Ausencia de malicia 1981

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis esta obra que vamos a reseñar hoy y que es un sincero consejo de cine para todo el mundo es una de las películas más interesantes de la historia del cine, el film junto a Network (Un mundo implacable) son de esas que retratan el lado oscuro de uno de los poderes de cualquier estado democrático, en este caso el cuarto poder que es como es conocida la prensa.

Veréis si tuviera que decir las dos caras de una misma moneda filmica, en este caso estarían Todos los hombres del presidente, film que narra las bondades de la libertad de prensa donde unos reporteros destapan un escandalo político de primer orden, por cierto este film de Pakula lo reseñamos en el canal y os dejaré en la descripción del vídeo un enlace por si quieres ver la videoreseña y en el otro lado de la moneda el film que nos ocupa hoy que no es ni más ni menos que Ausencia de Malicia, film rodado en 1981 por el portentoso Sydney Polack.

El título del film puede llevar a engaño, éste no habla de una virtud humana si no de una clausula legal un vericueto judicial que sirve de muleta para que la prensa y los periodistas puedan escudarse ante posibles demandas. Veréis la clausula se enmarca en un concepto bastante etereo pero eficaz, si un periodista tiene una noticia y esta no está contrastada, el periodista en cuestión puede ponerse en contacto con el personaje que es objetivo de su noticia, si habla con él este puede negarse o dar su versión, en ambos casos ya estarían autorizados a publicar dicho reportaje, pero si intentan ponerse en contacto y esté no contesta, también pueden publicar lo que quieran puesto que al llamar demuestran una falta de malicia en la intención del periodista, quedando libre para hacer conjeturas dar opiniones o escribir acontecimientos que pueden ser reales o no sin que el personaje victima del articulo pueda alegar una compensación por daños ante un juez.

Así que ya os podéis imaginar que este film es bastante crítico con la prensa y la labor periodistica, el protagonista principal del film el actor Paul Newman es un buen ejemplo de cómo el periodismo maltrató al actor, este tras quejarse de un articulo falso al New York Post, el periódico vetó al actor negándose a escribir nada sobre él e incluso borrando su nombre de las críticas cinematográficas que hacía el periódico y creo que llegado este momento que mejor que comentaros un poco de que va el film, cual es la trama de la película pero como siempre hacemos sin spoiler de ningún tipo, es un principio del canal que jamás nos lo saltamos y aquí no va a ser menos.

Veréis estamos en EE.UU. de los años ochenta, Megan Carter una reportera de un periodico se acerca hasta las oficinas de la policía federal donde tiene un medio novio que utiliza para saber noticias que llevar a la redacción, un día sorprendida de que no haya ningún agente en la sala se entera que el cuerpo federal tiene un nuevo objetivo el tratante de bebidas alcoholicas Michael Colling Gallaguer. 

El caso es que el FBI está perdido en la desaparición del jefe del sindicato de estibadores y han decidido presionar a gallaguer ya que está emparentado con una familia mafiosa. Aunque los agentes no tienen nada en firme y la vida de Michael es la de un hombre normal deciden utilizar a la prensa para que de publicidad de la investigación dejando que la imaginación de los periodistas engorde una noticia que convierta la vida de Gallaguer en una pesadilla, siendo obligado a echar una mano en la investigación del sindicalista desaparecido y aquí es donde entra Megan, el inspector Elliot Rosen la pone sobre la pista y hace que empiece una serie de articulos que están alejados de la realidad bajo el amparo de la Ausencia de Malicia y hasta aquí te voy a leer.

Veréis el retrato que hacen de ese lado perverso del periodismo los guionistas Kurt Luetked y David Reyfield es tan veraz que no trata a los reporteros de forma maniquea si no que los llena de conflictos morales, de conciencia y de querer hacer las cosas bien pero que están metidos en una maquinaria comercial de noticias que hacen de la necesidad de esta un trasiego de chismes que a veces sin contraste de la realidad realizan, de la misma forma que a Gallaguer no le presentan como un ombre impoluto y bondadoso, es un empresario capaz de cualquier cosa cuando alguien se enfrenta con él y en este caso Gallager tambien tiene sus armas en contra de sus atacantes. 

Este guión es maravilloso, te adentra en la trama de una forma sutil, dejandote llevar por lo que ocurre sin darte cuenta de que tomas partido por una de las partes, un trabajo de escritura casi perfecto que está coronado con la maestría en la dirección de Sydney Pollack, el director se aleja de efectos de luminicos y hace una puesta en escena más sobría, todo con el fin de darle un aire más documental a la película pero si creen que la fotografía está en manos de un neofito están muy equivocados, este trabajo lo vuelve a realizar Owen Roizman, su director de foto de cabecera que ya trabajó con el tanto en Tootsie como en los tres días del condor y que será recordado siempre por su excepcional trabajo que hizo en El exorcista.

Y para cerrar la terna de artistas técnicos aquí Pollack vuelve a contar en el apartado sonoro con su compositor de cabecera el portentoso Dave Grusin.

La película cuenta con un Newman comprometido, básicamente por lo que hemos contado al principio, este compromiso con la actuación le llevó a estar nominado como mejor actor en la 54 edición de los premios Oscar de Hollywood así como el de mejor actriz secundaria para la maravillosa Melinda Dillon que interpreta a un personaje lleno de cicatrices y por supuesto una nominación al guion uno de los mayores puntos fuertes de está película.

El director venía de tener una trayectoria valiente y exitosa en el cine, ya había realizado una buena tanda de obras cumbres del género y se atrevía en este film a meterse de lleno con una industria la periodistica que podría hundir su carrera, pero ni siquiera se lo pensó dos veces, acostumbrado a involucrarse hasta la médula en historias que creía sin pensar en la repercusión de estas sobre el mismo, hace un film descarnado y sin miramientos, con un ritmo pausado en la trama pero a la vez vertiginosa, un peculiar Noir carente de violencia explicita pero plagada de cadaveres sociales. Esta verdad en la dirección, esta falta de miedo es uno de los motivos por lo que Pollack siempre estará entre mis directores favoritos de todos los tiempos y pienso con tristeza que hoy en día se necesitan más directores como él, que vayan contracorriente en un mundo dictado a golpe de twit, pero parece que esta raza de directores desapareció junto con su muerte en 2008.

Y volviendo al film. La cosa es que esta película no es un biopic al uso aunque se basa en un hecho veridico como trasfondo, si en todos los hombres del presidente vemos el lado politico del periodismo aquí asistimos a un thriller con todas las letras, como un hombre atrapado por la difamación se enfrenta con sus medios ante todos, una especie de solo ante el peligro pero sin sheriffs ni pistoleros. una obra trepidante en su pausada narrativa con un final de esos que no te esperas y que disfrutas por siempre una joya del cine que os incitamos a ver si es que te gustan este tipo de películas con aire setentero aunque rodada a principio de los ochenta.

Y ahora permitanme que les pregunte un par de cosas. ¿Te gusta el cine, quieres descubrir películas de calidad que te entretengan y además te enriquezcan como es el caso de esta Ausencia de Malicia? pues suscribeté, este canal se centra en obras cumbres de todos los tiempos, películas clásicas y de autor en la que todo el mundo pueda encontrar o descubrir esa película que se convertira en un indispensable, así que dale al botón y  a la campanita y seguro que no te vas a arrepentir.

Pues dicho esto y volviendo a la producción el film que costó la nada desdeñable cifra de 12 millones de dólares, fue una obra de éxito mundial recaudando en la taquilla casi 41 millones de dólares mucho más del triple de lo que costó la obra.

Y cómo pudo este film dispararse tanto en costos de producción pues entre otras cosas debido al elenco con el que cuenta. Sus protagonistas principales Paul Newman y Sally Field que hacen un trabajo tremendo frente a las cámaras están respaldados por unos actores y actrices de reparto de verdadero lujo, Mellinda Dillon que como comentamos se la nominó al Oscar por esta interpretación o secundarios de esos que son irrepetibles como Bob Balaban o el portentoso y admiradísimo Wildford Brimley que siempre que aparece en escena la película sube en quilates. 

Y nada, con estos últimos datos vamos a ir dando por terminada la reseña y ahora que has visto todo el vídeo y puedes valorar esta reseña, si crees que se merece un like no lo dudes, dale a ese pulgar hacía arriba y así nos indicas que te ha gustado y si crees que a alguien le puede servir pues compartelo en redes sociales, os agradezco muchisimo a todos los que compartis nuestro contenido, a todos vosotros un millón de gracias.

Y antes de marcharme quiero quiero dejaros dos deseos a forma de despedida, el primero que seais inmensamente felices o por lo menos lo intentéis y el segundo como no puede ser menos que vivas el cine

Los tres días del Cóndor 1975

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, la película que hoy nos ocupa en esta reseña, es uno de los films más importantes en eso a lo que se llamó el cine conspiranoico, subgenero del thriller político que tuvo su cenit en la década de los 70 debido como bien sabéis muchos al escándalo WaterGate y es que este film se  convirtió de inmediato en una obra de culto, en una película que ya desde su estreno se sabía que iba a ser inmortal y es que estamos hablando de ni más ni menos que Los tres días del Cóndor película estrenada en 1975 por Sydney Pollack.

Veréis, este film es un producto creado por el grandísimo productor italiano Dino de Laurentis de hecho es que compró los derechos de la novela en la que se basa, titulada los seis días del cóndor del escritor James Grady casi al mismo tiempo en la que se publicaba en 1974 y esta agilidad del productor hizo que el film fuera lo suficientemente fresco como para no ser eclipsado por la obra litararia.

Con los derechos comprados, Dino de Laurentis pensó que sería un film perfecto para Warren Beatty y esto es debido a que en ese mismo año había protagonizado El último testigo de Pakula. Para dirigir al actor se pensó que el director perfecto sería Peter Yates, si el mismo autor que dirigió la portentosa Bulitt.

El caso es que cuando se iba a empezar las contrataciones Robert Redford se sintió atraído por el proyecto, en parte seamos sinceros por la necesidad que tenía el actor de conseguir fondos para la producción que tenía en ciernes, todos los hombres del presidente en la que no sólo actuaba si no que tambien producía. Y claro tener a Redford en un film de los setenta era tener la taquilla asegurada y a demás poder contratar un elenco poderoso atraído por la figura del actor.

Aunque Redford ya había trabajado con Yates un año antes en Un diamante al Rojo vivo, el poco éxito que tuvo la cinta, le llevó a proponer a Dino de Laurentis un cambio de director siendo el propuesto Sideny Pollack ya que el actor había rodado con él tanto Las aventuras de Jeremíah Johnson  de 1972 película que llegó a estar nominada a la palma de oro de Cannes y un año después le dirigió en Tal como éramos, film que consiguió seis nominaciones a los oscar siendo premiado en dos categorías.

Pollack tenía fama de ser un autor de éxitos constantes y la petición de Redford no cayó en saco roto y fue contactado por el productor para al final ser contratado como director de la película

Ahora si os parece bien, antes de adentrarnos a comentaros un poco de que va la trama del film quiero detenerme un segundo y preguntarte ¿si estás suscrito o no? si no lo estás quiza te interese saber que este canal se dedica a aconsejar cine de calidad entre clásicos populares y otros más de autor, obras que seguro que van hacer de esa tarde aburrida que no sabes que ver una velada maravillosa de cine, donde además conoceréis como se gestó la película y el por que ha llegado a ser un imprescindible, así que planteate darle al botón y a la campanita ya que tienes más de 350 reseñas ya subidas al canal, de todos los géneros y gustos para que encuentres aquello que te apetece ver y no lo sabes.

Dicho este breve parentesis volvamos a la reseña y en este caso a comentar por encima y sin espoiler ya sabéis que es un principio del canal el no destriparos la obra que queremos que veas, de que va la película.

Estamos en la ciudad de nueva york en una oficina de la CIA, el equipo de inteligencia del gobierno son unos burocratas de la agencia estatal, su misión es leer novelas y periodicos y encontrar posibles complots dentro de las obras literarias, todo lo que les llega se pasa por un ordenador y con los datos obtenidos por este, son cifrados y enviados a la central que tiene en el World Trade Center.

Pero un día un grupo de asaltantes entra dentro de dicha oficina y asesina a todos los que están allí presentes, sólo se salva un agente, Turner por haber ido a por unos bocadillos para el resto de sus compañeros, al encontrar a estos asesinados se da a la fuga temiendo por su vida e intentando descubrir por que han asesinado a un equipo de tan poca relevancia como era la oficina en la que trabajaba.

Y ya no te voy a contar nada más, tampoco creo que lo necesites por que si no has visto esta película aún, dejamé que te cuente más cosas de la obra por que es de esas películas irrepetibles.

Pues bien, la trama en la que mete al fin y al cabo a un hombre común, esto de común lo pongo entre parentesis ya que es un miembro de un departamento de inteligencía que ha estado leyendo datos y aprendiendo la teoría de acciones de contraespionaje de una forma constante, no es un hombre de campo, ni un soldado ni un asesino, pero saben como actuan estos e intenta poner en práctica lo aprendido durante años, pero claro el no es nada de eso, es como digo un hombre común al que todo lo que está viviendo le supera, no sabe gestionar toda la vorágine de acontecimientos que están poniendo en pelígro su vida, pero por otro lado el sicario que le persigue, uno de los asesinos más capaces llamado en nombre en clave Lucifer, no puede preveer lo que va a hacer en el próximo movimiento ya que no se puede predecir a un oponente que no sabe jugar al juego de la guerra fría, creando una trama del gato y el ratón constante y todo esto mientras vamos decubriendo junto con nuestro protagonista de la historia Turner o Condor en su nombre en clave, por que quieren terminar con su vida.

La trama además se verá aderezada con la entrada en juego de una ciudadana cualquiera Kathy y con un doble juego por parte tanto de su jefe superior Higguins como por el asesino a sueldo Joubert.

Uno de los puntos fuertes son el reparto que tiene el film, a demás de Redford, se pudo contratar a una de las mayores estrellas de hollywood de los setenta la prodigiosa Fate Danaway a Cliff Robertson y a un magistral Max Von Sidow, para que os hagáis una idea del portentoso elenco que tiene esta película el único actor de los nombrados que no posee un Oscar de Hollywood es Sidow para mi uno de los mejores interpretes de la historia del cine. 

Y es que cuando se admira a estos titanes de la interpretación batirse en duelo interpretativo, esta sale de la pantalla, te entra por la piel y te olvidas de que lo que estás viendo es una película y sientes que el peligro es real, las motivaciones veraces y los amores sinceros, pero no es el único acierto.

 no podemos olvidarnos del trabajo en guión de este film a cargo de Lorenzo Sempel Jr y de David Reyfield que hacen de la novela de James Grady.

Del trabajo en la fotografía a cargo de Own Roizman, si el mismo director de foto que en la película es Exorcista que te puede dar un indicativo de la calidad en la imagen que vas a disfrutar y de la banda sonora original de Dave Grusing, si, si el autor de la banda sonora orginal de los Goonies una de mis favoritas que aquí se mete en una sintonía más setentera que aquella película juvenil de los ochenta.

y ahora quiero hacer un punto y a parte y hablar del que para mi es uno de los mejores directores de todos los tiempos el portentoso Sidenay Pollack.

Veréis aunque pueda parecer curioso el director de Lafayete Indiana empezó siendo actor, de hecho es que siempre que puede aparece en pantalla, en esta película puedes encontrarle varias veces, como taxista, como viandante y como la voz del telefono y es que hay que decir que como actor es bastante bueno, pero donde Pollack destaca es en la dirección aquí pocos empatan con él, uno de sus puntos fuertes es la puesta en escena, la composición del plano es siempre estética, da igual que retrate una cafetería abarrotada donde cada fisgurante es tratado como atrezzo para crear el plano perfecto, como de los planos más descriptivos tanto en primeros planos o planos detalle donde el uso de la luz y la lente hace que sintamos que estamos ante una gran película.

El segundo es el ritmo de las películas de Sydney Pollack, siempre va a favor del espectador, Pollack no permite que éste se aburra o que se pierda en sus tramas y no hablamos de un director que busque películas lineales, un ejemplo es Bailar, Bailar Malditos una de las películas más complicadas en la narrativa en la que el autor sabe llevar al espectador por una trama nada agradable con él o esta película en la que la política y los complots no son de lo más facil de entender y comprender pero que gracias a su trabajo a la precisión de la información y del momento en que nos la da, todos los espectadores entienden las motivaciones y no pierde a nadie y eso que por motivos narrativos de pasar la novela al guión tuvieron que encapsular en tres días lo que en la novela ocurre en 6 y ahora vengo con una buena noticia, por que sí, ha llegado el momento de hacer un ciclo sobre Sydney Pollack y esta es la primera película con la que abrimos este grupo de obras de este maravilloso director que está por meritos propios en el olimpo de los más grandes de este arte.

Y para empezar lo antes posible con la siguiente reseña de este autor que podrás ver en un par de días, tengo antes que terminar este consejo de cine, película aconsejable para todos aquellos que les gusten los thriller políticos, pero tambien a todos los espectadores que les gusta disfrutar de una trama bien hilada con uno de esos finales inolvidables y con una calidad escénica sin comparación y antes de terminar pedirte que si te ha gustado este consejo, si te gusta el ciclo de Pollack nos regales un like es una de esas propinas que a ti no te cuesta nada pero para nosotros es un regalo y antes de despedirme sólo quiero dedicarte dos deseos, el primero es que seas inmensamente feliz o lo intentes y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine

1997 Rescate en Nueva York

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia,  como dice un amigo mío, hay más de 1000 razones para ver la obra de Carpenter y sólo una para no verlo y esta última es, que no te guste el cine. Pero como no es el caso, cómo todos los que estáis viendo esta reseña y consejo cinematográfico sois unos enamorados de este arte vamos a daros en este video obviamente no 1000 razones para su visionado pero si algunas que harán que si no tenias la película en el radar  para verla los proximos días, se convierta en una muy buena opción de tarde cinefila por que sí, hoy el canal se viste de gala para reseñar una de las autenticas películas de culto de los años 80, un film inigualable titulado 1997 rescate en Nueva York.

Veréis aunque la película se estrenó en 1981 hay que decir que la obra fue gestada mucho tiempo antes ya que en 1976 John Carpenter escribió este Rescate en Nueva York, la principal motivación para narrar esta historia descreida con los dirigentes de los estados unidos fue el caso Water Gate, un proceso que terminó con el presidente de los EE.UU Richard Nixon dimitiendo. Y que zarandeó a la sociedad norteamericana que despertó de un sueño idílico para darse de bruces con una realidad nada ejemplar.

El caso es que una vez finalizado el guion, ningún estudio lo quería, era demasiado violento, demasiado extraño y por supuesto demasiado caro, por lo que quedó encerrado en un cajón.

Tras ello el director rodaría su primera gran película Asalto a la comisaría del distrito 13. un film que le abrió las puertas de nuevas producciones que le llevaría a rodar La Noche de Halloween una de las películas más rentables de la historia del cine que puso en valor su figura cómo director siendo mirado con otros ojos por parte de los estudios y profesionales del cine. Un ejemplo fue que Debra Hill una de las pioneras en la producción cinematográfica que había firmado con AVCO embassy contrató a John Carmenter para dos películas, la primera que rodó fue La niebla en 1980 y la segunda iba a ser El experimento Philadelfia, pero Carpenter sentía que no podría rodar aquella película por el esfuerzo que conllevaba la adaptación a guión la novela en la que se basaba, así que le ofreció a Hill aquel guión titulado Escape Form New York que tenía encerrado en un cajón desde hacía 5 años, Debra accedió a su lectura pero cuando Carpenter estaba repasando aquel antiguo libreto vió que le faltaba ritmo y acción por lo que llamó a su amigo de la escuela de cine Nick Castle para que le echara una mano con la reescritura, por cierto sí Nick Castle es el actor que se escondía tras la máscara de Mike Mayers en el primer Halloween, pero además era un excepcional guionista y director, por cierto suya es una de mis películas ochenteras favoritas El último Starfighter obra que dirigió en 1984 y que más pronto que tarde tendremos que reseñar en el canal.

El caso que el trabajo de John Carpenter y Nick Castle dio como fruto el guión definitivo de esta película y ahora antes de ir directamente a contaros de que va el film dejenme que les cuente antes un par de cosas. 

¿Te gustan mis reseñas de cine, donde os presento clasicos de siempre y obras más de culto?. ¿Eres un aficionado al cine que de vez en cuando no sabes que ver o quieres tener la certeza de que en la película en la que te vas a adentrar las proximas dos horas es para ti? Pues suscribeté al canal, te recordaré películas que has visto o te presentaré obras que desconoces y como tienes más de 350 reseñas en el canal pues seguro que vas a encontrar esa película que te apetece ver, por eso dale al botón y a la campanita y vas a formar parte de esta maravillosa tribu de cinefilos que formamos los suscriptores del canal. 

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Pues tras ese breve parentesis vamos a ir a contaros la trama, pero antes una aclaración, aquí la reseña es para empujarte a ver la película por lo que no hacemos ningún tipo de spoiler, os damos una pincelada para que sepas de que vas pero dejamos que te sorprendas con la película, sin dar más datos que los necesarios, es un principio del canal que nunca nos saltamos.

Estamos en el lejano año, para aquel momento, de 1997, la delincuencia es un problema social y se ha disparado en los EE.UU. así que el gobierno ha decidido meter a los ciudadanos más problematicos en un reducto situado en la isla de Manhattan, algo así como una especie de carcel o de destierro, Los puentes han sido minados y un muro de 15 metros levantado para que cualquier persona llevada allí no pueda salir. El cuerpo policial que guarda de que nadie salga tiene como base la estatua de la libertad donde se encuentra su cuartel general.

Un día el avión presidencial es secuestrado y ante el pelígro de que estrellen el avión y que muera el presidente le meten en una capsula de salvación y le ejectan cayendo en medio de la ciudad prisión.

La policía que no puede adentrarse dentro de la ciudad sin poner en pelígro la vida del presidente, toman la decisión de reclutar a Snake un antiguo soldado del ejercito ampliamente condecorado y que va a ser llevado a la isla por atraco para que busque y rescate al presidente a cambio de su libartad pero tiene de limite 24 horas y hasta aquí te voy a contar, el resto tendrás que verlo tu en un film simplemente maravilloso y divertido como pocos.

La productora no veía a Kurt Russel como Serpiente, el caso es que Rusell había sido un niño televisivo con una larga trayectoria en las producciones Disney, la gente había visto crecer al actor siempre en películas de corte familiar y no veían en el al mercenario sanguinario que es el protagonsta de la cinta, así que propusieron a  Charls Bronson, pero Carpenter sabía que haría un buen papel el bueno de Rasell al que concocía de su rodaje en el telefilm Elvis. Rusell prometió a los productores cambiar su aspecto físico para la cinta, se dejó el pelo largo, cogió musculatura gracias al entrenamiento con David Prose si el mismo actor que se enfundó el traje de Darth Vader en la guerra de las galaxias y que además de actor  era un famoso culturista y por si fuera poco, se colocó un parche el ojo que le dió el luck que conocemos hoy en día de Snake de rescate en Nueva York.

La película es directa, divertida como pocas y con unos efectos especiales que hoy en día siguen estando vigentes, un maravilloso trabajo de matte Painting que hace que nos creamos el mundo que nos cuenta este film, aunque hay que decir que la ciudad que vemos no es nueva york si no en la ciudad de San Luis una de las regiones más deprimidas de aquellos años que además había sufrido un gran incendio que no habían reconstruido, teniendo una parte de la ciudad totalmente demolida, siendo este el marco incomparable para crear el mundo de esta genial película.

La obra es uno de los poco éxitos taquilleros de Carpenter, 1997 Rescate en Nueva York consiguió sólo en los ee.uu, y canada 25 milones de dólares de los 6 millones que costó siendo un exito comercial que no ha hecho más que crecer desde entonces, ediciones en video domestico, comics y hasta un juego de mesa dan fé de la repercusión de esta película que por cierto tuvo una secuela en 1996 titulada 2013 rescate en los Angeles en la que repetía Rusell y Carpenter pero como se decía en Conan, Eso es ya otra historia.

Por lo que creo que vamos a dejar aquí la reseña y consejo de cine, pero antes de despedirme quiero decirte dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o lo intentes que es suficiente en el tiempo que corre y segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine

 

 

Parque Jurasico 1993

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, veréis hoy en día al espectador actual es dificil sorprenderle, ha visto personajes azules realistas en 3D, superheroes haciendo explotar una ciudad o naves especiales totalmente realistas, pero quiero que os trasladéis a los ojos de un joven enamorado del cine en los años 90, los efectos especiales habían avanzado mucho, aunque siempre se tenía un poco de manga ancha ante algunas diferencias de lo que se veía en el cine con la realidad, así que ese joven, compra su entrada, se sienta en la butaca y se dispone a ver Parque Jurasico y ante él ocurre la magia, se ve con un realismo imposible hasta ese momento animales prehistoricos extintos.

Junto a ese Joven decenas de millones de espectadores sienten el mismo impacto y durante años todo el mundo leía libros sobre dinosaurios, se aprendían sus nombres e incluso se hacían series sobre aquellos animales extitos. Por que sí, la película que hoy vamos a reseñar fue uno de esos saltos técnicos que crearon otro hito en el cine, pero quedarnos en la técnica solamente sería injusto por que Parque Jurasico film rodado por Spielber en 1993 es mucho, pero que mucho más y si me acompañas en esta reseña te aseguro que la próxima vez que la veas, lo vas a hacer con otros ojos.

Esta película nace de la novela de Michael Chrichton titulada con el mismo nombre, pero ya veréis que tanto la novela como la posterior adaptación al cine casi nacieron al mismo tiempo, pero ahora que mejor que contaros un poco de que va la película, sólamente la sinopsis del film por que como ya sabéis no importa lo famosa que sea la cinta ni los años que hayan pasado de su estreno, aquí nunca se hacen espoiler así que estaros tranquilos en ese aspecto.

Pues bien Gran y Ellie son dos paleotologos que están trabajando en el desentarramiento de un fosil de un velociraptor, uno de los más temibles dinosaurios que han poblado la tierra. Su trabajo se ve interrumpido por la llegada de su mecenas el Sr Hammond. Éste tiene la necesidad de que ambos firmen una autorización de un proyecto que tiene en una isla de centroamerica. A pesar de las reticencicias primeras de Ellie y Grant estos se ven empujados tras la recompensa de tres años de financiación si le acompañan a la isla Nublar.

Allí en el viaje conocerán al matematico Malcom una especie de rockero de las ciencias, el caso es que yá en la Isla Costarricense los cientificos se verán abrumados al descubrir que Hammon ha conseguido clonar dinosaurios vivos y campan en una especie de mundo primitivo. El caso es que el proyecto no es otra cosa que un parque de atracciones donde los visitantes podrán ver todo tipo de animales prehistoricos y si, tambien podrán conocer al peligrosisimo velociraptor y hasta aquí te voy a contar por si aún no has visto este clásico de la ciencia ficción, te vas a sorprender con una trama simplemente maravillosa.

Y ahora antes de volver a la producción déjenme que os pida un par de cosas, ¿Te gusta el cine? ¿Quieres conocer nuevos clásicos o que te recuerde obras cumbres de este arte? pues si la respuesta es que si, suscríbete y no te arrepentirás ya que todas las semanas podrás disfrutar de dos reseñas cinematográficas, que habrá veces que conozcas y otras que sean un descubrimiento y desde aquí te prometemos daros todas las pistas para que sepas si se ajustan a tus preferencias o no y segundo, te gusta este tipo de contenido en youtube, pues regalame un Like así hacemos que más reseñas de cine lleguen a más gente. 

Pues dicho lo cual vamos a entrar de lleno a como se gestó este film y a su producción.

Veréis Michael Chrichton tenía la idea de un cientifico que conseguia dar vida a un dinosaurio, esta idea del escritor estaba cogiendo forma en 1989 mientras que estaba preparando la serie de televisión Urgencias donde Espilberg trabajaba como productor, en un momento de relax, Spielberg le preguntó en que estaba enfrascado a lo que Chrichton le comentó que en una novela sobre Dinosaurios que cobraban vida en la actualidad.

Steven Spielberg que era un enamorado de Godzilla y de King Kong se interesó en comprarle los derechos a lo que Chrichton le replicó que sólo se lo vendería si lo dirigía él, aunque aquella transacción no llegó a buen termino, si que se creó el interés por parte del Director de Ohio.

Chrichton terminó la novela en 1990 y una cosa que hacen los estudios en estados unidos es una especie de subasta entre ellos de las obras literarias que se van a publicar posteriormente para hacerse con los derechos para el cine y Parque Jurasico entró en dicha subasta. 

Algunos de los grandes estudios estaban interesados La Warner Bross para Tim Burton, La Columbia para Richard Donner la Twenty Century Fox Para Joe dante, pero quien al final se llevó el gato al agua fue la Universal con Steven Spilberg como director comenzando así la producción de Parque Jurasico en 1990 por una cantidad nada despreciable de 1 millon y medio de dólares.

La Universal quería que Chrichton estuviera involucrado en el guión por lo que le pagó medio millon de dolares más y empezó su trabajo de adaptación junto con los guionistas Alan Grant, Ian Malcom y Malia Scot Marmo y en 1991 ya tenían un borrador del guión cinematografico.

Spielberg quería que ahora otro guionista le diera el toque final a la historia por lo que se contrató a David Koepp que pulió la historia hasta dejar un maravilloso film de aventuras.

El problema que tenía Spielberg era que el quería que los dinosaurios se pudieran ver completamente, para las partes que iban a interactuar con los actores no tenía ningún problema ya que contaba con el talento en los animatronicos de Stan Willson, ¿Pero como hacer esos grandes cuadrupedos para que se vieran en todo su esplendor en todas las condiciones de luz? es entonces cuando se contrató a Tippet uno de los genios del Stop Motión que había ideado una forma de otrogar desenfoque de movimiento a dicho sistema de animación, aunque las pruebas eran buenas, estas no conseguían el acabado que spielberg quería, pero Denis Muren de Light and Magic que estaba contratado para hacer algunos efectos digitales, les pidió hacer una prueba y unas semanas despues llamó a Spielberg y a Tippet para que se pasaran por la oficina y les puso esta secuencia que estáis viendo ahora mismo.

Tras ver lo que habían conseguido en Light and Magic Spielberg miró a Tippet y le dijó Phil creo que te has quedado sin trabajo y esté le replicó, No me acabo de estinguir, ese comentario impactó tanto a Spielberg que lo metió en el dialogo de los personajes.

El caso es que tras el problemas de los dinosaurios solventados comenzó el momento de encargar el reparto, veréis Richard Atemboroug accedió de inmediato a formar parte de la película encarnando al empresario Dr. John Hammon, pero esa misma suerte no la tuvieron con el personaje de Alan Grant, el primero en ser contactado fue William Hurt que ni se leyó el guión antes de decirles que no. Kurt Rusell, Richard Dreifus, Harryson Ford o Tim Robbins fueron otros actores contactados y todos se negaron, el reparto ya se había completado Jef Goldblum interpretaría al matematico Malcom y Laura Dern a la doctora Ellie, pero uno de los protagonistas del film como era Grant aún no tenía rostro y sólo quedaba un mes para empezar el rodaje y entonces se contacta con Sam Neil que sin leerse nisiquiera el guión aceptó de inmediato rodando así uno de los papeles más importantes de toda su carrera.

La película una vez terminada de rodar entró en un duro proceso de postproducción, se tenían que incorporar todos los elementos CGI de la película y estos eran muchos, por lo que el tiempo se alargó y Spielberg empezó el rodaje de la Lista de Schindler, este retraso obligó al director a trabajar por el día en el rodaje del film sobre el olocausto judío y por las noches revisar la composición y edición de planos en un esfuerzo improbó para el director, pero en 1993 Jurasic Park se había terminado 

Y con una agresiva campaña publicitaria  y un gasto total de 63 millones de dólares de los años noventa o la película era un rotundo éxito o sería una debacle tanto para el estudio como para las productoras, pero nada de eso pasó, el film consiguió una taquilla record de 1000 millones de dólares siendo esta uno de los films más rentables de toda la historia del cine.

¿Y bueno, por que tienes que ver o revisitar este maravilloso clásico de los noventa? Primero por que tiene la magia de las películas de aventuras de toda la vida, un film familiar que no está pasado por el filtro del buenismo, aquí no le duelen prendas en mostrar cómo algunos personajes son devorados por animales prehistoricos, tambien por que no es un carrusel de acción constante de esas que sales mareado del cine y con la sensación de que has visto mucho cacharreo, mucha acción para nada de trama, este film es tan equilibrado como un thriller con una parte final vertiginosa pero que no se adentra en este mal de la actualidad de dar mucho al espectador cuanto antes para que no se aburra y creerme que películas como esta bien hilada, bien presentada y bien desarrollada se agradecen en estos tiempos que corren.

Y nada ya voy a ir dando por terminada la reseña y consejo del film, un film que me impactó en su momento y que aún lo sigue haciendo con esos ojos llenos de añoranza de aquellas sorpresas que nos regalaba de vez en cuando el séptimo arte, como fue este film y no me quiero despedir de vosotros sin dos deseos, el primero es que seais inmensamente felices o por lo menos lucheis por ello y segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine 

 

El cocinero, el ladron su mujer y su amante

 Bienvenido, bienvenida querido amigo y amiga de Cinefilia, veréis antes de empezar con la reseña me gustaría dejar claros algunos conceptos sobre el film que aconsejamos su visionado y que por la misma razón vamos a dedicarle la reseña, pues quiero decir que para muchos de vosotros esta película no és, os parecerá aburrida, sin ritmo, de una producción extraña y encierta forma quizá no entiendas por que tiene una legión de fieles seguidores en la cual me incluyo y es que si reseño este film lo hago por que para otros muchos de vosotros está película se va a convertir en un descubrimiento, en una joya inolvidable del cine y un film que dificilmente podrás olvidar.

Así que para intentar orientarte en el camino de esta obra que trasciende al cine y descubrir si es para ti o no, acompañame en este viaje grotesco y cruel que os propongo un pasaje hasta el infierno del ser humano rodado por Peter Greenaway en 1989 titulada El cocinero, El ladrón su mujer y su amante.

Veréis antes de entrar en la película, en este caso es fundamental entender la visión del autor, ya que esta obra bebé directamente de un estilo propio alejado de la convención del arte cinematográfico y es que Peter Grenaway viene directamente del arte pictorico, un pintor que quiso adentrarse en el cine para poder encajar música e imagen y es por ello por lo que en esta obra es tan importante la composición músical cómo la creación del film. Greenaway llegaba en un momento creativo excelente, ya se había acostumbrado al arte cinematográfico y empezaba a tener un sello personal alejado de lo que solicita el público y esto es debido, a que el coqueteo con el documental de sus primeros años estaba siendo eclipsado por sus obras de ficción, ya que en 1982 había rodado uno de sus mejores films El contrato del dibujante obra que ya hemos reseñado en el canal y que os dejaré un enlace en la descripción del vídeo por si queréis verla. Tras ese portentoso film decimononico rodó El vientre del arquitecto un drama  en el que se asentaba como una promesa del cine europeo, con esas dos películas que aún conservan un resquicio de cine convencional las productoras independientes tenian en Greenaway como objeto de deseo, más que nada por que venía con aura de promesa del cine tras su nominación a los Bafta y por la selección oficial en el festival de Canes.

Así que cuando buscó fondos para realizar esta película que ascendió a 7 millones de dólares no tubo gran problema en conseguirlo y poder crear su primera gran película totalmente personal alejada del cine convencional, en ella vuelca toda su creatividad en un film que es más una representación operistica que un rodaje de cine

Los escenarios son literalmente decorados teatrales, podemos observar las tramollas del teatro, las estructuras de atrezo en un film que raya lo prodigioso en cuanto al estilo, pero antes de entrar en ese apartado, me van a permitir que comentemos de que va la obra.

Albert Spica es un jefe criminal, el y sus secuaces hacen de la violencia y la extorsión su forma de vida, junto a Albert nos encontramos a su esposa Georgina una mujer marcada por el miedo hacia la violencia de Albert que no duda en ejercerla contra ella y ridiculizarla. Un día Albert y su grupo criminal se acercan al restaurante Le Hollandaise o traducido al español La Holandesa un local que está intentando adjudicarse el mafioso Albert, allí el cheff Richard Borst mantiene un poco la distancia con él y consigue mantener un poco de dignidad al enfrentarse sutilmente con el agresivo Sr Spica. 

Albert Spica comienza a ir todas las noches de una misma semana donde se rien y presumen de sus fechorías o hacen contratos con otros mafiosos, pero bajo la distracción que generan esos encuentros, Georgina se ha enamorado de Michael, manteniendo un romance bajo el amparo del chef  Borst, pero pronto comenzarán las sospechas del marido por las ausencias continuas de su mujer en la cena y ya no te voy a contar nada más, ya sabes que no hacemos espoiler de ningun tipo es un principio del canal que nunca nos saltamos y para poder entrar de lleno en la gloria de esta película volvamos a la producción.

La obra se gesta bajo el amparo de la visión que greenaway tiene del cuadro Holandés (de ahí el nombre del restaurante) Banquete de los Arcabuceros de San Jorge de Haarlem una obra que retrata a unos soldados en medio de una comida y que es el mismo que podemos ver presidiendo el salón del restaurante, sobre esta pintura Greenaway empezó a montar una historia romántica y de celos. 

Al personaje principal que encarnaría Michael Gambon y al que llamaría Albert Spica le dió el perfil de una persona inculta que no lo sabe, un grotesco Gourmet que no entiende de comida y de un charlatan que no escucha, al que solo se le oye a el decir o bien obviedades o bien disparates sin que nadie se atreva a pararlo.

Por el contrario el Amante, interpretado por Allan Howard es un hombre callado, culto, un lector empedernido en el que Georgina la mujer de Spica siente una profunda atracción.

Georgina es una mujer aplacada por el marido, ella, más inteligente y más bondadosa en cierta manera es el mayor rival de Albert Spica ya que es la que con el contraste de la cultura ridiculiza a este, el papel interpretado por una sobervia Hellen Mirren es de esos que dificilmente se van a olvidar y más si llegas a terminar el film cosa que como dije al principio no garantizo.

Y por último el cocinero, Ese artista culinario esa persona que puede tratar de tu a tu a Spica aunque siempre con la precución de saber que estás metiendo la cabeza en las fauces de un león, esa valentía moderada la interpreta como nadie el grandísimo Richard Borhinguer que hace una interpretación maravillosa.

Pero como os comenté antes la idea fundamental del cine de Greenaway y es proporcionar melodías a sus escenas y aquí vuelve a recurrir a Nyman, el caso es que cuando ocurrió la desgracia del estadio Heinsel de bruselas Nyman creo una partitura llamada Memorial, esta partitura pudo escucharse en radio y uno de los oyentes fue Greenaway que pidió que fuera el tema principal para su obra, Nyman que no había aún grabado de forma profesional la sintonía se la cedió y creo la Banda Sonora de esta prodigiosa película una partitura tan barroca como el propio film pero a la vez hipnotica y desagradable.

Greenaway con estos mimbres y una creatividad desbordante vuelve a realizar un film mítico quizá el más grande de su carrera, en este caso la puesta en escena trasciende la pintura, los movimientos de cámara precisos hacen que el especatador nunca se meta en el film, siga siendo un espectador en tercera persona una especie de Boager consciente de que lo está siendo.

Para completar la gloria decir que pudo contar, como si de una opera se tratara con uno de los diseñadores más importantes de la historia Jean Paul Goltier que junto al trabajo en la fotografía de Shacha Vierny hacen de cada plano, de cada escena poesia en escena.

A ver, ahora con la reseña terminada quiero dejarte algunos puntos de vision personales del film para que descubras si es para ti o tienes que dejarla para más adelante, pero antes quiero preguntarte una cosa.

¿Te gustan mis reseñas, te hago pasar un rato agradable en Youtube? pues no lo pienses más dale al botón y a la campanita y así no te vas a perder ninguno de nuestros consejos de cine, a veces más comercial y otras como el caso que nos ocupa hoy más personales.

Pues lo prometido. A ver, la película es densita, no es un film agradable con el espectador en ninguno de los aspectos, su violencia tanto implicta como explicita no se suaviza con una coreografía de planos, el espectador ve lo ocurrido como si estuviera presente en los acontecimientos, esta visión subjetiva del film a veces juega a favor el espectador como puede ser toda la parte final pero la mayor parte de la obra es cruel con él.

Por otro lado el estilo, veréis no hay nada que no ocurra en una escenografía teatral, la búsqueda de o artificial está en constante lucha con las interpretaciones veraces y esos dos caminos son los que van a elegir si es para ti el film o no, si te dejas llevar por las interpretaciones vas a disfrutar mucho de la obra pero si no entras en cierta forma vas a pensar que es una tomadura de pelo.

Mucho he oido de la dureza de este film y es cierto, pero siempre ponen como ejemplo los desnudos que tiene la obra y aquí difiero, en ningún momento los desnudos que contiene la cinta son desagradables o grotescos, todos mantienen un equilibrio y belleza que sientes estar viendo un maravilloso cuadro de rubens, la violencia, la crudeza y la arcada, está en todo lo demás.

Y es que como te digo, muchos de vosotros esta película mejor que la olvideis por el momento, pero ojo, si eres de esos que no les importa ver narrativas nuevas, pues esta película puede ser para ti.

Así que al final queda bajo tu decisión, verla o no es una cosa que te compete a ti, pero creo que ya te he dado suficientes pistas para que tu mismo valores y cómo todo llega a su fin, tambien esta reseña, ahora toca enviarte de corazon dos deseos en forma de hasta luego, el primero que seas inmensamente feliz, el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine 

El sindrome de china 1979

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, antes de empezar con la reseña de esta peculiar película, de esta joya del thriller que tiene en el guión, el reparto y la dirección una extraña concordancia para que todo el talento se uniera en un mismo momento que fue la producción del film, dejenme que les diga cinco palabras, Accidente de Three Mile Island muchos de vosotros seguro que no les dice nada, pero sin embargo seguro que despues de ver esta película jamás se os olvidará, veréis dicho acontecimiento no tiene nada que ver con el film y a la vez lo tienes todo y para explicarme mejor creo que es necesario explicar que fue dicho Accidente.

Veréis si os preguntara de un accidente en una central nuclear, seguro que a todos nos viene a la cabeza Fukushima y sobre todo Chernovil, pero lo curioso del caso es que en EE.UU. también se vieron afectados por un incente en una central nuclear de dos reactores la que estaba en La isla de las tres millas, el caso es que el 28 de Marzo de 1979 con Jimmy Carter de presidente una serie de catastroficas decisiones con un problema en el reactor 2, dejó el nucleo al descubierto creando una fuerte contaminación radioactiva que hoy 45 años despues tiene que seguir siendo descontaminada y vigilada. Una fuga radioactiva que ocurrió sólo unos días despues del estreno de este Sindrome de china, película que por azares del destino trata de algo similar y aunque no es costumbre del canal comenzar con la trama del film hasta que ya hemos entrado en la harina de la producción, creo que en este caso voy hacer una excepción y comentarte de que va la película para que puedas valorar mejor, Obra y Accidente.

Si eres nuevo en el canal, quiero decirte que jamás se hacen spoiler de ningun tipo de la película que aconsejamos por lo que puedes estar tranquilo.

Kymberly Wells y Richard Addams son reportera y camarografo respectivamente, un día durante un reportaje en la nueva planta nuclear que lleva poco tiempo abierta, son testigos de un acontecimiento poco usual, una alarma a saltado y los técnicos intranquilos han estado maniobrando hasta que por fin remitió el incidente, este hecho lleva a sospechar a los reporteros que han sido testigos de un accidente que ha podido ser una gran desgracia, pero los jefes de la planta le quitan fuego al asunto.

Pero lo que no saben estos, es que Addams y Kymbely han estado grabando todo el rato y con dicho documento va a buscar la verdad de lo sucedido.

Alucinante verdad, lo inexplicable del asunto es que esta película fue rodada unos meses antes y casi retrata a la perfección el incidente en Three mile island.

Así que si te animas a ver la película recuerda que parte de lo ocurrido en pantalla se hará real poco despues y para animarte a verla acompañenme a la produción de este maravilloso film.

Veréis el guión escrito por James Crabe llevaba varios años dando tumbos por productoras y agentes hasta que le cayó en la mano a Michael Douglas, hoy el hijo de Kirk es uno de los actores de referencia de hollywood pero lo que no saben muchos es que desde muy joven ya era todo un referente en la producción cinematorafica no en vano fue el productor principal de Alguien voló sobre el nido del cuco obra cumbre de Milos Forman y refernte del nuevo cine de los 70, el caso es que el guion fue a parar en manos del bueno de Michael Douglas que impactado con la historia se enbarcó en la producción del film.

La película nos narra un complot para ocultar un incidente peligrosisimo para los ciudadanos y sobre todo el peligro que existe si elementos de seguridad nacional como pueden ser las centrales nucleares son dirigidas por corporaciones privadas más centradas en ahorrar costes y que en la seguridad de su central. Esta trama tan controvertida en lo político no era una película para productoras como la Metro o la Twenty Century Fox, sólo la Columbia Pictures podría distribuirla por lo que Douglas se puso en contacto con los directivos y les propuso la distribución del film y sorprendentemente accedieron. así que en 1976 empezó la producción del film.

Los contactos de Douglas con los actores facilitaban la incorporación de estos a una película tan controvertida como esta, hay que pensar que en aquellos años sin ningun susto en el cuerpo, eran tratados como locos a todos aquellos que ponían en duda la seguridad de las centrales nucleares, incluso el Departamento de Energía de los Estados Unidos puso todas las trabas que pudo para que el film no saliese a la luz impidiendole no sólo el rodar, si no tampoco ningún tipo de asesoramiento.

Aún así Jane Fonda actriz bastante comprometida con el medio ambiente dijo si de inmediato a su contratación como la reportera Kymberly Wells y para el camarografó se contactó a Richard Dreifuss que inmediatamente dijo que si. El problema lo tenían con el jefe del departamento de la central nuclear Jack Godell, el primer actor en ser contactado era Jack Nicholson otro de los actores comprometidos de Hollywood que además era bastante valiente en escoger papeles políticamente incorrectos, pero este tuvo que declinar por que estaba metido de lleno en la producción del resplandor, así que se lo ofrecieron a Robert Redford pero este declinó la invitación, así que se lo ofrecieron a uno de los mejores actores de la historia del cine, el grandíasimo Jack Lemmon que aceptó tomar parte y empezó así el rodaje de la película.

El problema que tenían era que por culpa del veto del epartamento de Energía no sólo no podían rodar en una central nuclear si no que nisiquiera podían hacerlo en el exterior al ser estas lugares de maxima protección, por lo que tuvieron que tomar recursos del exterior de una central termica en Los angeles y realizar todo el rodaje en el interior en estudios, creando una sala de mandos similar a una central nuclear a base de fotografías.

El caso es que cuando ya se iba a empezar con la producción en serio, Richard Dreifuss se cae del elenco artístico por lo que tiene que ser Michael Douglas el que tome el testigo y salve la producción de su propia película y así se centro en quien sería el adecuado para dirigir la obra y esta cayó en las manos del  nominado al Oscar con Vida de un estudiante y que ya empezaba a tener una carrera cómo director. el bueno de James Bridges y así empezó la producción.

Ahora dejenme que les haga un breve parentesis, quiero preguntarte si te gustan mis reseñas, siempre de cine clásico o independiente, películas de gran calidad que seguro que van a ser más que un simple entretenimiento en esas tardes que no sabes que ver, pues si la respuesta es que si y ¿aún no estás suscrito a que esperas? dale al botón y la campanita y así no sólo te va a avisar cuando tengamos una nueva reseña si no que puedes ver en nuestro canal casi 350 obras de inmensa calidad ya reseñadas.

Pues volviendo a la película.

La obra es de esas en la que los actores estan maravillosos, sus actuaciones son tan eficaces y portentosas que cuando estaba en la sala de montaje  James Bridges dijo que no podía meter música en la obra, que las actuaciones eran tan rotundas que no había ninguna sintonía que pudiera mejorar lo que se veía en pantalla, pero claro esa era una decisión que debía de comentarsela al productor del film Michael Douglas, este tras ver el montaje estuvo totalmente deacuerdo siendo esta una de las pocas películas en la historia del cine que carecen de banda sonora músical.

Este recurso le da una dureza y realismo al film que le otorgó en 1980 cuatro nominaciones a los Oscar de Hollywood y a Jack Lemmon la Palma de Oro como mejor actor en el festival de Cannes.

La película que costó a Douglas y a la Columbia 6 millones de dólares consiguió en la taquilla Estadounidense la nada desdeñable cifra de 51 millones de dólares siendo un rotundo éxito que además se vio favorecido por haber sido visionaria en cuanto a la seguridad de las plantas de energia nuclear con el acontecimiento de Three Mile Island que os comentamos al principio y que me imagino que el Departamento de Energía de los Estados Unidos tubo que comerse sus prejuicios con el film y darle la razón.

Y nada con este consejo de cine, que de verdad es una obra que si no la has visto aún tienes que poner remedio de inmediato  termino la reseña no sin antes desearte que seas muy feliz o por lo menos lo intentes y segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine

Donie Brasco 1997

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, veréis hay películas que a pesar de ser maravillosas, que han triunfado en su momento, parece que el tiempo las entierra en el olvido, esto pasa con muchas obras de género o subgeneros de cine, en este caso, en el que nos ocupa hoy, los film que se enmarcan dentro de las actividades de clanes mafiosos en los estados unidos. ¿Y por que ocurre este suceso, por que se olvidan siendo obras sobresalientes? pues simplemente por que hay obras maestras que las eclipsan y es que si a a cualquiera nos preguntaran por 3 películas sobre la mafia, estoy seguro que la mayoría me contestaríamos las dos primeras partes del padrino y uno de los nuestros.

Y es que son tan gigantes esas obras que bajo su sombra sucumben películas tan maravillosas como este Donie Brasco de 1997.

La película que está basada en una novela que escribió el agente del FBI Josheph dominique Pistone sobre su propia vida y de los aconteciemientos que vivió mientras estuvo infiltrado dentro de una familia mafiosa, es la obra que narra este film, veréis la novela publicada en 1988 fue comprados sus derechos filmicos por parte de Louis Digiamo, un amigo de la infancia de Pistone que estaba relacionado con el cine gracias a su trabajo como director de Casting, en este caso Digiamo se metía como productor cinematografico haciendose con los derechos de la obra y vendiendosela a Baltimore Pictures de Lewiston director de cine con el que ya había trabajado Digiamo, este con sus contactos se lo presentaron a Tri Star Pictures que estuvieron muy interesados con el film, por lo que empezó la preproducción de la película, Tri Star Pictures contrató a Stephen Frears para que se hiciera cargo de la dierección, se empezaron a contactar con el elenco que iba a protagonizar el film siendo Al Pacino el actor elegido por Frears para interpretar al agente infiltrado, pero el caso es que cuando iba a arrancar la producción de la película la Warner Bros estrenó Goodfellas, film mafioso de Scorsese que no fue un éxito precisamente por lo que dejaron la producción en el limbo. 

Mientras tanto Frears con otros proyectos en cartera olvidó Donie Brasco y siguió con otros rodajes, quedando el proyecto del film encerrado en un cajón. 

El caso es que lejos de olvidarse Digiamo continuó avanzando en la producción de la película, poniendo en contacto al guionista Paul Atanassio con Pistone.

El trabajo del verdadero protagonista con el escritor de guiones fue de lo más productivo, entre otras cosas por que Pistone se había quedado una copia de las grabaciones magnetofonicas que hizo a la mafia, con lo que el guionista se pudo hacer un retrato bastante eficaz de las formas de actuar de aquellos delincuentes y por otro lado el poder acudir a un miembro de la policía que había pasado varios años infiltrado como un miembro de una familia mafiosa hizo de el guión de Donie Brasco un autentico retrato de cómo actuaban este tipo de clanes.

El caso es que llegado un momento y pasados varios años, por fin se retoma el proyecto, en este caso con el directo Mike Newell cómo creador de la cinta.

Newell empezó de inmediato cambiado el rol que iba a ejercer Al pacino, el pensaba que su actuación sería más potente no cómo miembro infiltrado, si no como el mafioso que sirve de cicerone al detective, siendo el papel del agente del FBI encarnado por Johnny Depth.

El resto del elenco lo completaría Michael Madsen, Bruno Kirby y Anne Heche y ahora si os parece bien, vamos a continuar explicando un poco la trama, en este caso más que nunca voy a intentar solamente dar una pincelada de los acontecimientos que ocurren en el film para no haceros ningún tipo de spoiler ya que es un principio del canal, no destriparos la trama de la película que aconsejamos, así que estate tranquilo en ese aspecto.

Donnie Brasco es un agente del FBI que intenta acceder a una familia mafiosa con el fin de desarticularla, su personaje es el de un esperto en joyas un valor que puede interesar dentro del clan, su acceso viene de la mano de un viejo jefe de la mafia Lefty que pronto éste cae en la trampa creada por el policía y le incorpora dentro del clan mafioso de Nueva York, el caso es que poco a poco Brasco va sintiendo simpatía por ese pobre delincuente, un villano que es un don nadie y que ha dado su palabra de honor para incorporar al joven joyero, siendo cualquier falta de este, suficiente motivo para ser eliminado por el resto del clan. 

Pronto los superiores de Brasco querrán más de él y tendrá que jugarse el cuello en una operación clandestina que alejará a Donnie de sus jefes policiales y hasta aquí te voy a contar, el resto tienes que verla tu en una película que es una delicia.

Veréis El cambio de Neewell en cuanto al personaje de Al Pacino es todo un acierto, ya que aquí, encarnando a un mafiosos lleno de pliegues y taras, un don nadie que está esperando continuamente un ascenso que no llega y que otros miembros más jovenes le pasan por delante, le permiten crear un alarde interpretativo que pocos actores pueden desarrollar, la devilidad de un hombre que quiere hacer notar su fortaleza es un alarde sólo a la altura de los más grandes actores, en cierta forma el film orbita sobre él y es que aunque Johnny Depth está magnifico, su papel raya la perfección, Pacino toma el protagonismo total de la cinta, sintiendo el espectador una extraña complicidad con ese matón mafioso llamado Lefty.

Ahora me van a permitir un breve parentesis para preguntaros si estáis suscritos al canal y si no es así, invitaros a dar al botón y a la campanita, para que no te pierdas ninguno de nuestros consejos de cine, que intentamos descubriros o recordaros obras maravillosas del séptimo arte que harán de esa tarde que no sabes que ver una velada fabulosa de cine y ya tienes más de trescientas en el canal, por lo que creo que es una acción interesante si te gusta el cine.

Y volviendo a la película, el caso es que la obra que mantiene un ritmo maravilloso y que dicho por el propio Donie Brasco o cómo se llamó en realidad Josheph Pistone es en un 85% totalmente realista, el retrato de la mafia dista mucho del romanticismo de Coppola en el padrino, viendo a mafiosos en chandal o pidiendo dinero prestado para poder pasar el día, una dosis de realismo que pocas veces se ven en este tipo de films y es que el tener un acontecimiento real y a su protagonista asesorando el film es un lujo y un valor que no siempre se da.

La obra mantiene el interes en todo momento y un poco como en el polar frances, el espectador se vera seducido por los villanos, en este caso por Lefty no por su carisma ni por su fortaleza si no por simple y llanamente lastima ante los patetico del viejo mafioso.

Y bueno, ¿Es para ti este film? pues si te gusta Al Pacino y eres fan de las películas mafiosas es una obra que no te puedes perder, si por lo que seas no eres partidario de uno o de otro es mejor que te olvides y por que me centro en exclusiva en Pacino, pues básicamente por lo que os comenté antes, el veterano actor roba no sólo el protagonismo de la cinta si no que en cierta forma hace que orbite sobre él, pero no en dretrimento de Johnny Deepth que hace un papel fabuloso si no en altecimeinto del actor que años atras fue Michael Corleone.

En cuanto a los premios Oscar de ese año pues el guionista tuvo una nominación a los Oscar en una gala que fue copada por las 11 estatuillas de Titanic, película que no sólo arrasó en la ceremonia si no tambien en la taquilla mundial que hicieron que este Donie Brasco no consiguiera mejores cifras economicas, pero aún así con 35 millones de presupuesto, consiguió en la taquilla mundial 125 millones de dólares, siendo un éxito comercial a pesar de todos los handicap que tenía

Y nada, ya voy a dar por terminada esta reseña, pidiendote que si te ha gustado o te he hecho conocer un film que no concías me regales un like, es uno de esos actos que me indican que vamos por el buen camino reseñando en este caso una obra casi desconocida de los noventa  y esperando que la disfrutes o que la recuerdes si es que ya disfrutaste de ella en su momentos, sólo me quedan dos deseos para ti en forma de despedida, el primero que seas muy feliz o lo intentes que es suficiente para el tiempo que corre y segundo y no menos importante que vivas el cine

FAMA 1980

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, veréis si alguno de los que estáis viendo esta reseña nació allá por la década de los 70 habrá crecido con la serie televisiva fama, serial de gran éxito donde se nos decía que la fama cuesta y es ahí en aquella escuela neoyorquina donde iban a empezar a pagar. Tras eso, nuevas reediciones en forma de teatro músical y hasta un reality Show han dado reparcusión a Fama al resto de generaciones, pero no prestigio, por que cada vez que se tocaba el producto, este se infantilizaba más, se dulcificaba hasta el exceso o simplemente se pervertía, por que el inicio, la matriz de la que surgió todo aquello fue una maravillosa película que tocaba el drama músical con un producto realizado por uno de los autores que mejor trataron el género cinematográfico fuera este el thriller el terror o como es el caso este portentonso film con acordes que todos conocemos ya que fue dirigida por Allan Parker en 1980 esta singular e inigualable película titulada Fama.

Todo fue incialmente creado por el productor cinematografico David Da Silva cuando asistiendo al músical de Brodway Chorus Line en un momento de la obra, un actor comenta brevemente su vida en la escuela secundaria de artes escenicas. Ese pasaje de la obra teatral inspiro a Dasilva a inventar que le habría pasado al actor en aquella escuela, quienes fueron sus compañeros si triunfaron o no, por lo que se puso a escribir una historia titulada Hot Lunch, tras eso se puso en contacto con el dramaturgo Christopher Gore para que escribiera un guión a cambio de 5000 dólares y el credito en exclusiva en la futura película.

Tras la escritura Silva se puso en contacto con la Metro Goldwind Meyer y le vendió el guión por unos 400.000 dólares empezando así la producción de Hot Lunch.

La metro tenía en mente a Alan Parker, director que había triunfado con su segundo largometraje el expreso de media noche pero que había arrancado su carrera con una particular opera prima Bugsy Malone un músical de gansters interpretado exclusivamente por niños, el caso es, que la experiencia demostrada por el director britanico con el músical le hicieron ser la mejor opción par la metro, siendo contratado por el estudio y arrancando así lo que sería la película.

Lo primero que dijo Parker fue que quería retocar el guión a pesar de no poder ser acreditado el trabajo de alan Parker en este aspecto fue crucial para la película, se centro en lo marginal de los muchachos, abandonando todo el buenismo que tenía el primer borrador y oscureciendo toda la trama, con relaciones tóxicas, con adicciones, con problemas sociales y con la autoaceptación sexual, cambiando así la esencia del primer borrador, si antes se buscaba triunfar, con el guión de parker se trata sólo de sobrevivir. Aunque esta forma de endurecer la trama le llevó a varias discursiones con Silva que no veía con buenos ojos el nuevo giro de enfoque del guión, al final transigió y Parker, recordando la canción de David Bowie transformó Hot Lunch en Fame.

Ahora creo que es un buen momento de comentaros de que va la trama del film, cómo sabéis los más veteranos del canal, cómo siempre sin spoiler por lo que tranquilo que no vamos a desvelar nada más que lo justo para que valores si este film es para ti o no.

La escuela de secundaria de artes escenicas de nueva york se enfrenta a la apertura de un nuevo año academico, nuevas audiciones, nuevos alumnos y nuevas admisiones en la escuela. En el periplo que nos llevarán los cuatro años academicos conoceremos a algunos alumnos de diferentes disciplinas, musica, canción, danza y arte interpretativo, pero tambien de la vida más allá de las aulas donde quizá lo más duro no sean los fracasos escolares y hasta aquí te voy a contar el resto de la película tienes que verla tú y creeme que te sorprenderas con una trama que queda muy alejada de ese mamá quiero ser bailarina.

Parker decide mostrar la dureza de la vida, de unos muchachos que tienen que aprender a actuar cuando aún no han empezado a vivir y esta, la vida real es dura y cruel, el autor del Expreso de medianoche tortura y retuerce la adolescencia de sus personajes, entrando en lo más cruel de la vida, donde cómo de una forma inclemente se aprobecharán de ellos, fracasarán y tendrán que aprender a sobrevivir como pueden, mientras que intentan dar lo mejor de si en la escuela de arte con el sueño de escapar de su realidad tan cruel cómo puede ser la pobreza extrema o la auto aceptación de si mismo y su sexualidad, dramas brutales que se mezclan con algunos de los mejores números musicales del cine.

Parker en este film se muestra como un director omnipresente, no hay ni un secundario, ni un actor de reparto ni extra que no esté excelente en plano, sus coreografías son sucias y atropelladas a veces claustrofobicas pero jamás artificiales, la maestría viene dada a que contó con su equipo de cabecera que más de un problema le daría con los sindicatos cinematograficos norteamericanos.

La película siempre caminó al borde de la cancelación por la parte burocrática que tiene el cine en Estados Unidos, Parker tuvo que duplicar el equipo técnico ya que se tenía que contratar al equipo en norteamerica si quería rodar allí por lo que mezcló a sus técnicos britanicos con otros contratados exprofeso para poder tener los permisos, por otro lado, la escuela donde se iba a rodar, al leer el nuevo guión cancelaron el permiso y sólo con la amenaza de llevarse la producción a chicago encontraron una solución una escuela de arte abandonada que el equipo de la Metro reformó para crear el escenario del film. Pero a pesar de todos los problemas Parker sacó a delante un film que quedará para siempre en la memoria de todo el mundo que lo ve.

Por cierto dejenme que haga ahora un parentesis para pedirte que te suscribas al canal, que ya somos más de 10 mil cinefilos los que cada par de días tienen un nuevo consejo de cine y si quieres pertenecer a este maravilloso club donde no sólo hablamos de las películas si no de la producción y sus creadores ya sabes, dale al botón y a la campanita y disfruta de las casi 350 películas que tenemos subidas al canal.

Y cerrando el parentesis y volviendo a la película, la obra contaba con un elenco de jovenes actores muchos de ellos recien salidos de la escuela de arte como los personajes que interpretan, Coco interpretada por la gran Irene Caras que posteriormente sería una de las divas de los 80 o Leroy jhonson  interpretado por el bailarín Gene Anthony Ray y que fue uno de los protagonistas de la posterior serie televisiva o Bruno que lo interpretaba Lee Currelli y que fue otro de los rostros más recordados del serial ochentero. 

Todos ellos artistas jóvenes que tuvieron mayor o menor éxito en la vida pero que siempre quedaron marcados por este maravilloso film titulado fama.

y bueno en cuanto a la taquilla resultó ser un éxito mundial su producción de unos 10 millones de dólares  a la que habría que restarle dos millones de dólares que se invirtió solamente es su promoción publicitaria, consiguió recaudar en la taquilla mundial 50 millones de dólares siendo un éxito que se ha explotado hasta nuestros días.

Y bueno, con este último dato nos vamos a ir despidiendo, pidiendote que si te ha gustado la reseña nos regales un like y recordandote que en un par de días volveremos a vernos con otro film que causó sensación en su momento, pero hasta que llegue la nueva reseña sólo tengo dos deseos para ti, en forma de despedida, el primero que seas inmensamente feliz y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine

LA NOCHE SE MUEVE 1975

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, veréis hay veces que genios consagrados del cine se unen en una Película para crear una obra de arte, este es el caso de el film que nos ocupa hoy, la noche se mueve de 1975, donde Arthur Penn el prodigioso director de Jauría Humana o Bonny and Clyde, contó como actor protagonista con un descumunal Gene Hackman que protagonizó entre otras maravillas del cine, la Conversación o French Connectión y cuando eso ocurre y no es la mejor obra de su director o de su actor o actriz principal, pues normalmente pasa, lo que le ocurrió a este film, que suele caer en el olvido eclipsado por las otras películas superiores, pero en este caso es totalmente injusto, cierto es que no llega a la profundidad de las mejores obras de Penn y que tampoco tuvo la repercusión de las mejores películas de Hackman, pero es tan buena, tiene tanta profundidad y es tan moderna o mejor dicho atemporal que es necesario rescatar este film del olvido y darle el sitio que se merece que no es otro que el de uno de los mejores Neo Noir de los 70 y ponerle en ese altar no es gratuito, por lo que si quieres saber toda la gloria que tiene este film y descubrir si es para tu gusto, te aconsejor que te pongas cómodo y disfrutes de esta reseña que hoy nos ocupa.

Veréis Alan Sharp que es el guionista de esta maravillosa película, había empezado a escribir películas al principio de la década de los setenta con un thriller de acción dirigido por Richard Fleisher titulado Fuga sin fin, para que casi seguidamente escribiera un Western para Peter Fonda que se llamó Hombre sin frontera, en su tercer guión ya llamó fuerte en la industria con un libreto escrito para el maravilloso Robert Aldrich en otro western, el sensacional La venganza de Ulzana, para que seguidamente escribiera Billy dos sombreros un Western menor de Ted Kotcheff si el mismo director que rodaría acorralado.

El caso es que tras todos esos western de corte clasico, se adentró en la escritura de un atipico film de detectives privados, donde el peso de la historia no está en la investigación si no en la construcción del detective, un libreto lleno de aciertos, con dialogos maravillosos y con unos personajes llenos de aristas y dobleces que hacen de este guión una maravillosa delicia en todos los sentidos, la historia que nos cuenta Sharp es hipnotica, intrigante y con un desarrollo a la altura de los mejores films del género que lo termina de adornar con uno de esos finales que si tienes el acierto de ver, jamás vas a olvidar.

Por otro lado Arthur Penn llegaba en un momento caliente dentro de su profesión, parecía que todo lo que rodaba era un éxito, no en vano la anterior película fue Pequeño gran hombre uno de los western setenteros más valorados del género.

Penn le dio la impronta personal que el guión necesitaba para hacer de este sencillo film algo personal, un ejemplo es cuando le dicen al protagonista de la película si quiere ir al cine a ver Mi noche en casa de Maud, y el detective le contesta que vió una película de Rommer y era tan aburrida como ver crecer las plantas, este guiño al director de la nouvelle Bague es curioso ya que Penn era un fiel seguidor de las obras de Rhommer, pero claro el personaje, un hombre rudo que ve el futbol americano por la televisión seguramente pensara así.

Y tras este detalle pienso que es el momento de que os cuente de que va el film, veréis uno de los principios del canal es no hacer ningún spoiler más que nada por que queremos que disfrutéis de nuestros consejos de cine de la mejor manera y este límite que nos ponemos nos impide adentrarnos en la profundidad de esta maravillosa pelicula por lo que pienso que el resumen que os voy a realizar no está a la altura de este film.

Mosebby es un antiguo jugador de futbol, un antiguo atleta que ha cambiado el deporte por la investigación privada, curiosamente Mossebby es un dotado para el oficio, un don que no siempre le va a traer cosas buenas a su vida, aún así vive feliz junto con su mujer Ellen, ella trabaja en un anticuario y en cierta forma es la que sostiene el hogar, prestando dinero a su marido cuando lo necesita. Un día la llamada de su amigo Nick le propone un nuevo caso de investigación, la hija adolescente de una vieja actriz de Hollywood ha desaparecido y Mossebby se lanza en su búsqueda.

Y hasta aquí os voy a contar, pero sólo para profundizar más en la película.

Veréis, si soló leyeramos la premisa de la historia, esta poco  o nada se diferenciaría de otros Noir clásicos, como Adios muñeca o El detective privado, pero es que realmente la película no va de eso.

Mossebby no es un heroe rotundo, es un hombre lleno de taras y estrías que arrastra desde el pasado, un personaje que  ahora vive feliz en su mediocridad hasta que un día su mundo se hunde sin más remedio y sin la posibilidad de achicar el agua de la balsa a la deriva que es su vida, su mujer a la que adora le está siendo infiel con un desconocido, siendo la investigación del caso más una fuga de sus veraderos problemas que el fin mismo de encontrar a la muchacha.

Pronto Mosseby se enfrentará a los problemas cara a cara pero no sabe como resolverlos, ni siquiera la resolución del caso le dan la coartada moral de recomponer su vida estando en una especie de purgatorio donde todo lo que le rodea parece que confabula contra él. Esto le lleva a una especie de rendición, no encontrando salida en el laberiton decide quedarse ahí, pero como hemos dicho el don que tiene para la investigación le llevara otra vez a  una fuga donde no sabemos si resolvera sus problemas pero por lo menos le hará seguir adelante.

Cómo podeis observar la obra no es para nada común dentro de este género y realmente si os soy sincero la película queda a años luz de ser un Noir típico, la trama se adereza con un drama matrimonial de amistades sinceras y otras fingidas, del egoismo del mundo, de subtramas más poderosas que como todo lo que flota alrededor del film esta contaminada por el dinero siendo sólo los elementos que se libran de tan haciaga maldición la muchacha discola Dhelly Gashner interpretada por una jovencisima Melany Griffit y el romance de su mujer Ellen que la interpreta Susan Clark con Marty Heller el amante de ésta al que da vida uno de los secundarios de lujo del cine Harrys Yulin, por cierto dejenme que haga un pequeño parentesis para deciros que el personaje de Ellen iba a ser interpretado por Faye Danaway hasta que se enteró que tenía que compartir planos con Yulin pareja de la que se había separado despues de dos años de relación lo que la llevó a aceptar otro papel en uno de los Neo Noir más maravillosos de la historia Chinatawn, quedando el papel dispuesto para Susan Clark.

Ahora, antes de continuar quiero pedirte a ti, espectador de este video que si aún no estás suscrito que por favor lo hagas, nosotros a cambio prometemos subir una reseña nueva de calidad cada par de días para que conozcas obras  tan maravillosas como esta y que puedas plantearte si es para ti o no, para que juntos crezcamos en este maravilloso viaje que nos dan las grandes películas de cine y sin ti en el equipo dificilmente llegaremos a la meta, así que si no lo has hecho aún hazlo ahora y disfruta de las más de trescientas reseñas del canal que tienes a tu disposición donde no solo hablamos de la película si no de su producción y reparto.

Y volviendo a la reseña. Curiosamente este film fue una rara excepción en el cine, mientras las críticas fueron todas positivas, un ejemplo fue las nominaciones a Hackman tanto en los Bafta como en el circulo de críticos de nueva york, en cuanto al publico este le dio la espalda, pero no por su calidad que era indudable, ni por su ritmo ni por sus interpretaciones si no que este film tuvo la desgracias de ser estranado en 1975 uno de los años más prodigiosos del cine pegandose con obras tan enormes como Alicia ya no vive aquí de Scorsesse, Tarde de Perros de Lummet, El coloso en llamas de Guillermin y Allen, Tiburón de Spielberg que por cierto reventó la taquilla y de la majestuosa Barry Lyndon de Kubrick. Quedando esta La noche se mueve eclipsada por el resto de obras.

Pero como el tiempo nos ha dado la posibilidad de poder ver cine en casa, por favor no dejéis pasar la oportunidad de disfrutar de esta película, setentera hasta la médula desde el grano del celiloide que dan gloria a aquellas obras con la fotografía de Bruce Surtees que hace un alarde fotografiando la noche, su sintonía jassistica realizada por el maravilloso Michael Small y  sobretodo por esas actuaciones realistas sacadas desde el interior de un hombre medio con traciones y amores de mujeres reales. Una maravillosa y delicada película que hoy en día se echan de menos.

Y ya voy a dar por terminada esta reseña, quiero pedirte que si te ha gustado, si crees que te he dado contenido de valor y has aprovechado este tiempo conmigo, me regales un like, es la mejor forma que existe dentro de Youtube para saber que estamos en el buen camino y cómo en un par de días regresaremos con otro maravilloso consejo de cine, sólo me queda por desearte dos cosas, la primera que seas inmensamente feliz y la segunda como no puede ser de otra forma que vivas el cine

Salvar al soldado Ryan 1998

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, veréis hay películas que marcan un antes y un después en el cine, obras que llegan en el momento justo y que significan el inicio de algo o a veces el principio de todo y este es el caso de Salvar al soldado Ryan de 1998 un film muy anclado a su director Steven Spielberg y más aún a su reciente productora Dreamworks Pictures, así que si decidís acompañarme en este viaje por la producción de este film sabréis por que Salvar al soldado Ryan es mucho más que una película bélica.

Antes, mucho antes que el portentoso director llegara al proyecto Robert Rodat, el aclamado guionista de Volando Libre, le cayó en sus manos un libró sobre el desembarco de Normandía, esa lectura le impactó tanto que un día paseando por Keene en New Hampshire se fijó en un monumento a los caídos de la segunda guerra mundial y extrañado se fijó en la cantidad de hermanos que habían sucumbido en el conflicto, ese acontecimiento le hizo pensar en la madre de los chicos y ponerse en su piel, la sensación de angustia le llevó a escribir un borrador para una historia, más tarde descubrió que había una clausula en el departamento de guerra norteamericano, por la cual si a varios hermanos habían caído en el conflicto al hermano superviviente se le sacaría de la guerra inmediatamente, ese dato fue tan poderoso que el borrador se convirtió en una historia, naciendo así Salvar al soldado Ryan.

Con el trabajo de guion casi terminado Rodat recibió la visita del productor de cine Mark Gordon, un apasionado de su anterior guion Volando Libre y le preguntó con que estaba en ese momento haciendole llegar un borrador de Salvar al soldado Ryan, Gordon quedó encantado con la historia y se hizo con los derechos del film y para poderlo desarrollar en una película Gordon se asoció con Lewiston otro productor cinematografico y montaron Mutual film company, con la productora montada Gordon y Lewiston llevaron el proyecto a la Paramount Pictures que se hizo con los derechos de distribución y empezaron a buscar un director para Salvar al soldado Ryan, el primero en ser contactado de forma seria fue Michael Bay que llegó a firmar un contrato, pero prontó se dió cuenta que el proyecto le superaba y abandonó el film quedando este en un pequeño Limbo.

El caso es que mientras que Bay era el director del film se contactó y envió el guión a varios actores reconocidos del momento y uno de ellos era Tom Hannks, Hanks quedó encantado con la historia y cuando se enteró que había sido guardada en un cajón por parte de la Paramount, llamó a su amigo Spielberg, ambos habían hablado de trabajar juntos y quizá ese proyecto lo consiguiera.

Steven Spielberg había cofundado Dreamworks para realizar su anterior película Amistad, obra que había sido un pequeño desastre económico ya que de sus 36 millones de presupuesto no llegó a los 50 de recaudación, por lo que vio en Salvar al Soldado Ryan una forma de reflotar tanto su recien creado estudio de cine como a su figura tras el batacazo de Amistad. así que entró en el proyecto.

La Paramount que por aquel entonces no creía mucho en la película por lo que la llegada de Spielberg que no sólo dirigiría la película si no que además compartiría gastos ya que venía con su productora Amblin enterteinment y con su recien creada Dreamworks, fue suficiente revulsivo como para sacar del cajón la película y empezar el rodaje.

Spielberg lo primero que hizo fue deshacerse de los primeros productores Gordon y Lewistón que se vieron obligados a ceder el proyecto a Spielberg a cambio de estar acreditados como productores y un pago único por la cesión, a pesar de ser un varapalo para Godon que fue el que sacó a la luz el guión de Rodat, se hecho para un lado aceptó el cheque y dejó que tomara el control total Spielberg.

Y ahora que ya nos ponemos en situación de cómo se pudo gestar esta película dejenme que les cuente un poco de que va, aunque se ha convertido en un clásico del cine, puede haber nuevos espectadores que aún no se hayan adentrado en este glorioso film que ya es un referente del cine belíco, por lo que os contaremos la trama de la misma sin spoiler de ningún tipo.

Nos situamos en la actualidad, un veterano de la segunda guerra mundial se acerca con su familia al cementerio donde descansan los restos de sus camaradas, allí recordará los momentos de miedo en el desembarco de Normandía y la aventura que supuso buscar entre las lineas enemigas al Soldado Ryan, el último hermano vivo de un grupo de combatientes. El caso es que la orden la recibe el Capitan Miller que junto a sus hombres tendrán que adentrarse en primera linea de fuego, encontrar a Ryan y sacarlo del combate en una historia que les llevará por mil y un peligros. Y ya no te voy a contar nada más, el resto de la película tienes que disfrutarla tu y creeme que lo vas a disfrutar y mucho.

El film que es un Raconto o lo que es lo mismo, está contada desde el presente hasta el pasado, es hoy en día uno de los films de la segunda guerra mundial más aclamados de la historia del cine, no en vano se alzó con 5 Oscar de la academia en una gala bochornosa, donde el insulso film Shakespeare Enamorado de Miramax se hizo con la estatuilla a mejor película con una campaña agresiva de promoción por parte de los Werstein y que hoy en día se ve como una de las mayores injusticias de la entrega de los Oscar ya que sin lugar a dudas, este Salvar al soldado Ryan tenía que haber ganado como mejor film, aún así la obra es impactante, ver el desembarco de Normandía con la maestría cineamtografica que sólo un genio te puede dar es una experiencia única, Spielberg un dotado para escoger siempre el mejor plano, la mejor toma y el mejor encuadre hace de esos 20 minutos de batalla una experiencia única para el espectador, personalmente jamás me he sentido más abrumado delante de una pantalla de cine, la acción lo es todo en un momento historico para la humanidad donde Steven Spielberg hace lo que mejor sabe hacer, planos irrepetibles de una forma constante y es que ese arranque de película es tan potente que irremediablemente luego el film decae un poco, pero que pasa a ser otra cosa, un film de actores una película dramatica de hermandad entre soldados donde no sólo destaca Tom Hanks uno de los mejores actores de la actualidad si no que junto a él Tom Sizemore o Barry Pipper hacen de sus momentos en pantalla algo único, además de contar con un jovencisimo Vin Diesel o un Adam Golberg sensacional, pero tambien disfrutaremos de actores más veteranos como son Ted Danson y Paul Giamatti.

Que junto al trabajo maravilloso que hizo en el apartado musical el maestro de maestros John Williams realizaron una obra inmortal que siempre será recordada como una de las mejores películas belicas de la historia del cine

Bueno ahora me van a permitir un pequeño parentesis para haceros dos peticiones, veréis si os gustan nuestras reseñas y no te quieres perder ninguna, ¿por que no te suscribes y le das a la campanita? y por otro lado, te esta gustando este video, pues entonces regalame un like que me haces muy feliz, dale ahora que luego se te olvida y por último, crees que puede servir a alguien esta reseña, pues compartela en tu blog, web o redes sociales que me ayuda mucho a fomentar el canal y este tipo de contenido.

ahora cierro el parentesis para ver la parte final del vídeo que tiene miga como vais a ver a continuación.

El caso es que tras el rodaje y con un gasto total de 70 millones de dólares, ahora se tenía que decidir que parte del pastel se llevava cada uno, recordar que Spielberg ya sacó del juego a la productora Mutual Film COmpany de Gordon y Lewiston pero no así a la Paramount que junto a Dreamworks habían colaborado economicamente a sacar el film a delante, por lo que tenían que llegar a un acuerdo, este se basaba en dividir los territorios, por un lado EE.UU. y Canadá y por otro el resto del mundo, tanto Spielberg cómo la Paramount querían para sí el territorio de Norteamerica así que al final llegaron a un acuerdo un tanto extraño, se tiraría una moneda y el azar elegiría con que parte del pastel se quedaba cada uno de los estudios, Spielberg lanzó su moneda al aire y ganó la apuesta quedandose la taquilla norteamericana.

A ver el caso es que al final dio igual, la película fue un éxito absoluto tanto dentro del pais como en el resto del mundo llegando casi a superar los 500 millones de dólares en todo el mundo, siendo así una de las películas más taquilleras de la historia y las ganancias casi se repartieron al 50% ya que en Norteamerica hizo 217 millones de dólares y en el resto del mundo unos 265, siendo este el primer éxito rotundo del nuevo estudio de Spielberg Dreamworks.

Y bueno, con este dato y esta forma tan peculiar de repartirse las ganancias os voy a dejar, esperando que os adentréis en este drama épico, que recuerda mucho a las obras clásicas del genero y que está por meritos propios muy arriba dentro de la cinematografía universal con uno de los mejores actores en su probablemente mejor momento Tom Hanks y con un Spielberg en plena forma, se puede pedir más, yo creo que no.

así que para no alargar más lo inebitable, que es mi despedida de vosotros pero con la promesa de volver en un par de días, me van a permitir que les dedique dos deseos, el primero que sean inmensamente felices o que por lo menos lo intentéis y segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine

Desafío Total 1990

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia. Veréis si hay un género que me encanta dentro de los thriller sean estos de CIencia ficción o no , es el de la persona común y corriente que es empujado a vivir una gran aventura que el no espera, esas obras hacen del heroe algo cotidiano algo tan común como por ejemplo un obrero de la construcción, como es el caso de esta película. Este aspecto doméstico del origen del protagonista hace que empaticemos inmediatamente con el personaje, aunque este tenga los biceps de un mister olimpia y es que Total Recall o como se títuló en español Desafio Total es al fin y al cabo una película de aires cotidianos aunque todo pase en un año tan lejano como el 2084 y en un planeta tan desconocido como es el planeta Marte y si esta película al final a llegado a ser un referente de la ciencia ficción fue simple y llanamente por meritos propios, así que queridos amigos del canal, sientensé en su mejor butaca y dejenme que les adentré en esta maravillosa película y cómo pudo realizarse ya que Desafío Total es en su producción un ejemplo de cómo al final la creación de una obra es cuanto menos igual de interesante que la obra en si misma.

Veréis aunque la película se extrenó en 1990 tenemos que viajar en el tiempo hasta el lejano año 1974 si 16 años antes que es cuando el productor y guionista Ronald Shusett se eneamoró del cuento corto de Philip K Dick titulado Podemos Recordarlo por usted al por mayor, ese relato encendió la creatividad de productor y compró los derechos de explotación del relato.

Pronto llamó a su amigo y compañero Dan O´banon para realizar lo que a la postre sería Desafío total.

El caso es que el relato corto no dio nada más que para la primera media hora de metraje por lo que los escritores se vieron en la necesidad de aportar ideas y conceptos más allá de la obra original. por lo que decir que es una adaptación del cuento es ser injusto con el trabajo de los escritores ya que tubieron que crear una historia completamente original eso sí con la premisa planteada por el genio de la ciencia ficción el gran Philip K Dick.

Con el guión terminado Shussett se lo presentó a todos los estudios, pero al final siempre recibía el mismo mensaje, no podemos realizarlo y es que desafío total necesitaba tanto presupuesto que nadie podía hacerse cargo de la producción, así que los escritores empezaron otro proyecto, crear la historia de lo que a la postre sería la obra maestra de la ciencia ficción y el terror Alien el Octavo pasajero, film que rodaría Ritley Scott y que sería toda una revolución en las salas de cine, ese éxito le llevó a firmar un contrato de colaboración con Disney Studios por parte de Shussett por lo que se empezó a realizar Desafío Total por parte de la Disney, pero a pesar de contar con un presupuesto de 20 millones de dólares, la complegidad de la parte final de la historia no hacía avanzar la producción quedandose estancada, Así que en 1982 pusieron a la venta los derechos del film, comprandolos Dino de Laurentis.

De Laurentis despues de sopesar varios directores que creía que podían encajar con la película llegó a la conclusión de que esta película sería un producto ideal para David Cronenberg, éste se puso a trabajar sobre la parte final del film, creando elementos que quedarían en la película del 90 como eran los mutantese incluyó a uno de los personajes fundamentales en la parte final Quato. Para el personaje protagonista se había contactado con Richard Dreiffus, aunque pronto llegaron los problemas, Tanto los escritores como De Laurentis no les gustaba el tono serio que Cronenberg le estaba dando así como los continuos cambios de guión que Dreiffus exigía, por lo que al final David Cronenberg abandonó la producción.

Mientras tanto Arnold Schwshennegger conoció el proyecto a mediados de los ochenta pero De Laurentis no le veía dentro del papel de Quaid, por lo que Dino seguia buscando un director nuevo para su film, es entonces cuando se intenta contratar al guionista Gary Goldman para que terminara el tercer acto que tantos quebraderos de cabeza estaban dando, pero este estaba preparando un proyecto personal para la warner junto con el director Paul Verhoeven por lo que declinó la oferta y entonces llegan los problemas de financiación, tras el fracaso de Dune y otros problemas financieros la productora de Dino de Laurentis entra en quiebra y con 6 millones de dólares gastados en la preproducción del film, De Laurentis busca comprador para la película. 

Es entonces cuando Schwashenneger convenció a los directivos de Carolco que se hicieran con los derechos de Desafío total y así lo hicieron, pagaron 3 millones de dólares y se quedaron con el proyecto.

Y ahora si empezaría la producción de Desafío Total, Arnold Swasseneger sería el protagonista y Paul Verhoven gracias a la maravillosa Robocop, sería el director, manteniendo a los creadores de la historia en plantilla e incorporando al gionista Gary Goldman para intentar encauzar el final de la película.

Y creo que en este momento ha llegado la hora de contaros un poco de la Sinopsis del film, ya sabéis que sin espoiler de ningún tipo ya que este canal intenta empujaros a ver las películas que reseñamos y no destrozaros la experiencia de su visionado.

Veréis Dug Quaid es un hombre tranquilo, con una vida común y corriente, su trabajo en la construcción se adereza con su matrimonio, pero por las noches pasa algo extraño, unas pesadillas del planeta marte le están atormentando, así que decide ir a la empresa de vacaciones virtuales Recall para que le lleven al planeta marte en un viaje alucinogeno gracias a una potente droga, pero desde ese momento, la realidad y la ficción se mezclan, dándose cuenta que lo que estaba viviendo no era más que un recuerdo implantado sabiendo que la verdad se esconde en el planeta marte, pero una extraña organización va a intentar por todos los medios que Quaid no siga avanzando en su viaje y ya no te voy a contar nada más, el resto de la película tienes que disfrutarla tu en un film que te va a llevar más de una hora y media completarla.

Pues volviendo a la producción del film, Verhoeven exigio que parte del equipo tecnico de Robocop entrara en el proyecto incluyendo al guionista Gary Goldman que ya había sido tenteado por De Laurentis, este junto con Verhoeven se encontraron con más de 30 guiones diferentes de la película por lo que lo primero que hicieron director y guionista fue descubrir las partes más importantes de cada uno de los guiones escritos anteriormente y montar así una historia con lo mejor de cada uno, ademas de incorporar elementos propios por parte de Goldman.

Por fin con un guión definitivo de la película llegó el momento de montar el elenco artístico para el film, el siguiente en ser elegido tras Arnold fue el maravilloso Michael Ironside que encarnaría al villano de la pelicula Rachel Ticotin y una por entonces desconocidisima Sharon Stone fueron elegidas sobretodo por su físico atletico ya que tendrían que hacer luchas y escenas de acción constantes.

Y para terminar el grupo principal de actores se contó con Ronny Cox actor que tambien había trabajado con Verhoeven en Robocop. Y tras 15 años de retrasos, guiones, cambio de estudios y de directores, por fin empezó el rodaje en los grandiosos estudios mejicanos de Churubusco.

La película que hoy en día es un clásico de la ciencia ficción tiene en los efectos visuales uno de sus grandes valuartes donde mezclan maquetas, latex y elementos CGI que le hicieron valedor del Oscar de la academia en la ceremonia de aquel año.

Y antes de comentaros cuanto costó, cual fue el rendimiento de la película, dejenme que les cuente antes una par de cosas. Verás si te gusta este tipo de contenido en Youtube, si crees que te entretiene y es un contenido de valor para ti, por que no te suscribes, verás dandole al botón y a la campanita no solo no te vas a perder ninguna de nuestras futuras reseñas si no que puedes disfrutar de mas de 300 consejos de cine que ya tenemos en el canal y además ayudas a fomentar este tipo de canales didacticos en la plataforma, que si crees que son necesarios, esa suscripción ayuda mucho, así como si nos regalas un like que ayude a entender a la plataforma que este contenido gusta a la audiencia.

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pues lo dicho, al final la creación de este thriller interplanetario costó la friolera de 48 millones de dólares de los años 90, pero tuvo una repercusión tan grande y fue una revolución en su momento que consiquió en la taquilla mundial más de 260 millones de dólares, marcandose así otro exito economico por parte de Carolco Pictures.

Y con este dato, ya voy a ir dando por terminado este consejo de cine, esperando que te guste tanto como a mi esta vieja película de ciencia ficción que aún sigue aguantando bastante bien el tipo y para porder empezar de inmediato con la siguiente reseña del canal, antes tengo que terminar esta y sólo puedo acabar con dos deseos para ti, uno es que seas inmensamente feliz o por lo menos lo intentes y la segunda como no puede ser de otra forma QUE VIVAS EL CINE

UNO DE LOS NUESTROS 1990

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis si hay tres películas que han sabido retratar la mafia en el cine, esas serían las dos primeras partes del padrino y este Uno de los nuestros film que nos ocupa hoy, tanto como reseña de cine así como videoconsejo. 

Pero si en las obras maestras de Coppola la mafia está, se ve, es tangible y en cierta forma cotidiana. En Goodfellas que es como se llamó originalmente este Uno de los nuestros no es así.

En este caso la mafia está como en un rango etereo durante toda la película ya que el fim lo que realmente nos retrata son los ganster asociados que aún no pertenecen a una familia o que nunca podrán pertenecer ya que no son completamente italianos requisito imprescinidble para ser miembro de una familia mafiosa.

Así que goodfellas de los que nos habla realmente de las alcantarillas del hampa, de esos personajes que no dejan de ser unos matones o unos recaderos de los verdaderos miembros de la mafia, de aquellos ganster que han de cumplir ordenes, sean esta cuales sean y que llevan tanto tiempo obedeciendo que saben que no estan seguros ni con los amigos de siempre ya que si por lo que sea estos reciben la orden de aniquilarlos no les va a temblar el pulso y es que no en vano esta obra nace desde la verdad de un libro de investigación sobre el caso de Henry Hill escrito por el escritor y periodista Nicolas Pileggi.

El caso es que la novela cayó en manos de Scorssese que no tenía intención ninguna de hacer una película sobre la mafia, pero que tras leer el libro quedó embaucado, tanto fue así que el propio Scorssese llamó a Pileggy diciendo que había estado esperando toda la vida su novela a lo que el escritor le replicó que él siempre había estado esperando su llamada.

Y se pusieron manos a la obra para realizar el guión de goodfellas, estamos sobre medidados de los años 80 y el trabajo de escritura de guión les llevó largo tiempo de realización, por un lado Scorsesse intentaba hacer entender al escritor que no era necesario seguir un orden temporal de los acontecimientos si no que podías desplazarse en el tiempo constantemente, por otro lado el escritor entendió que ya desde el guión tenía que llevar inmerso en el texto la imagen de los acontecimientos y este trabajo necesitó de más de 12 borradores literarios para dar por terminado el guion definitivo.

en un principio la película se iba a llamar muy parecido al libro Wise Guys pero debido a que ya había dos películas que sonaban bastante parecidas, decidieron llamar a su obra Goodfellas.

El caso es que cuando ya estaba todo preparado para empezar incluso ya se dispone de los fondos económicos, Martín Scorssese abandona el proyecto o mejor dicho lo deja hibernando ya que justo en ese momento es cuando recibe luz verde para realizar la película de su vida La última tentación de Cristo, por lo que se tuvo que esperar casi un año para que Scorssese volviera hacerse cargo del proyecto. 

Y ahora creo que es un buen momento para contar un poco de que va el film, no os preocupeis si  aún no lo habéis visto por que aquí en cinefilia no hacemos spoiler, es una regla de la casa que no nos saltamos nunca.

Henry Hill es un joven neoyorquino mitad siciliano y mitad irlandés, su máxima ambición en la vida es ser uno de los ganster que pululan por el barrio, por lo que cuando le ofrecen un puesto menor para trabajar como recadero del jefe mafioso Pauline Cicero, este acepta sin pensar comenzando así su andadura dentro de la extructura paralela que tiene la mafia con los ganster asociado. Su trabajo le llevará a conocer a un Irlandés temido por ser uno de los mayores asesinos de la familia, Jimmy Conwey creandose una amistad junto con el chico italiano Tommy Devito, creandose una amistad que en un principio debería de ser estable si no fuera por que Devito es un Psicopata asesino y Conwey asesina a cualquiera que piensa que puede delatarle, viviendo el bueno de Hill siempre al borde del precipicio.

Y ya no te voy a contar nada más, el resto de la película tienes que disfrutarla tú una extraña joya del cine que se salta varios dogmas del guión para elevar este film a algo irrepetible en el séptimo Arte.

El reparto del elenco, sólo De Niro estaba contratado de antemano, de hecho el si de Robert fue el que levantó el proyecto y consiguió los fondos necesarios para la película, mientras que Ray Liotta que estaba obsesionado con la historia desde que leyó la novela tuvo que audicionar ya que se pensó para el papel tanto a Sean Pen, Alec Balduin, Tom Cruise y Val Kilmer, pero al final la pasión de Liotta en la audición hizo que se quedara con el personaje, algo parecido a lo que ocurrio con Pesci, por cierto por este papel de Psicopata asesino Joe Pesci consiguió el Oscar de la Academia por su papel de secundario, marcando de por vida al actor que pocas veces ha podido desprenderse de su papel de mafioso.

El estilo filmico de Scorssese vuelve a ser arriesgado, otra vez, por que con la última tentación de cristo caminó por el filo de la navaja. Aqui Martin se salta una de las reglas que parecen sagradas en el cine como es la Voz en Off, este recurso está mal visto en la industria más que nada por el mal uso que se le da, pero en este caso Scorssese vuelve a marcarse una lección de maestría en este sentido , entrando de una forma natural el recurso de narrar lo que se ve.

Pero es que con el respaldo de Telma Schoonmaker la portentosa y gigantesca montadora de cine que acompañó a Scorssese en casi toda su trayectoria, pues era facil tomar riesgos, por cierto el trabajo de Schoonmaker estuvo tambien nominado al Oscar que aunque no se lo llevó indica el trabajo tan descomunal que realizó la maravillosa montadora.

La película es una joya, un film que no nos narra la cuspide de una organización criminal cosa que se suele contar normalmente en las películas, ni siquiera se trata a un ascenso hacía la cúspide por que el origen de los personajes no les permite ascender más, si no que se centra en esos personajes que en otros films del hampa son ese personaje que hace de chofer para el capo, roba el camien de licor o ametrallan al rival y se fugan en un coche a toda velocidad, esos donadie que hacen el trabajo sucio y que han perdido cualquier vestigió de las normas sociales que nos hemos puesto las personas de bien y no sólo no lo lamentan si no que se jactan de ello, siendo al final personajes podridos por dentro y en cierta forma unos seres acomplejados, que cabalgan entre lo magestuoso y lo cutre.

Y ahora quiero hacerte una pregunta, ¿te gustan mis reseñas de cine donde hablamos de la producción de la película, de los entresijos de las mismas y además os sirve como consejo de cine para esos momentos que no sabes que ver? Pues si tu respuesta es afirmativa, no lo dudes más y suscribeté a esta maravillosa comunidad que formamos los suscriptores de Cinefilia y segundo, te está gustando la reseña, pues entonces premia nuestro trabajo regalandonos un Like que nos hace muy felíz cada vez que vemos esos pulgares hacia arriba.

Y volviendo a la película, que la hace tan especial incluso hoy en día, pues la verdad, esta película lejos de bendecir a los protagonistas, los toma como títeres, realmente no les pertenece ni la vida y sólo cuando nuestro protagonista toma el control para si mismo, se adentra más en una espiral autodestructiva, algo así como que el karma les lleva siempre por el camino equivocado en una especie de comedia destructora y destructiva. Otro de los motivos por lo que no te lo tienes que perder es por como nos cuenta Scorssese la historia, es totalmente divertida, nos hace que cojamos la suficiente distancia de los acontecimientos que ocurren que en ningún momento nos sentimos mal por el destino haciago de los protagonistas. siendo como espectadores en un zoo viendo las girafas comer, pero gracias a la forma de crear el film, estamos ante una constante montaña rusa de acontecimientos donde visitamos 3 décadas marcadas por una peculiar banda sonora que se restringe casi exclusivamente a la selección musical del momento, siendo esta selección musical un elemento más de la narración del film ya que te situa en que momento nos encontramos sin más necesidad que el escuchar la obra.

Y bueno, esperando que os haya gustado la reseña, vamos a ir dando por terminada la misma, esperando que si no la has visto aún pongas remedio de inmediato ya que la obra es simplemente una joya del cine considerada una obra maestra que probablemente sea la mejor de su director.

Y cómo en un par de días volvemos con otro consejo de cine, sólo me queda por desearte dos cosas, la primera que seas inmensamente felis y la segunda que vivas el CINE