Escalofrío en la noche ; La primera película de Eastwood como director

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy vengo con un verdadero peliculón, una de esas obras imprescindibles para cualquier amante del suspense y un film que por desgracia no es de los más recordados del género y es que Escalofrío en la noche, primera obra dirigida por Clint Eastwood es una autentica joya que si no la has visto, tienes que ponerle solución de inmediato y para eso esta reseña en nuestro canal

Película rodada en 1971 y bautizada originalmente como Play Myst form me, se tradujo por Obsesión Mortal o Fatal dependiendo del país hispanoamericano  o Escalofrío en la noche en España, pero todas estas versiones del título son un verdadero error, por que el original que podríamos traducir cómo "pon Nebuloso para mi" y que se refiere el famoso tema de Erroll Garner, toma un sentido mayor durante toda la cinta, llegando a ponernos los pelos de punta cada vez que la frase es pronunciada en la obra, con lo que perdemos los que la vemos en español esa maravillosa y aterradora sensación que Eastwood nos regala en el título de esta fabulosa opera prima.

Por que sí, este film es la primera obra en la que el famoso actor se ponía tras la cámara cómo director y cómo podréis comprobar a lo largo de esta reseña, si en algo destacaba el bueno de Clint Eastwood es que era listo como un zorro y lo ha sido durante toda su vida, pero antes de entrar en esos vericuetos vamos a comentaros de que va la película, cual es su trama.

Dave es un locutor de radio con bastante éxito entre el sector femenino de su audiencia, a pesar de tener una relación más o menos estable con la pintora y escultora Tobie el no se siente atado en lo sentimental dando rienda suelta a sus instintos ligando con las chicas que se le cruzan en la vida. Un día en el bar regentado por Murphy se cruza con una bella joven a la que nuestro locutor galán seduce llevandosela a su casa, durante el camino a ésta, la joven llamada Evelin le reconoce que ella es la que siempre pide que le ponga el tema de Nebuloso y que se siente más que atraída por él, Dave breado en estas lides decide dejar claro que es solo un encuentro fortuito, nada serio, nada duradero, Evelin consiente pero pronto Dave se dará cuenta del error que ha cometido ya que la tierna y encantadora Evelin tiene una segunda cara mucho más turbia, mucho más peligrosa y hasta aquí te voy a leer por que créeme que te va a dejar helado en más de un momento de la película.

Obra de suspense Psicológico, que se basa casi en exclusiva en el poderío interpretativo de Jessica Walter que hace un papel tan eficaz, tan profundo, tan real que le valió la nominación a los globos de oro. Su trabajo actoral es perfecto, he de confesar que de todos los enemigos que ha tenido Eastwood en pantalla ésta joven dama es la única que le supera creando terror.

Hay un momento en la cinta que es realmente perturbador, Evelin y Dave están discutiendo a la puerta de un bar con lo que un buen samaritano sale en ayuda de la joven. Eastwood enojado le pide que se meta en sus problemas, la cosa es que cuando se gira Evelin al joven su reproche es una amenaza, tienes la sensación que Eastwood piensa en darle un puñetazo, Evelin piensa en matarlo, esta reacción hace que Dave se de cuenta de que el romance con Evelin es más que peligroso. Un momento de una interpretación sutil pero tan eficaz que con solo 3 palabras consigue dibujar a una de las mujeres mujeres más amenazadoras de la gran pantalla. Un trabajo magistral de la maravillosa Walter y una réplica interpretativa de un Eastwood en estado de gracia en una film que demostró que el bueno de Clint era más que un pistolero de Leone y vamos que si era más.

Permítanme que me remonte a los principios del actor por que si alguien piensa que Eastwood era un niño mimado por Hollywood está muy equivocado, para verle en un papel más o menos relevante nos tendríamos que remontar a 1958 en el Western de bajo presupuesto rodado por  Jodie Copeland Ataque bajo el sol dónde consiguió un papel de secundario, saliendo así de los papeles de reparto que llevaba interpretando hasta entonces, para recalar un año después en la serie del Oeste Cuero duro, el serial televisivo estaba apunto de ser cancelado por bajas audiencias cuando es llamado para hacer su primer protagonista en un Western italiano de bajísimo presupuesto (Hay que decir que para los actores norteamericanos del momento, protagonizar un Eurowestern era toda una deshonra, el caladero de estrellas sin futuro). Pero la suerte quiso que el film estuviera rodado por Leone que creó una película que arrasó en medio mundo el clásico entre los clásicos Por un puñado de dólares.

Tras crearse una fama relativa en producciones italianas no sólo con el Western ya que también rodó un film episódico titulado las brujas y con el dinero acumulado en dichas producciones, Eastwood hace una jugada perfecta, monta la productora Malpaso Production en 1967.

Con esta productora Eastwood se aseguraba dos cosas, la primera no ser un simple actor dependiente de que le lleguen papeles, si no que es él mismo el que levanta las películas que quiere interpretar y segundo sacar una tajada mayor de su imagen en pantalla, con lo que su vuelta a los EE.UU. no es tanto la de un actor venido de Italia si no la de un productor con dinero para invertir en el cine y creerme que al cambio es sustancial.

En 1968 con el respaldo de la Universal produce La jungla Humana de Don Siegel, cuentan las malas lenguas que Eastwood quería a Don Taylor pero alguien en la productora se confundió de Don y contrataron a Seagel, sea esto verdad o no, lo cierto es que el director no tragaba a Eastwood, tenían dos caracteres totalmente opuestos, Siegel un persona de izquierdas con pensamiento de izquierdas y Estwood más de derechas que el grifo de agua fría hacía que no encajaran el uno con el otro, el caso es que Eastwood le invitó a su casa de los Ángeles una semana con la condición de no hablar de política y ahí se gestó una de las mayores amistades de Hollywood, amistad que tendrían hasta el fin. Hay que recordar que cuando levantó el oscar a mejor director por sin perdón, se lo dedico a sus dos maestros Leone y Don Siegel y ahora volvemos a nuestra película.

Eastwood quería adentrarse en la dirección, pero alejándose del  perfil de tipo duro que estaba encarnando hasta entonces, para ello decidió producir el guion de su amiga Jo Heims que tenía una historia muy cercana a los films de Hitchcoc, una trama  en la que una fan de un locutor de radio crea una relación enfermiza, esta premisa le encantó al actor que llevó su propuesta a la Universal, pero está  no veía al bueno de Clint teniendo problemas con una muchachita de 60 kilos, por lo que decidió que no pagaría por ella, pero a cambio le daría un alto porcentaje de la taquilla. 

A pesar de que todo el mundo le decía que no lo hiciera Eastwood la pagó de su bolsillo, sabiendo que con él, estaría ayudándole su amigo Don Siegel que además tendría el papel de camarero en el bar donde empieza todo.

La película es simplemente sorprendente, primero por que no parece obra de un novato, arriesga constantemente con escenas complejas, como la larga escena de amor de Dave con Tobie  o el momento de estilo que tiene cuando estos hablan de su vida en el que por un lado va a tiempo la conversacion y a cortes la imagen que he de decir que igual que la escena de amor se me hace un poco de bola, ese momento por los acantilados donde vemos que el tipo es un mujeriego de tomo y lomo me encanta.

Son planos que a un director novel o no se le ocurren o no se atreve, pero claro teniendo la ayuda de su amigo Don seguro que la decisión de hacerlos no fue tan complicada.

La obra fue todo un éxito comercial recaudando casi 15 veces el presupuesto y recordar que la tajada que se llevó Eastwood de la Universal era bastante jugosa con lo que nuestro amigo Clint tenía otro éxito comercial. Por cierto si alguien se pregunta que rodó despues de esta jungla humana que espere un segundo por que ahora te quiero hacer una pregunta.

¿Te está gustando la reseña? Si es así por que no me regalas un Like y por cierto ¿ Estás suscrito, no? pues no esperes más por que sólo le tienes que dar al botón y a la campanita y no te perderás nada de nada de nuestras reseñas.

Pues ahora sí, ¿Que película vino despues? Pues nada más terminar de rodar se puso con el bueno de Don Siegel a crear uno de los detectives de homicidios más famoso del cine El duro Harry Callahan en la portentosa Harry el sucio. Un segundo éxito que hicieron del 71 uno de los mejores años de nuestro querido clint.

Y dónde puedes ver este film, pues lo tienes para España y Mexico en Filmin y Filmin latino pero si encuentras un DVD a buen precio no lo dejes escapar, por cierto no os he comentado quien es mi personaje favorito de toda la cinta, pues ni más ni menos que el Sargento McCallum, es una interpretación inolvidable del bueno de John Larch, está socarrón y maravilloso que deja más de una vez pasmado al bueno de Eastwood el momento de Montavani que por cierto tiene su gracias por que era un compositor de música ligerita de orquesta que poco o nada pega a un duro sargento de polícia y el vacile que tiene con este compositor con el bueno de Eastwood vale oro. Un personaje secundario que se agarra al alma con las dos manos y cuando la veas nunca olvidaras al bueno de McCallum y ya hemos llegado al final de la reseña de este film que te aconsejo que veas, seas o no fan de Eastwood seas o no fan de las películas de suspense, aunque seamos sinceros, ¿alguien conoce a una persona que no disfrute con un buen Thriller? Pues con esa duda rondandome por la cabeza me despido de todos vosotros deseando dos cosas la primera que seas muy, pero que muy feliz y la segunda es que Vivas el cine

Aeropuerto 75 Una gran comedia con el incombeniente de que es un drama

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, hoy llego con un vídeo muy especial, por que vengo a recomendaros el visionado de Aeropuerto 75 de Jack Smight una película que tiene el honor de ser considerada una de las 50 peores películas de la historia.

Esperar, antes de parar el vídeo y te preguntes ¿Cómo me recomiendan ver una película tan mala? Pues por que no es mala, es buenísima y os lo digo de corazón, la película es divertida, con ritmo y descacharrante, una de las mejores comedias sobre catástrofes, el problema es que en principio es un drama, así que estamos ante una comedia no pretendida que te va hacer pensar, ¡Si parece una precuela de Aterriza como Puedas! y es absolutamente cierto, este film es el que se toma de base para crear la película de Jim Adams y los hermanos Zucker y tengo que decir que este Aeropuerto 75 supera en carcajadas a la comedia de 1980.

Pero todo eso os lo contaré después de decirte de que va.

Nos adentramos en un vuelo rutinario de pasajeros, donde podemos ver el ambiente creado entre azafatas, pilotos y personal en tierra, los pasajeros cada uno con su anhelo y sus motivos viajan a Washintong en un Jumbo 747 no dan un retrato de la sociedad del momento, todo tendría que salir bien pero en pleno vuelo una avioneta privada impacta contra la cabina del avión quedando este sin tripulación que la dirija, con los pasajeros a la deriva y con la muerte asegurada es la azafata Nancy la que toma el timón e intenta salvar la vida de todos los pasajeros del avión.

Y tras comentaros de que va, vamos a los que realmente os interesa. ¿Es sinceramente tan disparatada? pues aunque no te lo creas, es más de lo que puedas pensar y ahora vamos al grano.

Las películas de catástrofes ya sean por que un edificio esté en llamas, que un barco se de la vuelta o que un avión tenga un incidente en vuelo tienen un patrón común que podríamos dividir en dos partes, por un lado la presentación de los personajes y luego tras la catástrofe las reacciones de estos con la misma.

Aeropuerto del 70 puso las bases en lo que al cine de desgracias aéreas se trata y de hecho este film emana de aquella primera epopeya que ya reseñamos en el canal y que os dejaré un enlace al final del vídeo por si queréis verla.

La cuestión es que este film empieza realmente bien, un larguísimo plano secuencia rodado de manera magistral por el director hasta entonces de series de televisión Jack Smight nos crean una sensación de lo que vamos a ver es realmente grande, la música que lo acompaña obra del soberbio John Cacavas el mismo autor que la banda sonora original de los Ritos satánicos de Drácula y que sinceramente es de lo mejor de la película de nuestro chupasangres favorito, vuelve a destacar en este film, haciendo una sintonía setentera que llega al corazón del espectador. Durante esta primera parte de la presentación de los personajes vamos de sorpresa en sorpresa ya que podemos ver a la que a la postre será nuestra heroína favorita en lo que se referirá a azafatas de vuelo (tras ver esta película te prometo que las verás de otra forma) Nancy Pryor que la interpreta una magistral Karen Black que pronto se encontrará con su novio alérgico al compromiso Alan Murdock interpretado por un maduro Charlton Heston, George Kennedy que interpretó al jefe de mecánicos en Aeropuerto y que en esté film vuelve a encarnar al mismo personaje, parece ser que las cosas le han ido bastante bien ya que ahora es el jefe de operaciones Joe Patroni. pero si crees que las sorpresas terminan aquí espera y verás. 

La primera sorpresa te la llevas al ver a Myrna Loy haciendo de una mujer con una relación más que afectuosa con la cerveza con Bourbon, a la cantante Hellen Reddy como monjita ingenua y a la grandísima Gloria Swanson que hace de ella misma y que a la postre será su último papel en pantalla, estos descubrimientos además de uno de mis villanos favoritos un jovencísimo  Conrad Janis harán que te frotes las manos y con este elenco es imposible que las actuaciones estén mal y creerme que todas, absolutamente todas son magistrales, si crees que no te van a sorprender más espera a ver quien retrasa el vuelo, pues si, la archifamosa niña del exorcista Lynda Blair que vuelve a estar encamada y con problemas de salud, no puedo dejar de pensar la infancia que pudo pasar esta chica con papeles encasillados a la enferdad y posesiones infernales.

Tras conocer el reparto y sabiendo que el film es desastroso puedes pensar que lo bueno a terminado aquí, pues no, gracias al guión de Don Ingalls lo bueno va a empezar ahora.

Es ver el embarque de pasajeros y observar a un Hare Krishna entre ellos y decir ¡esto ahora va para arriba! y no te equivocas, una mujer que cuela a su perro metido en un bolso, unos borrachos con ganas de juerga, una parejita que cuando la cosa se ponga mal va a darlo todo y unos pilotos más interesados en ligotear con las azafatas que con manejar el avión, que por cierto se las trae, así nada más empezar nada funciona, hay un motor el número 3 que está dando problemas y por si fuera poco el proyector de cine se estropea en pleno vuelo, vamos que pone al espectador en alarma por la infinidad de fallos, en cualquier película normal, el proyector tendría un cortocircuito que incendiaría el motor número 3 y estaría el lio montado, pero aquí no, para que buscar algo coherente. Veréis el incidente detonante es el siguiente. Hay niebla en la pista de aterrizaje por lo que tienen al Jumbo y a una avioneta dando vueltas esperando su vez para aterrizar, pero al piloto de la avioneta le da un ataque cardiaco, este pierde el control y no se va a tierra, no, va derechito a estrellarse contra la cabina de pilotos . vamos que no vale con dos objetivos en movimiento, que consigue acertar el avión no solo en las cordenadas precisas de Norte, Sur, Oeste y Este, si no que además coincide en coordenadas de altitud, vamos algo parecido a sentarte en un pajar y pincharte la aguja. No hace falta ser un avezado espectador para ver que ese accidente no tiene sentido, pero es que para más Inri no sólo está despresurizada la cabina, si no que el aire que entra dentro es una brisita que mueve el flequillo a nuestra intrépida azafata.

No te voy a contar la cantidad de disparates que tiene el guion a partir de ese momento por que de verdad los tienes que ver tú y sabes que jamás hago spoiler, pero sólo quiero deciros que cuando ya no puedes más, cuando te crees que más momentos surrealistas no pueden ocurrir en la historia, cuando ya has pasado dos ataques de risa en lo que se supone que es un drama serio y catastrófico, llega el momento del megáfono y ya te quieres levantar de la silla y aplaudir a la pantalla por que ni los Monty Pyton, ¿Pero de donde a sácado esa mujer un megáfono? en fin, disparates maravillosos que me duelen decir que esta película es mala, a esta obra le doy un 8 cómo comedia absurda y la actitud de Heston en tódo el film gritándo a su prometida y cuando le pasa el interfono al personal de tierra y le dice "por favor no la pongan nerviosa" es que dices, ¿Y quien es el guapo que dice que esta obra es mala, si llevas una hora riéndote a carcajadas?.

Pues eso que la tienes que ver si no la has visto, está en Filmin y Filmin latino para España y Mexico pero seamos sinceros, la podéis encontrar con facilidad, no os recomiendo comprarla en DVD ni aunque este tirado de precio, pero si podéis asomaros a este Aeropuerto 75 no lo dejes escapar. 

Y antes de dejaros un enlace a la maravillosa aeropuerto y decirte como fue comercialmente me gustaría recordaros que este canal crece a medida que os suscribís al canal y cada uno de los amigos subscriptores son los que me dan la fuerza para seguir aconsejando películas para entreteneros, para descubrir obras fuera del circuito de novedades que van a darte una visión más global del cine, así que si me quieres ayudar, suscribete y da a la campanita y si te ha gustado el vídeo dame un Like.

¿Y ahora que pasó con esta película en las salas comerciales? Pues a pesar de que la critica la atacó duramente, el público respondió haciendola un éxito comercial que crearon los mimbres de la siguiente película de la franquicia aeropuerto en Aeropuerto 77 esa sí película de culto, seria y maravillosa, una de las mejores películas de catastrofes de la historia que le debe mucho a este Aeropuerto 75 y a su éxito comercial y por si fuera poco, le debemos también el nacimiento de la franquicia aterriza como puedas que es una parodia directa de esta obra, donde podemos ver a muchos de los personajes totalmente reflejados en la parodia.

Y ya hemos terminado con esta fabulosa reseña de una comedia no pretendida y que ahora debe de salir la reseña que hicimos en el canal sobre Aeropuerto la película matriz de todo el género que es indispensable para cualquier amante de las catástrofes en el cine.

Así que nos ponemos a trabajar en la siguiente reseña que espero que sea de vuestro gusto sólo me queda decirte dos cosas Que seas muy feliz y que vivas el cine

 

BLADE RUNNER: un rodaje complicado para hacer uno de los mayores clásicos de la ciencia ficción

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia hoy con todos vosotros otro vídeo sobre rodajes imposibles, otro cúmulo de casualidades que hicieron el milagro de crear este Blade Runner de 1982.

Esta entrega del canal es una revisión de unos vídeos muy antiguos, en el que voy hacer una mejora de los mismo y compilarlos en un sólo bloque creando una visión total de cómo fue el rodaje de está mítica película de Ritley Scott, por que si pensáis que fue una balsa de aceite su creación, estás muy confundido. pero sin más dilación empecemos.

Si preguntáramos a aficionados al cine que nos dijeran 5 películas de ciencia ficción, no sé cual quedaría primero, pero si que podría asegurar que entre las 5 todos dirían Blade Runner ya que es una obra que ha trascendido al tiempo y se ha grabado por merito propio en el Olimpo del séptimo arte.
Lo que muchos no sabrán es que esta película fue un autentico milagro que viera la luz ya que se dieron tal cúmulo de casualidades y el mismo número de desdichas por lo que la película siempre estuvo al borde del precipicio y su producción fue tal caos que podríamos calificar de milagro que naciera esta joya de la ciencia ficción, así que pongan sus asientos en posición vertical, abróchense los cinturones por que este vuelo empieza aquí,.

Toda historia tiene un comienzo y está empezó en 1975 cuando Hampton Fancher un actor que había hecho carrera en la televisión recibió un dinero para escribir un guión con total libertad, hasta entonces no había escrito nada profesionalmente por lo que se tomó el encargo como un reto más personal que profesional, pasaban los días y no salía nada bueno. Un día hablando del asunto con su amigo Jim Maxwell le dijo si conocía una novela llamada ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K Dick, Fancher contestó que no  y Maxwell le dejó el libro.
Tras leerlo a Fracher no le gusto la novela, no veía nada interesante en el argumento excepto la visión de un burócrata que cazador de androides, eso le dio pie para empezar a escribir un borrador. Su principal idea del asunto era sacar dinero, por lo que se centró en una historia de género, en los años 70 el Neo Noir estaba en su apogeo y pensó en crear una trama que mezclara la novela de ciencia ficción con las películas policiacas que tan en boga estaban.
Con el borrador terminado Fancher buscó a Brian Kelly un amigo de la industria que tenía contactos con un productor cinematográfico llamado Michael Deeley.
Michael, quiso primero leerse la novela antes de juzgar si se compraba el guión o no, así que tras su lectura Deeley no vio ninguna película en ella con lo que perdió todo el interés, pero Kelly insistió en que diera una oportunidad a Fancher como guionista, explicandole que el guion escrito por este poco tenía que ver con la obra original de Philip K Dick y Deeley aceptó.

Unos días después Fancher entrego un borrador de la historia al productor, y este era un compendio de diálogos en que la trama que transcurría de habitación en habitación mas cercana a una obra de bajo presupuesto que a una película de ciencia ficción al uso y además el final del film terminaba con el suicidio de Rachel creando un final que dejaba un terrible sabor de boca.

Tras leer eso Deeley le dijo que era una basura y se olvidó del asunto quedando así la historia apunto de ser enterrada.
Hampton volvió a retomar el guion desde cero, no ya desde el punto de vista de los personajes si no de lo que más le gustó de la novela, el mundo que K Dick dibuja en su obra, un mundo en el que el ser humano está terminando con la vida en el planeta, donde los animales se han extinguido, haciendo patente la carga naturalista del libro, cosas que había pasado por alto en su primer borrador. 

Tras esa re-escritura se lo volvieron a llevar a Deeley que esta vez la cosa cambió, el productor compró el guión y se puso en marcha la película.

Deeley era amigo de uno de los directivos de Filmways, necesitaba dinero para empezar la producción por lo que era crucial que la productora ayudara con la financiación y Deeley consiguió que se metiera  con 2 millones de dólares.

Con ese empujón económico lo primero que hicieron era mejorar la obra  con la reescritura de la trama, dando mayor fuerza a los diálogos y más profundidad a los personajes y cómo no un título que llamara al público a verla en masa y este fue  "Mecanismo" una idea de Fancher, le encantaba la sonoridad que tenía y la fuerza, pero a Kelly no le convenció así que le cambiaron el título por Días Peligrosos, este título no convencía en absoluto a Fancher pero lo dejó pasar pensando que ya lo cambiaría más adelante por su potente Mecanismo.

Deeley lo leyó y decidió cambiar el título por Blade Runner, este título se lo tomó, vamos a decir que "prestado" de una novela de William Burroughs que tenia el mismo nombre
Con el guión, el título robado y la financiación solo necesitaban un director,  todos pensaban en Ridley Scott para que lo dirigiera la obra, sobre todo después de haber conseguido un éxito notable con Alien el octavo pasajero.
Tras concertar una cita con él éste rechazó el proyecto, el principal motivo era que ya tenía apalabrado con Dino De Laurentis dirigir la película más esperada de la Ciencia Ficción una película que sería un referente del género y que marcaría un antes y un después en el séptimo arte, DUNE.

(Hay que decir que Dune era la máxima expectación de las producciones cinematograficas, luego pasó lo que pasó, pero eso es otra historia)

Así que Blade Runner por segunda vez se guardó en el cajón de donde pocas veces se sale.

Pero pasó el tiempo y una fatídica desgracia hizo que Blade Runner se reactivara, estamos en 1980 y el hermano mayor de Ridley, Frank, muere de cancer, esto sumió a Ridley Scott en una profunda depresión, su estado anímico se resentía y el no trabajar en ningún proyecto por que Dune se retrasaba hacía de su vida una autentica tortura, así que llamó a Deeley y le dijo que si todavía estaban interesados en que dirigiera Blade Runner y si es así que contaran con él pero con la condición de empezar de inmediato.

Hampton había escrito el guión poniendo a Deckard el aspecto  de Robert Mitchum. Recordar que estaba escribiendo un Neo Noir y el actor lo tenía todo en ese género, presencia, corpulencia y socarronería que necesitaba el personaje, de hecho es que Mitchum ya había repetido infinidad de veces el papel de detective y siempre había sido espectacular su interpretación, pero era demasiado mayor para el papel, éste  requería de un rostro más joven, más dinámico que tuviera un futuro por delante y no sólo pasado, así que se hizo una lista con los actores que daban el perfil deseado, Burt Reynols, Nick Nolte, Al Pacino, Peter Falk,  pero el actor que se destacó, aunque ahora nos pueda parecer extraño fue Dustin Hoffman. 

Scott viajó a Nueva York para entrevistarse con el actor y parecía que había sintonía, tanta que los primero Story Boards se hicieron con la cara de Hoffman.

Pero pasaba el tiempo y en vez de acercarse el actor a la producción, empezó a alejarse, Scott y Hofman no encajaban y el distanciamiento llegó a tal punto que volvieron a buscar un rostro para Deckard.

Alguien sugirió a Harrison Ford, acababa de terminar su papel de Indiana Jones con Steven Spielberg y pidieron consejo a éste, Spielberg se deshizo en elogios con Ford, así que prepararon una entrevista y le presentaron el proyecto, curiosamente Ford huía de la ciencia ficción recordemos que estaba metido en la saga Star Wars con lo que intentaba que no se le encasillara, pero el aspecto de cine negro que emanaba en toda la obra fue lo que desniveló la balanza para que aceptara el papel del Blade Runner Deckard.

Para el villano la cosa no podría haber sido más rápida, Batty era el siguiente rostro a dibujar y por mediación de Katerine Haber se presentó a una entrevista con Scott, Rutger Hauer. 

Era un tipo imponente, de casi dos metros de altura, vestía un traje de vinilo adornado por una gafas de flores a lo Elton John, la mezcla que estaba viendo Scott con el atuendo del actor le hizo saber  en ese momento que tenían a su chico malo.

Para el papel de Rachael la cosa se complicaba por que buscaban un rostro totalmente desconocido y eso llevó a interminables casting y pruebas de cámaras.

En esas pruebas para hacer de Deckard dando la réplica a las actrices aspirantes a ser Rachael  contrataron a  Morgan Paul, hay que decir que el trabajo de Paul fue tan bueno que le escribieron un papel para él en la película y  podemos verle en el film como el primer Blade Runner que se enfrenta al grupo de Batty.

Tras varias pruebas con actrices la duda estaba entre Nina Axelrod que era una grandisima actriz o Sean Young que realmente no estaba a la altura interpretativa que se requería, pero tras verla en cámara Scott apostó por ella, el problema es que no era buena actriz, así que Katerine Haber tuvo que volcarse en ella para que estuviera a la altura del resto del elenco.

El reparto se completó con Daryl Hannah como Pris, Joanna Cassidy como Zhora, Brion James como León o el magistral papel que hizo Edward James Olmos como Gaff que junto a su habilidad para los origamis cerraron un universo perfecto de personajes  que sin sus actuaciones, Blade Runner jamás haría sido lo que es ahora.

Con el reparto cerrado, llegaba el momento de crear el universo tan particular de Blade Runner, uno de los objetivos era  emular las viñetas de Moebius un dibujante por el que Scott tenía especial predilección, así que todo los exteriores se hicieron en estudio, fabricando a mano las fachadas y elementos que daban vida a la tierra del 2019 desde la mirada de un Scott en los años 80. Para ello contrataron a Syd Mead un dibujante extraordinario y un magnifico ingeniero que creó unos concept impresionantes, el problema era que cada vez que dibujaba un nuevo elemento, una nueva fachada, era maravillosa pero eso se traducía en miles de dólares, así que para abaratar costes Scott le comentó que usara las fachadas existentes ya en el estudio y que creara añadidos futuristas a estas, esa mezcla de lo antiguo y lo posmoderno dio un aire nuevo a la ciencia ficción, nunca se había visto nada igual y el aspecto en pantalla era impresionante
Como diseñador artístico contrataron a Lawrence Paul que con el presupuesto limitado y con la fecha de inicio de rodaje acercándose tuvo que trabajar a destajo.
Por mucho que el equipo de aristas avanzara y eso de avanzar era mucho decir ya que Scott era sumamente quisquilloso y estaba muy encima del proceso, los continuos problemas técnicos hacían que se acumularan retrasos.
Ya la fecha de rodaje era inminente y aún quedaban infinidad de elementos por construir, parecía todo perdido, la productora no iba a tolerar más retrasos y estaba Blade Runner a punto de su cancelación,  pero el destino volvió a jugar a su favor. En agosto del 1980 el sindicato de actores y la federación americana de radio y televisión (AFTRA) empezaron una huelga por la mejora salarial, esa huelga que duró dos meses hasta el 25 de octubre, permitió al equipo técnico terminar los decorados principales para que empezara el rodaje, sin esa huelga Blade Runner no habría existido, una maravillosa casualidad de la que las grandes obras están llenas.

Todo estaba previsto para empezar, ya no había nada que pudiera entorpecer el rodaje pero como el destino es caprichoso, hizo que la productora principal de la película Filmway entrara en banca rota, no había dinero para pagar a nadie y los decorados secundarios aún por terminar. La cosa pintaba mal, así que empezaron a buscar inversores, a los primeros en contactar fueron la MGM y la UA que declinaron meterse en el proyecto, recordar que entonces la película más esperada en el género era Dune, de la que se suponía que iba a ser otro rompe taquillas como Star Wars. Nadie quería enfrentarse a ella, así que recurrieron a Alan Ladd Jr. por aquel entonces manager de la Warner, Ladd ni se lo pensó... preguntó sobre la película y puso 7 millones de dólares sobre la mesa, solo cubría la mitad pero les permitía pagar facturas y seguir adelante. El resto del dinero lo pusieron dos productores televisivos que se quedaron con la tajada de las televisiones y el cine doméstico y esos productores fueron Perenchio y Yorkin.
Por cierto una anécdota de los decorado, muchos de los interiores fueron rodados en la casa Ennis una extraña mansión de los Ángeles tan particular y cinematográfica que tiene el privilegio de ser la autentica mansión encantada en House on haunted hill que protagonizara el grandisimo Vincent Price.

Scott empieza a rodar, hay que decir para el que no lo sepa que Ridley hizo carrera en la publicidad donde el producto era esencial, eso le convierte en un director obsesivo con los acabados y las atmósferas, pidiendo cosas inverosímiles como fluctuaciones de luz a los personajes que vienen de la nada o un especial detalle por la forma del atrezzo, un ejemplo es la taza de café del primer Blade Runner, se dice que tuvieron que cambiar 50 veces de taza hasta que dieron con una que le gustaba a Scott en plano, esta perfección casi obsesiva exasperaba al equipo, pero al que más irritaba era a Harryson Ford, el acostumbrado a trabajar con directores que tenían muy en cuenta la opinión del actor como Copolla o Spielberg, se encontraba perdido en el rodaje sin saber que hacer y retrasando su plano una y otra vez Ridley Scott y sin contar para nada con la opinión de Ford.
Poco a poco el ambiente se fue enrareciendo entre el equipo, los actores y el director pero lo peor de todo era el retraso que se empezaba a acumular.
Aun así la película sigue adelante, los actores hacen su trabajo y el equipo técnico asume las estridencias de Scott para crear las puestas en escena, a pesar de que el ambiente no es el idóneo la cosa fluye, pero hay algo que va a romper ese equilibrio de fuerzas, los productores televisivos Perichio y Yorkin, hay que explicar que Yorkin era director de algunas series de TV  y del Show de Andy Williams, se presentan en el set de rodaje con el fin de ver que es lo que causa los retrasos, tras ver trabajar a Scott y verle repetir tomas una y otra vez, los productores creen que Scott es el problema.
Éstos empiezan a ir cada vez más a los rodajes y comienzan a meter prisas a Ridley que les trata con total desdén, cosa que los productores televisivos no toleran.
La verdad es que la película se estaba retrasando pero lo normal en cualquier producción tan compleja como lo era Blade Runner, tras las presiones de Perichio y Yorking, Ladd Jr se pasó por el rodaje y le comentó que la película se tenía que terminar, Scott entendió las presiones a la que Perichio y Yorkin estaban sometiendo a Ladd y a Deeley y si el propio Alan Ladd le decía eso era por que algo escondían los productores televisivos, así que los últimos días se rodó con urgencias, no se pudo dar la perfección que Scott imprimía a toda la película incluso dejando errores garrafales que manchaban la obra como el plano en el que Zhora rompe los cristales y se nota la peluca del doble.
Aún así terminan el rodaje, Scott se dio unos días de descanso antes de empezar a montar la película, en principio había terminado lo peor, pero como siempre en esta película hay algo o alguien que lo vuelve a liar, resulta que aprovechando que Ridley estaba en Inglaterra, Perichio y Yorking junto a sus abogados preparan una carta de despido a Scott por sus retrasos, esta carta llega al resto de los socios, Ladd y Deeley, esta fue la gota que colmo el baso de la paciencia de Ladd Jr y se presento ante los productores y les dijo que él y la Warner han pagado por una película de Ridley Scott y que el despido no se haría efectivo.
Yorking que era el que había movido todo para dirigirla él , todavía guardaba un as en la manga.
Scott llegó y empezó el montaje, el primer visionado no gustó pero el siguiente es una maravilla de sutilezas, de conceptos, donde dejan claro que Decard es un replicante, esto lo vemos cuando Decard en un momento sueña con un Unicornio, un sueño que nadie puede saber pero que al despertar Gaff ha dejado un unicornio de papel, demostrandole que sus sueños son programaciones enfocadas a creerse humano. (No me digáis que no es una maravilla).
Perichio y Yorkin no entendieron nada, le pidieron a Scott una voz en off que narrara los pensamientos de Deckard pero este se negó.
Cuando por fin terminó el montaje con la magnifica música de Vangelis y presentó la obra con más de 2 horas de duración, Yorkin y Perichio saltaron con una clausula del contrato en el que decía claramente que si la película duraba más de dos horas ellos podían editarla, así que con la película terminada Scott y montada por el  y que hoy se puede ver originalmente en BLADE RUNNER DIRECTOR´S CUT, Yorkin remontó la obra, metió la voz en off que personalmente odio y creó un Happy End que rompía con toda la estética que Scott había creado y lo peor de todo, sin criterio, durante todo el film vemos coches voladores en la ciudad nocturna y al final de la película vemos un coche rodando por una carretera luminosa. Un sin sentido que hasta 20 años después no se pudo tocar por los derechos que tenían Yorkin y Perchio sobre la obra.
Aún así, incluso mutilada por los dos productores televisivos era una buena película, el primer día de estreno fue prometedor la gente acudió en masa a verla, pero al día siguiente las críticas fueron demoledoras, tanto que acabó siendo un desastre en taquilla, pero un desastre relativo, era cierto que el gran público le dio la espalda pero en los cines de reestreno se mantenía año tras año, se empezaron a crear club de fans del film, algo que solo se había conseguido con Star Trek y Star Wars y ninguna más y esto hacía que Blade Runner se mantuviera en cartel mucho más que la mayoría de Blockbuster y que termnara su vida en salas cómo un clásico, como una obra de culto.
Podemos decir que fueron los aficionados los que salvaron la película y Blade Runner vive y existe por esos aficionados que supieron ver donde los críticos cinematográficos  cerraron sus ojos 

¿Y dónde la puedes ver? Si después de esta historia sobre su producción te han entrado unas ganas locas de volverla a ver, la tienes en HBO max.

Y si has llegado hasta aquí y te ha gustado este vídeo, por favor regalame un Like y si te gusta como te aconsejo películas para ver en tus ratos de ocio siempre de calidad, por favor suscribete y dale a la campanita, nosotros ya estamos preparando la siguiente reseña por lo que sólo me queda desearos que seais muy felices y viváis el cine.

Casablanca: Un rodaje caótico y una obra maestra como resultado

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hace tiempo que me pedís que haga más vídeos sobre rodajes caóticos, películas que por azares del destino se convierten en una pesadilla y aunque parezca mentira, esta maravilla de Michael Curtiz lo fue, realmente es considerada una obra milagro por que todo y cuando digo todo me quedo corto, jugó a la contra en el rodaje de Casablanca de 1942.

Hablar de ver Casablanca parece redundante, pero no lo es, conozco a infinidad de gente joven que aún no la han visto y cuando se adentran en este drama romántico con trasfondo bélico, siempre dicen lo mismo. ¿Cómo he tardado tanto en verla? y es que este film, obra Icónica del séptimo arte, maravilla de la cinematografía mundial, parece que se concibió de una manera sesuda y eficaz, pero querido amigo o amiga que me escuchas, nada más lejos de la realidad. Que Casablanca saliera a la luz como película fue un milagro y que encima quedara perfecta sólo podría ocurrir una de un millón veces, así que si quieres saber todo lo que ocurrió, todas las desventuras que sufrió el film, siéntate en tu butaca favorita, por que está historia de cómo se gestó Casablanca acaba de empezar.

La trama nos adentra en la ciudad de Casablanca cuando esta era colonia Francesa, tras la irrupción de la segunda guerra mundial, esa lejana tierra se convierte en el puente de paso de los exiliados europeos al continente Americano, muchos llegan con grandes fortunas pero otros con lo puesto y dependiendo de cuanto se esté dispuesto a pagar la salida de los más afortunados es rápida, pero de aquellos que la fortuna no les acompaña se convierte en un caladero sin salida, una cárcel sin muros y con la amenaza constante de ser arrestado. En ese extraño caladero de almas en dique seco sobrevive Rick un americano idealista que defraudado con el mundo y desencantado ha montado un café con casino, donde no sólo se bebe y se juega, allí se hacen negocios o se prepara de contrabando la salida de personas, siempre con el beneplácito del corrupto capitán Renault. 

Pero la tranquilidad por decirle así de aquella isla de almas se verá trastocada por dos sucesos, el robo de unos visados que permitirían la salida de cualquier persona y la inminente llegada de Victor Laszlo, un mito de la resistencia que tiene en guardia a todos los ocupantes alemanes de la región y por si todo eso fuera poco, una historia de amor inacabada entra en juego para completar esta trama que llamarla prodigiosa es quedarse corto y cómo ya sabes que no hago  spoiler en el canal, si no la has visto, ya sabes que has de hacer y ahora vamos a saco con lo que parece imposible, el desastroso rodaje de Casablanca.

Murray Burnett estaba de viaje con su mujer por Viena en 1938, allí conocieron una zona de exiliados donde la tristeza se mezclaba con el entretenimiento de los clubs de Jazz, esa dualidad del ser humano tan contrastada le sirvió de inspiración para su siguiente obra de teatro y junto con su colaboradora Joan Allison crearon el libreto de Todo el mundo va a Ricks, curiosamente la obra no fue entendida, básicamente por que no funcionaba, el escaso éxito le llevó a probar fortuna enviándoselo a las productoras de cine, donde contra todo pronóstico la Warner vio una obra perfecta para su estrella Humphrey Bogard, pero la historia distaba mucho de ser perfecta con lo que debería de ser reescrita por uno de los mejores grupos de guionistas de la historia, Kroch, Philip y Julius Epstein. Pero es aquí donde comienza el caos, Wallis productor de la Warner se enamoró de la historia e hizo suya la película con lo que comenzó la producción pero sin haber comprado los derechos y tampoco se había escrito el guión, es ahora cuando pensaréis ¿Se puede empezar una producción cinematográfica sin guión?. La respuesta es No y ¿Se empezó Casablanca sin tenerlo? pues aunque parezca mentira Si.

Uno de los motivos por los cuales Wallis no esperó ni siquiera a tener un borrador es que él acertadamente veía esta obra con un único protagonista Bogard y éste había firmado un contrato con la Columbia, por lo que el tiempo apremiaba. El primer borrador que se podia llamar así se escribió en seis semanas por que los Epstein tenían contrato con Kapra por lo que Wallis recibió aunque se había mejorado bastante el libreto aún quedaba gran parte del trabajo por hacer, así que se contrató al veterano Howard Koch que sería el responsable de la forma final de un guion que no podía terminarse a tiempo, por lo que se empezó a rodar con el mismo totalmente abierto.

Con la necesidad de contratar de inmediato a un director eficaz, pensaron en William Wyler pero este se encontraba en su rancho descansando y no había obra que lo sacara de allí así que sin tiempo para negociar contactaron con michael Kurtiz. 

Con el director contratado, sin guion terminado ahora empieza la locura del reparto, Rick ya estaba adjudicado pero su compañera en la película no estaba claro, según el guion cambiaba este pasaba por ser una americana un poco ligerita que sería encarnada por Ann Sheridan o una confusa europea que en cuyo caso no tenían ni idea de a quien contratar y al final entre la certeza de un perfil claro o de la duda de otro, la elección fue la segunda la duda, el interrogante, por lo que pensaron en dos actrices que pudieran encarnar a Ilsa, por un lado Hedy Lamarr que no podía empezar con el rodaje e Ingrid Bergman que tampoco, Lamarr era imposible por que la Metro no la soltaba pero con Bergman la cosa se pudo arreglar cediendo a Olivia de Havilland.

 Vale ya tenían a la pareja protagonista pero a falta de un mes para empezar el rodaje, sólo tenían eso, dos actores un director y un guion en proceso de llamarse tal.

Para la tercera pata de la trama Wallis quería si o si a Henreid, el elegante actor austriaco era ideal, pero dudosamente iba a coger un papel secundario teniendo sobre la mesa varios protagonistas, así que la Warner se tuvo que rascar el bolsillo y pagarle lo mismo que a Bogard, así que ante lo inmediato del rodaje y el dinero propuesto por la productora el actor acepto.

Y con el trio protagonista elegido deciden empezar a rodar, lo único que pueden hacer es el Flashback de París, por que los decorados de Casablanca aún estaba en construcción. Las primeras jornadas de trabajo sirvieron para dos cosas, empezar la producción y que Bergman se sintiera desplazada con Bogard, el actor no la hablaba, cuando no esta en pantalla el actor la esquivaba, con lo que la actriz no entendía nada y para guinda del pastel, Kurtiz en un error inexplicable no grabó bien el sonido con lo que tuvieron que volver a rodar todo otra vez, no he sido preciso con lo de todo, por que sólo pudieron rodar algunas, por que el tiempo jugaba en su contra, mucho del metraje tenía que ir a la basura pero Kurtiz quería si o si la escena del coche paseando por el arco del triunfo de parís, pero no había sonido, así que se decidió meter un sonido envolvente que acomodara la escena.

Hago aquí un inciso, todo el mundo que ha visto Casablanca, esa escena de felicidad se queda en el alma y saber que se concibió por un error te hace pensar que, bendito error, bueno volvemos al tajo que queda mucho.

Mientras tanto Kurtiz y Koch se llevaban como el pero y el gato, teniendo dos visiones totalmente opuestas del film, Koch quería poner el acento en la trama política y Kurtiz en la romántica, con lo que ese tira y afloja enriqueció sin querer la trama al tener que ceder ambos para poder llegar a buen puerto.

La mezcla de trama política y humana en este film es simplemente perfecta, jamás se podrá ver otra película más equilibrada y nace de disputas constantes mientras se rodaba el film sin saber que había que hacer al día siguiente.

Los actores no podían estudiar el guion por que muchas veces le llegaban esa misma mañana y Bergman todavía estaba perpleja por la antipatía de Bogard, Ingrid esta preocupada, no entendía nada, así que al final se lo contaron, la mujer de Bogard estaba tremendamente celosa con la actriz, así que el bueno de Humphrey se apartaba todo lo que podía de ella, eso y que la mujer asistía siempre que podía al set de rodaje para atar en corto a su marido. La explicación hizo que la actriz se relajara y entendiera la presión que su compañero de reparto tenía.

El set de Ricks Café se construyó y cuando el director de fotografía vio el escenario casi le da un ataque, aquello más que un café de inmigrantes en medio del Magreb, parecía un cabaret de las Vegas, el aspecto era todo lo contrario de lo que la trama necesitaba, luminoso, jovial e impoluto. Uno de los escenarios más icónicos del cine nace de otro error de interpretación entre los técnicos y los cineastas, con lo que otra vez tenemos que decir, bendito error.

Ahora empieza el Rock and Roll Henreid estaba terminando otro film por lo que no podía incorporarse aún, así que empezaron a rodar las escenas de Dooley Wilson así que le pusieron al piano y este era incapaz de simular que sabía tocarlo, los planos se veían falsos, la forma de aporrearlo era totalmente inverosímil, así que el planteamiento de rodaje se fue otra vez al garete, tuvieron que recomponer toda la planificación de planos y rodar de frente siempre al actor, esto le dio más profundidad al actor , el tener que rodar siempre de frente a él, nos dio esa magia del contrapunto que Sam otorga a la película y que hoy vemos impensable verla de otra forma que cómo no, llega de casualidad.

Cómo no tenían claro cómo  terminar la película se rodaron 5 finales alternativos que no vamos a narrar por si no la has visto no darte pistas, pero el mítico final de Casablanca se hizo en la mesa de montaje por que no tenían ni idea de como poner la guinda a este film, es curioso como uno de los mejores finales del cine no fue planeado si no elegido por descarte. Otro acierto casual

Y por fin se terminó una película que es totalmente inverosímil, con un café que es más la sala de fiestas de un hotel de lujo, que si fuera poco el final termina en una noche de niebla que en el desierto marroquí no han visto niebla en su vida y con unos nazis que terminarían sus problemas tirando de gatillo y que inexplicablemente no lo hacen.

Con una producción siempre al borde del desastre, donde actores y técnicos estuvieron gran parte de la producción totalmente perdidos, donde nadie hace lo que debe y donde el director siempre tiene que remar para a delante y resulta que hacen Casablanca, quizá la mayor película romántoca de todos los tiempos que puedes ver en HBO max.

Película imprescindible, que ver y volver a ver, obra mágica e hipnotica que si no la has visto tienes que poner remedio inmediatamente.

Y tras todo esto sólo me quedan decirte dos cosas, quizá con más fuerza que nunca, se muy feliz y vive el cine

Oro en barras: La comedia que se tomó en serio el cine de atracos

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy vengo con una trepidante comedia británica, ganadora de un Oscar a mejor guion y con uno de los atracos más eficaces de la historia del cine y es que no hablamos ni más ni menos que del cásico de la comedia de robos Oro en Barras.

La película nace un poco accidentada ya que no era idea de su guionista y creador Tibby Clarke hacer una comedia ni mucho menos, hacía poco que había escrito el guion del el Farol Azul un Noir británico que narraba las  desventuras de dos malhechores que incapaces de entrar en el hampa deciden montárselo por su cuenta y dando una serie de golpes, terminan con el asesinato de un policía.

La obra muy del gusto de la época, con tramas cruzadas y un drama de por medio, tuvo muy buena acogida entre el público, así que Tibby pensó en repetir la formula, otro noir dramático que siguiera explotando el tirón que tuvo El farol azul, se empezó con los primeros borradores y también con el reclutamiento de actores donde se presentaría en sociedad a una jovencísima Audrey Hepburn con un papel más destacados de los que llevaba hasta el momento, pero por azares del destino aquel drama policial se transformó en una maravillosa y eficaz comedia, teniendo no solo que cambiar la trama si no también el reparto que originalmente iba a aquella película de gánsters y Audrey se quedaba fuera del reparto, aunque tuvieron la deferencia de darle un pequeñísimo papel al principio de la cinta.

 (por cierto una aclaración, de hecho os aviso que en este vídeo voy hacer dos correcciones y esta es la primera) esto no es un cameo ya que Audrey por aquel entonces no era nadie, es un papel de figuración con frase, me gusta dejarlo claro por que alguna ver lo he oído y no es correcto.

Tibby que quería hacer un atraco totalmente verosímil, no se le ocurrió mejor idea que contactar con el Banco de Inglaterra por mediación de los estudios Ealing  y lo curioso es que no solamente aceptaron en asesorarle si no que crearon el plan con el que los personajes podrían robar el oro, haciendo así un plan de robo casi perfecto. Una de esas maravillosas anécdotas que nos da este maravilloso arte.

La trama que es un Racconto y aquí viene la segunda aclaración por que muchas veces he escuchado que es un flashback y no es correcto (para ser un flashback la película tiene que interrumpir el presente para ir al pasado, contarnos un acontecimiento y volver al presente, mientras que el Racconto empieza en el presente y nos lleva al pasado para contarnos una historia completa que es el caso concreto de este film y hasta aquí las aclaraciones y ahora volvemos a la trama).

Pues bien, vemos a un maduro Holland fenomenalmente interpretado por el gran Alec Guinnes viviendo la vida acomodada de un ricachón en America del sur y nos comenta que no siempre fue así para narrarnos como ha llegado a esa vida acomodada. Resulta que Holland desde siempre tenía en mente ser rico, pero las circunstancias no le acompañaban, hasta que pudo entrar en el transporte de lingotes de oro, es entonces cuando su vida se transforma en una interpretación constante, la de un hombre gris, honrado, carente de cualquier ambición que no levante jamás sospechas, por que lo que el bueno de Holland tiene en mente es el llevarse un día el furgón con el oro.

El tiempo y la interpretación de hombre gris han dado sus frutos, la carencia de ambición de este lleva a una confianza tal que puede llevarse el botín en cualquier momento, pero el problema no es llevarse el oro, si no ¿Cómo sacarlo del país sin que eso le cueste la cárcel?.

Esa última pieza del puzle hace que no pueda cumplir su sueño, hasta que un día en la pensión en la que vive se muda un escultor de souvenirs el Sr. Pendelbury  y juntos diseñan el plan perfecto, robarán los lingotes y transformarán estos en pequeñas torres eifel que sacarán del país sin problemas, pero cómo os podéis imaginar esto no va a ser ni tan sencillo ni sin problemas por que todo se convertirá en una maravillosa locura que no te voy a contar para que puedas disfrutar del film como debe ser sin spoilers, ya sabes que en el canal nunca destripamos la trama.

La película resultó ser un éxito absoluto no sólo en Reino Unido si no que en todo el mundo, la comedia que nació de la inspiración repentina de Clarke se transformó en una sensación, ganadora de un Oscar a mejor Guion, pero sería injusto terminar aquí por que gran parte de la responsabilidad del éxito fue gracias a su director el maravilloso Charles Crichton que con el tiempo resultaría ser uno de los mejores directores de comedias de la historia, se que es cierto que carece del nombre de otros directores como Mel Brooks, Willy Wilder o Ernst Lubitsch. Pero realmente Crichton convive en la orbita de esos grandes directores, que puso su guinda final con una de las mejores comedias de todos los tiempos, la grandísima Un pez llamado Wanda que ya hemos reseñado en el canal y que es sin lugar a dudas una de las comedias de mi vida.

Y antes de decirte donde la puedes ver, ya sabes que me haces muy feliz cada vez que me das un like y si te ha gustado la reseña por favor que no se te olvide regalarme un pulgar hacía arriba y si no estás suscrito y quieres que te aconseje una película de calidad todas las semanas, no lo dudes dale al botón y a la campanita para que no te pierdas nada, de las reseñas que subimos al canal.

Y ahora sí, dónde la puedes ver, pues es un clásicazo que la tienes disponible tanto para España como para México en Filmin o Filmin latíno, pero es al ser una obra tan reconocida, da igual de la región que seas, hay mil y una ediciones en DVD a precios de risa que harán tu filmoteca personal más elegante y de más calidad gracias a esta maravillosa comedia de robos, sencilla y maravillosa a la vez. Una joya  que está entre las 100 mejores películas británicas de todos los tiempos, una portentosa comedia con unas interpretaciones de asombro o lo que es lo mismo una obra de arte y hasta aquí la reseña de hoy esperando que os haya gustado y sólo me queda despedirme hasta el próximo vídeo con el que ya estamos trabajando pero hasta entonces sólo me queda desearte dos cosas, que seas muy feliz y que vivas el cine.

Un pez llamado Wanda: La película que mató de risa a un espectador

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia hoy vengo con una película mortal y habló en el sentido literal de la palabra ya que esté film tiene en su haber la muerte de un espectador debido a un ataque de risa y es que hablamos de la maravillosa Un pez llamado Wanda de Charles Crichton.

Y sí, como ya podéis suponer al final de la reseña aclararemos este luctuoso acontecimiento de la muerte del espectador, pero antes vamos a cómo se gestó esta maravillosa película que es simplemente descacharrante.

John Cleese el popular miembro de los Monty Pyton tenía cómo amigo al maravilloso Charles Crichton uno de los directores más eficaces de la industria cinematográfica británica, capaz de hacer dramas con asesinatos por el medio cómo es Hunted de 1952 con un maravilloso Kirk Bogarde cómo cabeza de cartel, por cierto ya sabéis mi pasión por Bogarde, así que esta obra pronto tendrá su reseña en el canal y también de fabulosas comedias como Oro en barra donde Sir Alec Guinnes harto de ver como pasa la riqueza por sus manos decide apoderarse de ella y que no voy a contar nada más del film por que ya os adelanto que va a ser la próxima película a reseñar. 

Pues bien Crichton y Cleese buscaban tener un momento para poder rodar una película juntos, una comedía donde pudieran dar lo mejor de si mismos, en 1982 ya esa idea se materializó en un borrador, aunque, había tantos problemas que seguramente no se realizaría nunca, la primera eran las obligaciones laborales de Cleese que tenía con su grupo actoral ,el compromiso de rodar Monty Pyton en Hollywood y para el siguiente año el Sentido de la vida, además de todas las películas previamente apalabradas y por otro lado Crichton llevaba desde 1965 sin rodar una película, encargandose desde entonces a rodar series de televisión y si todo eso fuera poco el bueno de Crichton tenía 72 años, pero fuera como fuere el milagro ocurrió en 1987 cuando 5 años después de aquella reunión y aquellas  ideas vagas de rodar un film cogió la forma final y la determinación de ambos de rodarla y es así como se empezó a gestar Un pez llamado Wanda.

El film protagonizado por Cleese tenía cómo principal factor cómico la figura de Cary Grant un hombre normal y corriente donde toda su vida se convierte en un caos a su alrededor y el intentando salir de la manera más elegante posible, a vences consiguiéndolo y otras veces complicándolo más, tal fue la inspiración que el personaje se llamó Archi Leach que es el nombre real del maravilloso Cary Grant, para el resto del elenco lo tenían claro, la bis cómica de su compañero en los Pyton Michael Palyn que hace aquí uno de sus mejores papeles de su vida y de Kevin Klien a este último Cleese lo había conocido en Silverado y quedó atrapado por sus interpretaciones en la película con lo que sólo faltaba el detonante de toda la historia, la protagonista de la trama. ¿Quién haría de Wanda? necesitaban a una mujer atractiva y con ese perfil sobraban en la profesión, pero con una vertiente cómica natural y eso ya no era tan común, necesitaban un alter ego de Cary Grant y no lo tenían fácil. La casualidad hizo que llevara Cleese a su hija a ver Entre pillos anda el juego que llevaba varios meses en cartel y que hasta entonces no había visto y cómo si de una epifanía se tratará supo que aquella joven Jaimy Lee Curtis era la actriz ideal para encarnar a la seductora feme fatale Wanda.

La trama nos adentra en una banda de atracadores de joyas que tras el golpe exitoso en una joyería el jefe del cuarteto criminal esconde el botín,  pero este es localizado por la policía y encerrado, con lo que el resto de criminales se han quedado compuestos y sin joyas, así que sin una cabeza visible el grupo intenta recomponerse, Otto el más despiadado de todos tiene todas de su lado para coger el poder, pero un complejo de inferioridad que intenta compensar leyendo a Nietche hará que tampoco las tenga consigo, Ken el atracador tartamudo amante de los animales, no parece que vaya a ser un rival para Otto, pero otra cosa es Wanda, la mujer de la banda y que tiene un romance con Otto, sensual, atractiva y sumamente inteligente, ella si que puede liderarlos, así que entre Otto y Wanda comenzará una cordial guerra de suposiciones, sospechas, romances y odios.

Tras un análisis de lo acaecido la banda crea un plan para localizar las joyas, Wanda tiene que seducir al abogado defensor de George que recordemos es el único que sabe el paradero de las joyas y sonsacarle la información de su cliente y en principio todo iría bien si no fuera por que Otto, novio de Wanda empieza a ver que el papel de su novia intentando seducir al bueno de Archie se le está yendo de las manos, con lo que a todos los problemas ahora aparecen los celos. Y cómo aquí no hacemos spoiler de ningún tipo el resto de la película la tienes que descubrir por ti mismo, pero créeme si te digo que es un camino maravilloso, de giros narrativos constantes, de situaciones maravillosas y algunos asesinatos crueles no siempre de seres humanos van hacer que más de una carcajada salga de tu garganta, por que sí, además de ser una aventura de atracadores, Un pez llamado Wanda es una de las comedias más eficaces de la historia.

La película de bajo presupuesto que la Metro Golwind Mayer puso en su totalidad, tenía no pocas reservas y es que a pesar de que costara solo 7 millones y medio, los 78 años del director podría llevar al sesastre económico ya que una muerte del mismo en medio del rodaje o terminaría con el film o multiplicaría los gastos al tener que buscar a otro director, pero Cleese lo tenía todo atado y se ofreció a dirigir la película si su amigo Crichton fallecía, esto le pareció bien a la Major y puso el dinero de una de las películas más rentables de la productora del León.

Nada más estrenarse la cinta, está arrasó, la taquilla se rindió llegando casi a los 200 millones de dólares en la taquilla mundial, la crítica se rindió ante las desventuras del cuarteto de criminales por rescatar un botín y si pensamos que las buenas noticias terminan ahí, Kevin Kline ganó el Oscar a mejor actor de reparto y las ventas en vídeo domestico alcanzaron cotas de record y todo con la campaña más económica pero eficaz que existe, el boca a boca por que sí, esta obra no tuvo de tras ninguna sesuda campaña de marketing, era un producto barato, de segunda fila, producido en Reino Unido con un reparto carente de estrellas, así que la Metro no dio más que lo que puso para rodarla, pero es lo que tienen las grandes obras, que gustan a la gente y estas van a verla y en el caso de Wanda en masa.

Y ahora hilando con lo de verla, donde la puedes disfrutar tú donde la tienes. Pues en plataformas para Mexico y España en Filmin y Filmin Latino, pero si te gustan las comedias, si te gusta el humor y las aventuras, te aconsejo que te hagas con un DVD o BlueRay de la película por que además de tener mil y una ediciones estas las encuentras a un precio casi de risa, así que no la dejes escapar sea como sea.

Y cómo ya te hemos dicho que el próximo vídeo va a ser Oro en Barras de 1951, vamos directamente a cómo ocurrió uno de los acontecimientos más luctuosos del séptimo arte, pero antes dejame que te invite a suscribirte y si es que no lo has hecho, mira a ver si tienes el botón activo y si es así dale por que no te vas a arrepentir y si me regalas un like y le das a la campanita me haces francamente feliz y ahora si, vamos al grano.

Nos encontramos en 1989, Ole Benzen un otorrinolaringólogo Danés, se dispone a ver la película, llegado un momento Palyn encuentra su boca y nariz cómo un almacen de comida, esta absurda escena de la película le resultó francamente graciosa al bueno de Benzen, la risa se transformó en carcajadas y estas en risa nerviosa incontrolable, el pulso se le disparó, según la autopsia posterior pudo llegar su corazón a latir hasta 500 veces por minuto llegando al colapso y posterior para del corazón que le resultaron fatales al buen dorcotor Ole Benzen, es cierto que han sido muy populares los ataques al corazón con películas pero siempre eran de terror o miedo y estos se debían a ataques cardiacos por un susto, pero en una comedía morirse de risa, es una rara excepción, aún así te aconsejo antes de ver Un pez llamado Wanda que te hagas un chequeo médico previo, coloques un desfribilador a tu lado y te rodees del mejor equipo medico cuando veas la película, no quiero que por mi culpa te pase nada, así que sin más me despido con un par de deseos, que seas muy feliz y que vivas el cine

  

El juego de Hollywood la obra más cinéfila de Altman

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy vengo con una película que es para mi una de las mejores obras de Robert Altman y no sólo eso, si no que además os voy a contar al final del vídeo cómo puedes verla gratis y legalmente seas de donde seas. Así que esta vez no tienes ninguna excusa para no ver El Juego de Hollywood de 1992.

Robert Altman tiene en esta película una de sus mejores obras de toda su filmografía, además de ser la más cinéfila, donde cómo de un amante despechado habla de lo mejor y lo peor de la industria de Hollywood, en donde nos narra con un extraño realismo de lo que esconde tras bastidores las producciones cinematográficas de las Major Estadounidenses, con una trama rocambolesca pero llena de mensajes subliminales y es que el film nos adentra en las aventuras de Griffin Mill un directivo de una productora cinematográfica que tiene en sus genes el Made in Hollywood, carente de riesgos, dando al público la misma formula de éxito una y otra vez, Mill como responsable de decidir que guiones pasan a ser rodados y cuales no tiene infinidad de detractores, pero además lleva un tiempo recibiendo postales amenazantes de un guionista anónimo y si a esto le sumamos que su puesto de trabajo está pendiente de un hilo debido a que la productora a contratado a un directivo rival de la Fox llamado Larry Levy, entendemos el estado de estrés que el bueno de Tim Robbins tiene que sufrir, pero además de todo esto su vida se complica cada vez más tras asesinar de forma accidental pero tampoco mucho, al guionista que le chantajea. Comenzando no solo una ocultación de lo hechos, si no también un romance con la novia de este y hasta aquí te puedo contar para que puedas disfrutar al 100% de esta maravillosa película de Altman.  

La película es un ejercicio de amor y crítica a la industria Hollywoodiense, Alman comienza el film con un prodigioso plano secuencia donde ya pone los mimbres de como se desarrolla la vida en los estudios de cine, reuniones con representantes, guionistas y directores que hablan siempre de la misma película o de segundas partes siempre intentando estirar el chicle del cine que se hizo anteriormente, cerrando casi de forma inmediata cualquier historia novedosa y con cierto riesgo, tras esta crítica feroz a la burocracia de los estudios Altman también demuestra su amor al cine que se palpa en cada plano, el atrezo cuajado de referencias cinematográficas, es una muestra de amor al séptimo arte y cómo los responsables del nuevo cine apenas prestan atención a esas grandes obras del cine. Un momento álgido de esa crítica es cuando hablan de cine y ponen de ejemplo El ladrón de bicicletas de Victorio de Sica y el nuevo fichaje, fenomenalmente interpretado por un jovencísimo Peter Gallagger comenta, hablamos de cine de verdad no de arte y ensayo. Una muestra de la visión que tiene Alman de los directivos jóvenes estadounidenses.

A este juego macabro del bueno de Altman se le suman infinidad de estrellas del séptimo arte en forma de cameos más o menos largos, Angelica Huston, John Cusack, Woopy Goldberg, Sydeny Pollack, Malckon Mcdowell, Bruce Willys o incluso Julia Roberts entre un largo etc. nos da una medida de lo que se pensaba de los directivos dentro del mundo artístico de aquellos lejanos 90.

 La trama tiene en sus interpretes principales su mejor baza, que además de Tim Robbins y Gallagger, la fantástica Gretah Scacchi, Fred Ward o Brion James que hacen de todos un papel de verdaderos cretinos o hipocritas o ambas cosas a la vez al que solo salva la cordura de Bonnie  interpretada fenomenalmente por Cyntia Stevenson.

La película fue recogida con vítores tanto por la crítica como por el público ya que de los 8 millones que costó, sólo en la taquilla estadunidense triplicó la inversión y llegó a ser nominada tanto en dirección, Guion adaptado y montaje cinematográfico.

Altman después de este maravilloso film y de rodar otra joya del director como son Vidas cruzadas intentó repetir la formula de éxito de esta obra, haciendo lo que criticaba de la misma que era contar otra vez la misma película pero cambiándole el collar al perro y así hizo Pret A portet que es como este juego de Hollywood pero llevado al mundo de la moda, siendo otro de los grandes fracasos del director demostrando que el público no siempre respalda las formulas creadas anteriormente. y ahora viene donde la puedes ver y sobre todo cómo la puedes ver.

Pues bien, esta obra la tienes tanto en Movistar plus como en Pluto Tv. en donde la puedes ver totalmente gratis en la plataforma sin necesidad de darte de alta ni nada por el estilo, eso si en Pluto tiene el título de Las reglas del juego, no conocía ese título pero al parecer aparece así, de todas formas en la descripción del vídeo te dejo un enlace directo para que disfrutes directamente de la película sin romperte la cabeza.

Pero que pasa si por región no puedes verla, pues que tampoco pasa nada, ya sabes una VPN desde España y a disfrutar de la película

Y ahora ha llegado el momento de cerrar esta maravillosa reseña esperando que os guste el film tanto como a mi y dentro de unos días volveré con más consejos de cine para hacerte tus días mas divertidos y provechosos, si estás suscrito y has dado a la campanita no te apures, youtube te avisará y si no lo estás y te gusta el cine y cómo te lo cuento, ¿A que esperas? dale al botón y así no te perderás nada. Y ahora voy a dejar que la plataforma te recomiende una reseña de mi canal que al parecer se ajusta a tus gustos (ya me dirás si es así o no) pero hasta entonces Ser muy felices y vivir el cine

Gostford Park cine de época de Robert Altman

 Bienvenidos, bienvenidas, queridos amigos y amigas de Cinefilia hoy vengo con cine de época, de esos en el que las clases sociales son un río insalvable entre criados y señores, un género que no habíamos tocado en el canal y que gracias a nuestro subscriptor Diego abarco este film de corte clásico rodado por el grandioso pero irregular Robert Altman en el  2001 y es que hoy toca la reseña de este fabuloso film llamado Gosford Park.

Robert Alman venía de rodar uno de sus estrepitosos fracasos, un film romántico y simplón llamado El Dr. T y las mujeres, una obra en la que buscaba la taquilla básicamente por el encanto de su protagonista Richard Gere y que el bueno de Altman sumó otra obra olvidable a su filmografía. Parece mentira que este pastiche sea obra del mismo director que la prodigiosa Nashville, pero es que la irregularidad del director ralla la leyenda y ahora le tocaba el momento de hacer una de sus mejores obras, con un toque que va desde las novelas de Danielle Steel hasta las de Ágata Christie creando este maravilloso film que me cuesta clasificarlo llamado Gosford Park.

La trama nos adentra en la casa de campo de los McCordle donde unos cuantos miembros de la alta sociedad se dan cita para unas jornadas de caza, cada familia llega con su propio servicio creandose así dos historias paralelas, por un lado la de los adinerados amos con historias cruzadas de celos y envidias y por otra la de los criados donde han de convivir con auténticos extraños que darán varios hilos narrativos casi más interesantes que la de sus jefes. 

Lo dispar de los exitosos personajes donde podemos encontrar desde Condesas, heroes de guerra hasta estrellas del momento y productores de cine hace que a su vez haya una jerarquía cruzada dentro de ellos mismos que se verá truncada tras el asesinato de uno de estos miembros de la elite social y cómo aquí no hacemos Spoiler y queremos que disfrutes del film como se tiene que disfrutar sin saber que va a pasar, dejamos aquí la reseña para hablar de la producción del film.

El guion es obra del maravilloso escritor Julian Fellowes que venía de escribir para diferentes series de televisión y se adentraba por primera vez en el cine de la mano de Altman, la historia fenomenalmente narrada crea una atmosfera de misterio que atrapa sobre la mitad del film y esto es debido a que ya había escrito genero de suspense clásico al escribir un episodio de la serie televisiva Sherlock Holmes y el Dr Watson en los 80, ese toque y una visión única en la separación de clases sociales le hicieron merecedor al Oscar de Hollywood que le abrió un camino dentro de la industria casi en exclusiva en el género ya que hay que recordar que suyos son tambien los guiones de Dowton Abbiy o la actual La Edad dorada un ejemplo maravilloso para demostrar su capacidad de dar una visión y crear unas tramas atractivas entre todos los personajes de sus historias sean estos de la clase social que sean.

La historia mantiene el pulso en todo momento, no decayendo en el trascurso del metraje y esto es debido a dos factores, la coralidad de la obra en la que poco a poco vamos conociendo a todos los personajes, lo que les une, lo que les separa y sobre todo lo que ocultan y por otro lado el casting del film donde parece que cada actor ha nacido para representar ese papel, un elenco cuajado de estrellas que dan verosimilitud a todo lo que acontece la obra, pero lo mejor está por llegar cuando ocurre un asesinato en la mansión y es entonces donde a todos se les cae la careta, la película muta, gira y se convierte en otra cosa, ya no habla de las clases sociales, si no de lo que es más humano aún, la envidia, el odio, el rencor y la protección familiar.

Y es que a partir de ese momento la trama gira, vuelve y da mil hilos argumentales que hacen de este tercer acto del film un prodigio de la narrativa que junto a la acertada dirección de Altman poniendo todo su conocimiento a favor de la obra crean este film indispensable para cualquier amante del buen cine.

Es curioso como Altman puede hacer dos películas tan diferentes en tan poco tiempo, hay que recordar que Dr T lo rodó solo algunos meses antes de esta maravillosa obra y es que al final los espectadores sabemos que el bueno de Robert es capaz de lo mejor y lo peor.

Pero volviendo a Gostford Park ¿Dónde la podéis ver, donde podéis disfrutar de esta maravillosa cinta? pues la tenéis tanto en Amazon Prime Video como en Filmin y Filmin latino para España y Mexico pero cualquier amante de este tipo de películas tiene infinidad de DVDs  o BlueRay a un precio bastante económico con lo que no es necesario tener la suscripción a ninguna de esas plataformas.

Y antes de terminar la reseña quiero adelantaros que la próxima película, tambien de Robert Altman y también de las buenas del director, vais a poderla ver todo el mundo gratis por que adjuntaré el enlace a la película como ya sábaeis 100% legal. ¿Pero de que película se trata, cual será? para eso tienes que esperar unos días, pero no te apures por que si estás suscrito y le has dado a la campanita, youtube te avisará de la reseña y la podrás ver de inmediato y si no estás suscrito ¿A que esperas?.

Y ya he llegado al final del vídeo y solo me queda desearte dos cosas  Que seas muy feliz y que vivas el cine

Franceska Reseño mi propia película

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, hoy es un día muy especial para mi ya que voy hacer la reseña de mi propia película, esto se debe a que ya ha empezado el ciclo comercial  y se podrá ver en Movistar plus, aunque las fechas y las horas de emisión os las diremos después, por que ahora toca reseñar Franceska de Alberto Cano. O mejor dicho os la voy a presentar ya que no puedo ser imparcial con el film

Nos situamos en el viejo Castillo de los Frankenstein, la luz que sale del torreón indica que Víctor ha vuelto a las andadas, quiere crear vida, quiere que su criatura Franceska vuelva a resurgir de entre los muertos, junto con su fiel Igor encara tan magna labor de acercarse a ser un dios, pero hay algo más mucho más que esconden esas viejas piedras del tenebroso castillo.

La obra es un homenaje a las películas de mi vida a todo lo que me gustaba cuando era joven, las viejas películas de monstruos de la Universal, las obras que mezclaban terror y humor y sobre todo el maravilloso cine en blanco y negro que daban un sabor especial a la serie B de los años 30.

Rodada en formato cásico, intentando alcanzar el estilo del celuloide de la época, Franceska es un corto de 7 minutos en el que se pueden ver todas mis inspiraciones, desde la Novia de Frankenstein de 1935,, el humor simple pero directo de Abbot y Costello contra los fantasmas del 48 y cómo no, el Jovencito Frankenstein de 1974 obras todas de las que soy un fanático empedernido, pero también es una historia de amor no correspondido y un maravilloso disparate del que estoy 100% orgulloso.

La película que se pudo realizar gracias a la escuela de arte digital Lightbox Academy  que produjo el film y de un grupo de talentosos alumnos que me acompañaron en esta locura y que ahora la mayoría son profesionales del sector, tiene tras de si el empuje de casi 100 personas en un año de trabajo para crear este film de animación 3D.

Pude contar en el reparto con uno de los mejores actores de voz de la profesión Claudio Serrano, doblador habitual de Ben Affleck o Christian Bale. Es curiosos contar con la voz de Batman y sólo hacerle emitir onomatopeyas o sonidos guturales.

Tras la composición musical está el talento de Ezequiel Navarrete, que consiguió gracias a este film la Nominación en el Festival Internacional de Carolina del Norte Nevermore. 

En el guion, al cual dimos forma entre un servidor y el gran David Alonso Co-director de Tadeo Jones 2 dimos la forma de  una obra de género, sabiendo que en festivales esto no cala entre los jurados, pero si entre el publico.

Aún así son ya 9 los premios alcanzados tanto en Europa como en América regiones en las que se ha presentado el film y han sido 48 festivales los que nos han seleccionado Y espero que sean muchos más ya que aún le queda vida festivalera.

La recepción de la película ha sido maravillosa, Emitida en Italia por la Rai y en España se estrenó en Filmin durante una semana, es ahora Movistar plus la plataforma en la que si quieres y te apetece puedes ver esta encantadora historia de monstruos y villanos y ¿que días y horas la puedes ver?

Pues En Estenos podéis verla mañana 4 de agosto a las 12:15, En comedia el 11 de agosto a las 4:23 de la madrugada (que no sé quién estará despierto a esa hora para verla),En Estrenos el 14 de agosto a la 1:20, para los madrugadores en Comedia a las 6:33 del 18, En clásicos ya a una hora decente el 24 de agosto a las 10 menos veinte, el 26 de agosto en estrenos a las 8 menos diez de la mañana, en clásicos a las 8 menos un minuto el día 27 de agosto y el mismo día en comedia a las 4 y 44 de la tarde y en comedia también el 29 de agosto a la 1 y 25 del medio día,

Me imagino que después la seguirán emitiendo pero ya no tengo esos datos.

Para nuestros amigos de América, esperamos que alguna cadena se haga con los derechos pero de todas formas en menos de un año lo subiremos en abierto para todo el mundo en Youtube en el canal de Lightbox Academy casi seguro que son los dueños de la película.

Y ahora os voy a pedir un favor enorme y no, no es que te suscribas ni me des un Like, que oye que si te apetece me haces super feliz tanto una cosa como la otra como las dos, No, lo que me encantaría es que si la ves, en comentarios me digas que te a parecido, para bien o para mal, con sinceridad absoluta que para eso se hacen las películas para que el público vea y sobre todo opine ya que este arte maravilloso sin vosotros no tiene sentido.

Y ahora si que voy a terminar, agradeciendo que hayas llegado hasta aquí y deseándote como siempre que seas muy feliz y que vivas el cine