EL Pequeño gran hombre

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA. Si ya sois espectadores del canal sabréis que este ciclo se lo estamos dedicando al grandísimo Arthur Penn un director encabezonado en meterse en constantes líos con lo controvertido de sus tramas pero que a la vez ha sabido con honestidad sacar a delante varias obras maestras del cine y este film rodado en 1970 no es una excepción.

Veréis si con La Jauría humana Penn retrataba una sociedad norteamericana hipócrita y  racista y con Bonnie and Clyde nos contaba el film del romanticismo salvaje y forajido a los mandos de un Ford del 34 tiroteado como un colador, ahora le había llegado el momento a revisitar la colonización del salvaje oeste, eso que los estadounidenses llaman pioneros y que cómo os podéis imaginar Penn no realizó esta película para ensalzar la figura de sus compatriotas si no más bien ponerlos en solfa.

El film se basa en la novela Thomas Berger que fue todo un éxito en 1964 y que Penn rescata para la productora cinematográfica de la CBS Cinema Center Films y contaba con la distribución de una de las grandes la hoy desaparecida National Genral Pictures, para muchos de vosotros este nombre no os dirá nada pero a finales de los 60 estuvo apunto de absorber a la Warner Bross. así que no os extrañe que el bueno de Penn pudiera disponer de uno de los presupuestos más grandes del momento 15 millones de dólares de 1970, así que con ese presupuesto Arthur Penn desmitifica la conquista del oeste, lejos queda la figura del General Custer de murieron con las botas puestas de Flint, aquí mi admiradisimo Richard Mulligan uno de los actores de mi infancia gracias al serial televisivo Soap que se tituló en españa Enredo y que en este film de Penn interpreta a un militar casi fanático un personaje carente de todas las cualidades que la leyenda le había otorgado entre los Estadounidenses y aquí se recrea un retrato más fiel al personaje real. 

El film que lejos de ser una epopeya típica del wester es una obra que resalta la picaresca bajo el punto de vista de Jack Crabb es una película que fluctua entre la comedia y el drama siendo uno el que contrarresta al otro en un coctel perfectamente equilibrado y ahora voy ha hablar desde un punto de vista personal, por supuesto cuando se da una opinión siempre es subjetiva pero si que quiero dejar claro que es lo más honesta que puedo. El film no puede ser narrado como una comedia por el drama y los acontecimientos que cuenta la obra, si tuviera más humor al final parecería que se estaba riendo del drama de un pueblo, pero por otro lado si no tuviera esa carga cómica la película sería insoportable, una tortura que parecería más un film discursivo que una trama cinematografica y es por eso por lo que el bueno de Arthur Penn crea para mi su mejor película, no por que sea la más recordada, esa será siempre la Jauría humana o la más celebrada esa sería Bonnye and Clyde pero si que es la más medida, la mas perfecta y complicada de toda su filmografía que sabe ensalzar como uno de los mejores western que se hicieron en los 70 y ahora si os parece bien vamos a contaros un poco de que va este film no sin antes recordaros que jamás hacemos spoiler de las películas para empujarte a ver las obras que reseñamos, este canal intenta fomentar el visionado de los clásicos del cine de una forma didactica y dejando que tú como espectador te adentres en el mundo de los film que reseñamos, así que por ese lado puedes estar tranquilo, no solo en con esta reseña, si no con todas las del canal.

Pues dicho lo cual vamos a la trama

Jack Crabb y su hermana son los únicos supervivientes de un ataque indio, pronto un guerrero Cheyene los encuentra y se los lleva a su poblado, mientras que la hermana mayor consigue huír, el joven Crabb se queda y es criado como un miembro de la tribu más. El niño crece y se convierte en un joven guerrero llamado Pequeño gran hombre, tras una refriega con los soldados del ejercito de los EE.UU. Crabb para salvar su vida decide volver con los suyos donde es educado por una pareja de beatos creyentes los Pendrake, la historia nos contará como ese niño blanco criado por los Cheyyenes intenta encontrar su lugar entre dos pueblos enfrentados sin cuartel y hasta aquí te voy a contar, el resto de la película tienes que disfrutarla tu, por que es simplemente una delicia, una de esas películas que una vez vista te apetece volver constantemente y seguro que habrá veteranos del canal que darán fé de lo que digo en sus comentarios.

Y volviendo a la producción, la película se intento realizar unos años antes por parte de Arthur Penn y Stuard Miller, pero al final no se consiguió levantar la película por lo que quedó en el limbo. Si se pudo realizar este film fue por el interés que despertó en Dustin Hoffman, el joven actor había despegado en Hollywood sólo tres años antes con el Graduado, pero es que trás el film de Micke Nichols rodó Cawboy de media noche y John y Mary películas que ensalzaron la figura de Hoffman de tal manera que sólo su presencia podía levantar un proyecto y eso fue lo que ocurrió con este Wester de Arthur Penn.

En un principio se pensó para que interpretara al Jefe Cheyenne a Marlon Brando e incluso a Lawrence Oliviere, pero tras la negativa de estos, arthur Penn hizo una jugada que hizo levantar muchos enteros el film que fue darle el papel a un verdadero nativo americano, siendo al final el Jefe Dan George el elegido pero este acierto no sólo quedó ahí ya que su maravilloso papel en pantalla le valió una candidatura a los Oscar de Hollywood siendo la primera vez que lo conseguia un nativo americano.

La pelicula en el aspecto técnico es una maravilla pero si en algo destaca el film es en el trabajo de maquillaje, veréis Hoffman aquí interpreta desde un joven muchacho hasta un hombre de 120 años y el maquillaje realizado por el maestro Dick Smith hacen un trabajo tan sobresaliente que hoy en día maravilla por su realismo, no en bano es el responsable de films tan destacados en ese aspecto como Scanners de Cronenberg o el Exsorcista de William Friedkin. 

La fotografía naturalista de Harry Stranding Jr y el trabajo en el vestuario y ambientación es simplemente memorable, tan memorable como el elenco artístico.

La obra es bastante coral y excepto Hoffman que la cámara le sigue constantemente en su periplo vital, los personajes que acompañan a este son Faye Dunnaway actriz con la que ya había trabajado Penn en Bonnie and Clyde y que vuelve a darle un papel de los más jugosos y dificiles lleno de dobleces y vida, por otro lado El Jefe Dan George que como hemos comentado se llevó una candidatura por su trabajo, Martín Balsam que encarna a un charlatan que va perdiando partes del cuerpo poco a poco y que es simplemente maravilloso, Jeff Corey que encarna al mito del far West Will Bill Hickock y como os he dicho uno de mis comediantes favoritos Richard Mulligam que encarna a un General Custer totalmente creible.

Y bueno antes de comentaros como resultó el film en taquilla dejenme un instante para animarte si es que aún no lo has hecho a suscribirte al canal, si te gusta el cine, si quieres que te aconseje o que te recuerde esas joyas del cine tan grandes como este pequeño gran hombre no lo dudes más y dale al botón y a la campanita, yo por mi parte me comprometo a reseñarte dos films semanales que haran de esa tarde aburrida una velada maravillosa de cine.

Pues vamos allá.

La película que cerraba la década de los 60 con otra bofetada al stablishment sisntem norteamericano otra vez, por que si cierto es que los setenta fue una constante el cine contestatario, Penn lo llevava haciendo bastante más tiempo, la película fue un éxito sin paliativos, sólo en los estados unidos el film consiguió duplicar la inversión con lo que habría que sumar la taquilla del resto del mundo.

Un film que sirvió tambien para criticar la guerra del Vietnam y que se quiso ver en ella una analogía con lo que los soldados norteamericanos estaban realizando en el pais asiatico, pero dejando de lado estos aspectos más políticos del momento hay que decir que estamos ante una joya singular del cine, entretenida, a veces hilarante, triste a más no poder y optimista hasta la médula este film es un indispensable para cualquier amante del cine y si eres joven y aún no te has adentrado en esta fabulosa epopeya creeme que no te vas a arrepentir ya que las dos horas largas que dura el film pasa como un suspiro y ya ha llegado el momento de despedirme de vosotros y cerrar el ciclo de Arthur Penn aquí, aún quedan obras maravillosas del director por lo que no le vamos a cerrar el cajón muy fuerte para sacar sus obras pronto y cómo el canal no para y en un par de días tenemos que volver con otra joya del cine, vamos a terminar aquí el video, pidendoos un like si os ha gustado la reseña y seamos sinceros si os habéis llegado hasta aquí es por que os ha gustado, así que dale ahora que ya terminamos este vídeo y como no puede ser de otra forma lo voy hacer  con dos deseos el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello, ya que no hay mejor lucha que esa y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine

La jauría humana 1966

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, veréis pocas películas como esta han ejemplificado la hipocresía social de una forma tan certera y veráz y todo a pesar de los intentos de su productor de intentar que no soliviantase al público del momento que tenía que pagar su entrada en la taquilla del cine. 

Ya que la película que vamos reseñar fue una bofetada en la cara de la sociedad del momento, un país que aún vívia en el falso sueño americano del que despertaría en los setenta y que dio paso a los cambios tanto en los sociales como culturales que todos conocemos y es que La jauría humana, título con el que se conoció en españa The Chase, es el film que vamos a reseñar hoy y que fue rodado a mediados de los sesenta más concretamente en 1966 por el maravilloso director Arthur Penn, autor al que estamos dedicando este ciclo de cine en el canal.

Veréis Penn que se había pasado de la televisión al cine con el film que reseñamos hace un par de días, el western sobre Billy el Niño titulado El zurdo para el estudio de la warner bross y que no fue totalmente satisfactorio para la Major, tardó casi cuatro años en que volviera a tener una oportunidad cinematografica, esa resultó ser para la United Artist con el film rodado en 1962 El milagro de Anna Sullivan, película que fue una sorpresa en la ceremonia de los oscar llevandose dos estatuillas y que encumbró al director de tal manera que se contaba con él para la producción más ambiciosa de la United Artist la película bélica el Tren, pero resultó ser despedido a las pocas semanas de empezar el rodaje, si queréis saber más  de esta película y el por que de su despido recordar que ya la tenemos reseñada en el canal por lo que podéis acceder a ella desde el directorio de videos de nuestro canal de Youtube.

Pues lo dicho, con el director con las puertas cerradas en la Warner y siendo despedido por la United Artist, tocaba buscar un nuevo estudio donde seguir su carrera profesional y esta resultó ser la Columbia Pictures con un pequeño film titulado Acosado en 1965, película que tuvo una buena recepción que se enriquecìa con una maravillosa interpretación de por aquel entonces jovencisimo Warren Beaty del que el director quedó impresionado. Tras este moderado éxito se le volvió a encargar un film pero ya con un gran presupuesto, como respaldo de la inversión estaba el productor cinematográfico más importante del momento Sam Spiegel, Spiegel ya había demostrado su valía en films míticos del cine como La reina de Africa, La ley del silencio, El puente sobre el rio Kway, de repente el último verano o Lawrence de arabia y con su conocido control total era una más que garantía de éxito de la película.

El film partía de una obra de Horton Foote escrito en 1956 y es  que el escritor había vuelto a tener notoriedad  al haber sido el guionista galardonado en los oscar de Hollywood por la adaptación de la novela de Harper Lee Matar a un ruiseñor 1962. Aquella novela que desnudaba una pequeña sociedad rural iba a ser adaptada a guión por otra autora mítica Liliam Helman, si la misma que se adaptó su propia historia a guión en La Loba de William Wyler y que era toda una leyenda de la escritura y la gran Herman realiza aquí una de las más audaces adaptaciones de la historia del cine ya que tenía que lidiar con la censura cinematografica del código Hays y a su vez narrar la historia cruel y despiadada que contiene la novela.

Y ahora si os parece bien, por que no os cuento un poco de que va la película, ya sabéis que nuestras reseñas buscan animarte a ver la película y no ser una alternativa a su visionado por lo que no os cotaremos ningún tipo de spoiler ya que es un principio del canal y con esto dicho, vamos a la trama.

La película comienza con la fuga de dos prisioneros, uno de ellos es un joven llamado Bubber Reeves, este hecho causa una conmoción en los ciudadanos de un pueblo tejano, los habitantes de este, es un crisol de nacionalidades y estatus sociales, en ella malviven los negros bajo un yugo racista, los mexicanos los obreros nómadas que es mano de obra barata, los blancos que en su mayoría son nuevos ricos y en la cuspide de todos se encuentra el Sr. Rogers el empresario de exito dueño de los pozos petroliferos, de plantaciones y del banco de la ciudad, siendo casi un cacique dentro de esa extraña malgama de personajes. Bubber Reeves es ese detonante de toda la sordidez que esconde la ciudad, traciones sentimentales, hombres temerosos y matones de pueblo que toman en la cecería humana del fugado el entretenimiento retorcido de un sabado por la noche, mientras tanto el Sheriff Calder, un hombre de principios intenta que no linchen al joven ya que suponen que viene a vengarse del hijo del Sr. Roggers Val al estar viviendo un romance con la mujer de Reeves y hasta aquí te voy a contar el resto de la película tienes que verla tu ya que es simplemente una obra maestra.

Y ahora para poder seguir con la producción, dejenme un segundo para hacer un pequeño paréntesis y animaros a suscribiros a cinefilia.

¿Que buscas de un canal de cine en youtube? ¿Quieres conocer o recordar esos grandes autores, esas películas míticas que te ayuden a conocer más este arte a golpe de clásicos? ¿Te interesa conocer la filmografía de esos directores de leyenda o dentrarte en la historia de los outsider de la industria del cine? Pues si tu respuesta es que si, suscribeté y forma parte de nuestro canal donde cada semana subimos dos reseñas de pelìculas tan míticas como esta. Así que dale al botón y a la campanita y forma parte de nuestra pequeña y gran familia

Pues hecho este pequeño parentesis continuemos con la producción del film.

Antes de empezar con el rodaje el productor Sam Spieguel decidió bajar mucho la tensión de la novela en cuanto al contenido de  componente racial en la película y los aspectos más grotescos y controvertidos, esta relajación en la trama no sentó nada bien al director que acató a regañadientes la mano ferrea de Spiegel, más que nada por que ya había sufrido el despido en el tren y sabía de la poca fuerza que tenía en los estudios.

Aún así Penn consigue mostrar la dureza de la novela en un film simplemente mítico, la otra cara de la sociedad ideal norteamericana, esa que por el día tiene el rostro de la moralidad pero que cuando cae la noche y pierde el maquillaje se observa lo grotesco de la perversión, de la expiación de culpas en el más desdichado, aquel al que se le puede golpear sin que a nadie le preocupe por ser la oveja negra y como la justicia no llega a esas personas y ni siquiera la moralidad del sheriff puede hacer nada por que el destino de un mundo desalmado llegue ante ellos.

Esa sutil elegancia en lo descarnado lo consigue gracias a un elenco simplemente brutal encabezado por uno de los mejores actores de la historia el gran Brando que realiza aquí uno de sus mejores papeles, por cierto se pensó en otro actor con el que Spieguel toco el cielo que no era otro Peter Otoole , el actor del momento gracias a su anterior película Laurence de Arabia, aún así la elección de Marlon Brando fue todo un acierto.

Por otro lado la coprotagonista Jane Fonda, una actriz que ha demostrado con su trabajo sobreponerse a la sombra alargada de su padre gracias a su portentoso talento interpretativo, hay que decir que tuvo que pelear por el papel ya que  tambien se pensó en Fate Danawey y aunque el papel fue para la hija de Henry Fonda el director dejó impresionado por la prueba de la joven actriz apuntó el nombre de Danawey para su siguiente película Bonney And Clide donde tambien pudo repetir con Beaty con el que tan buen trabajo realizó en  Acosado.

La película se enriqueció de la sabiduría de Brando para el momento clave de la paliza que recibe el sheriff, veréis por aquel entonces se realizaban coreografías que se golpeaba al aire quedando francamente falsas, por lo que Marlon Brando le propuso realizar la pelea a cámara lenta, donde podría haber contacto real sin daño y luego acelerar la imagen en postproducción y así lo realizó el bueno de Penn creando uno de los momentos clave de la historia del cine.

Terminado el rodaje y viendo Sam Spiegel que iba a tener problemas con el director, le despidió antes del montaje final encargandose de ello el equipo técnico de la Columbia.

Al final este hecho hizo que Arthur Penn renegara del film y diera la razón a todos los críticos del momento que hablaron de la película de forma despectiva, pero el tiempo siempre sabio ha dabido darle valor al film siendo hoy en día una obra maestra indiscutible del cine, un referente de este arte que retrata una época de una manera descarnada.

Y bueno con este último dato vamos a ir dando por terminada esta reseña, deseando que te haya gustado y que si es así me regales un like, pero le des al pulgar arriba o no tengo para ti dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o por lo menos luches por ello ya que no hay mejor lucha que esa y la segunda que como n puede ser de otra forma, que vivas el cine

 

El ZURDO 1958

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis si sois suscriptores del canal y habéis visto la anterior reseña del film de Frankenheimer el tren, ya sabréis que aquella película fue el prólogo de este ciclo que le estamos dedicando al maestro de maestros Arthur Penn, veréis son muchas las nuevas generaciones que apenas conocen a estos grandes directores que llevaron al cine a cotas altísimas de calidad cinefilia y en cierta forma es normal ya que rara vez tienen ocasión de que alguien les aconseje el visualizado de obras tan modernas como las que rodó el maravilloso Penn sobretodo en la primera mitad de su carrera.

Y es que si este canal nació con una intención era nutrir de reseñas de calidad a la audiencia más cinefila, esos espectadores que buscan recordar films y directores que conocen, pero gracias a eso que se llama el algoritmo de YOUTUBE tambien hace que estos vídeos lleguen a esos jóvenes que poco a poco se interesan más por el cine. Así que si os parece bien, antes de comenzar con la reseña de este mítico western permitanme que les hable brevemente de su director.

Veréis Arthur Penn es de la hornada de directores llamados de la televisión, esos cineastas que habáin aprendido el oficio desde la pantalla pequeña entre ellos Sidney Lummet, John Frankenheimer y por supuesto nuestro Arthur Penn. Esa llegada de nuevos talentos a la dirección de las películas en un momento de cambios tanto sociales como culturales en medio mundo y por supuesto en EE.UU. hicieron que estos nuevos autores dinamizaran el cine en el momento del declive de los grandes estudios.

Arthur Penn era un dramaturgo muy relacionado con el actors studio, un joven culto en un momento en que se miraba con recelo a los autores cultivados, recordar que estamos a finales del macartismo, aquella caza de brujas de miembros del partido comunista en la sociedad americana y por supuesto en el cine. Así que aunque de un talento indiscutible, nunca tuvo el apoyo de la industria siendo mirado de soslayo, recordar la anterior reseña El tren donde fue relegado y despedido por Burt Lancaster por su visión intelectual de la película y sustituido por su compañero y amigo Frankenhenimer.

Esta dualidad de sensaciones de tener a un gran autor de creación de películas míticas como La Jauría Humana, Bony And Clide, El pequeño gran hombre o La noche se mueve, film que ya hemos reseñado en el canal y que son películas indiscutibles hoy en día, no le sirvieron para tener la fuerza en los estudios que otros de sus compañeros si que habían conseguido

Hoy en esta reseña que abre el ciclo de este gran director tenemos su opera prima, su primer largometraje una apertura que narra las andanzas de una de las leyendas norteamericanas que como no podía ser de otra fotma es el retrato de un foragido el famosisimo Billy el niño.

 El Zurdo se adelanta a todoslos western del momento con un guión sacado de un telefilm escrito por el prodigioso Gore Vidal en un guión escrito por Leslie Stevens otro novato en cuanto a la escritura de en largometrajes en donde vuelca toda su creatividad, la película dista mucho de ser perfecta por la inexperiencia de ambos creadores pero tiene una frescura enriquecida por la actuación de Paul Newman, por cierto la película iba a ser protagonizada por James Dean y se preparaba el rodaje para 1956, pero el accidente de tráfico del prodigioso actor que le llevaría a su muerte hizo que se paralizara la producción hasta que Newman tomó el papel de Billy el niño a pesar de la edad del actor que por aquel entonces tenía 33 años y el personaje original no llegaba a los 18.

Ahora si os parece bien, adentremonos en un poco más en esta película hablando un poco de la trama, ya sabéis los más veteranos en el canal que aquí no se hacen spoiler, así que como hemos dicho al principio de esta reseña y si eres un recien llegado a CINEFILIA comentarte que este canal nace con la intención de empujarte a ver las películas que reseñamos por lo que jamás os destripamos nada de la historia para que puedas disfrutarla como se debe que es descubriendo el film y sus giros viendo la película, así que puedes estar relajado en ese aspecto.

Pues bien. William Boney es un joven perdido en el desierto cuando el ganadero conocido como el inglés lo encuentra, pronto entablan amistad y este le contrata dentro de su cuadrilla, cuando se acercan a la ciudad de Lincon los ganaderos del lugar y el sheriff preparan un plan para eliminar a la competencia del inglés y deciden asesinarlo cuando se dirige al pueblo.

William más conocido como Billy decide entonces vengar a su patrón para ello tiene que saber quién son los asesinos por lo que se traslada al pueblo donde conoce a un pistolero llamado Pat Garret.

Tras el funeral Billy conoce los nombres de los cuatro criminales y empieza a eliminarlos desatando una espiral de violencia en donde Billy Bounce se transforma en el legendario Billy el niño y hasta aquí te voy a contar, el resto de la película tienes que disfrutarla tú en un wester clásico que rompe con el misticismo de las típicas películas de pistoleros.

Y ahora antes de volver a la producción de esta película me van a permitir que haga un pequeño parentesis para animarte a que te suscribas al canal, verás este canal que tiene como objetivo el dibulgar el cine clásico para los espectadores más jovenes y servir como recordatorio a los más veteranos, un canal que completa su forma de ser cuando tú, querido espectador lo ves y claro que mejor saber que vas a acompañarnos en este camino de cine sabiendo que te has suscrito, así que no lo pienses más, dale al botón y a la campanita para que formes parte de nuestra comunidad y juntos disfrutemos del cine clásico de todos los tiempos y géneros.

Pues dicho este pequeño parentesis volvamos a volver a la producción de esta película.

Verás pues resulta que a Gore Vidal no le gustó el cambio que hicieron de de su guión, el que Penn no lo siguiera al pie de la letra y se lo diera al joven escritor Leslie Stevens, a Gore Vidal no le sentó nada bien de hecho es que dijo que el film sólo le gustaría a un francés, aciendo referencia a la nueva ola francesa que acababa de nacer ese mismo año.

El caso es que la Warner sólo le dió a Penn menos de 25 días de rodaje pero hay que decir que pasó de todo.

Empecemos por el interprete principal el gran Paul Newman un actor salido del Actors Studio que encajaba perfectamente con la filosofía del director, pero  resulta que Newman en el momento del rodaje estaba de crisis psicologica debida a la separación de su primera mujer Jaqueline Witt que le llevava a visitar al psiquiatra.

Por otro lado y cómo hemos comentado antes, el estudio que no se fiaba de Arthur Penn le puso un camarografó de confianza del estudio Peverell Marley y este tenía conflictos constantes con el bueno de Arthur por que no compartía como el director estaba llevando el film.

Una vez rodada la película el director fue despedido siendo su paga 17.000 dólares y el montaje se realizó sin la supervisión del director.

Por si fuera poco, Arthur Penn cayó en una especie de lista de directores no confiables por lo que tardó más de 4 años en volver a tener una segunda oportunidad. Hay que decir que en su segunda película más libertad por parte de la United Artist llevó a la película a ganar dos oscar y el estar nominado como mejor director por el milagro de Anna Sulivan.

Al final la pelìcula fue un pequeño desastre en la taquilla ya que no llegó muy lejos en las salas de cine y al final terminó siendo carne de cine de sesiones de serie B, ese que estaba gestando una nueva legión de cineastas que ensalzaron este film cuando ellos eran los autores del momento.

Hay que decir que la película no es perfecta y no sabemos cuanta culpa tiene el montaje del estudio o la inexperiencia del director, pero en ella tenemos un film que curiosamente se adapta mejor a los gustos del publico actual que al de la época, una película llena de dobleces y aciertos, inconsistente a ratos pero que dan un aire de frescura a la historia de uno de los foragidos de leyenda que ha llegado a nuestros dias, la película nos da la oportunidad de disfrutar del inicio de uno de los directores más grandes de la historia del cine, con un trabajo como siempre excelente del gran Newman.

Un film de casi obligado visionado para cualquier amante o estudioso del cine, una aventura llena de mítica que sabe mantener la tensión del espectador en un montaje clásico de hora y media de película.

Y bueno, esperando que te guste esta película que es con la que comenzamos este ciclo a Arthur Penn, director que tiene como hemos dicho y vamos a reseñar obras maestras del cine y que como otros grandes jamás ganó una estatuilla como mejor director en los Oscar a pesar de estar 3 veces nominado y nada con el deseo sincero de que me acompañes en este viaje por su filmografía, me despido de todos vosotros, pidendoos que si os ha gustado la reseña nos lo hagas saber con un like y si compartes este video a tus conocidos que pienses que les puede interesar te estaré eternamente agradecido.

Y nada, ya vamos a continuar con la siguiente reseña, un exito absouto del director y el principio de su leyenda. ¿Quieres saber cual es? pues solo espera un par de días para descubrirlo, nosotros mientras tanto vamos a despedirnos como siempre con dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine

EL TREN 1964

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos amigas de cinefilia, veréis la película que vamos a reseñar hoy es el inicio del ciclo que le vamos a dedicar a  uno de los directores míticos del cine un autor que no dejó indiferente a nadie y que con su estilo personal llegó a ser leyenda de este arte.

Para poder adentrarnos es su figura me veo en la obligación de reseñar primeramente esta película a la que no me duelen prendas en catalogarla como obra Maestra ya que estamos hablando de la magnifica EL TREN film rodado en 1964 por John Frankenheimer.

Pero el ciclo de cine que empezamos no es dedicado al portentoso y controvertido director de Queens si no al prodigioso Arthur Penn.

¿Y cómo para empezar el ciclo de cine dedicado a un director empezamos por una cinta dirigida por otro? pues por que como dice el dicho, la grandeza de un hombre no se mide por los triunfos obtenidos si no por sus fracasos superados y esta película titulada el Tren entra dentro de los fracasos del director, así que si quieres saber más de este hecho, que mejor que quedarte a ver esta videoreseña y consejo de cine.

Y ahora me van a permitir antes de empezar con la historia de esta producción que hablemos un poco de la trama, una de las más audaces de todo el cine bélico que se hizo en los 60 uno de esos films inmortales debido al guión, por lo que es imprescindible llegar sin saber más de lo necesario y libre de spoiler, pero estar tranquilos por que este canal está libre de ellos ya que es una norma establecida en CINEFILIA.

Pues lo dicho.

La película comienza con los maravillosos acordes de la melodía de Maurice Jarre, la fotografía de Woltitz y Tourniere y la puesta en escena virtuosa de Frankenheimer, sólo los primeros compases de la película te llevan a entender que lo que vas a ver se sale de lo común, la distorsión de la lente gran angular te da la sensación más de estar viendo una película de suspense que bélica y de pronto el museo, los cuadros que el tercer right llama arte degenerado, El Coronel Von Vadein admira ese arte y lo proteje, pero pronto adivinamos por que esa protección, Von Vadein tiene pensado llevarselos a Alemania antes de que lleguen los aliados, es entonces cuando la conservadora del museo se pone en contacto con la resistencia francesa con el fin de que su tesoro nacional no salga de Francia, es entonces cuando el inspector ferroviario Labiche miembro de la resistencia prepare un plan para que dicho tren no llegue a su destino y hasta aquí te voy a contar el resto de la trama tienes que verla tu en un film que te atrapa desde el minuto uno hasta el final. Una película llena de épica y esa magia de unos hombres dando su vida por un bien mayor

Y ahora volviendo a la historia de la producción y por que este film es el que inicia el ciclo de Arthur Penn. Veréis el director fue contratado para realizar la película debido a sus dos primeros lagometrajes, El zurdo opera prima del director rodada para la Warner y la que ya os adelantamos que será la siguiente película del director en ser reseñada en el canal, un western atipico al que dejaremos el desarrollo del mismo para la siguiente reseña y que le abrió las puertas de la United Artist para que sealizara El milagro de Anna Sulivan film ganador de dos Oscar que le puso en el candelero y uno de los films referentes del director. El caso que tras estos dos primeros films el estudio le dió la producción más importante que tenía entre manos una coproducción con Francia e Italia en donde iba a actuar la estrella del momento Burt Lancaster.

Ahora antes de adentrarnos sobre la producción de este film, dejenme un breve parentesis para preguntarte que si te gusta el cine, si quieres conocer o recordar esas películas maravillosas que han hecho de este arte lo que es hoy en día, ¿Por que no te suscribes a CINEFILIA? todas las semanas subimos dos reseñas de cine clasico e independiente de todos los géneros y épocas, donde te damos a conocer esas maravillosas obras que hacen de un día aburrido y que no sabes que ver una velada fantástica de cine, así que no te lo pienses más y dale al botñon y a la campanita y forma parte de nuestra familia de cinefilos.

Y bueno, El caso es que con el actor fichado y tras tres días de rodaje, Burt Lancaster pidió al estudio que despidieran al director o el se marchaba y abandonaba la producción. Gran parte de los problemas venían por el enfoque filosofico del film que quería otrorgarle Penn a la trama en donde se marcaba la relación del personaje principal con el Arte, el caso es Lancaster venía de rodar el Gatopardo con Visconti y fue un rotundo fracaso por lo que no quería verse otra vez envuelto en una película de autor que le encasillara en las malas cifras de taquilla por lo que dió ese ultimatum a la United Artist.

Al final el estudio tomó partido por el actor y despidió a Arthur Penn siendo una mancha oscura en su curriculum justo cuando empezaba, el caso y permitanme que me desvíe un segundo de la producción de esta cinta que el bueno de Penn dos años despues rodara una de las obras cumbres del cine, la prodigiosa Jauría Humana y es por eso que empiezo con aquella frase de superación personal con el ejemplo de este maravilloso actor y ahora volviendo a la reseña que nos ocupa.

Lancaster propuso cómo director a Frankenheimer con el que ya había trabajado en dos films anteriores Jovenes Salvajes y el Hombre de Alcatraz.

El caso que cuando llegó la United Artist a contratar al director, este sabiendo de la necesidad y la urgencia por parte del estudio propuso unas clausulas bastante extremas, la primera era el control total de la película y el montaje final del film, por otro lado que en los poster promocionales tenía que aparecer que la película era una obra suya siendo una clausula innegociable que el titulo sería Jon frankenheimer´s The Train, que al ser una coproducción con francia y la necesidad de tener un director frances, este no pisara el set de rodaje y por último y la petición más de primadonna que conozco junto con su salario total exigió a demás un ferrari.

El caso es que Frankenheimer le dió un enfoque totalmente diferente a la película de lo que quería hacer Arthur Penn, El bueno de John vió una pelicula de acción pura, una aventura que ocurría en un lugar tan angosto como es un tren, por lo que resultó ser un reto totalmente imaginativo para captar toda la acción que tiene este maravilloso film.

El resultado de la cinta es una película memorable, una de las mejores películas bélicas de una época en la que estaban realizandose quizá las mejores películas sobre la segunda guerra mundial al poder crear tramas con la perspectiva que da el paso del tiempo.

Frankenheimer muestra aquí su maestría filmica demostrando que a pesar de su caracter y sus peticiones extranboticas era el director ideal para esta cinta, creando una joya del cine universal que hoy en día ha quedado como obra maestra del género, por otro lado está el artifice del cambio del director, Burt Lancaster que se volcó para dar vida a Paul Labiche poniendo en peligro su integridad física al prescindir de dobles de acción en una interpretación simplemente memorable y por último el blanco y negro que reina como reminiscencia de un pasado que iba claudicando poco a poco por el color y que le da ese aspecto documental al que le sienta como un traje perfecto a esta cinta.

Y bueno, ya vamos a dar por terminada esta curiosa película del ciclo de Penn para que en un par de días nos metamos de lleno con su opera prima EL ZURDO pero que además esta reseña es un consejo de una película única con una concepción atropellada que dió como resultado una de las mejores películas belicas de la historia.

Y como para empezar con la siguiente película antes tengo que terminar esta, dejenme que lo haga recordandoos que si os ha gustado la reseña y el canal, ragalnos un like y hasta que llegue el siguiente consejo de cine sólo me quedan por hacer dos cosas, la primera desearte que seas inmensamente feliz y la segunda como no puede ser de otra forma que vivas el cine

Midnight in Paris 2011

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis es curioso como un cineasta que ya cumplía los 80 aún tenga hambre y fuerza para crear una de las mejores películas del nuevo milenio y es que si, puedo resultar hiperbólico al ensalzar de tal manera el film con el que nos adentramos en su reseña hoy que no es otra que Media Noche en París o Midnight Paris una de la mejores películas del siempre eficaz y maravilloso Woody Allen.

Veréis según cuenta el propio Allen la creación de esta película tuvo un desarrollo bastante particular creando un trabajo a la inversa, si por regla general se escribe un guion o un tratamiento y luego se lucha por poner nombre al fruto surgido donde siempre parece que es modificado de una forma constante, en el caso que nos ocupa hoy la trama nace del título Media Noche en París, con esa premisa que tenía en la cabeza empezó a contar la historia que le surgía de la mente al autor, pronto le llegó a la mente la frase escrita por Ernest Hemingway, parís era una fiesta constante y de ahí que con una creatividad maravillosa volviera a crear un film mágico, casi un cuento de la misma forma que cuando Allen era joven y rodó en 1985 la Rosa purpura del cairo y tras esta presentación del film, vamos de lleno a la película.

Veréis creo que la mejor manera de comenzar esta reseña es por el principio y que mejor que comentar un poco de la trama de este film totalmente inclasificable.

Cómo ya saben los suscriptores veteranos del canal, podéis estar tranquilos por que aquí jamás hacemos spoiler de las películas que recomendamos ya que nuestra intención con esta reseña es empujarte a ver el film que aconsejamos y que podáis disfrutarlo de principio a fin.

Así que dichos lo cual allá vamos

Gil y Ines són una pareja joven guapa y con dinero, su futuro matrimonio se ve cercano y aprovechan un viaje de negocios del padre de Ines  para hacer un viaje en familia, pronto descubrimos que Gil y la familia de Ines están a las antipodas, mientras que el joven es un democrata soñador el padre es un republicano del tie party, mientras que la madre y su novia son materialistas el da valor a las pequeñas cosas, con lo que el conflicto entre la pareja es constante, ella quiere comprarse una casa en Malibú y el mudarse a una pequeña huardilla en París, ella quiere que siga con su prometedora carrera de guionista de Hollywood mientras que el ha decidido escribir su novela y entre conflicto y conflicto aparece el viejo amigo de Ines Paul un pedante integral al que Gil no soporta pero su novia idolatra.

Así que tras una cena donde el aspirante a escritor se le va la mano con el vino decide volvel caminando por las calles parisinas mientras que su novia, Paul y la novia de este se marchan a bailar, no sabemos si es por producto del alcohol o por el sindrome de stendall Gill al pasar la media noche viaja al pasado parisino donde conocerá el mundo bohemio de los años veinte parisino, cruzandose con Ernest Hemingway, Zelda y Scott Fitgeral, Cole Porter o Picasso.

Pero al volver el día, la aventura temporal de Gil le devuelve a una realidad donde se representa un futuro que no quiere vivir y hasta aquí te voy a contar ya que como he dicho en este canal no hacemos spoiler.

El caso de nuestro querido Allen al que ya se le daba por amortizado con 70 años desde esa edad había vuelto a tener una inexplicable remontada con Match Point film que reseñamos en el anterios consjo del canal, peo al que luego le acompañaron films como Soop o si la cosa funciona obras de gran calidad y repercusión mundial habían vuelto a caer en el ostracismo absoluto en la taquilla Estadounidense Si la cosa funciona recaudó 5 millones de dólares en norteamerica y con Scoop consigió quiza por el tirón de Scarlet Johanson consiguió 10 millones, en ambos casos una recaudación insuficeiente con películas que sobrepasaban los 15 millones de dólares al que sólo se conseguía sacar rendimiento con la taquilla internacional.

Así que con más de 80 años Allen volvía a estar en etredicho y se volvían a despertar los fantasmas del pasado, por lo que este Midnight in paris no lo iba a tener nada fácil para encontrar financiación, al final la encontró otra vez en europa gracias a la productora española Mediapro y la propia productora de Woody Allen Gravier Productión, al final la distribución la llevó casi completamente Sony Pictures excepto para España que la distribuía Alta Films, luego veremos que la distribición de Sony en Norteamerica tenía trampa, pero sigamos.

El caso es que para el personaje de Gil que es casi un alterego del propio directror, buscaba a alguien como él un intelectual de la costa Este de los Estados Unidos pero la directora de Casting Juliet Taylor propuso a Owen Wilson, el caso es que ya tenían en mente que entrara en el reparto Rachel Addams y Taylor recordaba la magia de ambos en un film anterior una comedia ligera titulada De boda en boda.

Allén no veía a un californiano interpretando a un pobre paranoico apocado por la familia paterna de su novia pero pronto Taylor le convenció para adaptar el papel de ingenuo soñador californiano que tan bien le venía a Owen Wilson y así lo hicieron.

Wilson leyó el guión y aceptó de inmediato su personaje contrastaba con el último papel en Cars 2 por lo que tenía en aquel momento una repercusión enorme.

Bueno y ahora antes de seguir con esta parte y la jugada de Sony un pequeño paréntesis para pedirte que si te gusta el cine, si disfrutas conociendo obras clásicas de gran calidad de directores míticos como Woody Allen, a qué estás esperando suscribeté al canal y dale click a la campanita para que no tepierdas ninguna de las dos reseñas que subimos a la samana, así conocerás cine de todos los géneros y épocas o te recordaré esa película que tienes en tu memoria adentrandonos en la historia de su producción y animandoos a verla o revisitarla de nuevo. Así que si te apatece ya sabes, dale ahora y no te pierdas nada.

Bueno vamos ahora a la jugada por parte de la Sony Pictures, veréis Owen Willson que estrenaba unos meses antes Cars 2, le pidieron los de Sony que si en alguna entrevista de promoción de la película de Pixar le preguntaban por la película que estaba haciendo en París que contestara y diera todos los detalles que quisiera. Owen dijo que sí que no habría problema si le preguntaban sobre ello pero sólo si el periodista sacaba el tema ya que su compromiso con Pixar era sobre Cars 2.

Así que Sony se puso en contacto con todos los reporteros de los medios que iban a entrevistar a Willson y les pagó para que hicieran un par de preguntas sobre la película parisina del actor y así pasó.

La mejor promoción de Midnight in Paris se la hizo Cars 2 de Pixar. El resultado fue que cuando hicieron un estreno limitadisimo en EE.UU. ya que el resto del mundo no les preocupaba, el resultado fue simplemente espectacular. En 6 salas de prueba consiguió casi 600 mil dólares una locura que indicaba el fabuloso resultado en taquilla, mucho mejor que su anterior film Match Point con 56 millones en territorio norteamericano superando los 150 millones a nivel mundial convirtiendose de inmediato en el film más rentable de toda la carrera de Allen y no es de extrañar.

La película es de una delicadeza increible, sustentada casi en su totalidad por la genial interpretación de Willson que te lleva por un cuento de adas para adultos donde haces que te enamores otra vez de la vida y por supuesto de París, es optimista, ingenua, onírica, romántica divertida, para mi y es una opinión personal es una de las mejores películas de Woody Allen y de su última época la que más se acerca a su primera etapa, sintiendo a Owen Willson como un Allen del nuevo milenio pero con personalidad propia.

Y bueno si el publico le acompañó la crítica y los premios no se quedaron atras, veréis ganó el globo de oro a mejor guión original y en los Oscar de Hollywood repitió premio y se llevó además 3 candidaturas a Mejor Dirección película y mejor diseño de producción.

Y bueno ahora vamos a comentaros dos anecdotas por llamarlas así una positiva y la otra un buen ejemplo de la ambición desmedida de algunos individuos.

Veréis la positiva es que este film es el primero en tener un etalonado digital, un color realizado con programas de postproducción y no con el revelado del celuloide, el resultado fue tan satisfactorio que repitió para el resto de su carrera y es normal ya que como director de foto tenía al gran Darius Kondji

Y ahora vamos a la menos positiva, veréis en un momento dado en la película se dice El pasado no ha muerto, ni siquiera es pasado, una cita que escribió William Fulkner en su libro Requiem para una mujer como se tituló en España o Requiem por una monja como se tituló en el resto del mundo. El caso es que los herederos por parafrasear a Fulkner que encima se muestra en pantalla, pedían derechos de autor y le demandaron por plagio, demanda que fue rechazada de plano por el juez que trató el tema como uso legítimo y es que no hay persona más ambiciosa que los mediocres sin talentos que gestionan el talento de sus antepasados.

Y bueno con este último dato vamos a terminar esta reseña esperando que si no conoces la película te adentres en el film que es ampliamente recomendable y como nada es eterno o si, eso no lo sabemos, tengo que terminar esta reseña con dos deseos  

Match Point 2005

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis en 1986 Woody Allen estrena el film Hanna y sus hermanas una obra de cerca de 6 millones que reacuda en EE.UU. la nada desdeñable cifra de 40 millones, el film que resultó ser un éxito de taquilla y crítica le siguió una etapa de 18 años donde no hizo una película rentable en los estados unidos, esta locura de crisis monetaria habría llevado a la inactividad de cualquier director, pero claro. esos 18 años de ir en picado en la taquilla de los cines en Norteamerica el bueno de Allen se encontraba con el éxito en el resto del mundo haciendo realidad el dicho de que no hay profeta en su tierra.

Pero claro, el director Neoyorkino tenía como marco de sus hitorias su ciudad natal hasta que llegó Match Point o cómo se título en parte de latinoamerica La provocación, film estrenado en mayo del 2005 y con la presentación hecha, esta es la historia de una producción que tenía todos los visos de ser el final de la trayectoria de Woody Allen.

Veréis Allen por aquellos entonces ya se acercaba a los 70 años por lo que podríamos decir que cualquier director estaría al final de su carrera y además sabiendo que desde 1986 no tenía un éxito en la taquilla en los EE.UU. todo hacía presagiar que la financiación del film por parte de una productora norteamericana se intuía bastante difícil, su anterior película Melinda Melinda producida y distribuida por la Fox fue un total desastre y todo a pesar del estreno limitado del film  que no llegó a recaudar ni 750 mil dólares en todo su periplo vital en pantallas. Así que podéis entender que cuando llegó con su siguiente película un extraño thriller romántico que se enmarcaba en la zona rica de Nueva York en los Hampton, no es que la Fox no quisiera producirla, es que nadie quería producir un film de un anciano al que no acompaña la taquilla.

Pero del mismo modo que en los EE.UU. no veían al director con buenos ojos no pasaba así en el viejo continente donde casi era benerado y aquí llega el milagro del cine, esa conjunción mágica que no puede darse pero que por azares del destino ocurre.

Veréis la BBC la cadena pública brítanica se enteró del proyecto del director y de sus dificultades para sacar a la luz su película, por lo que se puso en contacto con la oficina de Woody Allen ofreciendole el dinero necesario para hacer la película siempre y cuando se llevara el rodaje al reino unido.

Hay que pensar que por aquel entonces en casi 20 años rodando, Allen había enmarcado la mayoría de sus historias en la ciudad de Nueva York hay otras como la última noche de Boris Cruchenko que por motivos dramaticos está localizada en Rusia es un buen ejemplo de que no siempre enmarcaba las historias en Nueva York, si que es cierto que la norma era enmarcar el film en la ciudad de los rascacielos, por lo que era una incognita la respuesta a la oferta de la cadena publica británica, pero curiosamente y parafraseando al director, sólo tuvo que pensarselo dos veces y cambiar el guión sólo le llevó dos días al tener que sustituir las localizaciones y así empezó el rodaje de este genial y maravilloso film.

Ahora si os parece bien os comentaré un poco de que va la trama de esta película, un film de esos sorprendentes que cualquier desliz por parte del narrador te puede llevar al desastre de la experiencia que es ver la película si aún no te has adentrado en ella, pero estate tranquilo, como saben los suscriptores más veteranos del canal, aquí jamás hacemos spoiler por lo que puedes estar tranquilo.

Pues vamos allá. Chris Wilton es un tenista profesional que cansado de no llegar a la cima decide dejar la competición para empezar a impartir clases de tenis en un elitista club deportivo. Allí se esfuerza por enseñar a la elite londinense hasta que un día es profesor de Tom Hewet el joven hijo del magnate de los negocios Alec Hewet. Tom y Chris comienzan a forjar una amistad en donde poco a poco le introduce en su circulo de amistades hasta que la hermana de Tom, Chloe, cae profundamente enamorada de Chris, pronto el joven instructor de tenis se encuentra ante un futuro soñado cuando la familia de Chloe le introduce en el negocio familiar.

Parece que la vida de Chris va sobre railes, pero esta se verá abruptamente afectada cuando en una reunión familiar conozca a la nueva novia de Tom la norteamericana Nola Rice, de la que caerá profundamente enamorado que pondrá en peligro por un lado la estabilidad de su noviazgo y por otro su futuro económico y hasta aquí te voy a contar, creeme que la película es maravillosa, con unos giros argumentales míticos que hoy en día son historia del cine con un guión original no falto de controversia.

Pues bien, ahora vamos a seguir con la historia de esta curiosa producción pero antes dejame un segundo para que te invite a formar parte de este canal de cine, que si quieres puedes ser tu canal de reseñas para esos momentos en los que no sabes que película ver, acudas a nuestros vídeoconsejos y encontrar así la película ideal para esa maravillosa velada de cine. ¿Y que tienes que hacer? pues muy simple darle al botón y a la campnita de suscripción y de una manera totalmente gratis pertenecer así a nuestro selecto club de cinefilos. ¿Que , te apuntas? pues animaté.

Pues terminado este breve paréntesis volvamos a la producción de Match Point.

Cómo deciamos la financiación por parte de la BBC llevava implicitos algunos requisitos, el primero como os comenté antes era que el rodaje debía de ser en reino unido, por supuesto el equipo técnico o gran parte de ellos debía de ser brítanico y por supuesto el reparto y aquí tenemos varios aciertos del film, el primero la contratación de nuestro protagonista Jonathan Rhys Mayer actor Irlandés que no era muy conocido por aquella época a pesar que había trabajado como secundario en algunos films importantes, pero que en esta película se destapa como el grandisimo actor que es, Emily Mortimer actriz que ya había coprotagonizado algunos films pero que se encontraba ante una de las oportunidades de su vida con un papel de gran calado en un film de Allen, Matthew Goode el actor de Devon que como sus compañeros se encontraba con una oportunidad única pero tambien vemos en pantalla a actores de peso como el inmenso Bryan Cox y para crear la discordia entre la feliz pareja una rompecorazones tambien británica Kate Wisley y con todo preparado se preparó el rodaje, pero como en las películas parece que los imprevistos son la norma habitual a una semana de empezar la producción, dice Wisley que se retira, uno de los personajes principales de la película decidía de golpe y porrazo abandonar la producción para pasar más tiempo con su familia, una excusa que no se la cree nadie ya que pasados unos meses encarnó hasta 4 personajes en sendas películas en el 2006, el abandono no se a que de debió pero resultó ser la retirada de Wisley lo mejor que le pudo venir a la película ya que de urgencia y con apenas unos días para prepararse para el papel se contrató a la maravillosa actriz Scarlett Johanson que por cierto no se puede estar más sexy que en este film, un trabajo interpretativo lleno de matices que eleva mucho la tensión cuando Reys y ella comparten plano.

Pero no sólo esta película se sale del compás de Woody Allen en cuanto a la localización de la película que no era Nueva York, si no que tambien deja de un lado el Jazz para dar paso a las arias de ópera que tan bien le quedan al film

El caso es que la película, al final fue un rotundo éxito, la primera obra de Allen en 19 años en dar beneficios en los EE.UU. con una taquilla de casi 30 millones que sumados al resto del mundo consiguió más de 80, siendo esta obra una reconciliación de Woody Allen con su público pero no todo iban a ser vino y rosas y este film tuvo una gran controversia.

Resulta que el film es un bombazo y en el festival de Cannes se proyectó fuera de concurso, en los premios franceses los Cesar y en los Españoles los Goya consigue hacerse con el premio a mejor película extranjera, aunque eso no es una sorpresa como hemos contado antes europa está rendida al cine de Allen, la sorpresa salta en los globos de oro con cuatro nominaciones y por supuesto en los Oscar de Hollywood con una nominación a mejor guión original y aquí vamos a parar un segundo, el caso por lo que se levantó tanto revuelo es por que la trama se parece mucho, pero mucho mucho a la novela de Theodor Dreisner Una tragedia americana, obra que ya se había llevado a la pantalla en 1951 por parte de George Stevens titulada Un lugar bajo el sol en España y Ambiciones que matan en latinoamerica.

Pero en fin, más allá de la controversia que si me preguntas a mi, la inspiración es más que clara, la película es una delicia, un film que se cocina a fuego lento, lleno de momentos míticos y de imagenes icónicas un film imprescindible para cualquier aficionado de Woody Allen y aunque eparezca extraño tambien para los que no le soportan. Una joya de película tan redonda que según palabras de su propio autor es una de sus favoritas y con razón, entretenida, bien hilada, fenomenalmente interpretada y por supuesto dirigida es de esas obras imposibles de olvidar.

Y bueno ya voy a ir dando por terminada la reseña y consejo sincero de cine esperando que si te ha gustado nuestro video nos regales un LIKE y como para empezar con el siguiente consejo de cine antes tengo que terminar este, voy a despedirme de vosotros con dos deseos, el primero que seais inmensamente felices o lucheis por ello y segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine