Una chica vuelve a casa sola de noche: Reseña sin spoiler

Hoy es el momento de hacer un viaje al presente, habitualmente estamos anclados en el pasado haciendo reseñas de títulos que han sido filtrados por el tamiz del tiempo y que han llegado a nosotros algunas veces con pena y otras muchas con gloria. pero hoy he decidido reseñar una obra del 2014 por que sin ser catalogada aún como película de culto tiene muchas papeletas para conseguir ese galardón solo destinado a obras elegidas.
La trama ambientada en lo que se supone un barrio de Irán Llamado Bad City puede pasar cualquier cosa, desde la venta de estupefacientes, hasta la extorsión por deudas de drogas a la explotación sexual, pero a todo esto se le suma que un vampiro sediento de sangre vaga por la ciudad en busca de presas de las que alimentarse, pero como toda ciudad por muy caótica y marginal que sea, siempre queda un reducto para la redención mediante el amor.
Y es que esta historia es una gran obra de amor, que camina siempre por la frontera paseándose y cambiando continuamente de género que va del Western hasta el terror pasando por el drama social.
Pero el que crea que se va aburrir con esta película está muy confundido, tiene una trama sencilla sin adornos que va directa al corazón del espectador sintiendo simpatía más o menos disimulada por todos los personajes que aparecen en pantalla.
A mi personalmente esta obra me rompió todos los esquemas y prejuicios de los que aún me quedan, primero al pensar ingenuamente que la obra era Irani por que no lo es, es una película 100% Estadounidense rodada en California en las ciudades de Backersfield y Taft, segunda que esta obra fuera de un cineasta con un largo bagaje a sus espaldas por que Ana Lily Amirpor se estrenaba en el largo con esta película y tercero que era 100% original y tampoco por que está basado en un cortometraje que la propia directora rodó en 2011 con el mismo título y que me ha sido imposible localizar, pero que encontraré seguro .
La película es una delicia, una obra de esas que te preguntas como no ha llegado más lejos y la verdad es que por más que me lo pregunto no encuentro explicación, sin ser algo superoriginal de la vida la efectividad del rodaje es casi perfecta sintiendo miedo, deseo y odio según quiere Amirpour que lo sintamos y dejándonos con ganas de más con un final que aunque previsible es tan rotundo que no necesita más retraje para dar por terminada la obra.
Hay personajes de la obra que no se desarrollan bien como es la mujer transgénero que aparece en momentos puntuales y que parece que esté de atrezzo a mi estas cosas simpre las critico por que o se desarrolla minimamente el personaje o se quita, por que al final te quedas con la sensación que le falta metraje a la obra, eso junto con un par de errores de planteamiento me impiden darla el 10 del canal, pero de verdad que se queda cerca, con un notable muy alto quizá rozando un ocho. Es una obra 100% aconsejable a todo el mundo, si te gustan los vampiros con más razón todavía esta película no la puedes dejar escapar, por cierto si alguien consigue donde ver el corto en el que se basa del 2011 que lo ponga en los comentarios, yo voy a seguir con la búsqueda y si lo encuentro ahí lo dejo
Bueno, no me quiero despedir sin dejaros un avance de lo que será la próxima reseña, es una adaptación cinematográfica para ser más precisos la primera versión para cine de una novela de terror que dió nombre a una expresión que hoy en día se sigue utilizando. Ya sabes, si crees que has reconocido el título dejalo abajo en la descripción y en 4 días salimos de dudas. Un abrazo a todos y un millón de gracias por apoyar el canal

MACBETH (2015): Una película mal tratada.

Antes de continuar, felicitar de nuevo a Nathanael que ha vuelto a acertar la obra, prometo ponértelo difícil esta vez.
Si hay un autor que recurrentemente ha sido fuente de inspiración de cineastas ese es Sakespeare sobretodo sus tres obras más populares, Romeo y Julieta, Hamlet y porsupuesto este Macbeth y es que los sentimientos de los que habla están tan enraizados en nosotros que da igual la época o la cultura, son afines a toda la humanidad, ¿por que quien no lucha por amor, por poder o por venganza?, pero ante premisas tan simples hay que tener mucho ojo con el bueno de William.
Esta obra de Justin Kurzel es un ejemplo de como Sakespeare te hace pagar la novatada y no por que sea una mala adaptación si no por algo que está en la estructura misma de la obra, hoy en esta reseña vamos a hablar de uno de los principios cinematográficos y literarios que tienen la obras de cine ya que es necesario para explicar por que la masa ha dado la espalda a esta versión siendo, de Macbeth que intenta ser totalmente fiel a la obra.
Ahora permitirme un paréntesis para hablaros de la estructura literaria, es solo una pincelada no vamos a entrar en profundidad, pero si os interesa el tema y queréis que haga un vídeo explicándolas completamente, darle a like y así puedo ver que tenéis interés y si llegamos a 50 pues os hago un vídeo monográfico sobre estructuras literarias en los guiones cinematográficos.
Cerramos el parentisis abierto y hablemos de por que no engancha esta versión de Machbeth
Todas las personas estamos acostumbradas a ver cine constantemente y el 90% de las veces y en muchos casos el 100% el espectador ve obras de tres actos, esto crea una inercia propia de lo que el espectador espera ver, son tramas directas donde el ritmo siempre va incescendo y muy fácil de retener la atención del espectador, es por eso que sea la estructura mas usada. Pero no es la única, también hay estructuras de 4 actos que son el 9% restante, aunque no es muy habítual estas historias bien rodadas no tienen por que afectar la atención del espectador ya que siguen teniendo un gran dinamismo y el 1% restante son estructuras de 5 actos o también llamadas estructuras Isabelinas y estas tienen una trampa feroz en el cuarto acto, hay que hacer un planteamiento de guión muy eficaz para que los espectadores no desconecten en el cuarto.
Pues bien como ya os imaginareis la obra literaria de Macbeth es de 5 actos, cuando directores consagrados como Welles o Polanski se acercaron a la obra, hicieron un planteamiento magistral de este  aligerándolo muchísimo y dándole un dinamismo que el original no tiene, creando así una versión tolerada por la mayoría de la audiencia, esto se consigue con maestría un ejemplo Welles se embarca en su Macbeth en 1948 habiendo rodado 8 películas y con una madured creativa muy superior a la media y Polanski la rodó justo despues de la Semilla del diablo en 1971 como podéis observar ambos directores se atreven con esta versión tras un largo periplo en el oficio, pero es más cuando Kurosawa hizo trono de sangre que es una versión de Macbeth la hizo aún más dinámica ya que no tomó la obra tal cual si no que la adaptó al mundo de samurais con lo que pudo jugar como quiso con el original para crear lo que para muchos es la mejor adaptación de Mackbeth.
Justin Kurzel, se atreve a adentrarse en esta obra solo con dos películas a sus espaldas, y sin apenas oficio en la dirección y Macbeth se lo come vivo, el director estaba muy crudo para meterse con un autentico toro bravo, a pesar de tener una obra de peso y un montón de adaptaciones de las que tomar prestados ritmos y tempos de guión decide crear una adaptación fiel de la obra y claro el resultado es una película que pierde ritmo justo a la mitad del film y que solo remonta en los minutos finales por lo que el publico la trató como aburrida y lenta y realmente lo es.
Pero yo la defiendo y por eso hago esta reseña de esta versión y es que el cine es un compendio de diferentes ártes y aunque la dirección no va a destacar por su trabajo en guión si lo hace al crear una de las más bellas películas de todos los tiempos y es que el planteamiento de los momentos de acción están a la altura del mejor Soreentino, rompiendo el tiempo y el espacio para meternos en los momentos más crueles de la historia, la primera batalla es como meterse en un cuadro, la música y la coreografia no solo de los actores si no de la cámara es uno de esos momentos que no se olvidan y por otro lado están las actuaciones, no solo de Fassbinder y Cotillard si no de todos los integrantes del elenco, estan simplemente maravillosos.
Esto junto con la fotografía y las localizaciones hacen de esta obra un imprescindible, que pena que se atreviera tan pronto con esta obra de Sakespeare, creo que Kurzel con más oficio abría hecho una obra maestra, por que técnica tiene a pesar de no elegir muy bien su trayectoria.
La trama creo que está demás contarla pero puede haber espectadores jóvenes que aún no hayan tenido la ocasión de leer la obra o ver alguna de sus adaptaciones, así que contar que estamos en Escocia, el rey Duncan tiene una guerra civil en la que están involucrados sus señores, Macbeth el más leal de todos tras una batalla tres brujas le vaticinan que será rey, esta visión desencadena una serie de acontecimientos que llevarán la muerte y la destrucción al reino de Escocia.
Ahora la pregunta clásica ¿Me recomiendas ver esta película? Si y no, no creo que sea una película que enganche, por lo que si te aconsejara verla tendrías en mi consejo un castigo más que un premio, pero por otro lado si te lo aconsejo, por que a pesar de no ser una buena versión tiene momentos de absoluta brillantez que puede ser que eclipsen sus puntos negativos y te guste tanto como a mi. Así que la decisión debe ser tuya.
Y ya damos por terminada la reseña y vamos con esta especie de juego que se está convirtiendo en costumbre en el canal y es hacer un adelanto en forma de acertijo de la siguiente pelicula, lo voy a poner difícil, la próxima reseña sera de una película que parece ser una cosa y sin embargo es otra, parece ser iraní, con actores y actrices iranies, rodada en el lenguaje persa, localizada en una ciudad de Iran, pero financiada, producida y rodada en los Estados Unidos de Norteamerica. Ahí dejo el acertijo, si crees que lo has adivinado ya sabes, ponlo debajo del vídeo en los comentarios

Drácula 1979 la mejor versión de todos los tiempos

Hace tiempo que reseñé la que para mí es la mejor versión de la novela de Bram Stocker Drácula, aunque se resentía un poco por culpa de la financiación, pero su guión, ritmo y actuaciones eran realmente memorables.
Pues hoy vengo con la que es para mi la mejor película sobre Drácula de toda la historia del cine, muy superior a cualquier adaptación anterior y posterior incluyendo el Drácula de Coppolla y és ni más ni menos que la versión que rodó John Badham para la Universal en 1979. Pero permitanme que antes les comente como se gestó esta obra maestra.
John Braham venía de rodar Fiebre del Sábado Noche en 1977, película que le otorgó a Travolta una nominación como mejor actor, en esta película Braham que había hecho su carrera dentro de la televisión demostró que en el cine no solo empataba con los mejores directores del momento si no que otorgaba una sensibilidad y delicadezaa la obra que resaltaba el drama de Tony Manero.
Un día de 1978 Braham fue a Brodway a ver la obra de teatro de la que todo el mundo hablaba, ganadora de un premio Tony y representada por un joven actor llamado Frank Langella que daba un nuevo estilo a un personaje clásico, esa obra era la adaptación teatral de Drácula realizada por Hamilton Deane y John L. Balderston.
El resultado fue que Braham no solo salió encantado de la obra de teatro si no que quiso rodar esa maravillosa historia y rodarla para la posteridad. Para ello necesitaba uno de los presupuestos mayores del cine, 10 millones de dólares cifra que daba la nomenclatura de superproducción en aquellos momentos.
Hay que recordar que la primera película en la que salía Drácula con su nombre fue en 1931 en la Universal por lo que podríamos decir que Drácula regresaba a su casa y regresaba por que desde el 58 la Hammer acaparó la imagen del vampiro y vinculó el nombre Cristopher Lee para siempre a la del Conde, pero si esas obras se caracterizaban por una producción bastante mediocre y más en los 70 donde se perdió la esencia del vampiro para introducirlo en películas de Artes Marciales como La Leyenda de los 7 vampiros de Oro, Braham quería volver a dar todo el esplendor que el personaje se merecía.
Sorpendentemente a la Universal le pareció una idea magnifica y no solo le dio los 10 millones si no que puso a toda su maquinaria a trabajar en el film.
La primera exigencia de Braham fue la de hacer el Drácula de la obra teatral y no el de la novela y para llevar el libreto de la obra de teatro a un guión de cine necesitaban a un especialista en adaptaciones, es entonces cuando sonó el nombre de Walter Duch Richter guionista que había sabido adaptar un clásico como La Invasión de los Ladrones de Cuerpos a una película exitosa como La Invasión de los ultracuerpos. En esta versión del vampiro W.D. Richter acerca la película gótica a una historia de amor prohibido muy cercana a Romeo y Julieta en uno de los mejores guiones que se han escrito para Drácula.
Esta historia de amor y terror necesitaba una música que diera el ambiente gótico y épico que el guión demandaba y contrataron al mismisimo John Williams que hizo uno de los mejores trabajos de su vida dirigiendo a la mismisima Orquesta Filarmonica de Londres, esta partitura fue la base que Coppolla uso para su versión del vampiro.
Ahora tocaba el momento del reparto, Drácula ya estaba decidido Langella iba a continuar dando vida al Conde Rumano, en esta obra los papeles de Mina y Lucy se invierten dando al personaje de Lucy una mujer valiente y temeraria el protagonismo que se merece y dejan a un lado a la sumisa y recatada Mina. Este personaje de una mujer fuerte y que toma las decisiones por si mismas revelándose contra el machismo imperante de la época lo tenía que hacer una joven que diera el perfil y esa actriz fue Kate Nelligan que hizo una actuación magistral encarnando a la rebelde Lucy. Para los rivales del conde necesitaban actores de prestigio para equilibrar la fuerza interpretativa que Langella le daba a su Drácula y no pudieron estar más acertados Sir Laurence Olivier encarnaba al Profesor Van Helsing y Donald Pleasence que encarna al Dr Seaward consiguen equilibrar fuerzas contra un actor ganador de un Tony que llevaba representando al Vampiro durante más de 3 años y comienza el rodaje y los 10 millones se invierten de una forma magistral, los escenarios trascienden a toda lógica, acostumbrados como estábamos al cartón piedra, el inicio en el barco es toda una declaración de intenciones,pero el manicomio, la casa del Dr Seaward, los exteriores y por supuesto el castillo del conde Drácula es alucinante.
Aunque la trama principal de la película es una historia de amor, esta película da miedo, tiene momentos en los que el espectador va a pasarlo realmente mal y tiene para mi el mejor final de todas las películas de Drácula, nuevas y antiguas es sutil pero aterrador.
En cuanto a la trama dista bastante de la obra original de Stocker, simplemente toma prestados algunos personajes pero excepto el nombre y algunos roles poco o nada tienen que ver con el original y tampoco tiene mucho parecido con la obra de teatro ya que Ritchter enriquece la obra dando giros inesperados y subtramas que en la obra teatral no existe.
La película narra el naufragio del Demeter, todos sus tripulantes han muerto excepto el Conde Drácula que ha sido encontrado con vida gracias a la Joven Mina Van Helsing, Drácula sera el invitado del Psiquiatra Dr Seaward en su casa hasta que éste pueda instalarse en el castillo que ha comprado. Drácula caerá profundamente enamorado por la prometida de Jonathan Harker, la señorita Lucy Seaward, pero un extraño acontecimiento pondrá a todo el mundo alerta, Mina Van Helsing muere en extrañas circunstancias, lo que desata el caos en las tranquilas vidas de nuestros protagonistas.
La obra es un alarde técnico por parte de Braham, creando un Drácula encantador y cruel a partes iguales, sus planos exquisitos con una puesta en escena cercana a la de un ballet, da un toque de delicadeza muy extraño de ver en películas de terror. Pero también es un dechado de planos técnicos, donde podemos ver desde planos aereos a maravillosos planos detalle, con unos efectos especiales dignos de una gran producción, una reseña a parte tiene el maquillaje, creo que aún no lo he visto mejor, los vampiros de ojo carmesí van a ser parte de tus pesadillas por algún tiempo.
Pero como no todo va a ser bueno aquí tengo mi único pero a la obra. La película que se estrenó en cines llevaba la fotografía del grandisimo, Gilbert Taylor. Responsable por ejemplo de Star Wars o Frenesí, pues bien hace poco que se ha sacado una versión "mejorada" por el director, donde desatura la gama crómatica dándole un aspecto cercano al blanco y negro, pues bien este cambio se carga el gran trabajo que hizo el gran Taylor y se carga el magnifico color setentero que era toda una delicia, así que si podéis ver la obra con el color original no lo dudéis e ir directamente a ella

George C. Scott: Su vida privada

Hay figuras en el cine que no dejan a nadie indiferente, de actuaciones memorables y de actitudes reprochables, personas que me mezclan la integridad y la decadencia de una manera casi ensayada, como si de un personaje de ficción se tratara y uno de esos ejemplos lo tenemos en el magnifico e inconmensurable George C. Scott.
La idea de hacer una biografía de este autor vino de un amigo del canal, Jorge y creo que estuvo bastante acertado en su sugerencia por que como bien dice él y me voy a apropiar de sus palabras "no es un personaje de cartón piedra" y es que es así, George C. Scott es tan humano como sus  contradicciones constantes. 
George C. Scott no es un actor al uso, ni sus inicios tampoco, el no soñaba con ser actor de pequeño y tampoco supo muy bien que hacer en la vida, no tuvo suerte en sus inicios y no estaba metido dentro de la industria, era un joven sin suerte.
En plena Guerra Mundial en 1945 cuando contaba con 18 años se alistó como marine de los EE.UU. pero lejos de combatir o ser un héroe que era lo que realmente anhelaba, le tocó ser enterrador en el cementerio de Arlington ese revés le hizo que cayera en el alcoholismo,  una adicción que arrastraría el resto de su vida.
Cuando se licenció quiso ser periodista y para ello se matriculó en la Universidad de Misuri y fue allí, medio de casualidad que el teatro se cruzó en su vida, el sentía que por fin había encontrado algo que se le daba realmente bien, esta nueva pasión se la tomó tan en serio que se mudo a Nueva York para probar suerte en los escenarios de la Gran Manzana y la tuvo, por fin un golpe de suerte en una vida corta pero llena de reveses, en 1958 consiguió un papel en Ricardo III y ese papel llamó la atención de la crítica especializada, tanto fue así que solo un año después consiguió un doblete actuar en la película el Árbol del Ahorcado de Delmer Daves y para Antomía de un Asesinato de Otto Preminger uno de los dramas judiciales más exitosos de todos los tiempos.
Esta experiencia positiva dentro de la industria no hizo que Scott se sintiera integrado en el mundo del cine, él se sentía un extraño dentro de su propio gremio, hay que recordar que Scott no tomó jamás clases de actuación y no entendía ni compartía el método, sistema por el que se regían la mayoría de los actores. Para el que no sepa lo que es el método este sistema de actuación se basa en la búsqueda interior de momentos similares a los que tiene el personaje, de esa manera al sentir esos sentimientos de una manera veraz el actor no actúa si no que siente y George C. Scott no quería ni por asomo ser el mismo en pantalla, el prefería ser como un camaleón que se enfundaba en la piel de otro personaje, esto es debido en parte por el poco aprecio que tenía por si mismo, en una entrevista al periodista Leo Balter le llegó a decir que el público no pagaría por ver al verdadero Scott en pantalla.
Llega el momento de comunicar los nominados a los Oscar de 32 edición de los premios en 1960 y Anatomia de un asesinato consigue 7 nominaciones, Mejor Película, Mejor Actor protagonista para James Stewardt, Mejor actor de reparto Arthur O´Connell, Mejor Guión, Mejor fotografía en blanco y negro, Mejor Montaje y Mejor Actor de reparto para George C. Scott. Pero sorprendentemente la rechazó. Era la primera vez que ocurría en la historia de los premios, aunque al ser un actor novel sin peso en la industria no pasó a mayores.
En el 61 solo dos años después de su debut como actor Scott rueda El buscavidas una obra maestra del gran Robet Rossen, en este film interpretaba a Bert Gordon y lo realizó de una manera tan eficaz que le mereció otra candidatura a los Oscar. Scott muy educado escribió una nota a la academia en la que ponía "No, gracias". Esto ya no sentó tan bien a la academia.
En el 64 llega Dr. Strangelove de Kubrick, Stanley otro tipo bastante peculiar capaz de pedir a Alex North compositor de la maravillosa música de Espartaco que realizara la banda sonora de 2001 y se este entere en la premiere que no ha usado ni un solo acorde en la película, le hace otra a George C. Scott, durante todo el rodaje Scott piensa que la película es una obra bélica y en la premiere se sorprende al ver que es una comedia, esto le hizo entrar en cólera y decir que jamás volvería a trabajar con el director de Manhattan.
Llega 1966 y John Huston prepara su película La Biblia, para el papel de Abraham cuenta con Scott, su papel es magnifico rallando la perfección, asía que vuelve a sonar su nombre otra vez para los Oscar, la prensa le pregunta una y otra vez sobre si iría a recogerlo, Scott harto reunió a toda la prensa que pudo y dijo "No quiero ser candidato y si soy nominado no quiero ese honor y si me lo entregan no lo recogeré" ante esas afirmaciones la Academia hizo algo sin precedentes y totalmente injusto, rallando lo inmoral. Unos premios que se dan por la calidad artistica de las interpretaciones, la academia pidió por escrito a sus miembros que no votaran a Scott hiciera el trabajo que hiciera, todo para evitarse el bochorno de ser rechazados.
Y eso fue lo que pasó, el trabajo de Scott no fue premiado a pesar se hacer un trabajo soberbio.
Pasan los Años y Scott ya va siendo un actor constante en su filmografía hasta que llega Patton en 1970 la Película es la revelación del año y esta vez vuelve a sonar con fuerza el nombre de Scott ya no como candidato si no como premiado, los periodistas vuelven a preguntar que haría si le nominan y Scott con bastante ironía les dice que coincide con un partido de Hockey en televisión que no se quiere perder.
Los académicos esta vez votan en conciencia y Scott es nominado.
Y llega el momento de la entrega, Goldie Hawn abre el sobre y pasa esto.
El productor de la película Frank McAffee dice en su discurso lo siguiente:
"y votando este premio, creo que la academia se ha distinguido a si misma, creo que se ha hecho un gran trabajo y ha demostrado que es una buena organización al reconocer y honrar tan generosamente la excelente actuación de un gran actor"
Una bofetada sin manos a la academia que pedía que no se le reconociera el trabajo de un actor para no sentirse rechazada.
Esta fue la primera vez que ocurría y Scott quedó para siempre ligado a unos premios que él sentía que eran de todo menos artísticos, de un mercadeo indecente.
Después llegaron Hindenburg, La isla del adios, Hardcore, Al final de la escalera y un largo etcetera que alternó con maravillosas obras para televisión como la adaptación de Dickens de Cuento de Navidad o Mussolini.
Y siguió trabajando hasta el día de su muerte en 1999 ese mismo año había rodado tres pelíuclas el remake de Gloria y los telefimes Rocky marciano y la Herencia del viento.
En cuanto a su vida personal, pues fue un autentico desastre, alcohólico, mujeriego y de un caracter imposible se casó 5 veces, dos de ellas con la misma mujer Colleen Dewhurst y en la fecha de su muerte ya estaba separado de su última esposa.
Bueno y hasta aquí la vida de este gran actor, antes de despedirme quiero dejaros un aperitivo de la siguiente obra, vuelvo a género que más me gusta, con un personaje que supo dar vida la Universal y que volvía a la Universal esta vez encarnado por Frank Langella, si crees que sabes a que obra me refiero ya sabes, ponlo aquí abajo y en cuatro días vemos si acertaste o no. Un saludo y gracias por seguir el canal.

El Asesinato de un corredor de apuestas chino: El cine según Cassavetes

En el vídeo anterior os dejé un par de imagenes a ver si alguien acertaba el director de del que vamos hablar hoy, os puse unas sombras chinescas en referencia a  Shadows la primera película de Cassavetes como director.

Si el canal nació con la idea de fomentar un cine olvidado por la maquinaria propagandistica de las grandes Major, un cine de calidad para mentes saturadas de ver las mismas historias una y otra vez, este es el mejor ejemplo de película y cineasta del que quiero hablaros y por ende que muchos de vosotros descubrais,por que creerme que merece la pena.

John Cassavettes es mucho más que un actor o un director de prestigió es una referencia misma a la hora de hablar de cine independiente, el es considerado el padre de este movimiento en los Estados Unidos, aunque para mi es mucho más que eso, para mi es un genio.

Pero antes de meternos en su interesante vida, déjenme que les cuente un poco de esta película El asesinato de un corredor de apuestas chino, que sin ser ni la mejor y ni la más conocida de Cassavetes, es para mi la más adictiva de sus películas, que contiene todo lo que buscan los directores al montar su film, un protagonista con gancho, unos malos estereotipados, una aventura peligrosa y un final que no deje a nadie indiferente y aquí lo tienes todo y con creces.

Siguiendo un estilo propio al que nunca traicionó, Cassavetes nos adentra en el cine de genero, un thriller que nos narra la vida de Cosmo el dueño de un salón de striptease en la parte más alejada de los grandes casinos de Las Vegas, un día el destino le cruza la vida con unos miembros de la mafia y ese cruce convertirá la apacible vida de Cosmo Vitelli en una autentica pesadilla y no quiero que sepáis más de la trama el resto lo tendréis que descubrir vosotros y ahora la respuesta a la pregunta que me estaréis haciendo, Si, se asesina a un corredor de apuestas chino.

La película es hipnótica, es llegar al minuto 6 y ya no poder dejarla hasta que termina 2 horas después y se te hace corta, deseas saber más y más de la vida de esos personajes tan de verdad y tan reales. esto es obra del toque Cassavetes y su forma de dirigir que luego os contaré y que me imagino que sorprenderá a más de uno

Pero antes hablemos un poco de este genio.

Neoyorkino de nacimiento se formó como actor en la Academia de Artes Dramáticas, sus comienzos como muchos otros fue alternando papeles teatrales, secundarios en el cine y alguna que otra intervención en las series de televisión.

Como actor llegó al máximo reconocimiento en la película de Robert Aldrich LOS DOCE DEL PATIBULO, donde interpretaba al soldado díscolo Victor Franko, esta interpretación fue la que le llevó a estar nominado a los Oscar como mejor actor de reparto. Pero si hay un papel que tengo grabado a fuego en mi memoria es el del marido de Rosemary Woodhouse en La semilla del diablo o Rosemary´s Baby que fue su título original, aquí hace un papel soberbio interpretando al tierno esposo Guy Woodhouse.

Pero actuar no lo llenaba, así que se dedicó a la docencia donde fue mentor de grandes cineastas a los que supo enseñar una manera diferente de hacer cine como a Martin Scorsese.

Él odiaba el aspecto industial que tiene el cine, en sus obras no le intentaba agradar a un público que exigía que película quería ver, Cassavetes tenía en el cine la más alta expresión artística donde la cámara era esclava del actor y no al revés donde el arte de la interpretación estaba por encima de rendimientos económicos o target ideales. Creando así el movimiento conocido como La escuela de Nueva York. 

Cassavetes al contrario que la mayoría de los cineastas tenía al actor como base fundamental, dejandole plena libertad artística para que desarrolle su arte, los guiones que el escribía lejos de ser una doctrina a la que seguir a pies juntillas, era una partitura para un músico de Jazz donde podía ir y venir en improvisaciones continuas. El exigía al actor que se dejara llevar y para facilitarle esa función siempre rodaba siguiendo el orden temporal de la historia, de esa forma el actor podía hacer crecer con su personaje.

Su primer film como director Shadows de 1959 nace tras una clase de improvisación, la película resultante no la quiso ningún estudio en Norteamerica, pero al probar suerte en Europa y ser un "exito moderado" volvió a EE.UU. y se distribuyó, pensando que era un producto europeo, el éxito que cosechó la cinta llamó el interés de los grandes estudios. 

La Paramount fichó en 1961 a Cassavetes para filmar una película que escribiría el junto a Richard Carr y que contaba el inicio, auge y declive de una banda de Jazz que se llamó Too Late Blues. 

Dos años después el Director Stanley Kramer el mismo que dirigiría la maravillosa Adivina quien viene a cenar esta noche que alternaba la dirección con su faceta de productor llama a Cassavetes para que dirigiera un guión escrito por Abby Mann llamado Angeles sin paraiso un drama en el que actuaban las estrellas Burt Lancaster y Judy Garland que resultó ser un enfrentamiento continuo entre Cassavetes y Kramer, al final Kramer decidió montar él la película y aquí terminaría Cassavetes su incursión en el circuito comercial, esta experiencia fortificó aún más sus ideas rebeldes en cuanto a la forma de entender el cine y esta forma  se la llevaría a la tumba.

Entonces Cassavetes toma una determinación y es cobrar por su faceta de actor y con el dinero recaudado financiar sus obras sin necesidad de productores, teniendo toda la libertad para crear un cine personal.

Debido a su forma de entender el cine, necesitaba actores y actrices que le entendieran y que funcionaran con su método de rodaje, Peter Falk, Ben Gazzara o su propia mujer Gena Rowlands eran parte del elenco en la mayoría de sus obras.

Cassavetes con su cine personal, cercano al cine de guerrilla, orgánico, sucio y con un halo de veracidad desconocido por entonces en los productos norteamericanos llegó a ser nominado en los Oscar, una visión tan alejada de la industria a la que la propia academia de Hollywood tenía que rendirse por que lo que hacía Cassavetes era simplemente CINE CON MAYÚSCULAS.

Sus obras más recodadas son. 

Shadow, con ella empezó todo.

Faces, que estuvo nominada a mejor guión original en los Oscar de 1968

Maridos,

Una Mujer Bajo la influencia que le mereció una nominación como mejor director en el 74

Y quizá su obra mas famosa. Gloria película por la que su mujer fue nominada como mejor actriz y que por desgracia la mayoría de personas recuerda esta película por el remake de David Watkin en el 99 donde Sharon Stone interpretaba el papel de Gloria, El problema es que este remake no llega a ser la sombra del original pero ya sabemos como funciona esto de la industria, se tiene que publicitar a los actores y directores que están dentro y denostar a los outsider como Cassavetes, pero para eso están canales como el mio, para romper esa inercia y sacar a la luz joyas como el Gloria original.

Y por último dejo el Asesinato de un corredor de apuestas chino, película que reseño, ¿Por que? La verdad es que es una obra de las menores de este gran cineasta, podía haber cogido cualquiera de las anteriores o Noche de estreno que inspiro a Almodovar y que le hace tributo en Todo sobre mi madre o así habla el amor o un hombre en apuros, pero esta película narra como ninguna otra la esencia de Cassavetes, que no ganó ni un duro con sus obras pero nadie puede decir que no lo consiguió.

Y que fue de este genio, inspirador de genios y maestro del cine, pues que un 3 de febrero de 1989 el hígado de Cassavetes dijo basta y murió de Cirrosis hepática a los 59 años privándonos así de un genio del séptimo arte.

Bien, antes de terminar  el vídeo os quiero dejar un adelanto del siguiente y os voy a dar una pista, en este caso se trata de un actor, un actor tan especial que en la ceremonia de los Oscar la encargada de la entrega leyó el nombre dijo con asombro y miedo....Oh dios mio. Si crees que lo sabes puedes dejar tu comentario aquí abajo. Muchas gracias por seguir el canal, muchas gracias queridos suscriptores por que la pandilla sigue sumando adeptos, la élite de los espectadores de youtube gente culturalmente inquieta como vosotros.

Desaparecido: un clasico inmortal

En el vídeo anterior os comenté que iba a reseñar una película que es una obra maestra del cine político o mejor dicho del cine comprometido. Podía haberos dado otra pista más y decir que el film es obra del mismisimo Costa Gavras, que ya reseñamos una obra suya hace un par de meses, al final os dejaré un enlace a la reseña que hicimos ya que hablamos de Gavras en profundidad, sabiendo de la pelicula reseñada esto dejaría con la duda por lo menos entre dos películas, Z o Desaparecido y esa duda la he tenido bastante tiempo, ¿cual escoger para reseñar en el canal?. Al final me decanté por este drama por estar basado literalmente en un hecho real. Los sucesos ocurridos al periodista americano Charles Horman durante la dictadura de Augusto Pinochet.
Debido a la esencia misma de este canal no quiero destripar la trama, aún sabiendo que la mayoría de vosotros ya habréis visto la película pero por si acaso no la conoces esta obra es angustiosa, certera y veraz, la estremecedora historia de un padre y una esposa buscando a su hijo en un país bajo el yugo de una dictadura.
El comienzo del film es maravilloso, un hombre mira desde la ventanilla de un coche como unos niños juegan, la felicidad de los críos se contagia al espectador pero cuando abre campo la cámara comprobamos el horror de un país militarizado y dictatorial siendo aquellos niños un reducto de felicidad en un mundo sombrío.
Aunque quizá la imagen que tendré siempre en la memoria de este film es la del caballo blanco cabalgando libre por las calles de Viña del Mar mientras un grupo de soldados le dispara desde un Jeep, esa imagen es el preludio del drama que se avecina, a la mañana siguiente Beth Horman que no pudo llegar a su casa por culpa del toque de queda, descubre que su marido ha desaparecido, lo que lleva al padre de Charles, Ed Horman viajar a Chile para ayudar en su busqueda.
La historia nos narra a dos personajes totalmente opuestos la esposa comprometida políticamente y la del padre un hombre conservador y poco comprometido que tienen que sumar fuerzas en un objetivo común, encontrar a Charles.
Esto llevará a la extraña pareja a tener roces constantes, ya que mientras Ed intenta seguir los cauces formales Beth busca a su marido intentando saltarse las normas.
La obra es maravillosa, un viaje sentimental y personal que transforma hasta los cimientos mas solidos a un hombre en el otoño de su vida, este cambio se da a medida que las pesquisas van dando sus frutos.
La trama se enmarca en el golpe de estado que dio Agusto Pinochet en 1973 en contra del presidente electo Salvador Allende.
Tanto la dictadura Chilena como la Argentina ocurrida solo 3 años después se caracterizó por los secuestros, violaciones, asesinatos y desapariciones de militantes y estudiantes de izquierdas, estos hechos dieron un oscuro pasado al Estadio Nacional de Chile, muy presente en esta obra de Gavras.
El director griego intenta y consigue ser equidistante con la tendencia política pero severo con la represión dictatorial de los dirigentes, esa equidistancia la encarnan las dos visiones opuestas sobre la vida que Spacek y Lemmon encarnan, de esa forma Gavras solo toma partido por la libertad y la democracia sin inmiscuirse dentro de maniqueismos partidistas.
La película es dura y difícil de llevar en algunos momentos debido a la crudeza de los acontecimientos, pero también es cobarde, en ningún momento nombra a Pinochet que fue el máximo responsable de aquellos crímenes sobre la población , ni tan siquiera nombra a Chile como país, aún así es totalmente reconocible la dictadura de la que nos habla.
Es por eso que no puedo darle un 10 pero se queda muy, muy cerca. Una película indispensable y más para las nuevas generaciones, es necesario que vean los horrores a lo que puede llegar el ser humano si se siente por encima de las leyes por que aglutina todo el poder.

Y vamos a ir terminando el vídeo pero antes vamos a adelantar algo sobre la próxima reseña, volveremos al cine más independiente y regresaremos de la mano del rey de este género en Estados Unidos, Si crees que sabes de que director hablo, lo puedes dejar en los comentarios, tienes 4 días para probar suerte.

El cochecito película de humor clasica

En España comenzaba una nueva década, una nueva era de prosperidad y avance tecnológico, que venía de la mano de un pisito en el extrarradio y de un Seat 600, todo esto amenizado por la música yeye y de los bailes en los guateques, en el cine las mismas caras de siempre, Joselito hacía sus gorgoritos en el pequeño coronel, Toni Lebanc sacaba la sonrisa al personal junto a Conchita Velasco en amor bajo cero, el ardor patriótico venía de la mano de  Pedro Lazaga en la fiel infantería y el humor inocente y blanco de Jose Luís Ozores podría disfrutarse en Ahí va otro recluta.

Nada nuevo bajo el sol para un régimen que tenía en su cine, historias divertidas, chicas monas muy decentes y niños prodigio, los censores veían con agrado las obras estrenadas incluso la de un italiano llamado Marco Ferreri y su película El Cochecito.

Pero esta pequeña historia de un abuelo caprichoso, es una oda a la lucha por la libertad de expresión, pero antes de meternos en harina, hablemos de la trama.

 Don Anselmo un abuelito encantandor tiene a su mejor amigo en Lucas, al que  regalan un cochecito motorizado, este cochecito a motor le otorga una libertad de movimientos y sobretodo social que Don Anselmo envidia.
Su amigo Lucas, deja de salir con él por irse a un club donde otros paralíticos se van de excursión montados todos en sus respectivos cochecitos, sintiendose Don Anselmo un excluido.

Así que trazará un plan para hacerse con ese preciado vehículo a motor, pero que tendrá que luchar con su familia que se niega a tal posesión. ¿hasta donde llegará Don Anselmo para conseguirlo, hasta donde llegará para sentirse aceptado por sus amigos?.  

Ante esta premisa tan inocente nos encontramos ante una de las mejores comedias negras  de todos los tiempos, con un final arrebatador que te saca una sonrisa que va entre la estupefacción al chiste morboso.

Pero esta película tiene en la producción de la misma una historia igual de interesante que la trama.

Todo empieza con una llamada de teléfono a Pere Portabella el mítico productor de cine, al otro lado del teléfono Rafaél Azcona con una nuevo proyecto bajo el brazo, una historia escrita junto a Marco Ferreri.

 Portabella encantanto con el guión acepta, pero su experiencia le dice que van a tener problemas con la censura, así que le pide que cambie el final, Azcona se niega pero Portabella tiene un plan.

Así que Ferreri y Azcona modifican las dos últimas hojas del guión confiando en el productor. 

Como ya intuía Pere, el primer guión pasado al censor no pasó el corte y se lo devolvieron, así que mandó la segunda versión que había pedido a los guionistas y esta si pasó el corte con el beneplácito del régimen.

Portabella le pidió a Ferreri que rodara los dos finales, el original y el censurado y así se hizo, el plan del productor es estrenar la película censurada en España y el original en los circuitos extranjeros con el fin de dejar constancia de como era realmente la película.

Ahora tenían otro problema y era  pasar el celuloide y la bobina de sonido por la frontera, la película original solo se pudo hacer una copia por lo que si era requisada la película se perdería y todos se verían en aprietos con la policía del régimen.

Pero el film paso de contrabando a París y de ahí al circuito internacional, lo curioso del asunto es que El cochecito ganó el premio de la crítica del Festival de Venecia con lo que el régimen pudo alardear de un producto del país con la curiosidad de que ellos mismos lo censuraron.

Para varias generaciones de españolitos El cochecito era la película con el final capado por la censura pero gracias a una nueva edición podemos ver esta obra en su máximo esplendor, entendiendo por que la buena acogida que tuvo en un festival tan importante como era el de Venecia.

Es una obra imprescindible del cine, un retrato fiel del ser humano y sus caprichos, tan atemporal que hoy en día nos podemos sentir reflejados, que una película de los 60 en blanco y negro refleje los problemas de la sociedad actual es que retrata fielmente como somos y todo esto con una historia descacharrante con un humor fino y negrisimo que entiendes por que los censores se escandalizaron. 

Si quieres disfrutar de esta obra maestra el único sitio que conozco que se puede alquilar es en FILMIN, Ojo no me paga ni un duro esta plataforma, pero sé lo difícil que es encontrar la versión sin censura, así que dejaré el enlace en la descripción, por si quieres verla, pero no tengo ni idea de si se puede ver fuera de España u otros sitios donde conseguirla. Un abrazo y os espero en la próxima reseña, que será una obra maestra del cine político... os dejo con la intriga

Star Wars, es un plagio

Antes de empezar quiero abrir el pliego de descargos en busca de vuestra clemencia, nunca he sido carne de héroe y ya con mi edad no creo que sea momento de cambiar.
Soy de los que opinión que el plagio en el cine no debería estar mal visto ya que es imposible calcar una obra original en un arte en el que confluyen tantas técnicas artísticas y que muchas de las mejores obras  son apropiaciones indebidas, si fuera un férreo dictador de la propiedad de autor tendría que condenar a la hoguera a Murnau y su maravilloso Nosferatu ya que se llamó así por que los herederos de Stoker gente sin talento ni aptitud que se encontraron con el trabajo glorioso de un ancestro, se negaron a que el genio alemán ensalzara la figura del conde Dracula a lo más alto de nuestro arte por una cuestión crematistica.
Es por eso que este vídeo no intenta ser un reproche al director de una de las películas que marcaron mi infancia o mejor dicho que más marcaron mi infancia.
Veréis allá por los años 80 en España se volvió a estrenar Star Wars, momento en el que la vi, era un tierno infante que tenía como culmen de la popularidad ser un cromo, todos mis héroes estaban pegados con cola a un trozo de papel, mis futbolistas preferidos, mis actores preferidos y como no mis películas preferidas y entre ellas mi colección incompleta de la Guerra de las Galaxias que salió a modo de spoiler antes del re-estreno.
No fue hasta mucho, mucho tiempo después que encontré el gusto por la lectura allá por mi adolescencia  y uno de mis primeros libros en ser devorado fue la edición de bolsillo del Señor de los Anillos, tres libros en una semana, tres libros que curiosamente me eran totalmente familiares, una obra que no había leído sabía como un medium que iba a pasar como en un deja vu , algo en mi no encajaba.
No fue hasta mucho tiempo después que caí en la cuenta de que aquella historia ya me la habían contado, pero con otros rostros, otros nombres y otra época.
No voy a decir que Star Wars sea el Señor de los Anillos pero su base narrativa se sustenta totalmente en la obra de Tolkien, es por eso que las siguientes secuelas y precuelas nunca estarán a la altura de aquella primitiva trilogía y es que no se puede empatar con algo que tiene como materia prima toda una obra maestra. Antes de que me llaméis loco dejarme que me explique.
Mi primera sospecha empieza con el prologo del film, la película nos narra una historia ya empezada, con una mítica batalla épica en el recuerdo de sus habitantes (Las guerras Clon) ese mundo está amenazado por un poder oscuro que busca completar el arma definitiva que hará imparable el ascenso del mal en toda la galaxia y ese arma tiene que ser destruida.
Este prólogo del film recuerda mucho al de la novela del Señor de los Anillos, donde Tolkien nos habla de la última gran alianza donde batallaron hombres y elfos consiguiendo detener el mal un mal que ha vuelto a resurgir ya que el anillo único ha vuelve a entrar en juego, ese anillo es el arma más poderosa del mundo y si no es destruido la oscuridad se apoderará de la tierra media.
Vale, entiendo que puede ser una coincidencia.... pero sigamos.
En la película el peso de llevar a cabo esa difícil misión recae en un joven granjero al caerle por casualidad los planos de tan terrorífica arma, Luke  tendrá que buscar a un viejo jedi en compañía de sus dos criados R2d2 y C3PO para que se haga cargo del asunto.
Sin embargo en la novela es una herencia de Bilbo recibida por frodo, el mago místico Gandalf el Gris pide a éste que acerque el arma más temida a Rivendell para que allí se hagan cargo del asunto, en el camino le acompañarán Sam, Merryl y Pipin. El perfil de los personajes jovenes granjeros con un problema que les supera es palpable en ambas obras y la influencia de un ser superior y místico que los tutela es más que palpable, aunque entiendo que alguno de vosotros vea en mi explicación una sombra vaga de querer entender gigantes por molinos, pero dadme un poco de tiempo.
Con Frodo en plena ruta a Rivendell se cruza en la taberna el Pony Pisador con un hombre duro, que está de vuelta de todo y que se apiada de Sam y se une a la expedición de llevar a Frodo a Rivendell, el camino les hará ser amigos inseparables a pesar de sus diferencias, ese hombre es Han Solo, en este punto para que llamarle Trancos. Aquí creo no se halla la menor duda.
Vamos ha hablar un segundo de los seres misticos de ambas obras, tenemos a dos magos en la novela y dos Jedi en la película, aunque uno de ellos se ha pasado al lado oscuro. Saruman el blanco.
El giro fundamental de el Señor de los anillos es cuando nos enteramos que Saruman el blanco, se ha pasado al reverso tenebroso de Sauron, algo muy parecido al padre de Luke que siendo un Jedi se pasa a las filas del Emperador y ocurre, lo inevitable Saruman y Gandalf se enfrentan en un duelo a muerte como Dart Vader y Obi Wuan Quenobi.
Aqui hay lo que en guion se llama una reducción narrativa, mientras que en la novela de ese primer embite Gandalf se salva para morir poco despues a manos de un Barlog, en la pelicula ya matamos en el duelo al bueno de Ben, pero no os preocupeis este personaje sigue con vida uno como espiritu y el otro como un ser superior Gandalf el blanco... oye que con todos los que mueren en la pelí no me digas que no es casualidad ambos revivan de una manera mística.
Al final el anillo es destruido y también la estrella de la muerte por manos de Frodo alias Luke y el mundo celebra la llegada del nuevo rey o republica dependiendo de que obra tratemos.
Si leemos el libro teniendo fresca la película encontraremos muchas más similitudes como los AT-AT en la película u oligofantes en la novela, el abismo de Helm con el Cuartel General de la alianza Rebelde.
Pero no quiero decir que Lucas sea un delincuente y que Star Wars no valga la pena, todo lo contrario, quiero decir que La Guerra de las Galaxias es la mejor adaptación al Señor de los Anillos como Nosferatu lo es a Dracula.

RAMBO: Es una obra de culto aunque no lo creas

Estamos llenos de prejuicios, somos así, tu, yo, el otro, mi vecino, todos. Incluso los que dicen que no tienen prejuicios los tienen aunque no sean conscientes y la mayor víctima cinematográfica de la historia de este arte por culpa de los prejuicios es Rambo o como se conoció en España Acorralado o en Hispanoamerica Rambo, primera sangre o por su título original First Blood y es que esta obra es un drama social que retrata una Norteamérica llena de prejuicios y aunque tiene acción y belicismo  es una obra tan compleja que delimitarla en alguno de estos géneros es actuar sin ver la historia, sin ver el fondo de la trama es al final demostrar que estamos  llenos de prejuicios.
Pero antes de reseñar esta magnifica obra que por cobardía y avaricia no ha llegado a ser una de las mejores películas de la historia, vamos a contar lo que ocurrió entre bambalinas.
David Morrell tenía en el 1972 solo 29 años y su primera novela First Blood bajo el brazo, en ella contaba una historia basada en los retornados de la guerra de Vietnam.
Si hasta entonces cualquier soldado estadounidense que venía de una guerra era reconocido en su país como un héroe, en los 70 los excombatientes se encontraron un país que los rechazaba ya que  que se había perdido por primera vez una guerra y eran vistos en el mejor de los casos como perdedores y en el peor como asesinos, esta actitud junto con los dramas personales hacían de ellos autenticas bombas de relojería un ejemplo claro fue el caso de James Oliver Huberty que mató en San Diego a 20 personas, en lo que se conoció como la matanza del McDonals de San Ysidro.
Morrel contaba la historia ficticia de uno de esos retornados en el que jamás se le nombra en la novela y de un sheriff de pueblo lleno de prejuicios de nombre Teasle.
Por cabezonería de uno y la intransigencia del otro al final acaban en una cacería al hombre en el que el excombatiente sin nombre mata a gran parte del departamento de policía, varios civiles y otros tantos voluntarios de la Guardia Nacional, como se ven incapaces de darle caza mandan al capitán de las fuerzas especiales Sam Trautman.
Si no has leído la novela y no quieres saber el final, este es el momento de que pares el vídeo ya que es necesario para reseñar la película contar el final de la novela.
Continuo, con los tres personajes en el mismo punto, el excombatiente hiere al Sheriff Teasle que muere poco antes de terminar el libro y el capitán Trautman mata al desdichado exsoldado.
Dejando un rastro de muerte y destrucción por la mezcla de enfermedades psiquiátricas y prejuicios.
No hay que ser un adivino para acertar que la novela Firsht Blood se convirtiera en un éxito de inmediato, ya que la historia que hoy en día a nosotros nos parece una marcianada era el mundo real donde vivían aquellas personas y eso de un retornado que perdía el rumbo y disparaba a diestro y siniestro,por desgracia no resultaba tan ajeno.
Buzz Freitshans productor que tenía contacto con Carolco Pictures productora independiente de la que llegaría a ser vicepresidente. Se hace con los derechos de la novela para crear una película.
Con un presupuesto nada desdeñable de 14 millones de dólares, se hace un guión donde se le pone nombre al retornado (John Rambo) y se dulcifica un poco la violencia de la novela, dejando solo una par de muertos por parte de dicho exboina verde que terminaba suicidándose al final del film.
El primer actor en ser contactado fue Dustin Hoffman y este tras leer el guión y la novela pensó que era demasiado violenta para su imagen así que declinó, tras la primera opción descartada contactaron con Clint Eastwood, que dijo que no, al tener apalabrados los rodajes de Firefox y el aventurero de medianoche, John Travolta que también se negó por la violencia de la obra  Morrel y un interminable flujo de actores de primer nivel que por una cosa u otra declinaron el ofrecimiento Robert De Niro, Paul Newman, Nick Nolte, James Garner, Kris Kristofferson , Michael Douglas y Steve McQueen, este último fue uno de los que aceptó el papel en primera instancia pero que abandonaría al no ser atendidos sus cambios de guión y ahora viene el actor que lo habría cambiado todo, que habría hecho de First Blood no solo la buena película que es si no que la hubiera elevado a los altares del cine y ese actor era Al Pacino.
Pacino se leyó la novela y el guión y pensó que no se debería de dulcificar la violencia que ya de por sí se vivía en las calles, que si una persona entrenada y acostumbrada a matar se comportaría como en la novela y no como en el guión, la negativa de contar como protagonista a un psicópata asesino no convenció a Freitshans y Pacino se retiró del film.
No puedo ni imaginar lo que hubiera hecho el gran Al con esa premisa.
Al final llegó Silvester Stallone y tengo que reconocer que hace un trabajo excepcional, su caminata por la carretera tras enterarse que su antiguo compañero ha muerto de cáncer es de esos planos  que no se olvidan, como el momento de Rambo bajo la lluvia donde se ve toda la desprotección de un hombre que lo ha perdido todo.
El director de la obra es Ted Kotcheff, un director canadiense que se mueve como pocos en el drama pero que inexplicablemente será recordado por comedias no muy acertadas y por este drama épico Fisht Blood, donde hace una dirección magnifica, con una maestría por la intensidad  muy superior a la media el increcendo de la obra es como una sinfonía, aunque al final desafinan un par de instrumentos.
La obra va por buen camino y el rodaje más allá de los problemas de rodar en la naturaleza viva transcurre con normalidad, esto da una idea a Freitshans y se hace uno de los peores cambios de guión de la historia del cine. Rambo no puede morir a la espera de una segunda parte, segunda parte  que nunca se haría.
Si ya sé que se volvió a usar a Rambo no una si no hasta en 3 ocasiones más, pero poco o nada tiene que ver con esta obra, si cogemos cualquiera de las siguientes continuaciones veremos que la esencia del héroe griego que tiene este film, no continua en ninguna de las siguientes patochadas más cercana al cine de acné juvenil y palomitas, que del drama de los retornados que representa esta obra.
Así que si te quieres quitar prejuicios de encima, olvídate de la canallada económicamente fructífera que se le hizo con esta película y dale una oportunidad y seguro que tras verla te darás cuenta de lo buena y trágica que es esta obra de culto.

COMA: Un peliculón en toda regla.

Hay veces que te preguntas como una película no ha conseguido pasar el filtro del tiempo, muchas veces es por la falta de actualidad, la película pasó de moda y punto, otras por que son obras densas o complejas muy alejadas del gusto de la gran masa y otras muchas veces por no tener entre sus filas actores o directores de reconocido prestigio.

Pero con COMA sigo sin entender como no es un referente del thriller setentero, al igual que Harry el sucio o French Conection lo son para el genero policíaco.

Da igual con quién hables que es nombrar a Harry Callahan y a todos se le viene a la mente su magnunm y sus malas pulgas, pero dices COMA y nadie a no ser que este muy metido en el género sabe decirte de que película  hablas.

Es entonces cuando dices eso de "pero si es un peliculón" y creo que no hay mejor expresión que defina la película.

Pero dejémonos de preámbulos y vayamos directamente al asunto. 

La obra narra la vida de Sussan Wheeller  una médico residente de cuarto año que sufre la perdida de su mejor amiga en una operación rutinaria, ante lo absurdo de ese coma irreversible intenta buscar entre la documentación cual ha sido el problema, pero las continuas negativas por parte de sus superiores la hacen indagar más a fondo y descubrir que hay un extraño indice elevado de comas en el hospital... Y hasta aquí puedo leer, no pienso contaros nada más de la historia para que tengáis el gusto de ir descubriendo una trama maravillosamente construida por uno de los mejores contadores de historias médicas como es Robin Cook escritor de la novela en que se basa.

Es ahora cuando empezaría a poner en solfa al director de turno, pero en este caso Michael Crichton está en estado de gracia, solo tengo críticas positivas sobre su trabajo de dirección, los maravillosos planos, las puestas en escena, los cambios de atmósferas y sobretodo el tempo que imprime durante toda la película y créanme que en esta obra no es tarea fácil.

Ya que la historia narrativamente empieza lenta, nos tiene que presentar a los personajes, el entorno y la causa detonante para que empiece la aventura, pero donde otros directores hacen algo aburrido y tedioso a la espera de que pase algo, en este film Crichton cambia de género del thriller que va a ser, a un inicio que podría estar en cualquier drama romántico de chico sale con chica pero la cosa no marcha muy bien. Este cambio de genero funciona estupendamente para tener al espectador enganchado y meterte uno de los mejores  MacGuffin desde Psicosis.

Hablar de Crichton es hablar de un director que se mueve como pez en el agua con tramas que cambian abruptamente como ya demostró con el anterior film Almas de Metal y en esta película lo supera con creces.
Aquel rotundo éxito del 1973, le permitió montar un reparto de autentico lujo encabezado por la canadiense Geneviève Bujold, ahora no podemos calibrar lo enorme de esta actriz ya que el tiempo la a ido relegándola a papeles más domésticos dentro de Canadá pero que en los 70 y 80 fue una de las grandes del cine mundial, como secundario de lujo un jovencísimo Michael Duglas y todo un veterano como es Richard Widmark para cerrar este reparto de cinco estrellas, no hace falta decir que todos están excepcionales en sus papeles.
La película que monta Crichton es casi perfecta, tanto en trama, como en reparto y con un tema que no pasa de moda (que no os pienso contar para que veáis la película) ¿Entonces como ha podido ser olvidada si lo tiene todo y si a día de hoy sigue tan fresca como el primer día? Pues un tema de mala suerte.
Os cuento, en la década de los 70 y bien entrado los 80 las películas podían estar en cartelera cerca de un año y en casos de éxito rotundo hasta más, no solo eso, es que pasado un año de su estreno pasaban a ser la primera película de las sesiones dobles donde se alternaba una obra clásica con un éxito reciente.... que tiempos aquellos.
Esta película se pegó quizá con lo más granado del cine moderno, fijaros bien, en el 77 se estrenó el Casanova de Fellini, La profecía, Rocky, Todos los hombres del presidente y Network y el mismo año del estreno coincidió con Annie Hall, Ese oscuro objeto del deseo de Buñuel y de la película que revolucionó a la juventud de varias generaciones, Star Wars.
Pegarte con esas obras tan diferentes entre si, que han resultado ser un referente en la historia del cine cada una en su género y que juntas abarcan todas las sensibilidades que van desde la comedia inteligente, el cine de autor y el mainstream, es casi imposible salir indemne y el peso de estas obras enterraron poco a poco este film que si no lo conocéis os va a sorprender por su calidad tanto artística como técnica y os daréis cuenta y coincidiréis conmigo que mereció más suerte en esto que llamamos clásicos populares.