El bueno, el feo y el malo. El final de la trilogía del dólar y un rodaje que terminó con la sociedad de Leone

 Bienvenidos, bienvenidas, queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy con todos vosotros el final de la trilogía del dólar, la película que cierra no sólo la saga que empezó en Por un puñado de dólares si no que también resultó ser el fin de la sociedad creada por Leone, un rodaje atropellado y con una lucha de egos que marcó para siempre el camino de los participes en el film,  aunque eso lo contaremos después por que antes hay que reseñar El bueno, el feo y el malo de 1966.

Llevaba Leone dos éxitos rotundos con sus dos western anteriores, películas que arrasaban en Europa y que en EE.UU. la crítica llamaba despectivamente Spaghetti Western, pero que el público joven acudía en masa a ver aquellas historias violentas y salvajes que daban un nuevo enfoque a las añejas películas de vaqueros tradicionales. La United Artist que había distribuido  los dos anteriores films y que le habían sido francamente rentables, pidió una tercera obra, un tercer film que siguiera con los éxitos de la franquicia empezada por Leone.

Los éxitos cosechados por los films del director romano, había llevado a otros directores italianos a que se embarcaran en aquel nuevo género, Sergio Corbucci y Sergio Sollima eran los más destacados junto a Leone por lo que la Major no quería perder la ola que ellos mismos habían creado.

Leone no estaba muy interesado en arrancar otro film de pistoleros, pero tener la posibilidad de rodar con un presupuesto de 6 cifras con libertad total en lo artístico y disponer de lo mejor en cuanto a tecnología hay que recordar que contó  incluso con las nuevas cámaras portátiles Arriflex 35 se usaron para el rodaje, terminaron de convencerle y empezar así lo que sería el Bueno, el Feo y el Malo.

La historia la había presentado Vincenzoni ante los directivos de la U.A. y estos prestaron más atención al guionista que el propio Leone, a Sergio esto no le sentó nada bien y poco a poco se fue enrareciendo la relación de este con el escritor.

Vincenzoni habló de la trama y de que iba a ir la nueva película.

La historia se enmarca al final de la guerra civil entre unionistas y confederados cuando tres personajes tan dispares como un falso caza recompensas, un asesino a sueldo y un ladrón de poca monta se ven embarcados en una misma aventura, encontrar un cofre enterrado con 200 mil dólares, mientras la guerra sigue su curso.

Esta historia de hombres descreídos, con el único objetivo de hacerse ricos y vivir lejos del conflicto encandiló a la United Artist y así se dió luz verde al rodaje del El bueno, el feo y el malo.

Leone pronto se encontró con problemas, el primero era consigo mismo, llevaba muy mal la responsabilidad de hacer otro éxito que mejorara a los dos films anteriores, eso le llevaba a ser inseguro y mostrarse excesivamente meticuloso en el rodaje, los nervios del director eran más que patentes haciendo repetir toma tras toma para intentar conseguir el mejor plano posible.

Otro fue con el reparto, Leone quería contar con Eastwood más que nada por repetir la formula de éxito, pero lo que realmente quería era tener a Charles Bronson en su film, cuando a primera instancias Eastwood dijo que no, Leone vio la oportunidad de contratar a Bronson pero este estaba comprometido con Robert Aldrich en rodar los doce del patíbulo, con lo que ahora Clint era su única opción, así que se marchó a los Ángeles, allí Leone que tenía fama de tacaño tuvo que darle todo lo que pidió el actor, desde un tanto por cien de la taquilla de los EE.UU. más 250 mil dolares y además un ferrari. 

Cómo es normal Leone accedió aunque se lo haría pagar en el rodaje.  

En cuanto a Eddy Walash tomaba el papel que en principio se había reservado a Volonté pero la carga de humor que tenía Tuco hacía imposible que Gean María se hiciera cargo  de interpretarlo por lo que Wallash se convirtió en la primera y única opción, tras firmar el contrato el siguiente problema fue con Eastwood que se veía eclipsado por el papel de Tuco, así que pidió más protagonismo para destacar sobre su compañero de reparto, pero aquí Leone le hizo pagar el coste de su contrato no accediendo a ninguna de sus sugerencias, esto llevó a un distanciamento entre Eastwood y Leone, llegando a convertirse casi en enemigos, Eastwood con madera de director empezó a dar opiniones de como encarar los planos a Leone y este respondía con negativas a cualquier sugerencia del actor.

Lee Van Cliff, mucho más profesional no daba ningún problema pero su alcoholismo le hacía una caja de sorpresas, todas las mañanas la incertidumbre de si iba a aparecer en el rodaje era una incógnita viendo como llegaba por la noche el actor, pero ni un solo día llegó tarde, ni un sólo día no dió lo mejor de si y jamás puso en problemas al director con lo que su fama de borrachín le acompañaba pero su mayor fama de profesionalidad se había convertido en leyenda, no es de extrañar que Van Cliff se convirtiera casi siempre en la primera opción para cualquier Spaghetti que se preciara, ya no como villano o compañero de reparto , si no como protagonista.

El film es una obra maestra indiscutible, una película imprescindible para cualquier amante del género y uno de esos western que te van a gustar aunque no te gusten los western.

Y donde lo puedes ver, donde puedes disfrutar de este prodigioso film de 66, pues tienes el Bueno el Feo y el malo tanto en Flix Olé como en Amazón Prime Vídeo por lo que no tienes ninguna excusa para no disfrutar de esta maravillosa locura que es este atípico y singular western.

Ahora quiero contarte una anecdota del film que puedo de los nervios al bueno de Leone, pero antes vamos a hacer una pausa, mira su no estás suscrito y si el botón está activo dale ahora mismo que luego se te olvida y así vas a pertenecer a esta tribu de cinefilos en donde todas las semanas te recomiendo una película para ver y divertirte, siempre con cine de calidad y de todos los géneros posibles.

Pues si le diste o no, vamos allá con una anecdota que sólo podría haber ocurrido en un film italiano rodado en España.

Recordar que estábamos en 1966, el rodar en España tenía todos los apoyos gubernamentales posibles y no es de extrañar que para la cinta de Leone pudiera contar con el ejercito, no ya como extras que los tuvo, si no también en cuanto artificieros y mano de obra. En un momento del film un puente es dinamitado y volado y de eso se encargaron los artificieros del Ejercito Español, para dar la señal de volar el puente el oficial al mando concordó que movería un pañuelo rojo y así activarían la explosión.

Pues con todo preparado se acercó al ayudante de dirección que no hablaba español y el oficial no hablaba italiano, así que mediant mimica le explico que tenía que ondear el pañuelo para activar la carga explosiva, tras varios intentos de comunicación en los que ninguno se entendía, el oficial dijo. "Que muevas el pañuelo así" y lo ondeo, tras verlo los artificieros volaron el puente sin tener preparadas las cámaras. Leone entro en pánico y tras ese error, los saldos españoles trabajaron 3 días para volver a construir el puente y esta vez volarlo con las cámaras activas.

Uno de los aspectos que mas me gustan del film es el aspecto cíclico que tiene, ya que aunque es la tercera película y última de la trilogía es en sí mismo la creación del jinete sin nombre, durante todo el film El rubio que es como se llama el personaje de Eastwood tiene un aspecto muy diferente a las peliculas anteriores, nada de ponchos y chalecos de piel, en este caso es un vestuario común y corriente hasta el fianl del film donde podemos ver tanto al manco como al jinete sin nombre, siendo así principio y fin de una obra inmortal como es la trilogía del dólar.

Y ya hemos terminado y si has llegado hasta aquí es que te ha gustado por lo que te pido que me reglaes un like por que me ayuda y me anima a seguir reseñando y tras esta petición solo me queda decirte dos cosas , que seas muy feliz y que vivas el cine

La muerte tenía un precio segunda película de leone sobre la trilogía del dólar

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, hoy llegamos con la segunda parte de la trilogía del dólar de Sergio Leone, hoy reseñaremos La muerte tenía un precio.

Por cierto en este caso os voy a decir como ver la película gratis y 100% legal y lo que me ata a esta película ya que forma parte de mi vida, pero eso será más tarde.

Leone acababa de estrenar en Italia por un puñado de dólares y la repercusión en taquilla de aquella película sobre pistoleros en el oeste destrozó cualquier previsión optimista, las colas para ver la película en el cine daban la vuelta a la manzana, había hasta reventa de localidades para poder ver el film, una maravillosa locura colectiva que llevó al productor Alberto Grimaldi a que pusiera de inmediato el dinero para hacer un segundo film. 

Uno e los problemas era que quería a todos los implicados en la película original para que aparecieran en esta segunda entrega, Gian María Volonté firmó de inmediato pero Eastwood no estaba muy convencido, tenía miedo de que se aventura Italiana fuera un lastre en su carrera. Su miedo era más que comprensible si entendemos que cuando recibió la noticia ni siquiera se había estrenado en EE.UU. 

El productor le comentó que viera el film y luego decidiera, Eastwood recibió una copia en Italiano por que aún no la habían doblado al inglés, pero cuando Eastwood y sus amigos vieron la película sin entender ningún dialogo supieron de inmediato que estaban ante una gran obra por lo que llamó a su agente y le dijo que contaran con el para el siguiente film 

Para el guion del film contrataron a Luciano Vincenzoni que preparo una primera versión en 90 días y pronto empezó la producción.

La historia además del Papel de Eastwood y de Volonté  necesitaba de un nuevo personaje, este nuevo perfil Leone le traía de cabeza, no sabía quien podría dar la réplica al pistolero sin nombre que en este film le llaman el manco, pero por azares del destino hizo que en el aeropuerto donde Leone cogía un avión se cruzara con Lee Van Cliff, Sergio le recordaba de sus pequeños papeles en los Western clásicos así que le abordó.

Van Cliff llevaba una mala racha laboral, de hecho sobrevivía vendiendo cuadros que pintaba ya que como actor no pasaba de algunas apariciones en series de Tv de vaqueros. Cuando le ofrecieron un contrato de 17.000 dólares por interpretar al Coronel Mortimer,  Van Cliff no se lo pensó.

Una de las cosas que más me llaman la atención del personaje es su aspecto y edad, recordemos que la cinta se rodó en el 64 por lo que el bueno de Lee tenía 39 años y realmente parece que tenga 50 ese es un buen reflejo de la vida que había llevado.

La trama nos adentra en un mundo en el que la vida no vale nada y la muerte de vez en cuando tenía un precio, este texto al principio del film sinceramente te descoloca y es de aquí de donde se saca el título en Español que sinceramente me parece más que acertado y es que la película nos narra la vida de los caza recompensas y sus presas.

El Coronel Mortimer es uno de ellos, su oficio es cazar a delincuentes por todo el país y tiene como rival al Manco, otro cazarecompensas, ambos igual de eficaces, llegado un punto deciden los dos cada uno en su camino ir a por la misma presa, el forajido más buscado y temible el Indio, al que interpreta Gean María Volonté se ha fugado de la cárcel gracias a sus secuaces.

 La banda en la que podemos ver a un joven Kinski haciendo de Wild un pistolero salvaje y temerario prepara un golpe al banco del paso, el más seguro del país y allí se verán las caras con los dos cazarecompensas.

Este film aunque no tiene la magia de la primera ni la fama del Bueno el Feo y el Malo, para mi es superior a ambas, un guion lleno de matices, la intrahistoria del reloj de mano del indio es simplemente magistral, al igual que el final que te va a dejar con los ojos como platos.

Y si tenemos que hablar de la música de Ennio Morricone, además de toda la Banda sonora musical que es brutal, quiero destacar la sintonía de carrillón de reloj de mano, se mete dentro te ti y jamás olvidarás esos acordes mágicos que marcan los duelos de todo el film .

Ahora a llegado el momento de contaros donde verla y cómo, y terminaremos por lo que me ata a este film que veréis que es demasiado personal y un lujo que me dio la vida y que hizo que me dedicara al cine.

Pues bien este film lo tienes en Movistar plus y lo que es más importante en Radio Televisión Española, por lo que si eres de España la puedes ver gratis, pero si eres de fuera, de otra región tampoco tienes ningún problema por que si accedes desde una VPN de España puedes verla desde cualquier región. EN la descripción del vídeo os dejaré el enlace directo al film. 

Y ahora ha llegado el momento de contaros mi vida y por que este film es uno de los más personales.

Yo me crie con mis tíos en el barrio de Tetuan de las victorias, mi tio al que quería como a un padre trabajaba llevando caballos a los rodajes para los especialistas de cine y muchas veces yo le acompañaba en la cabina, lo más importante no era el trabajo, entender que para un niño como era yo, mi tio era mi heroe y lo mejor del mundo, los especialistas de de cine del barrio que había varios se reunían en un bar en la calle de pinos altas llamado Marisalvi (por cierto aún existe pero ya ha perdido su mágia) en él había infinidad de fotos de vaqueros cayendose del caballo, la mayoría dedicadas de los especialistas de cine. 

Recuerdo un gran poster tras la barra de un baqueró siendo volteado del caballo. En la reuniones que tenían en el bar y que alguna vez asistía muchas veces aparecían los hermanos Terrón, dos de los mejores especialistas de caídas de caballos del país, allí hablaban de sus historias que para un niño de 10 años parecian mágia, pues bien José Terron  es este, este pelirrojo de dientes imposibles y que habrás visto en mil películas era uno de la cuadrilla de mi tío, de mayor decidí dedicarme al cine en gran medida en honor a aquellos hombres que eran mis héroes, por cierto tanto sus hijos como su nieto siguen siendo especialistas, por lo que la saga continua.

Hoy todos han muerto, aquella cuadrilla fantástica ya no existe, ya nadie me llama albertini que era como simpáticamente se referían a mi, pero en mi memoria aún se caen del caballo, aún todos rien y creo que tras esta confesión solo me queda despedirme hoy con más fuerza que nunca decir que seais muy felices y vivais el cine

Por un puñado de dólares La película que cambió un género

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, hoy con todos vosotros una película que resultó ser un antes y un después en el cine, una obra que cambió todo un género, un film que encumbró no sólo a su director si no que forjó la leyenda de su actor principal, por que hoy reseñaremos Por un puñado de dólares de Sergio Leone.

Por un puñado de dólares es mucho más que una película, es un sueño hecho realidad y es que nos tenemos que remontar a los principios de Sergio Leone un director amante del cine de género, uno de sus autores favoritos era Kurosawa, de hecho la primera intención de rodar un film inspirado en su obra, fue con el remake de los 7 samuráis, Leone escribió el tratamiento de un guion e incluso busco financiación para rodar los 7 del águila dorada un peplum de aventuras que no cuajó y  que terminó olvidado en un cajón.

Pasó el tiempo hasta que Leone vio  Yojimbo, tambien del gran maestro japonés y esta vez haría su remake si o si. 

El título iba a ser Ray el Magnifico y en todo el rodaje se le llamó así, no fue hasta que terminó la película cuando el título se cambió a Por un puñado de dólares iniciándose así lo que a la postre sería la trilogía del dólar.

Leone esta vez no iba a dejar que su película quedara sin hacerse, así que con 200.000 dólares pagados de su bolsillo se marchó a Almería, contrató a todo tipo de actores, desconocidos en su mayoría y se puso a rodar en el desierto de Tabernas.

El actor más conocido de todo el reparto era Gean María Volonté que ya había aparecido en 11 largometrajes mientras que el protagonista era un desconocidísimo Clint Eastwood  que venía de una serie de televisión llamada cuero crudo.

Y si esta obra llegó a lo que llegó en gran parte fue por dos motivos, la maravillosa dirección de Leone y de la música de su compañero de colegio, el grandísimo Ennio Morricone que da una vuelta a la música clasica del western para crear una nueva forma de escuchar el género, pero sin dinero para nada más 

Todo era muy precario y cuando digo precario habría que llevarlo al extremo, los actores no tenían catering por lo que debían de pagarse su propia comida, sólo tenían una unidad y ni siquiera tenían dinamita para hacer explosiones y mucho menos un artificiero, pero como dice el dicho la suerte ayuda a los audaces y a Leone se le representó en la forma de Marcello Baldi un compatriota suyo que coincidió con él en el Hotel ya que también estaba rodando en Almería una película de corte religioso llamado Saul y David, tras hablar un rato con él Baldí se compadeció de su compatriota y le prestó dinamita para su parte final, dos unidades de rodaje extra y hasta su propio artificiero y en esas condiciones se rodó este prodigioso film.

La trama es un calco de Yojimbo que a la postre le traería consecuencias que luego al final de la reseña contaremos. La cuestión es que aquella cinta de samuráis se trasladaba a un pueblo fronterizo donde dos familias enfrentadas luchaban por hacerse con el control del pueblo, ese extraño equilibrio mafioso de poder entre los dos clanes se verá trastocado con la llegada de un pistolero sin nombre, esté ve una oportunidad única de hacerse rico, prestando su pistola al mejor postor, el problema es que no guarda fidelidad por nadie con lo que decide cambiar de bando constantemente minando así por dentro a ambos clanes, pero si todo eso fuera poco, el pueblo guarda una vergüenza mayor. Ramón Rojo uno de los más sanguinarios secuaces de una de las familias tiene secuestrada a Marisol una mujer casada a la que la ha separado tanto de su marido como de su hijo y a partir de aquí el resto lo tienes que ver tú y creeme que es una maravilla.

Leone da un nuevo aire al Eurowestern creando lo que a posteriori se conocería como Spaghetti Western, un subgenero que arrasó en todo el mundo hasta en EE.UU. que abrazaron esa manera mucho más cruda y cruel de contar historias del oeste salvaje. La nueva mirada que Leone dió en esta película trasformó los cimientos de todo el western y para que  os hagáis una idea del éxito de la cinta, sólo en la taquilla de EE.UU. se consiguió 72 veces y media el coste total de la cinta, siendo así una de las películas más rentables de la historia.

Y antes de contaros lo que pasó con esta película, japón y Kurosawa os quiero decir que si te gusta como hacemos la reseñas, si quieres que te aconseje una película que ver cuando no sabes que ver, te suscribas y si además quieres saber donde puedes ver esta  obra pues atentos por que la tenéis tanto en Amazón Pryme video como en Flix Olé por lo que no tienes excusa para adentrarte en el spaghetty western con uno de los mejores exponentes del género.

Y ahora vamos a contaros que pasó en Japón.

Si todo hubiera pasado con normalidad y la cinta no hubiera tenido la repercusión que en aquellos entonces tenía cualquier Eurowestern, Japón ni siquiera su hubiera enterado, pero al alcanzar aquellas cotas increíbles de popularidad en todo el mundo, pronto llegó a la productora de Yojimbo el plagio de su obra.

Los autores del guion, el propio Kurosawa y Ryuzu Kikushima pusieron una demanda a los productores de Por un puñado de dólares que como es normal ganaron, llegando a un acuerdo de llevarse el 15% de las ganancias y la distribución de la película tanto en Japón, Corea del Sur y Taiwan y según el propio Kurosawa ganó más dinero con Un puñado de dólares que con el original Yoyimbo

Y ya hemos llegado al final de la reseña y si has llegado hasta aquí es por que te ha gustado, así que regalame un like y te espero en el siguiente consejo por lo que solo me queda desearte que seas muy feliz y que vivas el cine

Carretera perdida Obra maestra de Lynch

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy con todos vosotros, un placer personal hecho película, la obra de Lynch que más amo y para mi la mejor del director, la maravillosa Carretera Perdida, película con la que termino este ciclo de obras del director de Montana. 

 Esta vez me veo en la obligación de hacer una segunda parte dentro del vídeo donde explicar la película por lo que irremediablemente haré spoiler de la obra, pero no te apures antes de empezar con la explicación  te avisaré por si no la has visto puedas parar el vídeo ver la película y una vez vista retomes la reseña si es que necesitas una explicación a la OBRA

la película tiene un nacimiento tan original como la cinta en cuestión ya que nace de la frase del libro Gente de la noche de Barry Gifford, Lynch leyendo la novela quedó cautivado por la frase "Sólo somos un par de apaches cabalgando salvajemente en la carretera perdida" esta frase de su amigo y colaborador, hay que recordar que Corazón Salvaje  se basa en su novela y en Hotel Room  trabajó como guionista. Terminó siendo el gérmen del film y ambos Lynch y Gifford  se pusieron manos a la obra para dar forma al guion de Carretera Perdida.

El film es complejo y críptico, en parte por que se basa en sensaciones, en sucesos, que por un motivo u otro querían que apareciera sin necesidad de tener una coherencia en la historia, aunque después de escritos en el guion, encontraban la forma perfecta de incorporar dichos acontecimientos al film y he de decir que para mi es como una obra de Jazz perfecta, la historia va, viene se pierde en vericuetos narrativos para aparecer de nuevo en el camino adecuado, siendo esta carretera perdida una obra única de un genio en estado de gracia.

La historia nos narra la vida del matrimonio Madisson, fred un saxofonista de jazz interpretado por Bill Pullman y Renee su bella mujer interpretada por la maravillosa Patricia Arquette.

Fred sospecha de la fidelidad de Renee y de su amistades, por lo que vive torturado y en continua sospecha, un día su vida da un giro al encontrar Renee junto con el correo una cinta de video en el que aparece tanto su casa por fuera como en el interior, las alarmas se disparan el día en que otra cinta aparece pero esta vez lo rodado son ellos mismos durmiendo con lo que se ven obligados a llamar a la policía y hasta aquí puedo leer, los siguientes pasajes de la historia pasan del surrealismo al mundo onírico de una forma constantes de idas y venidas que van a tenerte anclado las dos horas largas que dura el film.

La obra se gesta justo cuando a Lynch le cortan las alas en Twin Picks, cuando no le permiten desarrollar su historia como él la tenía pensada, es por eso que junto a Gifford dan rienda suelta a toda su creatividad, ambos trabajan por separado y tras crear las dos historias en paralelo trabajaron un mes dando forma al guion definitivo, el presupuesto de 15 millones de dólares se consiguió gracias a la coprodución con Francia y a que Octover Films por entonces una de las mayores productoras independientes de los estados unidos que  hoy es conocida por Focus, creyó en el proyecto, aunque este no recaudara más que una cuarta parte debido entre otras cosas por las malas críticas de la prensa especializada, por cierto los mismos que la defenestraron en los 90 son los que hoy en el nuevo milenio la trataron como obra de arte, por lo que vemos que muchas veces el crítico escribe y rectifica según lo que quiere leer el público, pero en fin en Francia la cosa cambia, tanto en las críticas que fueron francamente positivas cómo en la taquilla le dió un recorrido comercial que no fue un desastre, aún así no se consiguió recaudar más de 11 millones de dólares de los 15 que costó, pero como buena obra de Lynch fue gracias al vídeo domestico y a los cineclubs que al final la película se considerara obra de culto y se convirtiera en un producto rentable a largo plazo.

Por cierto en la cinta hay dos papeles que realmente son sorprendentes, el primero el del cómico Richard Pryor que hace de dueño del taller y que te preguntas ¿que hace ahí? y que es maravilloso y el segundo es el cameo de Marylin Manson, que por cierto también suena en la banda sonora original

Y dónde puedes ver esta Carretera perdida, pues la tienes en Filmin y filmin latino para España y mexico además de movistar plus, aunque como toda obra de Lynch es en el DVD con sus extras donde realmente se difruta.

Y ahora ha llegado el momento que os comentaba al principio. Si ya has visto la película y te han quedado dudas de la trama, atentos por que vamos a explicarte todo el film, pero si no la has visto, para aquí el vídeo, ya sabes que no hacemos nunca spoiler para que puedas disfrutar de la obra como debe de ser, descubriendo la historia por ti mismo. Pero al verme en la obligación de explicarla voy a destripar toda la cinta, así que aunque te pique la curiosidad, para ya el vídeo y vuelve una vez la hayas visto.

Creado el aviso empecemos.

Al crear el orden del ciclo empecé por Mulholland Drive y ese orden fue para que agarréis la formula del Lynch y así facilitaros mucho la comprensión de Carretera perdida.

Al igual que en Mulholland drive buena parte del metraje es un sueño un recuerdo y la primera pista que nos da el film es cuando Fred le comenta al policía que odia el vídeo por que a él le gusta recordar las cosas a su manera aunque no fuera así como pasaron. Con esa información ya tenemos la primera clave de la película. ¿Pero desde cuando es un sueño un recuerdo? pues desde el momento que en el telefonillo de la casa le informan que Dick Laurent ha muerto, ese es el punto clave, tras eso vemos por orden cronológico que pasó o mejor dicho que sabe nuestro protagonista de lo que pasó ya que al asesinar a Renee su mente anula la atrocidad que hizo y al ser encarcelado esperando su ejecución todo pasa con normalidad, hasta que debido a que no duerme el médico de la cárcel le da unas drogas para que pueda dormir y a partir de ese momento ya todo lo que vemos no son recuerdos si no un sueño en el que el toma el aspecto del joven mecánico que tiene un romance con la novia del mafioso Alice Wakerfield, pronto descubriremos por que la asesina, básicamente por que se siente burlado, ella en su sueño saca provecho de él se acuesta con todos por su propio beneficio y disfruta de haberle burlado, recordar que es su sueño su justificación no que pasara en realidad, pero ya entendemos la motivación del asesinato y después en su imaginaria huida cuando se vuelve a ver como un monstruo su mente vuelve a sacarle de la realidad volviendo a transmutar y ahí termina. 

Por que no hay más que contar, el está en una carcel en la que va a ser ejecutado, la historia nos narra el por que mata a Renee y una vez comprendida la trama ya no hay más que contar.

Bueno, espero de corazón que te haya ayudado a comprenderla aunque te recomiendo que vuelvas a ver la cinta otra vez ahora sabiendo las claves, verás que es mucho más cerrada de lo que puede parecer en un primer momento.

Y ya solo me queda despedirme hasta el siguiente vídeo que por desgracia no es de Lynch pero que estoy seguro que os va a gustar, pero hasta que llegue ese momento solo me queda desearte que seas muy feliz y que vivas el cine 

Terciopelo Azul la película con la Lynch se hizo Lynch

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, hoy volvemos con la segunda película de este ciclo dedicado a David Lynch y tengo el placer de reseñar Terciopelo Azul, la película con la que Lynch se convierte en ese Lynch que amamos, el de Twin Pickes, el de corazón salvaje, el de carretera perdida y por supuesto el de Munholland Drive y es que este Terciopelo Azul incomprendida en su momento y venerada después como obra de culto es más que una película es simplemente una obra de arte.

La obra no fue un llegar y vestir el santo ya que desde los años 70 el guion circulaba entre los estudios esperando que alguien quisiera producirla, pero la carga sexual y violenta del film hizo que no encontrara productora para rodarla, así que quedó olvidada, pero tras su rodaje de Dune con Dino de Laurentis, Lynch le ofreció el guion y el productor italiano puso los 6 millones de dólares que costó el rodaje y así fue como nació este Terciopelo Azul.

La trama nos  narra la vida en un pueblecito maderero de los EE.UU, de esos de vayas pintadas de blanco, chicos buscando a sus novias en descapotables, de hombres que riegan el jardín mientras que su esposa ve la televisión relajada en el sofá, un pueblo de vecinos sonrientes y de barbacoas en el jardín, pero que tras esa patina de american dream, la pintura cascarilla un poco y se filtra otra vida menos idílica, más violenta y mucho más cruel.

La grieta en este caso llega en forma de oreja humana, cuando el joven Jeffry la encuentra tirada en un descampado, al entregárselo a su vecino el detective Williams  pronto el joven necesita saber a quién pertenece el apéndice seccionado, pero el detective omite dicha información por formar parte del secreto profesional, por lo que el joven universitario y la hija del detective empezarán una investigación amateur que les llevará al mundo más sórdido de su pueblo, inmiscuyéndose en los asuntos mafiosos del gánster local el temible Frank Booth. 

La aventura le llevará a una vorágine de peligros, pasión y romance con la maravillosa feme fatale Dorothy Vallens.

La obra es un alarde técnico y artístico de primer nivel, en la puesta en escena, la luz el cromatismo en la pantalla, el uso en la distorsión de lente, y sobre todo la mirada turbadora que nos ofrece Lynch en cada plano, es una joya que le llevó a estar nominado como mejor director en la ceremonia de los Oscar de 1987, su segunda nominación tras el hombre elefante. 

Para el film siguió contando con buena parte del elenco de su anterior película Dune, por lo que tanto su protagonista Kyle MacLachlan, como buena parte de los actores secundarios como Brad Dourif, Jack Nance o Dean Stockwell vuelven a formar parte de la mirada filmica de Lynch.

En esta película podemos ver ya elementos que se repetirían posteriormente en otras obras como los Playback de Roy Orbison oscuros y tétricos como sólo el sabe crear, así como la música angustiosa de Angelo Badalamenti que le viene como anillo al dedo a la atmosfera del film.

Y ahora una buena noticia ¿Donde puedes ver esta joya del cine? Pues la tienes en casi todas las plataformas En amazón Prime, en Movistar plus y en filmin y filmin latino para españa y Mexico por lo que creo que no tendrás problema para verla, pero si no el DVD es una muy buena opción.

¿Y por que deberías de verla? primero por que es arte puro, por que si conoces algunas películas del director y te han gustado este es el principio de todo, esta película es la base creativa de su obra posterior y si aún no conoces a Lynch pues vas a descubrir un director con una mirada única, lynch no hace cine de acción, ni romántico ni Noir si no que hace cine de Lynch.

Y ya vamos a dar por terminada esta reseña, recordándoos que tenéis una cita con la última película de este ciclo, de este maravilloso director con lo que creo que no os lo podéis perder, pero hasta entonces, ya sabéis que mi deseo es que seaís muy felices y que viváis el cine  

Mulholland Drive Reseña con explicación sin spoiler

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy vamos a empezar un ciclo de las que son para mi las películas más interesantes del grandioso Lynch una terna de films que comenzamos con esta portentosa obra llamada Mulholand Drive.

Antes de empezar con la reseña vamos al salseo por que siempre que oigo hablar de este film se comenta constantemente que iba a ser un spin off de Twin Picks y siempre se dice con pena y para mi es lo mejor que le pudo pasar a la obra por que si en algo es un animal artístico Lynch es haciendo cine y esta película es un buen ejemplo.

Si hablamos del director nos encontramos con un hombre con dos caras, un autor que es opuesto a sí mismo, por un lado nos encontramos con el responsable de Una historia verdadera, Dune o el hombre elefante de narrativa directa y canónica y por otro lado nos encontramos con un director críptico de visionado complejo que aunque cierra sus films estos son tan personales que la linealidad en la trama pasa a un segundo plano como en este Mulholland Drive.

Por cierto ya sabes que no hacemos spoilers en nuestras reseñas y aquí no va a ser menos pero al final de la misma, debido a que la obra es complejilla os vamos a dar un par de pautas para que puedas seguir la obra de principio a fin y la puedas disfrutar y descubrir por ti mismo.

El film comienza con la llegada de Betty una joven y angelical prospecto de actriz a los Angeles. Allí su tía le permite quedarse en su maravilloso apartamento mientras está de viaje, pero cuando llega se encuentra con una extraña mujer que se ha colado en el apartamento una bella morena que tras un accidente ha quedado amnésica, juntas Betty y la extraña mujer intentarán descubrir que le pasó en una historia detectivesca mientras la joven y rubia actriz prepara su espectacular futuro como interprete en una ciudad que la ama.

La maravillosa Naomi Watts hace aquí su primer papel importante y es realmente la que la lanza al estrellato, su compañera de reparto Laura Harring completa un duo que pocas veces se ha dado en el cine ya que se complementan a la perfección creando a veces un juego maravilloso entre ambas.

Ahora vamos a deciros donde la puedes ver la película por que está tanto para España como para Mexico lo tienes en Filmin y Filmin Latino, pero creeme el DVD es una maravillosa opción para disfrutar de esta obra que la vas a ver varias veces, eso te lo aseguro yo.

Y ahora vamos a ayudaros un poco con el visionado, voy a intentar no desvelar nada de la trama por lo que puede ser que quizá cuando la veas algo se te pase de largo, es ahí donde me comprometo a resolver las posibles dudas en los comentarios donde quizá ahí si que tenga que develar partes fundamentales de la trama, pero creo sinceramente que no va a ser necesario.

La película comienza con un plano subjetivo en el que vemos que cae en una almohada, pues bien todo lo que vas a ver desde ese momento es un sueño de una persona, al principio el sueño es controlado por el durmiente pero a medida que se profundiza en la inconsciencia es el sueño el que toma el control, con lo que nosotros empezaremos a ver no lo que quiere contar el durmiente si no realmente lo que este oculta. toda la primera y segunda parte estaremos cogiendo piezas de un puzle que cuando el personaje del Cowboy le despierta ahí todo lo que hemos visto cobra sentido en un maravilloso y largo tercer acto final que es de lo mejor de la historia del cine. Simplemente espectacular.

¿Quién es la persona que sueña? ¿Que es lo que ha pasado realmente? todas esas dudas las tenéis que resolver vosotros en un film que creeme que si no lo has visto tienes que ponerle solución y ya sabes que si quieres que te recomiende una película para ver, de calidad y con grandes dosis artísticas suscribete por que así no te perderás ninguna reseña. y ya estamos preparando la siguiente obra de Lynch que si Mullhoand Drive os ha gustado la próxima os va a encantar. pero hasta que llegue ese momento solo tengo dos deseos para vosotros que seais muy felices y vivais el cine 

TERMINATOR : Película que se convirtió en un clásico instantáneo

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy con todos vosotros una película que ya desde su estreno en salas se supo que se convertiría en un clásico del cine y es que hoy venimos con Terminator de 1984.

Puede ser que seas muy joven y aún esta película no se ha cruzado en tu camino o todo lo contrario, puede ser que seas una persona de determinada edad y viste esta película de joven y no la hayas vuelto a revisitar pensando que es una obra para adolescentes, pues si eres de unos o de otros, al final del video te comentaré por que tienes que ver o ver de nuevo este film que es una autentica maravilla en todos los sentidos.

Antes de empezar con la reseña hay que decir que a finales de los 70 el cine de ciencia ficción cogió 3 caminos diferentes, las Space Opera como Star Wars o Star Treck, la ciencia ficción más científica como la amenaza de Andromeda o encuentros en la tercera fase y la ciencia ficción de terror como fueron las maravillosas Alien el octavo pasajero y este maravilloso Terminator de James Cameron.

En esta película el terror va muy de la mano de las pesadillas que el propio director sufrió y que documentó para dar forma al exterminador llegado del futuro y es que este film juega como pocos con los espacios temporales paralelos y viajes en el tiempo, todo gracias a un maravilloso guio escrito por el propio Cameron y Gale Anne Hurd 

La película comienza en el 2029 cuando las máquinas dominan el mundo, pero los humanos capitaneados por John Connor se han levantado en una guerra sin cuartel contra las mismas. Es entonces cuando las máquinas usando los viajes temporales mandan a un ciborg exterminador a los años 80 con el objetivo de matar a la madre de John Connor antes de que nazca y conseguir así que la rebelión nunca exista, pero junto al Ciborg asesino se cuela uno de los soldados que luchan con John para intentar salvar la vida a la madre de este y torcer así el plan de las máquinas de cambiar el pasado.

La obra mantiene una tensión constante durante toda la cinta muy parecida a la estructura del Slash terror donde un asesino persigue a sus victimas de forma implacable durante toda la cinta , creando inquietud en el espectador desde el mismo momento en el que el asesino entra en escena y en este caso el rostro criminal es el de un Joven Arnold Schwarzeneger que impertérrito completará su misión asesinando a todos los que se oponen sin ningún tipo de sentimientos, hay que recordar que Arnold no fue la primera opción, Mel Gibson o el otrora niño mimado de Hollywood O.J. Simpson fueron dos de las opciones, pero fue la productora Dino de Laurentis la que ofreció a Orion Pictures al actor austriaco y creo que fue la mejor opción posible ya que el físico del actor y el rostro pétreo dan un empuje brutal a la trama, siendo actor y personaje un todo único en la cinta.

Antes de meterme en una reseña personal del film te quiero decir que es de esas obras que no tienes excusa para ver ya que la tienes tanto en Amazon Prime, Moviestar Plus y Filmin, por lo que creo que al estar disponible en tantas plataformas nos da una oportunidad única de ver este maravilloso clásico.

Y ahora si, vamos a entrar en harina con el film.

Era muy joven, de hecho un escolar cuando varios amigos nos colamos en el cine para ver Terminator, la película se clasificó en España para Mayores de 18 años debido a la violencia de la cinta, pero en el cine en esos casos los empleados hacían la vista gorda con los chavales que entrábamos a hurtadillas, siempre que no hubiera escenas subidas de tono, en ese caso ibas a la calle directamente.

Entre el nerviosismo de ser expulsado del cine y el terror que se vivía en la pantalla, la sensación que tuve al ver el film no ha sido igualado nunca, con el tiempo y gracias al vídeo domestico la alquilé varias veces más, pero cuando llegué a la edad adulta la olvidé, se quedo en el recuerdo de mi memoria como una buena cinta de ciencia ficción hasta que hace poco la revisité y fue todo un shock un golpe de modernidad de cine de primera categoría. Cameron director por el que tengo un amor y odio a partes iguales, venía de rodar la malísima segunda parte de Piraña  que hundía en el fango la ya de por si mala Piraña de Joe Dante y Encaró este Terminator como la última película de su vida, tanto fue así que a veces ni siquiera esperaba los permisos y rodaba a modo guerrilla rodando escenas en la calle a toda prisa antes de que llegara la policía, esta pasión por la obra le dio a Cameron esa especie de plus que emana la cinta en todo momento, esa credibilidad y esos efectos especiales del maravilloso Stan Wiston, Frank de Marco y Jack Briker que crean uno de los mayores asesinos con exoesqueleto de la historia. El reparto no podría estar mejor escogido, Michael Biehn que hace de Kyle Reese era un actor que estaba triunfando en el teatro representado La Gata sobre el tejado de Zinc caliente que casi le deja sin papel, el caso que Biehn para el papel teatral había adoptado un acento sureño muy marcado y al audicionar no se dió cuenta y lo hizo con ese marcado acento, tras otra nueva audición ya sin impostar la voz, el papel de rival del exterminador fue suyo y de la maravillosa Linda Hamilton a la que su papel de Sarah Connor la marco de por vida, eso y un romance con el director que terminó en boda y posterior divorcio.

Toda la cinta tiene una tensión máxima y entre otros es gracias a la partitura del fabuloso Brad Fiedel que crea una de las bandas sonoras míticas del cine de esas que jamás olvidas.

Por eso si aún no la has visto, creeme este film supera a cualquier película de superherones actual y si ya tienes una determinadad edad, este film es para ti, adulta, salvaje, terrorifica y con un humor negro que es la delicia de cualquier espectador exigente. Así que hazme caso y pontela esta semana.

Y vamos a dar por terminada esta reseña no sin antes comentar que fue de esta obra. Pues con un presupuesto de algo más de 6 millones casi recaudó la cifra dorada de los 100 millones con lo que no es de extrañar que se convirtiera en una franquicia, Su segunda parte no solo es una gran sucesora de este terminator que abandona el terror para meterse de lleno en la acción y que a veces supera al original, pero después la cosa fue de mal en peor, ninguna de las posteriores obras llegaron a nada siendo obras sin alma sin razón de ser, es por ello que siempre que hablo de Terminator para mi termina en la segunda parte.

Y nada con este consejazo os dejo, no sin antes recordaros que os suscribais y deis a la campanita si queréis recibir reseñas de películas como este Terminator obra que reivindicar con la voz muy alta y si te gustó la reseña como siempre sin spoilers me des un Like, mientras tanto solo me queda desearte que seas muy feliz y que vivas el cine

La Semilla del Diablo: El bebé de Rosemary

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy con todos vosotros la obra maestra del terror psicologico La semilla del diablo o como se llamó en America más acertadamente El bebé de Rosemary.

Por cierto al final del vídeo os comentaré por que el título que se le dio en España aunque tiene más gancho, es el peor retitulado de la historia.

Pero hasta que llegue ese momento vamos a contarte, como siempre sin spoiler de que va el film.

Estamos en Nueva York, dónde una joven pareja busca un piso más grande para mudarse. Encuentran en un edificio gótico del centro de la ciudad el apartamento ideal, Rosemary está encantada con el nuevo piso, entre otras cosas por que es mucho más grande que el actual y puede empujar a su marido Guy a tener un hijo. Que es el mayor anhelo de Rosemary. 

Una vez instalados no tardan en descubrir lo particulares que son sus vecinos Minnie y Roman Castevet una pareja de avanzada edad que tienen acogida a una chica de la calle la Joven Terry.

Minnie es una metomentodo y el educado Roman es un hombre afable y con mundo que crean una extraña pareja.

Una noche mientras Guy y  Rosmary vuelven a su apartamento observan que la policía les interrumpe el paso y esto es debido a un suicidio ocurrido en su propio edificio, la joven Terry se ha lanzado desde su ventana, este luctuoso acontecimiento les acerca mucho más al peculiar matrimonio de ancianos y desde ese momento parece que su suerte cambia, Guy un actorucho de tres al cuarto consigue el trabajo de sus sueños gracias a una extraña enfermedad del actor que lo iba a interpretar y Rosemary se queda embarazada, estos acontecimientos que colman de dicha a la pareja, poco a poco se torna más oscuro, entre otras cosas por que su anterior casero ya les avisó que en aquel edificio fue el centro de la mayor secta de brujos del país y donde Adrián Marcato vivió y murió que fue uno de los mayores seguidores de satán del país, con lo que pronto Rosemary empezará a ver con extraños ojos al resto de inquilinos.

La película es considerada la mejor obra de Polansky, que ya era toda una estrella tras el éxito mundial del Baile de los vampiros, así que no es de extrañar que cuando William Castle uno de los más reputados productores de serie B de la historia llegó con los derechos de la novela en la que se basa el film a Paramount, estos pensaran en Polansky para dirigir la obra, Castle que había sido uno de los directores más eficaces del cine de bajo presupuesto con obras cumbres del género como La mansión de los Horrores del 59, 13 fantasmas del 60 o Mr. Sardónicus del 61, se había centrado en la producción de películas con lo que la Paramount estaba tranquila al contratar a un director sin experiencia en Hollywood si la producía Castle y con menos de 2 millones y medio de dólares comenzó a rodarse Rosemary´s Baby.

La película es una joya del suspense psicológico y no tanto del terror, por lo que todo lo que acompañaba a la cinta tenía que dar miedo, los aspectos externos en este film eran fundamentalas para conseguir la atmosfera ya que en todo momento vemos  acontecimiento usuales en momentos normales de la vida de una pareja y para ello la partitura de la banda sonora original tenía tanto peso como las imagenes, es por eso por lo que se pensó en Krysztof Komeda un joven compositor de bandas sonoras que hizo en este Rosemary Baby una de las sintonías más terroríficas del cine con una voz de niños que pone los pelos de punta, por desgracia solo pudo participar en otra película más que fue Motín de Buzz Kulik ya que en 1969 y tras un fatídico accidente trafico murió 

El papel protagonista se lo llevó una jovencísima Mia Farrow,  que por aquel entonces era más conocida por ser la mujer de Frank Sinatra que por sus papeles como actriz, aún así hizo un papel espectacular en la cinta, una anécdota del rodaje fue cuando Sinatra que había exigido a Farrow que abandonara su faceta de actriz se plantó en el set de rodaje e iracundo la pidió que abandonara, tras la negativa de esta, el cantante y actor la pidió el divorcio allí mismo y éste se convirtió en uno de los matrimonios más fugaces de hollywood con menos de 24 meses de duración. Por cierto ¿queréis saber la escena de la película que se estaba rodando cuando le llegaron los papeles del divorcio? pues es esta, parte de la congoja y lágrimas son totalmente verídicas por dicho acontecimiento.

Para el papel de marido y actor en horas bajas el estudio quería a un rostro que arrastrara a masas como Redford o Nicholson pero al final fue el criterio de Polansky el que primó y fue John Cassavettes el que se llevó el papel y creo que hace a uno de los mejores maridos títere de la historia, una curiosidad es que Cassavettes hace de un actor que lo da todo por triunfar en Hollywood cuando realmente a él le importaba un bledo la industria, sólo trabajaba cómo actor para poder financiarse sus películas independientes, por cierto con lo que ganó en este film Cassavettes rodó la maravillosa Maridos de 1969 una joya del cine que pronto reseñaremos en el canal, aunque al final del vídeo os dejaré un enlace a la reseña El asesinato de un corredor de apuestas chino que ya realizamos y que me parece una joya del cine independiente que no puedes dejar escapar.

Y dónde puedes ver este Bebé de Rosemary, pues lo tienes en Filmin y filmin latino por lo que si eres de España o Mexico no tendrás ninguna excusa para verla, pero si no eres de esas regiones el DVD es una magnifica opción, además de tener una edición fantástica con un documental de como se hizo donde Robert Evans, Richard Silver y el propio Polanski hablan largo y tendido de cómo re rodó y gestó la película, una edición de DVDs de esas que son simplemente imprescindible para cualquier amante al cine y mas si te encanta el terror y el misterio.

Y ahora si que ha llegado el momento de decir por que el título en español es una de los mayores fiascos de la historía.

En España hasta bien entrados los 90, las distribuidoras Re-titulaban todas las películas extranjeras en un alarde de enmendar la plana a su creador, así fue como Erase una vez en el oeste se convirtió en Hasta que llegó su hora o Die Hard en Jungla de cristal y la verdad es que te pueden gustar más o menos los nuevos títulos, pero en este caso el productor que cambió el título de El bebé de Rosemary a La semilla del diablo tendría que estar en la cárcel, el motivo es el siguiente.

La película es ambigua y a pesar de ver toda la historia desde los ojos de Rosemary, podemos verla desde los ojos del marido, esa opción nos la da polanski no mostrando nunca ningún acontecimiento sobrenatural, así que durante gran parte de la cinta dudaremos en quien tiene la razón si la desquiciada Rosemary le hizo crack el cerebro tras la muerte de Terry o si es verdad que el marido se ha adentrado en una secta satánica que impera en el edificio. Y esta duda es maravillosa y por cierto no os diré que me parece a mi para no destripar la película, pero con ese título, el espectador ya no tiene la opción de dudar, ese título ya marca el devenir de los acontecimientos futuros de la cinta, no sólo siendo un spoiler que lo es a medias, si no que es engañoso por que en la obra de Polanski y su título original El bebé de Rosemary no toma partido en la cinta hasta justo el final de la misma.

Y ya con esto vamos a dar por terminada la reseña que espero os haya gustado y si es así, no dudes en regalrme un Like y si quieres comparte el vídeo en redes sociales. Y cómo no puede ser de otra forma ya estamos preparando la siguiente reseña que sabemos que os va a gustar, pero hasta que llegue ese momento y si no estás suscrito a que esperas, dale al botón la campanita y esas cosas que tu ya sabes, si quieres ver la reseña del gran cassavettes el asesinato de un corredor de apuestas chino dale ahora que ya te debe haber salido y hasta que dentro de siete días volvamos con la siguiente reseña sólo me queda desearte dos cosas. que seas muy feliz y que vivas el cine.

La novia del Diablo de Terence Fisher

 Bienvenidos, bienvenidas, queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy con todos vosotros la que probablemente sea la última gran película de un genio del terror, hoy tenemos el honor de reseñar La novia del Diablo de Terence Fisher.

Antes de reseñar la película, quisiera poneros en antecedentes de por que a finales de los 60 y principios de los 70, las películas sobre sectas ocultistas tuvieron su cenit y por que en 1968 se rodaron lo que es para mi las dos mejores obras de este subgénero del terror, por cierto al final de la reseña os desvelaré la próxima película que es la que completa ese dúo maravilloso.

En EE.UU. tras la caída del movimiento Hippy, basado es una idea idílica del mundo pronto empezaron a nacer otros movimientos sociales totalmente opuestos a esa mirada optimista de la vida como fueron las sectas ocultistas. Aunque no fueron los únicos, ya que también convivió el orientalismo religioso como los Hare Krisna, fueron sin lugar a dudas las primeras las más atractivas para la juventud  del momento, los acontecimientos sociales como la guerra del Vietnam empujó a muchos a dar la espalda a la creencia de sus padres y adoptar al satanismo como fuente de inspiración, ese empuje se notó en la música donde bien por moda o por creencia muchos fomentaron la religión oscura Black Shabat y después Ozzy Osborne, pero también Coven banda de la que Ozzy era miembro, Black Window o grupos de Rock más comerciales como los Stones se hacían llamar sus satánicas majestades. Tras la música fue el cine, pero esta vez si que el séptimo arte se opuso a esta creencia y narró infinidad de películas sobre sectas religiosas e influjos malignos, El exorcista, La profecía o esta Novia del diablo eran un buen ejemplo de aquel cine que narraba lo oscuro y peligroso del mal.

La Hammer, ya siendo una productora adulta en el 68 tomo la novela de Dennis Weathley un autentico especialista en sectas para narrar este film sobre ritos satánicos, sacrificios ocultistas y bucles temporales bajo la escritura del guión del todopoderoso Richard Matheson.

La batuta de la dirección recayó como no, en el director de cabecera de la Hammer, el maestro Terence Fisher que supo dar ese aspecto gótico y Lovecraffsiano a la cinta.

Cierto es que sin dejar la marca de la casa, una excesiva teatralidad en las interpretaciones y una intensidad propia del cine de terror que se hacía en los 30 lejos de ser un defecto le da ese punto ligero al film que le hace un producto de entretenimiento puro, una aventura sobrenatural con un Cristopher Lee como héroe salvador y no como villano que es a lo que nos tenía acostumbrados el actor britanico

Y ahora si que vamos con la psinopsis como siempre libre de espoiler, ya sabéis que en este canal no hacemos ninguno.

El duque Ritchley y Rex son grandes amigos, su amistad se fraguo en la segunda gran guerra donde prometieron a su hermano de armas cuidar de su hijo Simon Aron, estos debido a los extraños acontecimientos que el bueno de Simon está haciendo deciden visitarle en su nueva mansión donde descubren que el joven se ha adentrado en una secta demoniaca así que deciden sacarle de ese oscuro circulo pero el gran brujo de la orden Mocata no se lo pondrá nada fácil.

Película que mantiene el estilo de Hammer tanto en el color como en la puesta en escena, el estilo de esta cinta evoca a Lovecraft por los cuatro costados e incluso a los más roleros les recordará algún juego famoso debido a la lucha grupal que se tiene contra el mal donde cada uno tiene su parte importante dentro del éxito de la misión y no te tiene que extrañar ya que esta cinta a sido fuente de inspiración constante para otros artistas.

Por si todo esto fuera poco, para los amantes del motor podrán ver en patalla una colección de muchos quilates lleno de Bentleys, Rolls, MG y un largo etcetera que arán la delicia de todo coleccionista.

¿Y donde puedes ver este film?  Pues lo tienes tanto en Filmin como en Filmin Latino, una película que si aún no la has visto se va a convertir de inmediato en una de tus favoritas.

Y ahora si, ha llegado el momento de desvelar el otro film de 1968 que tambien nos narra una trama de corte satánico y que no es ni más ni menos que el film de culto de Roman Polansky Rose Mary Baby o como se tituló en España la semilla del diablo, obra maestra del género que si estás suscrito solo tienes que esperar 7 días para ver la reseña y si no lo estás ¿A que esperas? dale al botón y a la campanita y así te aconsejaré una película de calidad semanalmente para que disfrutes de este maravilloso arte que es el cine.

Y hasta aquí la reseña de hoy y si te ha gustado ¿por que no me regalas un Like? y hasta la semana que viene pero antes ya sabéis, ser muy felices y vivir el cine

Lobo la película maldita de Michael Nichols

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy vengo con una maravillosa película incomprendida y tramposa a partes iguales, un film de uno de los mejores directores del séptimo arte que es vilipendiado por todos los amantes del género de lo fantástico por esta película y que al final del video os daré razones por lo que venerar tanto al director como a este prodigioso Lobo de 1994.

Lobo es un film que podríamos enmarcarlo dentro del terror licántropo tanto por la temática de hombre lobo asesinos, como por el guion, obra del maravilloso Jim Harrison que terminaría de darle forma junto a Neil Nachlis y Westley Strick, la obra literaria es canonica y si la lees estamos ante una autentica película de terror y esta es la principal controversia con los amantes de las criaturas de la luna llena que después entraremos a saco a desgranarla, pero antes permítanme contar de que va la película.

Jack Nicholson que encarna el papel de Will Randall es un hombre en horas bajas, su trabajo como editor jefe en una editorial pende de un hilo debido a la compra de ésta por parte del multimillonario Raymond Alder que da vida el fabuloso Christopher Plummer. El caso es que Randall carece de instinto depredador y malvado que busca Alder en un puesto de esa categoría.

Randall solo tiene una baza para conservar su puesto de trabajo y es el apoyo incondicional de Steward Swinton su mano derecha al que da vida un jovencísimo James Spader.

Su vida se desmoronará tras varias traiciones y despechos al que sólo le dará luz la maravillosa feme fatale Laura Alden hija del millonario que quiere destruirle y que se convertirá en su mejor aliada con una carga sensual e indiferente que solo Michelle Pfeiffer puede darle.

Ah y mientras tanto un lobo ataca a Randall cuando este conduce su coche y lo atropella.

Si te ha sorprendido que apenas nombre a la luna llena, los licantropos embrujados y las balas de plata es por que realmente esta película no va de esto y es aquí el mayor de los problemas. Por que cuando pones Lobo en un film de hombres lobo, cuando el protagonista que lo encarna ha sido la pesadilla de toda una generación tras el resplandor, piensas que estas en un film de terror gótico, como La maldición del hombre lobo del 61 o Aullidos del 81, que por cierto ya reseñamos en el canal y al final del vídeo pondré un enlace.

Pero el caso es que está película está muy alejada del genero del terror, con lo que los fans no se lo perdonaron ni se lo perdonan, al bueno de Nichols.

La obra mantiene una coherencia en la filmografía del director, hay que recordar que  es mucho más que sólo el autor del graduado que por cierto es una obra maravillosa reseñada en el canal  si no que también es responsables de la soberbia ¿Quién teme a Virginia Wolf? voy hacer aquí un breve inciso, por que madre mía que película que papel el de Liz Taylor y Richard Burton, para mi la mejor de toda su filmografía y una verdadera obra maestra, pero es que suyas son también, se acabó el pastel, cartas a iris o armas de mujer y antes de este lobo rodó aproposito de Henry, todas películas dramáticas con relaciones sentimentales al borde del desastre que se centran en lo despiadado de las relaciones entre los seres humanos que han de compartir vida sean estas debidas por una amnesia accidental, una relación tóxica con tu madre o una ruptura con los roles sexuales preestablecidos y cómo no por culpa de una maldición licántropa.  

Y claro, normalmente las personas y también las personas que vamos al cine y pagamos una entrada, vamos con la esperanza de que nos den lo que buscamos y si no cumple nuestras expectativas nos frustramos y odiamos aquel producto que no nos dio lo esperado, es aquí donde hay que poner un pero a la obra, todo, desde el cartel hasta el trailer está montado como una película de terror, que no es y si se vende como una historia romántica de un hombre en el otoño de su vida y que gracias a una maldición retoma el rumbo de su relación y sus desventuras laborales, pues seguramente lo de Lobo pasaría a un segundo termino y quizá no habría sido tan criticada. 

Así que vamos a dejarlo claro. ¿Qué buscas en esta película?. si es el drama y el romance.

Adelante, la tienes de momento en Filmin tanto para españa como en Mexico, pero seguro que si la buscas en DVD o blue ray también la tienes.

Si buscas una de terror, para pasarlo bien pasándolo mal pues aquí te dejo la reseña de Aullidos que esa si que te pone los pelos de punta.

Y despues de este consejo honesto, para que sepas lo que vas a ver me despido, sólo quiero pedirte un like si te gustó la reseña, dale ahora que luego se te olvida, que si no estás suscrito y quieres que te aconseje una pelí todas las semanas le des al botón y a la campanita y si ya eres del club, entonces sólo me queda despedirme hasta la semana que viene y desearte que seas muy feliz y que vivas el cine

DARKMAN La película que inspiró un comic

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, hoy con todos vosotros una de mis películas de heroes de comic favoritas y además que primero fue película y después viñeta algo raro en la industria del cine y es que vamos ha reseñar Darkman de Sam Raimi.

Por cierto al final del vídeo os voy a decir cuatro anécdotas del film para los muy fans y la última es de examen, así que no te pierdas el cierre del vídeo

Nos tenemos que ir hasta finales de los 80 cuando Raimi había terminado de rodar Terrorificamente muertos y quería embarcarse en la recreación para la gran pantalla de un heroe de comic, lo intentó con batman pero no puedo ser, probó con The shadow y tampoco lo consiguió, así que lejos de rendirse escribió un cuento de 40 paginas donde narraba la historia de Darkman, Un cientifico que sufría un atentado y se vengaba de sus agresores, este tratamiento se lo envió a la Universal que le encajó para su sección de fantasía, en parte por la clara inspiración que Darkman tenía de los monstuos clásicos de la universal, donde podemos ver, El fantasma de la ópera, la momia y como no de Frankenstein.

A pesar de venir de dos éxitos como eran la ya nombrada terrorificamente muertos y sobretodo posesión infernal, Sam Raimi estaba a años luz de tener peso en la industria y fue por ello que la Universal tuvo gran parte del control de la obra.

Raimi había escrito ya el guion de la obra al que le ayudaron sus amigos los hermanos Coen, pero la productora le obligó a que buscara a un guionista que terminara de pulirlo y se contrató a Chuck Pfarrer y para dar el aspecto cientifico a la obra Raimi contrató a su propio hermano Ivan como asesor ya que era médico y podía dar credibilidad a los aspectos más cientificos del film, tras unos primeros guiones la Universal pensó en reforzar tanto la acción como algunos diálogos con lo que contrataron a los hermanos Daniel y Joshua Goldin  y juntos terminaros un guion maravilloso, lleno de acción, terror y mucho sentido del humor aunque un pelín macabro.

Con la historia definida llegó el momento del reparto, Sam Raimi lo tenía claro, quería como pareja protagonista a su amigo Bruce Campbell con el que ya había trabajado y con Frances Mcdorman mujer de su amigo Joel Coen, pero la universal que iba a meter la nada despreciable cantidad de 15 millones de dólares, quería una cara más conocida que llamara al publico a la sala y por ello se firmó un precontrato con Julia Roberts, para el protagonista querían a un actor más serio que Campbell y pensaron en Gary Oldman o Bill Paxton, al final el elegiso fue Liam Neeson que hace un papel espectacular en la cinta.

Con todo cerrado, la película sufre un revés, Julia Roberts abandona el proyecto ya que le ofrecen el papel de una prostituta en la película Preetty Woman con lo que la Universal se movió en busca de otra cara famosa, Demi Moore y Bridget Fonda dijeron que no y por eso al final la Universal tuvo que claudicar y contratar a McDorman

Y así, en la ciudad de los angeles de 1989 se rodó Darkman.

La película trata de la vida del profesor Pleyton que busca la forma de crear una piel artificial que ayude ha realizar injertos, el invento funciona a medias, la piel artificial es estable siempre y cuando no le de la luz, bajo la luz solar al cabo de 100 minutos se desintegra, mientras tanto su novia Julie una joven abogada encuentra un documento que implica a su jefe en la adquisición fraudulenta de terrenos, no pasaría de allí si no fuera por que el enemigo del jefe de Julie maravillosamente interpretado por Colin Friels tiene como enemigo a un jefe mafioso el Sr Robert G. Durant interpretado eficazmente por Larry Drake, éste se entera de que los documentos que busca los tiene el cientifico en su laboratorio y decide arrebatarselo, no sin antes asesinar a su ayudante y hacer volar por los aires el labaoratorio con Pleyton dentro. Parece que el profesor a ha muerto, pero no, sediento de venganza y con la capacidad de transmutarse en cualquier persona gracias  a su piel artificial, comienza una venganza contra todos y contra todo.

La película fue un éxito, primero por el trabajo en publicidad de la Universal que empezó meses antes del estreno a sacar poster que creaban expectación sobre un superhéroe inexistente, estos poster hicieron de reclamo, pero en la mesa de montaje se estaba viviendo un drama, Raimi quería dejar su película con un montaje bastante más largo y bastante más gore, Robert Tapper el productor encargado del proyecto pedía recortes, a tanto llegaron las discrepancias que Tapper abandonó y Raimi montó su película.

 Tras un estreno a puerta cerrada, los asistentes criticaron la obra por demasiado salvaje y larga, con lo que Raimi se vió obligado a realizar los cortes que Tapper le pidió y con este film arrasó en el festiva de Sitges, consiguió una recaudacion de 50 millones de dólares y se hizo el rompe taquillas en el vídeo domestico, el éxito fue tan abrumador que la Marvel sacó inmediatamente tres novelas graficas sobre la película y en 1993 una edición especial de 6 números sobre el científico sin rostro y como ocurría en los 90 con cualquier película de adolescentes que era un éxito tuvo su videojuego para consolas.

Y donde puedes ver este film, pues lo tienes ni mas ni menos que en Filmin y Filmin latino para Mexico y España y en alquiler la tienes para verla en Youtube, te dejaré el enlace por si te apetece verla.

Y aunque estamos apunto de terminar, voy a contaros un par de datos que seguro que no sabías como os comenté al principio.

Primera. Danny Elfman autor de la partitura de Beatlejuice, Batman o Alicia en el País de la Maravillas del 2010 hace aquí una de sus bandas sonoras más reconocibles.

Segunda. Bruce Campbell que no pudo ser Darkman por exigencias de la productora, tiene un cameo, no os voy a poner la imagen para que te lleves la sorpresa.

Tercera. El maquillador, El maravilloso Tony Gardner sale como hombre monstruo de feria en el metraje

Y cuarta y última, para los muy avezados. Cómo todos sabéis Raimi siempre saca su viejo coche en pantalla el Oldsmobile amarillo este, Eso seguro que lo sabías. ¿Pero adivinas quien son los dos hombres que lo conducen? Pues no son otros que Ethan y Joel Coen que tienen este fugaz cameo en la película.

Y ya hemos terminado, si te ha gustado la reseña dale un like, si te gusta mi canal libre de spoilers donde te incito a ver películas de calidad sin destriparte la trama, ya sabes, suscribete y si ya lo has hecho, te espero la semana que viene con un vídeo muy especial que espero que os guste, pero hasta que llegue ese momento, ser muy felices y vivir el cine