien, y es que el gran Bob Fosse ha sido uno de los directores más reseñables de la época de los 70 un autor que ha definido e inspirado a directores de todos los géneros y que sin él, ese maravilloso cine creado tras la caída del sistema de estudios como fue el Nuevo Hollywood no se entendería en su totalidad.

La historia de esta reseña se remonta a cuando el director contaba con apenas 13 años, un chico admirador de Fred Astaire al que se le daba bastante bien el baile y el claqué.

Por aquel entonces su padre un vendedor ambulante que tocaba en autenticos tugurios, no le dolieron prendas en meter al muchacho a bailar entre cómicos de segunda, stripers alejadas de su mejor momento y de músicos carentes de talento con tal de ganar un poco de dinero.

La esperiencia vital de aquella época donde vivió cosas que no debía y descubrió el sexo con personas alejadas de lo que sería normal para un muchacho de su edad, marcaron profundamente su relación con las mujeres, incapaz de comprender conceptos como la moral, la decencia y la fidelidad y aunque esas taras marcaron parte de todos sus problemas personales, regalaron al arte uno de los mejores autores de todos los tiempos.

¿Y por que empezar por la vida del director para reseñas su película rodada en 1979 titulada All That Jazz?

Pues por que simplemente esta película es su vida, un autor colocandose delante de un espejo y mostrarse tal y como es, sin más defensa que la búsqueda de comprensión por parte de los espectadores.

Veréis normalmente cualquiera de nosotros que tuviera que narrar sus actos a lo largo de la vida, ensalzaría lo positivo y sería autoindulgente con todos sus errores y no hay que criticarlo, es normal, es necesario pensar que no somos unos monstruos, pero claro si esa persona que narra su vida tiene el mismo afan de supervivencia que un piloto kamikaze japonés en plena segunda guerra mundial pues se hará un relato descarnado, el mismo que Bob Fosse se hace en esta prodigiosa película.

Para poder hablar más de la gestación y producción del film, me van a permitir que antes de nada les cuente un poco sobre la trama de esta obra, aunque ya sabéis los asiduos al canal siempre sin spoiler, no es necesario destruir la magia de la película contando más de lo necesario, así que por ese lado tranquilos.

La película nos adentra en la vida de Joe Gildeon un coreografo en lo más alto de su carrera, los contratos en Brodway se mezcla con la dirección de películas y justo en ese momento se ve en un pico de trabajo que le lleva a por un lado preparar un Musical para la escena Neoyorquina y por otro lado cerrar el montaje de su último film rodado que ya empieza a acumular retrasos.

La tensión de tener que dividirse deja patente la poca atención que le dedica a su vida personal, dejando colgada constantemente a su hija y debido a  la promiscuidad de Gildeon le lleva a tener problemas con su novia actual Kate Jagger y por si todo esto fuera poco vive en una constante espiral de dependencias, el alcohol, el tabaco, drogas relajantes para dormir y estimulantes para no quedarse dormido le llevan a que se asome al precipicio mientras hace lo que mejor sabe hacer, crear coreografías únicas con el mejor elenco posible y hasta aquí te voy a contar el resto de la película has de verla tu y disfrutar de esta singuar joya del séptimo arte.

Y ahora con la trama del film planteada creo que ha llegado el momento de contarte como y por que se gestó esta película, pero antes permiteme un breve parentesis, te gusta el cine?, quieres que te aconseje o te recuerde film de calidad de todos los tiempos? pues suscribeté si es que aún no lo has hecho y empieza a formar parte de esta fantástica comunidad cinefila que formamos todos los suscriptores, yo por mi parte me comprometo a subir dos reseñas semanales e intentar que pases un rato agradable en youtube.

Pues cerrando el parentesis volvamos a la producción del film. 

La película nace de la autentica experiencia casi mortal que sufrió Bob Fosse en 1974 cuando un infarto de miocardio le llevó a estar hospitalizado y a someterse a una operación a corazón abierto en el que su vida no estaba asegurada, el caso fue que en aquella época estaba cerrando el montaje de su película Lenni y por otro lado montando el musical Chicago en Broadway, esa carga de trabajo junto a la multitud de excesos llevaron a su corazón a decir basta.

Tras esa experiencia cercana a la muerte, su visión de la vida cambió y se vio en la necesidad de contar en una película lo efímero de la existencia y junto a su amigo personal el guionista Robert Allan Arthur empezaron a crear un guón sobre la novela Ending de Hilma Wolitzer que narra una experiencia muy parecida a la sufrida por él, pero no llevavan ni la mitad del trabajo escrito cuando Fosse paró el proyecto y propuso a su amigo a escribir juntos una historia que conocian tan bien como su propia vida y eso fue lo que les llevó a ambos a escribir un film que no es autobiografico del todo ya que quizá por una necesidad de expandir la historia y proteger a personas ajenas a la obra cambiaron los nombres de estas.

Y es que aunque pueda parecer paradogico su relación con las mujeres, muy alejadas de lo idilico, si que sentia por ello un cariño especial aunque ya no formaran parte de su vida y por eso no es de extrañar que haya cameos de estas en la película e incluso la actriz y bailarina Ann Reikin que por aquel entonces era su novia y que sus problemas eran box populi, encarna a su alter ego en la película haciendo de Kate Jagger la novia en la película de Joe Gildeon que lo interpreta un amigo personal suyo Roy Scheider, el reso tel elenco lo forman Angela interpretado por una jovencisima Jessica Lounge, Cliff Gorman que hace del actor Davis Newman o lo que es lo mismo interpreta a Lenni de Dustin Hoffman, Ben Verén que hace casi de si mismo un actor que conoció a Fosse cuando realizaba el músical Pippin y por el que ganó un Toni y una de mis debilidades el actor John Lithgow que interpreta al coreografo rival Lucas Sargent.

La película es acertada, brutal, no es un músical ni mucho menos, aunque al narrar la vida de un coreografo en medio de la tormenta de la creación de un montaje musical si que hay algunos números de bailes, pero este film es un drama, una película que narra la autodestrucción de un personajes sin ponerse paños calientes, como el torbellino de excesos llevan a un laverinto vital que termina en colapso, el colapso del que probablemente sea el mejor coreografo de la historia, sus bailes son imitados por infinidad de artistas en el que el más destacado es Michael Jackson pero de lo que no me cabe duda es que estamos ante uno de los mejores directores de cine de todos los tiempos, sus largometrajes podemos contarlos con los dedos de una mano y aún así tiene 3 obras maestras del cine, Cabaret de 1972, Lenni de 1974 y este increible film All that jazz de 1979. Obras memorables de un bailarin que sabía que jamás sería estrella del baile y que se convirtió en el astro sol de la coreografía y la dirección de cine.

Y con el consejo de que si no conocéis la película os asoméis a esta maravilla singular como pocas y que si la conoces ya sabes de lo que hablo me despido, no sin antes desarte un par de deseos, el primero es que seas inmensamente feliz y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine