El Padrino Parte 2

 Binevenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA. ¿No sé si habéis escuchado alguna vez eso de que segundas partes nunca fueron buenas, excepto la de Mad Max o el Padrino?.

Pues efectivamente hoy venimos con una segunda parte de un film que es glorioso, antológico y eficaz cómo pocos, por que si por regla general una continuación es insulsa o carente de originalidad o lo que es peor, una mera repetición de la primera parte, el film que os narramos acontinuación no solo hace más grande la obra primigénia, si no que crea un universo único e irrepetible, por que sí, hoy reseñaremos el film de Francis Ford Coppola, el Padrino Parte Dos rodada en 1974.

Cómo ya os contamos hace unos días con la reseña del padrino, Coppola pasó por unos trances bastante feos, descredito por parte del equipo, productores con nula confianza sobre su trabajo y con la espada de Damocles siempre pendiendo de un hilo sobre la cabeza del director en forma de despido. Todas esas bocas abiertas dispuestas a darle una dentellada, las cerró de golpe cuando el resultado del film resultó ser uno de los mejores en toda la historia de la Paramount, Coppola se convirtió de golpe en el niño mimado de la productora de la montañita y las estrellas.

Así que con tal éxito, no es de extrañar que se quisiera hacer una segunda parte, para seguir exprimiendo el exito cosechado con el primer film y eso, más que tanto Puzzo como Copola ya habían empezado a gestar la continuación de la trama, la Paramount dio luz verde a la contimuación de las andanzas de Michael Corleone.

Una cosa que quiero dejar claro a todos los amigos del canal, Coppola es un maravilloso director podríamos hasta catalogarlo de genio pero su trabajo como guionista es hasta superior a su arte tras la cámara, él se encuentra como pez en el agua tras la máquina de escribir y tanto es así que Coppola era conocido en 1970 gracias al oscar conseguido como guionista en Patton.

Así que no es de extrañar que el bueno de Francis pensara simplemente en escribir su guion junto a Puzzo y dejar la dirección a otro. Coppola pensaba que un buen relevo en su dirección sería otro chico de la corriente del nuevo cine americano, un pupilo de Cassavetes y que además como él venía de trabajar en producciones B con Roger Corman, que encima era italoamericano un tal Martin Scorssese.

Pero la productora solo le quería a él como director y para que vieran el compromiso que tenían con el director le otorgarían todos los privilegios que quisiera.

Y Coppola no pudo decir que no, lo primero que pidió era tener control total sobre la obra, a la que la paramount accedió, como le encantaba escribir guiones y sabía que la Paramount se había hecho con los derechos de la novela de Scott Fidgerald el Gran Gastby, pidió que el sería el guionista de esa adaptación con lo que la versión del 74 de esa novela que dirigió  Jack Clayton viene con un guion firmado por él. La tercera era más mundana, dinero para rodar una historia que tenía terminada llamada la Conversación y que se empezara a rodar de inmediato tras terminar esta segunda parte y por último algo que tenía guardado al productor ejecutivo de la Paramount que tan malos ratos le hizo pasar en el Padrino, Coppola exigió que Robert Evans no participara en el proyecto y la Paramount accedió.

Con el control total y todas las peticiones resueltas, empezó su trabajo con el viejo escritor Mario Puzzo. Coppola admiraba aquel hombre aunque como todos tenía una devilidad, en el caso de Puzzo era el juego, por lo que Coppola no solo le regaló coescribir la segunda parte de la historia si no que la escritura se hacía en hoteles de nevada con casino, con lo que despues de escribir Puzzo disfrutaba de lo lindo apostando, el resultado fue antologico.

Veréis Coppola tenía una idea en mente, cruzar las historias de hijo y padre cuando ambos tenían la misma edad, ver acontecimientos similares alejados en el tiempo y cómo mientras el padre hacía crecer la historia el hijo sinembargo está metido en una debacle. Esa dualidad narrativa que confluye en un arbol genealogico era una simple genialidad y tanto Puzzo como el supieron dar forma con una maestría pocas veces filmadas y ahora si os parece bien y para que podamos seguir con la producción despues del tirón, vamos a contaros un poco de que va la trama, que aunque es un clasico indiscutible, puede ser que haya expectadores jóvenes que aún no la hayan visto, por lo que tranquilos no harémos ningún spoiler y podrás disfrutar de la historia de principio a fin sorprendiendote de los giros de guión que tiene esta historia.

Nos situamos tras el momento en que Michael es elegido como cabeza de las familias mafiosas donde empezará por eliminar a todos los que han planeado derrocarle, esta lucha intestina irá transformando el caracter del joven Michael, intentando por un lado ampliar los negocios y por otro eliminar todos los problemas, paralelamente en largos raccontos veremos la historía de Vito Corleone, padre de Michael cuando este empieza a escalar dentro de la familia justo cuando Vito y Michael tienen la misma edad.

Las historias estan llenas de momentos únicos y de imágenes iconicas del cine, siendo esta segunda parte por momentos más grande que el original y con tramas más abiertas al contar dos obras diferentes en una misma película.

Y ahora volviendo a la producción, Coppola no solo enriqueció la trama si no que tambien la escenografía, creando un little italí de los años 30, llevandose la producción a Sicilia y a Puerto rico para simular la Cuba en medio de la guerra Castrista. Esto le llevó a gastar más del doble de dinero que en la anterior película, eso y que todo el elenco pedía más dinero por sus actuaciones.

Aunque ya sabía como se las gastaba Coppola, recordar cuando echó del rodaje a los dos tecnicos puestos por el estudio en la primera parte, aquí tampoco le tembó el pulso cuando Richard Castellano empezó a exigir, Coppola quería que se enfrentara con Michael, Clemenza su mentor y cómo el joven eliminaba al viejo capo. El caso es que Castellano no solo pedía más dinero, en ese caso se lo hubieron dado, el dinero para Coppola no era un problema, hay que recordar que Caan exigio para rodar una escena el montante total que se llevó por toda la película y se lo dió sin problemas, pero el caso de Castellano se pasaba de claro a oscuro ya que quería exigir escribir sus dialogos y que alguien enmendara el guión de Coppola hizo que el director eliminara de un plumazo su papel, con cuatro lineas de guion se quitó de el medio a Castellano con una maestría que nadie le echa de menos.

Y ahora llegó el momento de elegir el actor que encarnaría a Don Vito, recordar que Deniro había audicionado para Sonni Corleone y que al final se lo llevaría James Caan, pero ahora le esperaba un papel mejor, Coppola recordó la buena audición y contrató al actor y esa fue la primera película la que Pacino y Deniro actuaban juntos en pantalla, por que como os podéis imaginar no salen nunca en el mismo momento, el trabajo de Deniro era insuperable, sus momentos míticos ensalzaron la figura del actor siendo al final los dos capos Corleone Padre e Hijo los actores más recordados de toda la cinta, excepto por un actor con un papel secundario, un personaje que solo esta para crear conflictos y subtramas al protagonista pero claro lo interpreta el mismisimo Cazale.

Veréis, esta cinta será siempre será recordada por tres personajes, El joven Don Vito, El Capo di Capi Michael Corleone y por su hermano mayor Fredo, los momentos que tiene Fredo en pantalla donde Cazale le da una realidad mítica con una maestría interpretativa de los mejores actores del universo que hizó de este actor un mito de la interpretación, por cierto Coppola volvió a pensar en el de inmediato para que apareciera como técnico electrónico en su siguiente obra, La conversación, donde nos vuelve a dejar pasmados con otro gran secundario.

¿Y que pasó con Brando os preguntaréis? Pues haciendo de primadonna como siempre, tenía su aparición asegurada en esta obra mítica del cine, en un maravilloso cameo que iban a pagar a precio de oro, pero justo el día de rodaje, dijo que no iba por todos los desplantes que la Paramount le hizo dos años antes mientras rodaba el Padrino, una niñatada que le impidió salir en esta obra considerada maestra por todo el mundo.

Pero aunque parezca mentira, huvo críticos de cine que la tacharon de mediocre, críticos que una vez visto que la película arrasó otra vez entre el publico y que en la ceremonia de los oscar fue la sensación, rehicieron su crítica para ensalzarla, esos críticos algunos con renombre son de esos que van con la corriente publíca desmereciendo tan maravillosa profesión que tan buenos críticos de cine han aportado a hacer más grande este arte, quiero ahora nombrar a mi admiradisimo Antonio Gasset, sus críticas en días de cine eran simplemente poesía.

Y despues de retrasos, sobrecostes, algunos problemas mínimos de producción, terminan la película y llega Coppola a la Paramount y le dice el titulo. "Se llamará el Padrino Parte II", a ver, ahora es normal ver sagas numeradas, es más es casi imposible no hacerlo, pero a principio de los 70 esto no era nada común, las Sagas de cine cómo las de Bond se les llamaba de diferente forma por ejemplo, no existía un numeral y la Paramount se negó, no quería que la gente no fuera al cine pensando que era un episodio sin principio, que si nunca se había hecho era por algo y es aquí donde Coppola saco a relucir su clausula de control total sobre la producción y al final se tituló de esa forma.

En los Oscar de Hollywood El padrino parte 2 consiguio algo que ninguna continuación había conseguido hasta el momento, llevarse la estatuilla a mejor película.

Y aunque la taquilla fue menor, sin dejar de ser un éxito rotundo, lo que buscaba la Paramount era el prestigio de los Oscar y lo consiguió con creces, ganando a Mejor Película, mejor director, Mejor actor de reparto para Deniro, Mejor Guion, Mejor banda sonora y Mejor diseño de producción. La sensación de aquel año y cullos ecos han llegado a nuestros dias

¿Y donde la puedes ver? Verás si eres de España la tienes tanto en Amazon Prime Video como en Hbo Max pero en Hispanoamerica tambien la puedes ver tanto en Netflix como en movistar Play.

Pero si eres de España o tienes la posibilidad de conectarte por una VPN, puedes verla gratis y legal en Tivifi, os dejaré un enlace en la descripción del vídeo por si quieres ver tan prodigioso film.

Y antes de despedirme voy a contaros una anecdota que indica la Cinefilia de nuestro Francis Ford Coppola, veréis mientras ocurre el juicio de los senadores, en pantalla hay un cameo de muchos quilates, El productor Phild Phelmand (el mismo que el de grupo salvaje) los guionistas William Bowers y Richard Mathelson y el director de serie B, maestros de maestros el gran Roger Corman figura que no nos cansamos desde el canal en realzar su figura.

Ahora te quiero preguntar una cosa ¿Te gusta el canal y nuestras reseñas y aún no estás suscrito? A que esperas, dale click al botón y la campanita y disfruta de más de 250 reseñas de todos los genéros pero de alta calidad que te hará descubrir nuevas películas para hacer de una tarde aburrida una velada maravillosa y si te ha gustado este vídeo, regalame un like y compartelo en redes sociales si piensas que puede interesar a tus amigos.

Y ya si que vamos a dar por terminada esta película y que volveremos a la saga en unos dias para narrar la terdecer y ultima parte El padrino 3, pero hasta que llegue ese momento intentar seguir mi deseo, primero que seas muy feliz y segundo y no menos importante que vivas el cine

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El padrino

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia.

Veréis a finales de los años 50 un grupo de directores hastiados con el esquema Hollywoodiense de producción y con las listas negras del Macartismo crearon una nueva corriente de cine independiente en los estados unidos, donde la mayor figura era John Cassavetes. Esos pioneros crearon la corriente cinematográfica llamado el Nuevo cine, muy influenciado con olas similares francesas y británicas.

Ese nuevo cine irrumpió en los 60 con tanta fuerza que los grandes estudios perdieron la ejemonía del cine y estuvieron apunto desaparecer, pero con la máxima de si no puedes con tu enemigo uneté a él, los grandes estudios en los años 70 empezaron a reclutar a esos directores independientes para sumarse a una de las corrientes cinematográficas más grandiosas del cine universal ¿y por que os cuento todo esto?. Pues por que sólo en ese contexto podemos entender cómo una película cómo el padrino pudo nacer y es que aunque parezca mentira, la versión cinematográfica de la novela de Mario Puzo estaba abocada al fracaso, pero  si quieres saber cómo ha llegado esta obra a ser lo que és en la actualidad, cómo Coppola pudo llegar a ser la máxima figura cinematografica de los 70 y uno de los totem de cine mundial, sientate en tu mejor butaca, preparaté tu refresco favorito y acompañame en esta reseña que nos ocupa hoy, El Padrino de 1972.

La Paramount estaba buscando bases literarias baratas para tener una base novelada para sus producciones, les llegó a sus oidos la existencia de una novela que se estaba escribiendo sobre la mafia y decidieron hacerse con los derechos por unos irrisorios 12.500$, el caso es que Puzo no era ni mucho menos un autor de renombre y la novela aún no estaba terminada, por lo que aceptó la cantidad y un sobresueldo de 80.000 si luego la obra era llevada a la pantalla, esta transacción se hizo en 1967, tres años antes de su publicación y de que el libro llamado El Padrino fuera el mayor Best Seller del 69.

A pesar del éxito popular de la novela, Puzzo no estaba muy contento con ella y no se cansaba de decir que sólo era un medio de ganar dinero, nada más.

La Paramount pensó en hacer una película de bajo presupuesto, con aspecto de serie B con los derechos adquiridos en el 67, pero se encontraron con el problema de que nadie quería rodarla, no había un director sobre el planeta que quisiera hacerse cargo de la versión cinematografica de la novela de Mario Puzzo, si nos fijamos en la disparidad de los directores contactados podemos entender dos cosas, por un lado la desesperación de encontrar a alguien y por otro que les daba igual el estilo de la película, por que algunos de los cineastas eran tan dispares como... Sergio Leone, Peter Yates, Eliah Kazan, Otto Premiger, Richard Broocks, Arthur Penn e incluso Costa Gavras.

¿Y por que no querían dirigir ninguno esta versión sobre la cosa nostra? Pues por que Martin Ritt, los que sois asiduos al canal ya sabéis mi pasión por este director, en 1968 se le ocurrió ser un pionero en eso de narrar las aventuras del crimen organizado moderno en su país, en una película llamada Mafia y que fue un calamitoso desastre de taquilla, dando la impresión al mundo cinematográfico que ese género no llamaba a los expectadores al cine.

Cómo el tiempo pasaba y los derechos caducaban, pensaron que una buena idea era incorporar a uno de esos chicos jovenes que continuaban con la corriente del Nuevo cine estadounidense que llevava más de una decada siendo su quebradero de cabeza para las Major y pronto sonó el nombre de Francis Ford Coppola.

El caso es que el autor no tenía ni una sola película que no fuera un desastre en taquilla, pero su trabajo como guionista en Patton, que hubiera sido pupilo de Corman en producciones de bajo presupuesto, sumaban puntos, pero lo que de verdad le hizo a la Paramount contactar con él, eran sus raices, Ser un italoamericano le dió el puesto.

Coppola como os podéis imaginar se enteró de todo, con lo que muy ilusionado no estaba en dirigir dicho film, pero era una oportunidad que no podía rechazar, así que aceptó hacerse cargo de la dirección.

La productora no se fiaba nada de Coppola, con lo que pusieron de niñera al Editor Aram Avakian y como su asistente a Steve Kesner, ambos tenían que vigilar de cerca a Coppola y reportar directamente con el productor ejecutivo de la Paramount Robert Evans.

Mientras Puzzo y Copolla comenzaron con el guion, el único apartado donde los productores estaban seguros del trabajo de Francis ya que venía de ganar el Oscar como mejor guionista por Patton.

Puzzo y Coppola pronto crearon una sinergia de trabajo productiva donde dieron rienda suelta a la creatividad artística donde Coppola incorporó infinidad de vivencias de su infancia ya que como Michael él era un italoamericano al que aún le sorprendían las costumbres de sus padres, esta verdad hizo que el guion se elevara muchisimo y que Puzzo sintiera que era mejor que su propia obra.

Ahora dejenme que haga una pausa en la producción para comentar de que va la película. Como siempre digo, aunque es un clásico y que muchísima gente ya sabe de que va, voy a pensar en las personas que aún no la han visto y no voy a desvelar nada de la trama, para que te adentres en el film y disfrutes descubriendo esta maravilla de película.

Michael Corleone es un Marine condecorado que regresa a casa despues de combatir en la segunda guerra mundial, va a casa de sus padres para presentarles a su novia  Kay Adams, todo seria normal si no fuera que su padre Vito Corleone es el jefe de las cinco familias mafiosas y que pronto un plan intentará terminar con su mandato asesinando no solo a él si no a todos los miembros de su familia, con lo que el joven Michael tendrá que tomar parte en un mundo ajeno a él, con unas costumbres que nos son las suyas y de regreso otra vez a una guerra cómo de la que se había licenciado.

Y ya no te voy a contar nada más, adentrate a vivir este film que simplemente es maravilloso y los que ya lo hemos visto podemos dar fe de él.

Y ahora cierro el parentesis y volvemos con la producción de esta película. El caso es que a medida que Coppola empezó a escribir, comenzó a preparar el casting de la misma y los problemas con la producción no tardarían en llegar. el primero era Michael, la productora buscaba a alguien con trayectoria, un rostro familiar para que llevara a la gente al cine, pero Coppola quería un actor desconocido, uno al que la gente no pusiera en otro papel que no fuera el de el hijo del capo de la mafia y Francis pronto pensó en Al Paccino, la Paramount busco a otros actores Robert Redford , Warren Betty o Ryan Oneil fueron algunos de los nombres que pasaron por el papel, pero todos declinaron encarnar al personaje. La Paramount buscó otros rostros de actores jovenes como Dustin Hoffman o Martin Sheen, parecía que cualquiera les valía menos al que quería el director Al Pacino, pero al no tener otra mejor opción tuvieron que transijir.

Otro de los actores con los que la Paramount y Coppola se enfrentaron fue con Brando. Coppola veía en el genio de la interpretación al personaje ideal para encarnar a Don Vito, un viejo capo de la mafia, lo curioso es que en el momento de rodar Brando tenía 47 años, pero sabiendo la capacidad de tranformación que tenía el actor, Coppola sabía que Marlon Brando era su actor.

La Paramount puso el grito en el cielo, sabían lo complicado que era trabajar con él, que era capaz de arruinar una producción con sus peticiones de primadonna, pero por otro lado Coppola sabía que si conseguia encauzarle podría elevar su actuación en algo memorable.

Pero la productora no pasaba por el aro y puso unas clausulas para su contratación que sabían que Brando no iba a permitir, sabiendo su fama de tacaño le rebajaron el caché a 1,6 millones de dólares casi la mitad de su caché, que además firmara una clausula de no retraso de la producción y por si fuera poco tenía que pasar una prueba de cámara.

Esta última petición era una puntilla para la contratación de Brando, el hacía años que no pasaba un casting y que tuviera que audicionar era una afrenta contra su ego. Pero Coppola tenía un plan perfecto, con la excusa de rodar unos recursos se trasladaron hasta la mansión que Brando tenía y le pidieron que interpretara frente a la cámara su papel de Don Vito. Brando se metió dos algodones, se tiño el pelo con betún e hizo historia. En ese momento el actor cambió para siempre la imagen del mafioso, su voz, sus pausas su aspecto a partir de entonces marcó el estilo a seguir por el resto de actores, con una interpretación que decir que es magestuosa es quedarse corto, simplemente Brando era el dios del olimpo de los actores. Huelga decir que cuando vieron la falsa prueba los directivos de la Paramount sabían que la elección de Coppola era la correcta y empezó la producción.

La productora le daba 53 días de rodaje y Coppola exigía 88, al final aumentaron el presupuesto y le otorgaron 80 días y hay que decir que encima a Francis le sobraron días de rodaje.

Pero su forma conciliadora de rodar, le hacían parecer debil en el trato, confundiendo educación con cobardía, los jefes técnicos se le revelaban y pronto éstos pedían el despido del director. Evan contactó con Kazan para sustituirle, pero Coppola hizo algo que nadie se esperaba. se plantó ante el editor Avakian y su asistente Kesner y los despidió, estos fueron al productor ejecutivo Robert Evans para que no se llevara a cabo el despido y que el que perdiera su trabajo fuera Coppola, pero entonces se toparon con algo que no esperaban, Evan accedió a su despido, ese golpe sobre la mesa resultó ser un acicate para el resto del equipo técnico que dejó de llevarle la contraria y dejar que Coppola hiciera su trabajo.

La reacción de Evans puede resultar extraña ya que puso el a los técnicos para que se chivara de todo lo que hacía Coppola, pero la decisión era clara, con gran parte del tiempo consumido y con la amenaza de Brando de abandonar el rodaje si echaban a francis, Evans tuvo que tragarse su orgullo y transigir.

El resto es historia. La película es un golpe a la cara, un zarpazo de realismo que emana todo el film una joya del cine que marcó posteriormente cualquier película que se enmarcará en la cosa nostra.

Tras el rodaje, llegaba el momento de que Nino Rota le pusiera sonido a la vida de la familia Corleone y creo una de las mejores bandas sonoras del cine universal, una armonía que ha llegado hasta nuestros días y que fue descalificada para los Oscar ya que la base no era original, Rota ya la había usado anteriormente en otro film suyo, pero quien necesita una estatuilla cuando se puede ganar la inmortalidad.

La película aquel año arrasó en los Oscar y fue todo un éxito en la taquilla mundial y cómo la Paramount no creía en el proyecto, parte del pago a Coppola vendría del porcentaje en la taquilla con lo que Francis Ford Coppola se hizo millonario con el éxito del film.

¿Y donde puedes ver esta película? Pues creo que está en casi todas las plataformas del mundo, Netflix, Amazon Prime vídeo y HBO son algunas, pero creo que sabes lo que te voy a decir, esta película es para tenerla en tu filmoteca para poderla ver de por vida.

Bueno y antes de terminar, quisiera hablar del resto del reparto, por que madre mía no se puede tener mejor elenco. James Caan haciendo de sonny, Diane Keaton como Kay,  Robert Duvall como Hagen, el grande entre los grandes Sterling Hayden como el capitan McClusckey o mi admiradísimo John Cazale como Fredo. Un reparto de estrellas para una de las mejores películas de toda la historia del cine. 

Y cómo os podréis imaginar la próxima reseña será El Padrino parte dos, por lo que si no te lo quieres perder, lo mejor que puedes hacer es suscribirte al canal y darle a la campanita y si crees que se merece esta reseña un premio, me des un like y lo compartas en tus redes sociales y por supuesto dos cosas la primera que seas muy feliz y la segunda ya lo sabes que vivas el cine

Apocalypse Now OBRA MAESTRA DEL CINE

Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, en 1899 el escritor Joseph Conrad publica la novela corta El Corazón de las tinieblas, una obra que narra un viaje por el río al interior de uno mismo y el pánico de descubrir que dentro de sí sólo hay una malgama de caos y locura. ¿Y por que hablo de un libro de finales del siglo 19? pues por que esta obra es el germen de apocalypse Now y en gran parte sustenta la historia en la que Francis Ford Coppola es más que un autor, es un padre para el film, por que sí, hoy hablaremos de la obra maestra indicutible del cine Apocalypse Now.

Esta película que ha creado infinidad de anecdotas de rodaje, libros y documentales, es un film que supera con creces la mayor parte de las películas bélicas de la historia del cine y es que es un lujo para el canal reseñar este film que si aún no la has visto tienes que ponerle remedio cuanto antes y para ayudarte a decidirte empecemos con la reseña.

Nos situamos a mediados de los 60 cuando tres jóvenes aspirantes a cineastas, John Milius, George Lucas y Francis Ford Coppola por iniciativa de este último deciden hacer una película sobre la novela El corazón de las tinieblas, pero con una salvedad, si en la obra de Conrad el marco de la historia es el rio Congo en África, los tres cineastas deciden usar algo más cercano a su tiempo, la guerra del Vietnam que estaba ocurriendo en aquellos tiempos, pero no rodarla en el estudio si no que por iniciativa de Milius se quería ir a Vietnam con el ejercito para darle toda la credibilidad posible, pero aquella locura no cuajó, primero por la sensated de Lucas lo impidió y segundo por que nadie se atrevió a financiar dicho film.

Pero Coppola no tiró a la basura dicha locura, ni la historia ni la idea de dotarla de un realismo jamás visto hasta entonces, con lo que la guardó en un cajón hasta que llegara su momento.

Y ahora vamos a dar un salto de los años 60 a principios de los 70 cuando Coppola arrasó en 1972 con su película El padrino, para dos años después volver a triunfar con la conversación  y por si fuera poco meses después Coppola volvería a ser la sensación gracias a su Padrino 2, por lo que os podéis imaginar que en aquellos entonces Francis Ford Coppola era el director del momento, al que todo el mundo seguía y porsupuesto millonario y es entonces cuando saca del cajón el guión escrito por Milius para rodar ahora si Apocalypse Now cómo el quería, alejado de los estudios y rodando directamente en la jungla y aunque todo el mundo quería trabajar con el, llevarse una producción a la selva no entraba en los planes de nadie por lo que otra vez volvía a tener problemas de financiación pero Coppola no se iba a rendir esta vez, metió todo el dinero que tenía, hipotecó su casa y sus bienes y empezó la producción de la película, con el único apoyo ecónomico de la UNITED ARTIST que metió dinero junto al propio Coppola para realizar esta joya del cine.

Sí conseguir el dinero de producción fue casi un milagro el llevarse a la jungla a un elenco actoral no fue menos difícil, los actores contactados para encarnar al capitán Willard cuando se enteraban de que el rodaje era en la jungla filipina, declinaban la propuesta, Al pacino, Robert Redford, Jack Nicholson o Steve McQueen fueron algunos de ellos y cuando por fin un actor de renombre accedió Harvey Keytel, se le contrató, tras visionar los primeros planos, no funcionaba por lo que tuvieron que sustituirle por un jovencisimo Martin Sheen.

La contratación del Coronel Kurtz no tuvo tantos problemas para convencer al actor, Brando accedió desde el primer momento a cambio de 3 millones de dólares cobrando la mitad por adelantado, el mayor problema en este aspecto era directamente Brando, se le pidió que adelgazara y llegó aún más gordo. se enfrentó a todos los compañeros y llegó a prohibir trabajar con Dennis Hopper con lo que tenían que trabajar los planos por separado con los actores, pidió no salir visible en la película por lo gordo que se veía por lo que todos los planos del actor están en penunbra, por no decir la infinidad de problemas, improvisaciones, no lectura del guión lo que hizo desesperar a Coppola con las continuas amenazas de abandono de rodaje.

La producción caotica cómo pocas, con lluvias y monzones constantes, con la necesidad de improvisación por parte de Coppola casi constantemente para poder terminar el film quedó narrado en un documental y un libro escrito por la propia mujer del director.

Y ahora vamos a contar de que va el film, aunque es un clásico pienso siempre en ese chico joven que va a ver la película por primera vez y que no se merece que le destripemos la trama, por lo que ahora vamos a contar de que va el film sin ningún tipo de spoiler, por eso estate tranquilo.

La película nos narra la cacería a un hombre, el Coronel del ejercito Walter E. Kutz ha desaparecido en la jungla, creando una especie de secta con sus soldados y los nativos que le adoran como a un dios. A pesar de los intentos del estado mayor norteamericano no han conseguido que regrese por lo que contactan con el capitán Willard un asesino de la inteligencia militar, para que busque y elimine a Kurtz.

Y hasta aquí te puedo contar, el resto tienes que verla tu y disfrutar de esta obra maestra del cine.

La película puedes verla en Filmin como en Amazon prime vídeo, pero este si que es un film para tenerlo en vuestra filmoteca, una joya del séptimo arte que simplemente va a enriquecer cualquier estantería de DVDs o Blue Rays.

¿Y por que es tan mágica esta obra del vietnam? primero por que no es un film sobre el vietnam, se podría localizar en cualquier conflicto armado y funcionaría igual ya que esta película no va sobre la guerra, si no del ser humano, del cazador y la presa, de la admiración y el deber, de la destrucción mutua y de la locura del ser humano cuando pierde la presión social que ejercen las normas sociales del primer mundo y cuando estas se liberan, la esencia salvaje del hombre campa a sus anchas tomando el control en una especie de locura y caos.

El film es largo, dependiendo de que edición que veas puede llegar a las 4 horas, pero es de esas películas que te hacen perder la noción del tiempo, la locura, el descontrol tambien nos toma a nosotros, por lo que no te asustes por el metraje ya que cómo la lancha te adentrarás en un mundo desconocido.

Y cómo fue recibida esta obra, la recpción fue francamente buena, crítica y público alzaron este film a lo más alto casi desde su primera proyección, un buen ejemplo fue Cannes, veréis cuando llegaron a montar la película Coppola tenía kilometros de celuloide que Walter Munch tuvo que poner orden llevandoselé casi el triple de tiempo que con cualquier film por lo que lo que extrenaron en Cannes era un corte previo sin terminar y aún así gano la palma de oro Exaequo con el Tambor de Hojalata, los oscar la premiaron con 2 estatuillas técnicas de las 8 a las que optaba, en una decisión más que controvertida y que a ojos de hoy es totalmente cuestionable.

Pero el tiempo le ha dado algo a esta cinta que no te puede dar ninguna estatuilla, la inmortalidad, este film es por meritos propios una obra cumbre del cine, una obra maestra inmoral que es un lujo reseñarla en el canal.

Y que nos espera la semana que viene, pues como os podéis imaginar tras esta película la siguiente tiene que estar a la altura, por lo que reseñaremos El padrino por lo que si no quieres perdertela, mi consejo es que te suscribas al canal y si te ha gustado nuestro consejo de cine, no dudes en darle un like, compartirlo en tus redes sociales y por último hacer caso a este deseo que no es otro que seas muy feliz y que vivas el cine

  

EL TOPO 2011

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, hoy vengo con una obra maravillosa, un film de esos que crean a nuevos adeptos al cine de calidad y una obra que guarda la esencia del mejor cine de Le Carré, por que hoy vamos a reseñar la maravillosa El Topo de Tomas Alfredson del 2011.

Antes de empezar con la reseña de la película, vamos a empezar por el principio y que mejor que por su título, ya que el original es: Tinker, Tailor, soldier, spy, oficios que en inglés tienen todo el sentido ya que pertenece a una canción infantil muy popular pero que para el resto del mundo carece de sentido por lo que se tuvo que buscar un título a la obra que pudiera ser entendido en español y a la novela escrita en 1974 se la llamó el Topo y tanto en España como en casi toda hispanoamerica adoptaron ese título para nombrar de igual forma a la película excepto en Mexico que se la llamó El espía que sabía demasiado.

La producción empezó cuando Peter Morgan se hizo con los derechos de la novela y escribió un primer borrador de guión ofreciendoselo a la productora Working Title Films, pero por problemas personales tuvo que dejar el guion, que cayó en manos de Peter Straugan y de su mujer Bridged O`connor y se dedicó a la producción ejecutiva de la cinta, tras conseguir el respaldo economico de Studio Canal pensaron en el director sueco Thomas Alfredson y quiero hacer un parentesis, no sé cómo pudieron dar la dirección de esta película a Alfredson, un director televisivo de suecia que había realizado una película de terror sobresaliente Dejame entrar dos años antes, pero no se tenía más información sobre él, pero fuera lo que vieran los productores acertaron de pleno por que la dirección de la película el tono y la forma de contar el final es todo un acierto y cierro el parentesis.

La película tiene la magia de las primeras obras de Le Carré, con este film la saga regresa al estilo pausado y enrevesado de obras magistrales cómo llamada para un muerto y sobretodo el espía que surgió del frió, ambas películas ya reseñadas en el canal y si quieres verlas o volver a verlas, os dejaremos un enlace en la descripción del vídeo. La película son de esas que te obligan a estar atento durante todo su metraje, siendo una autentica pesadilla para el público más palomitero, pero a los que nos gusta las narrativas complejas, llenas de giros de guión, resultan toda una delicia, algo así como volver a casa, volver al origen de las primeras obras de Le Carré.

Y ahora vamos a contaros de que va, como siempre sin spoiler, por lo que puedes estar tranquilo de que no te vamos a destripar nada de la trama, así que relajate y vamos a la historia por que tiene contenido.

Estamos en 1973, en plena guerra fría, el MI 6 está teniendo una cantidad de fallós realmente enorme que hacen que sus primos norteamericanos como dicen ellos, no se fien de los servicios secretos británicos, dichos fallos y errores llevan a control el jefe de la inteligencia a pensar que uno de los miembros de la cupula de los sevicios secretos es un topo, con el agua hasta el cuello control decide enviar a uno de sus mejores agentes Jim Predaux a Hungría para reunirse con un general que quiere desertar con la contraprestación de decirles quien es el topo.

El caso es que la operación es un completo desastre que lleva a la dimisión de control y de su agente Smaily. Con control ya muerto y Samaily viviendo una vida de jubilado, los servivios secretos empiezan a tener éxitos gracias a una nueva fuente de información a la que han puesto el nombre en clave de brujería, la nueva cúpula mantiene totalmente en secreto de quién es y de sus puntos de reuniones, con lo que sólo ellos tienen el control de dichos datos, todo iría bien si no fuera por que un agente de poca monta Ricky Tarr, enviado a una simple misión de reclutamiento ha regresado a reino unido con la certeza de que uno de sus jefes es un topo, esa información se la comenta al secretario del departamento de gobierno que ya había escuchado la misma historia por parte del desaparecido control, por lo que decide reactivar al jubilado Smaily para que se haga cargo de una investigación secreta a los propios servicios secretos britanicos.

Y ya no te voy a contar nada más, el resto del film lo tienes que descubrir tú, pero creeme que es una delicia y antes de hablaros más sobre la película, mis impresiones personales y por que esta obra  me emociona hasta los huesos, vamos a contaros que plataformas las tienen en la actualidad. Pues si eres de España esta película la tienes tanto en Filmin cómo en Amazon prime vídeo, pero si eres de hispanoamerica la puedes disfrutar en HBO max, por lo que creo que su visionado está al alcance de la mayoría de vosotros, pero si os gusta enriquecer vuestra filmoteca con una obra de calidad que se preste como ninguna a sucesivos visionados, un DVD o Blue Ray es una gran compra.

Y ahora voy hablaros en primera persona sobre esta maravilla que tiene el gusto de las grandes obras clásicas. 

El film comienza rotundo, pero coral, nos adentra en la vida de cada uno de los personajes cómo si de fichas de un juego se trataran, el problema es que no siempre lo hace el director de forma lineal, con lo que tendremos que estar atentos no solo de lo que está pasando, cuales son los acontecimientos, si no tambien de cuando están pasando y aunque Alfredson tiene la maestría de saber narrar los flasback bastante bien, cualquier despiste por parte del espectador hará que este se pierda. 

La película toma al silencio como parte de la misma narrativa del film, no contando vervalmente todo lo que ocurre, si no que tras las gafas de Smaily observar todos los detalles para ver que muchas veces lo que cuenta el personaje con palabras no es tan interesante cómo lo que el personaje nos dice sin ellas.

Y aquí descubriremos que todo el elenco es simplemente sobervio Gary Oldman tiene en este personaje uno de sus mejores papeles, recrea a un Smaily a la altura de James Mason, Coling Firth y Marck Strong tienen otros de esos papeles que en sus manos lo elevan hasta tal punto que hacen que recuerdes por siempre esos papeles secundarios que muchas veces pasan al olvido tras ver el film y por último Tom Hardy, que por cierto llegó a la producción, básicamente por que Michael Fassbender prefírió la producción de los X-Men Primera generación, no sé si se arrepintió o no, lo que estoy seguro es que la película no se resintió de su ausencia por que Hardy borda su papel, simplemento está tremendo.

Pero quiero destacar un personaje secundario el de Connie Sachs, fenomenalmente interpretado por Kathy Burke, este personaje que quizá tenga poco guión pero sabe vervalizar como pocos la melancolía de todos los personajes maduros de la cinta, llegado un momento dice "que buenos tiempos eran aquellos" a lo que Smaily extrañado le replica "¿Buenos, pero si estabamos en guerra?" y ella le contesta, "Si, pero era una guerra de verdad", menudo dialogo en menudo momento de la cinta, simplemente magistral. Y ahora sé que muchos estáis esperando para que comente a un personaje que aún no he nombrado y no es otro que el joven agente secreto Peter Guillam interpretado por la maravilloso Benedict Cumberbach, pues que ¿que queréis que os diga? que el joven actor demuestra en los minutos que tiene en la cinta que es uno de los mejores actores actuales, simplemente es perfecto.

¿Y cómo definiría esta película? Pues aunque parezca mentira, es una gran película de amor, de amores prohibidos, de amores secretos, de amores interesados, de traiciones amorosas, de la lucha por salvar el amor y sobretodo por amores del pasado que deboran el presente en un tiempo cruel donde los soldados de primera linea de frente eran los espias de ambos ejes.

Y ya voy a dar esta reseña por terminada, poco o nada más me queda por decir de ella, sólo que si aún no la has visto, creeme que tienes que solventarlo de inmediato, pero no te va a salir gratis, es una película exigente con el espectador, te obligará a estar atento, a saber componer el puzle planteado y quizá a un par de visualizaciones para poder disfrutar completamente del film, por que creeme que esta película una vez te la sabes completamente, que conoces todos los secretos, puedes disfrutar de las interpretaciones y planos que el reparto de la cinta nos regala.

y con este portentoso film, vamos a cerrar de momento el cajón de obras de cine basadas en las novelas de Le Carré, pero no lo vamos a cerrar muy fuerte por que seguro que pronto volvemos con otra tanda de esta saga de cine. Y ahora es donde te quiero preguntar, ¿te gusta el canal, mis reseñas? pues no lo dudes y suscribeté ahora y disfruta de casi las 250 reseñas que tenemos ya en el canal y si te ha gustado el vídeo regalame un like, comparteló si crees que es interesante y prometemé que vas a cumplir esto que te voy a pedir, por un lado que seas muy feliz y por otro que VIVAS EL CINE

 

LA CASA RUSIA

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy regresamos con la tercera película del ciclo de los films basados en las obras de Le Carré, La Casa Rusia de Fred Schepisi.

Esta película es una de esas obras más infravaloradas del cine, quizá el ambiente romántico que emana esta cinta de espías  hacen de ella una rara avis que muchos rechazaron, quizá la expectativa de ver una historia trepidante, con dosis de suspense o directamente de acción, ya que era la primera vez que un actor que encarnó a James Bond en la pantalla se pasaba a rodar una obra basada en un libro de John Le Carré, les llevó a engaño, quizá también este film era una presa fácil de la siempre voraz crítica cinematográfica norteamericana, deseosa de hacer sangre con artículos mordaces siempre que no se trate de una obra dirigida por un totem del cine y Fred Schepisi distaba mucho de ello, pero una buena muestra de cómo la crítica iba por un lado y el público por otro ya que en taquilla resultó ser un éxito mundial y en festivales tan importantes cómo el Oso de Berlín fue parte de su selección oficial de largometrajes un logro que no todas las películas pueden presumir además de una nominación a los Globos de Oro a su actriz principal.

Por todo eso y por mucho más esta reseña es más que necesaria en este ciclo de películas, pero para adentrarnos más en la producción, vamos directamente a narraros de que va el film, por cierto si es la primera vez que llegas a este canal quiero que estés tranquilo ya que jamás hacemos spoiler de la película que reseñamos, para animarte a sí, a ver y descubrir por ti mismo la película que te aconsejamos.

La obra nos adentra en la vida de un maduro editor de libros enamorado de Rusia Barley, un día en una Reunión literaria en el país, coincidiría con un extraño personaje al que todo el mundo le llama Dante, éste haciendo uso de las palabras del editor le pide que le prometa que llegado un momento él le ayudará. Confuso y extrañado Barley accede y esa promesa le llevará a tener más de un quebradero de cabeza que le cambiará la vida por medio de una mujer rusa Katya, la mujer que hará de mensajera entre Dante y el editor y que irremediablemente éste caerá rendido ante la belleza de ella.

Y no te voy a contar nada más, para que seas tú el que disfrutes de la obra descubriendo los secretos que nos irá desgranando la trama escrita por Le Carré.

Por cierto, esta novela se enmarca dentro de sus obras independientes, aquellas que no tienen ningún nexo con el resto de su obra, que podríamos catalogarlas como Autobiograficas, Sobre Smaily, documentales y las independientes.

La película dirigida por Schepisi, se aprovechaba del desconocimiento de la obra por el gran público ya que se editó sólo unos meses antes y la adaptación de la novela por parte del guionista Tom Stoppard la hizo con los manuscritos originales del escritor. La trama que narra el romance de dos personas en un mundo cambiante, no podría ser posible sin las interpretaciones que rallan lo magistral de su pareja protagonista un maduro Sean Conery y una espectacular Michelle Pfeippher. La historia es de ellos, de su romance y sus complicaciones, donde orbitan los servicios secretos del MI6, la CIA y la KGB, en un momento donde la Union Sovietica está en proceso de descomposición y que se enriquece el film gracias a estas subtramas, está versión más romantica de Le Carré hizo que muchos se decepcionaran al sentir que no era una película de espionaje pura y en cierta forma tienen razón, pero el film es maravilloso, alejado mucho del minimalismo estético de la anterior película reseñada en el canal El Espía que surgió del frío. Aquí todo es barroco, los escenarios reales de Moscú o Leningrado ahora llamada San Petersburgo, son un hitó en sí mismas ya que este film es la primera gran producción occidental en ser rodada en el antiguo país soviético, la belleza de las ciudades rusas no son las únicas que son retratadas de forma magestuosa, ya que la ciudad de Lisboa consigue enmarcar la melancolía que la cinta necesita y todo gracias al formato anamorfico del sistema de rodaje Technovisión que consigue retratar las ciudades con un explendor casi único y tambien gracias a la maestría del director de fotografía Ian Baker que gracias a su trabajo, consiguen que tengamos el corazón en un puño toda la película.

El otro punto fuerte es la banda sonora original de la mano Jerry Goldsmith el mismo dijo que fue su mejor obra y a fe que es maravillosa y acompañan sus compases gran parte del metraje que junto a los temas Jazz que salpican la cinta, crean un fondo músical sensacional.

¿Y donde puedes ver este lujo de película? maltratada en su momento y que queremos desde el canal rescatar de esa injusta crítica. Pues la tienes en Filmin, pero de verdad, un DVD o Blue Ray de este film es una compra de satisfacción asegurada para todos los que gusten de las historias de amor con trasfondo político y no al revés.

Por cierto la película tiene una anecdota maravillosa, Klaus María Brandauer fue una imposición de Sean Connery, sin el contrato del actor Connery no firmaba, esta imposición viene dada de un suceso ocurrido meses antes, resulta que Connery había firmado para rodar la película La Caza del octubre Rojo, película dirigida por John McTiernan, pero nada más  empezar la producción Connery tuvo que dejar la película por un tumor en la garganta, por lo que contrataron a Brandauer, el caso es que tras unas pruebas resultó que el tumor de garganta de Connery era benigno y se reincorporó al film de nuevo, siendo despedido Brandauer, por eso cuando meses después le contrataron para este film se acordó de su compañero y le regaló el personaje de Dante y Brandauer nos premio con una interpretación simplemente magistral.

Y ya vamos a ir dando por terminada el video, no sin antes recordarte que te suscribas al canal para poder disfrutar de todas nuestras reseñas sin que se te escape una y por supuesto pedirte que si te ha gustado el vídeo, me regales un like y lo compartas por redes sociales.

Y ya vamos a ir preparando la siguiente película que es una de mis favoritas del género, por que no es ni más ni menos que El Topo, pero hasta que llegue ese momento, sólo me quedan dos deseos, uno que seas muy feliz y el otro que vivas el cine.  

El espia que surgio del frio

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, hoy continuamos con nuestro ciclo de películas que tomaron como base la obra del maravilloso John Le Carré y si hace unos días reseñamos la primera novela del autor, llamada para un muerto, hoy venimos con la tercera obra, la prodigiosa El espía que surgió del frio y quiero hacer aquí una pausa, esta obra la considero personalmente la mejor película de espionaje de la historia, una maravilla filmica inclemente con la historia y con la política, un film controvertido y maravilloso rodado en 1965 por el genio de la dirección Martin Ritt.

La película nos dibuja un mundo cruel en plena guerra fría, una historia alejada de la épica donde buenos y malos se mezclan en una masa pegajosa que envuelve toda la historia, una trama cercana en casi su totalidad a la novela en la que se basa donde el guionista Paul Dehn sabe cambiar de registro con una facilidad pasmosa, hay que recordar que solo un año antes había participado en una historia de espionaje totalmente alejada de esta obra de Le Carré como era Goldfinger y que ahora alejado del glamour y del maniqueismos de buenos y malos, nos narra una historia de tonos grises con la ayuda del también guionista Guy Trosper.

El film es crudo, desnudo de cualquier artificio que lleva a la banda sonora compuesta por Sol Kaplan al mínimo posible, sus acordes apenas suenan en la película creando una sensación de minimalismo en los estético para ir directamente a lo más importante del film, la trama.

Desvelar lo más mínimo de la historia es un crimen en si mismo, esta son de esas obras que descubrir poco a poco la trama es un lujo en si mismo y es por eso por lo que un film independiente como este, con una trama controvertida como esta pudo presumir de dos nominaciones a los Oscar, uno a mejor dirección artística y el otro a mejor actor y es aquí donde quiero hacer una pausa, aquel año se premió a Lee Marvin por la ingenua Explosiva cómo mejor actor, siendo totalmente injusto, las actuaciones tanto de Rod Steiger en El prestamista, cómo de Burton en este Espía que surgió del frío fueron francamente superiores. ¿Pero entonces por que se lo llevó Marvin? Pues los premios Oscar compensaron al actor despues del rídiculo que hicieron un año antes cuando el papel del actor en Código Hampa no fuera ni siquiera nominado, mientras que en los Bafta se llevó el galardón a mejor actor estranjero, con lo que compensaron un error con otro aún más grande.

Y ahora con mucho cuidado intentaré comentaros la trama intentando no desvelar nada de los acontecimientos y giros de guión que hacen de este film una experiencia de visionado único. 

La película nos sitúa en plena guerra fría, en un Berlín  dividido por dos ejes separados por el famoso muro, Leamas agente de inteligencia del MI 6, espera la llegada de su agente encubierto con información valiosa del otro lado del muro, pero algo hace saltar por los aires la operación, el agente Hans Dieter Munt un antiguo nazi reconvertido al comunismo ha descubierto al espía de Leamas y lo ejecuta en la frontera entre la Republica Democrática Alemana y la Federal.

Esta ejecución hace que Leamas sea llamado a Londres para dar explicaciones de la muerte de su agente, la sospecha de una represalia o de un cambio de destino en forma de castigo ronda en la cabeza del agente del MI 6, pero la sorpresa llegará cuando sepa que el plan de control es mucho más sofisticado, aprovechando el fallo van a intentar infiltrarle en las líneas enemigas, donde tendrá la oportunidad de acabar con la vida de Munt y hasta aquí te puedo contar, el resto de la película la tienes que ver tu.

La obra es enrevesada, con giros constantes de guión con varios trasfondos que no se ven a primera vista pero que poco a poco confluyen en el personaje que interpreta Richard Burton y es aquí donde voy a recrearme, si la estética sesentera en blanco y negro le venía bien a una obra, eran estas películas más cercanas a un noir descarnado que a una película aventurera de tipo James Bond y si a un actor le quedaba el blanco y negro como a nadie, ese era el Richard Burton maduro de esta obra, una actuación inclemente con sigo mismo, una ejecución de la interpretación simplemente perfecta, Burton está soberbio, rezuma verdad durante toda la cinta, su aire melancólico crea la sensación de un hombre que ha llegado al máximo de su aguante, de un hombre que ha vivido de todo y quizá ese todo ya es demasiado, por otro lado tenemos la ingenuidad de Nancy que le da vida la portentosa actriz británica Claire Bloom, por cierto abro un parentesis, en aquel momento Blomm estaba casada con Rod Steiger que ese mismo año quedó nominado por su interpretación en los Oscar de Hollywood por su papel de El prestamista, por lo que coincidieron como nominados, su marido y su compañero de reparto, los dos perdieron pero el OSCAR debió caer en las manos de uno de ellos dos por el gran papel que hicieron, dos muestras de cómo interpretar y cierro el paréntesis, pues como os decía, la inocencia de Nancy constrasta con el descrimiento de Leaman en una especia de sombras y luces, Nancy una mujer comprometida con el partido comunista inglés, antimilitarista y militante, su ingenuidad la lleva a enamorarse de Leaman y este en cierta forma aprovecha su situación, aunque poco a poco se irá enamorando de la muchacha.

La relación descompensada entre los dos personajes, dan un trasfondo a la historia de muchos quilates, que llegará a su máximo esplendor al final de la cinta y que por supuesto que tienes que ver, por que no se puede cerrar mejor una historia que cómo lo hace el gran Martin Ritt uno de los mejores directores norteamericanos de todos los tiempos, que fue dagnificado por la caza de brujas del macartismo aunque esto no le impidió, cuando el comité de actividades antiamericanas estaba en horas bajas, dirigir películas en EE.UU. y es que el director firmó una de las carreras cinematográficas más interesantes de toda la historia del cine ya que suyas son HUD!, Un hombre, Risas y lagrimas, La tapadera, Loca o la romantica y maravillosa Cartas a Iris, además de este film que para mi es el mejor de toda su carrera y es que sabe como nadie, donde colocar la cámara, cual debe de ser el ritmo y sobretodo, perder al espectador para que luego el mismo se encuentre en una especie de adivinanza de juego de palabras, por que sí como he dicho al principio de la reseña, adentrarte a ver esta película sin más información que la justita es una experiencia única.

¿Y dónde la puedes ver, donde puedes disfrutar de este film? Pues la tienes en Filmin, pero ojo, a ver seamos sinceros, esta película si eres un amante del cine, me da igual si te gusta el género o no, si te va el blanco y negro o no, la tienes que tener si o si. 

Yo por ejemplo tengo la versión en DVD y la versión de Blue Ray y son de esas películas que no me canso de ver, que hay que tener tiempo y ganas, pero que se prestan cómo pocas a continuos visionados y que si te apetece una maratón de espías esta debe de estar si o si.

Y ya vamos a terminar adelantando que film reseñaremos en un par de días y no es otra que la Casa Rusia uno de los más afamados fimes de las adaptaciones de Le Carré en el cine.

Y si no te lo quieres perder, si no quieres quedarte sin ninguna de las reseñas que te hacemos desde el canal, ya sabes que lo mejor que puedes hacer es suscribirte por que si lo haces, perteneces a la mejor comunidad cinefila del mundo mundial y si te ha gustado el vídeo y si crees que esta reseña puede interesar a alguien cercano, no dudes en compartirlo y darle un Like y tras esto solo me quedan por decirte dos cosas, una ya sabes que es un deseo y es que seas muy feliz y el otro tampoco menos gratificante que vivas el cine 

Llamada para un muerto 1967

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, prepararos para esta semana y parte de la que viene por que empezamos un ciclo al que tenía muchas ganas, por que no solo es un homenaje a uno de los géneros del cine que más me gusta, si no también a uno de los géneros literarios que más disfruto, por que el ciclo que vamos a empezar no es ni más ni menos que películas basadas en las novelas de espionaje del grandioso John Le Carré y para empezar que mejor que por el principio, la primera novela del espía británico convertido a escritor, la maravillosa Llamada para un muerto escrita en 1961 y que 6 años después en 1967 uno de mis directores favoritos Sidney Lumet realizó este film mítico del cine de espionaje.

Pero antes de meternos en harina por que el vídeo va a ser de esos larguitos y con contenido vamos a quitarnos de un plumazo de que va la película, ya sabes como siempre sin ningún tipo de spoiler.

Charles Dobbs es un agente de la inteligencia brítanica maduro, quemado de su oficio, con ganas de enviar todo a paseo, su vida privada no es mejor que su vida laboral, su mujer le es infiel desde hace años con cualquiera y hace tiempo que Dobbs ha tirado la toalla en su matrimonio, la cosa no mejora cuando al político al que le encargan interrogar aparece a las pocas horas muerto en un aparente suicidio que sus superiores dan por bueno pero que al agente Dobbs no lo ve tan claro, por lo que empezará una investigación para resolver el enigma que envuelve la muerte del político británico y hasta aquí te puedo contar, el resto de la trama la tienes que ver tu y disfrutar por que es una de esas películas que no te va a dejar indiferente, con ritmo pausado pero sin pausa veremos como se complica la vida nuestro personaje y no solo en lo laboral si no también en lo personal, en una producción que ahora vamos a adentrarnos en ella.

Recordemos que hasta ese momento Lumet ya había dirigido obras tan portentosas como 12 HOMBRES SIN PIEDAD, EL PRESTAMISTA, PUNTO LÍMITE o LA COLINA DE LOS HOMBRES PERDIDOS y que se adentraba en este film con un bagaje suficiente como para crear una cinta que marcó un antes y un despues en las producciones británicas.

La obra que emana verdad por los cuatro costados no era la primera versión de Le Carre que se adaptaba al cine, un par de años antes se había estrenado la portentosa cinta El Espía que surgio del frio de 1965 y que Richard Burton representaba a Alec Leamas y  Ripert Davis a George Smaily y reseño este nombre por que es al mismo personaje que aquí le conocemos como Charles Doobs, el caso es que la Paramount aún tenía los derechos del nombre del personaje por lo que el guionista Paul Dehn tuvo que cambiar el nombre al protagonista de la historia, pero este cambio no le resta ni un ápice a la cinta por lo que Smaily o Doobs es totalmente indiferente, lo importante del caso es quién interpreta al personaje y en este caso no era otro que un glorioso James Mason maduro, que sabe cómo nadie contener los sentimientos para mostrar conflictos interiores de una manera portentosa.

La trama que se va desarrollando de una forma natural, conociendo los secretos de forma controlada y gradual, intuyendo perquisas y traiciones a medida que falta la cinta, por cierto si es la primera vez que te adentras a este film sesentero, presta especial atención a la fotografía del film, Lumet buscaba un estilo apagado, como plagado de bruma y para ello a Freddy Young el director de foto se le ocurrió preexponer el negativo a una fuente de luz controlada, para crear el aspecto apagado que tiene toda la cinta.

A ese estilo Lumet lo llamó color incoloro y creó una corriente nueva y un estilo estético que ha llegado a nuestros días.

Otro apartado que tienes que disfrutar es el músical, con una banda sonora simplemente magistral compuesta por Quincy Jones y si nos centramos en el tema principal la interpretación la llevó a cabo uno de los reyes de la Bossa Nova Astrud Gilberto.

Y antes de adentrarnos en una parte fundamental de la película cómo es el reparto, vamos a recordaros que si no estáis suscritos al canal y te gustan mis reseñas, dale al botón ahora que luego se te olvida y si te está gustando la reseña me des un Like. 

Y donde puedes ver está película, pues  la tienes en Filmin pero si te gusta el cine de espias o eres un fan de Le Carré no dudes en buscar un DVD o Blue Ray por que la película es maravillosa en todos los aspectos.

Pues dicho lo cual, vamos a lo prometido. Para encarnar a nuestro lánguido espía tenemos al maravilloso James Mason, que cómo siempre está espectacular, acompañando a nuestro espía encontramos al agente de polícia Inspector Mendel que encarna cómo nadie el portentoso y casi siempre secundario Harrý Andrews y cómo su intimo amigo el comercial Dieter Frey interpretado por uno de mis actores favoritos el maravilloso Maximilian Schell. En el lado de las actrices Harriet Anderson que encarna a la promiscua señora Doobs y la gran dama francesa de la interpretación Simone Signoret cómo Elsa Fenan. 

Huelga decir que ver el trabajo de este elenco en pantalla es un lujo que pocas veces se da en el cine.

¿Y que tiene de particular estas obras a las que vamos a dedicar el ciclo que empezamos hoy? Pues por que alejadas de lo que se suponía que era un espía, que era algo así como un dandy mezclado de aventurero muy a lo James Bond, los personajes de LeCarré son de carne y hueso, personas cansadas o en las últimas, con conflictos morales y plagados de taras, hombres comunes con trabajos especiales y llenos de verdad.

Y uno de los motivos es su autor, Le Carré seudonimo tras el que se escondía el diplonático David John More Cronwell un agente de los servicios secretos que en cierta forma nos narraba la vida de un espía desde el conocimiento de uno mismo, llenando de verdad sus personajes complejos y turbios donde reinaba cómo pocos el Agente Smaily.

Esa nueva visión de un agente secreto más cercano a un fincionario de correos que de un actor de Hollywood inspiró desde el primer momento a cineastas de todo el mundo, siendo sus novelas fuente de inspiración para un gran abanico de películas que encarnaron su obra literaria, prolificas como pocas, que comenzó con esta en 1961, siendo su última obra postuma en el 2021 editada un año despues de su muerte en 2020 año que nos dejó el escritor a los 89 años.

Y ya sólo queda despedirme hasta dentro de un par de días donde reseñaremos cómo es podréis imaginar ya algunos El Espia que surgió del frio de 1965 dirigida por la leyenda Martin Ritt y que os aconsejo que no os la perdáis, pero hasta que llegue ese momento os deseo dos cosas, una que seais muy feliz y la otra como no puede ser de otra forma que viváis el cine

  

Ciudadano X

Bienvenidos, Bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy venimos con una película muy, pero que muy especial y es tan sigular que Ciudadano X no es una película si no un telefilm, esas obras particulares que de vez en cuando dan joyas al género, cómo el Diablo sobre ruedas o la primera versión de It, por que si. Lo que vamos ha reseñar hoy es una de las obras cumbres del cine de los años 90 una verdadera joya que si no la conoces, atento a la reseña por que te va a dar a conocer un film atípico no solo en el formato si no también en su gestación.

Por cierto al final de la reseña comentaremos un detalle de cómo la formula del éxito no la conoce nadie y este film es un buen ejemplo

Chris Gerolmo que es como se llama el director y por cierto, no te fustigues si no lo conoces por que este era su primer telefilm después de rodar un corto llamado The Withness en 1993.

 Era conocido por haber sido el guionista de la maravillosa Arde Misissippi en 1988 y que se embarcaba en la dirección de un largometraje televisivo por primera vez con este film, es quizá por ello por lo que la película tiene un ritmo extraño, alejado del cine de género o de acción, llena de secuencias trepidantes, con giros constantes de guión que es donde lo encajaría cualquier director con más trayectoria pero que curiosamente y a pesar de estar años luz de ese ritmo, la dirección del film toma otro rumbo, más pausado y naturalista, basado en las relaciones humanas donde el asesino en serie pasa a un segundo plano y que sinceramente me encanta, cuando terminé por ver este film quedé perplejo, su aire de film independiente y narrativa social encaja perfectamente la historia y tiendo a pensar que quizá como película de acción no consiguiera tanto peso como esta obra de Chris Gerolmo. 

El film es una versión de la novela de Robert Cullen que narra las fechorías del mayor asesino en serie de la Union Sovietica Andrei Chicatilo que en casi una década asesino a 54 personas entre mujeres y niños y del inspector que durante todo ese tiempo busca con tenacidad al asesino.

Pero la obra cuenta mucho más, es una crítica ferrea a la burocracia desmedida, a los pensamientos totalitarios y a lo absurdo de la política cuando esta se pone encima del individuo y también o mejor dicho sobretodo es una película de hermandad, de dos personas diferentes en las formas que se unen en una extraña alianza que llega a tener tanto peso en la película como cualquier historia de amor en una obra romántica.

Es curioso cómo una obra tan sobresaliente fuera ninguneada en todos los aspectos cuando habían pistas suficientes cómo para darse cuenta de la gran película que era.

Gerolmo un escritor eficaz y un guionista de primera que ya había demostrado con creces su visión eficaz sobre el género, había decidido llevar al cine la obra de Robert Cullen escrita solo un par de años antes, el veía un guión de primera en la novela, llena de acciones que podían funcionar en pantalla y con los derechos adquiridos escribió una versión cinematografica de primer orden.

Pero antes de continuar vamos a contaros de que va el film, tranquilo cómo siempre sin spoilers.

La película, Narra la historia de la persecución del mayor asesino en serie de la Unión Soviética en el Año 1982, el brillante especialista en medicina forense  Bukarov se encuentra ante el asesitanto de 7 niños en el mismo bosque con lo que decide ponerlo en conocimiento de sus superiores, estos le haces ser el inspector de la causa con el objetivo de cazar al criminal, pero siempre bajo supervisión de los superiores de la Union Sovietica que no se lo pondrán nada facil.

Para entender cómo se pudo gestar esta película, tenermos que entender la década en la que fue rodada. Los noventa por un lado fue una década gloriosa en el cine de género gracias a un par de decenas de buenas películas, pero que fuera de esas rompetaquillas, el otro cine, ese que se encuentra fuera de las listas de las más taquilleras y que son las que marcan las buenas décadas de cine, era un verdadero lodazal y sobretodo era una repetición constante de rostros en pantalla, los mismos actores los veías una y otra vez dejando de lado a rostros míticos del cine que parecían haber desaparecido y que permitieron que películas como esta, de bajo presupuesto, con poca repercusión se pudiera hacer con un elenco de autentico lujo y es que es ver el reparto de esta película y simplemente quedar impresionado, Stephen Rea que interpreta al Inspector Burakov, el portentoso Donald Shutherland que encarna al Cornonel Fetisov, a mi admirado Max Von Sidow que encarna de manera magistral al doctor en psicología Bukhanovski, al siempre soberbio Joss Akland "que bien está siempre este actor por diós y mira que le caen personajes antipáticos como este Bondarchuk " y al portentoso Jeffrey DeMunn encarnando al asesino Chikatilo.

La película la puedes ver en HBO max, una joya imprescindible para los amantes del buen cine y si encima te gustan las películas de crimen e investigación, esta obra simplemente es para ti

Y ahora vamos a lo que os comenté al principio de la reseña, por que no existe ninguna formula del éxito.

Pues bien, parece mentira que con un guión portentoso, un reparto de primer orden esta cinta fuera directamente al vídeo doméstico y es por que algún productor no vió el target adecuado o la temática de moda, cómo si parametros y algoritmos fueran la panacea y marcaran lo que quiere ver el público, el caso es que nada más sacarla en ese formato, se dieron cuenta de la gran acogida que tenía la película con lo que la estrenaron en cines, pero ya con infinidad de copias repartidas por todos los videoclubs de la época que no la permitieron despuntar, pero que hoy en día es recordada cómo una de las mejores películas de los 90, pero tambien francamente desconocida por lo que este canal, otra vez se ha puesto el mono de trabajo para sacar a la luz esta joya que si no la conoces, creeme que no te va a dejar indiferente y si la has visto, seguro que me vas a dar la razón.

Pues esperando que te haya gustado la reseña y sobretodo que te empuje a ver la película me voy a despedir, no sin antes recordarte que si te gustó el vídeo me regales un Like y si te gusta el canal no olvides suscribirte, ambas cosas me hacen muy felíz, y con todo dicho ya solo me quedan dos deseos, uno ya sabes que seas muy feliz el otro es que vivas el cine

Platoon 1986 Narración de la guerra de primera mano

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia hoy venimos con una película que en este año de guerras y revueltas es más que necesario, un film que pone rostro a eso tan frio como son las cifras de bajas en una guerra, una obra que emana verdad ya que viene de la experiencia propia que el director vivió en la guerra  del vietnam, por que hoy reseñaremos la película de 1986 Platoon de Oliver Stone.

Se dice que la obra nació al poco de llegar el director de la guerra, de ver los horrores que ocurrían allí y toparse con el film bélico Los Boinas Verdes de 1968, un film dirigido y protagonizado por John Wayne que hablaba de el misticismo de la guerra y que contrastaba con lo que el director acababa de vivir, es entonces cuando empezó a escribir Platoon donde vomitaba la picadora de seres humanos que es un conflicto armado y en 1976 creó uno de los films antibelicistas más importantes de la historia entre otras cosas por que el autor lo vivió de primera mano.

Antes de empezar a narrar la sinopsis del film vamos a poner en claro sobre de que va la película por que aunque orbita exclusivamente sobre vivencias del director, el mensaje es fracamente amplio.

Veréis la obra empieza siendo una dosis de realidad, la llegada de nuestro protagonista Chris un chico de clase alta, universitario, que se enrola como voluntario ya que siente que tiene que vivir una guerra cómo su padre y su abuelo, se topa nada más llegar del avión con los cuerpos enfundados en bolsas verdes de sus compatriotas caidos, la mirada perdida de los veteranos, su falta de alma le hace entender que lo que había recibido de las películas era simplemente una mentira y que los 365 días que le quedaban podrían ser los últimos.

Chris pronto se da cuenta de que ahora vive en un mundo diferente, donde sólo se diferencia entre novatos y veteranos, siendo estos primeros la carne de cañón de las tropas que están perdiendo la guerra.

La trama del film nos narra la vida de este chico que encuentra en los sargentos Elias y Barns a dos pilares dentro de su admiración, uno místico y ético mientras que el otro es un superviviente nato, una maquina de matar. Chris pronto se verá metido en el horror de la guerra, en las muertes de sus camaradas y los asesinatos de estos sobre población civil, entiende pronto que la guerra saca lo peor del ser humano y el resto de la película tienes que verla tu.

Esta dualidad de la narrativa en la que los dos sargentos forman parte fundamental de la misma es las dos corrientes que siente el propio autor, Elias es el hombre integro, capaz en la batalla, justo ante los enemigos y consciente de que esa guerra está perdida, un hombre que lleva 3 años hundido en lo peor del ser humano pero que ha sabido no caer en el barro de la maldad, la interpretación de Dafoe es simplemente perfecta, su mirada, su rostro muchas veces comunican más que cualquier linea de dialogo y que en cierta forma complementa la visión del sargento Barns un soldado que ya apenas tiene sentimientos humanos, sus años en el frente le han hecho ser un superviviente nato, un soldado que no duda en asesinar para conseguir sus objetivos y salvarse otro día más, este personaje interpretado por un Tom Berenger en el que no solo tiene cicatrices en la cara, si no que su alma está tan rota como su rostro hace en esta película uno de sus mejores papeles.

La obra que es tan dura y desgarradora que el propio Oliver Stone, cuando terminó de escribirla en 1976 no había estudio que la quisiera, su retrato alejado de la épica y que narra la estupidez de los conflictos bélicos estaban muy presentes en una sociedad que se había despertado del sueño de los ingenuos de los que siempre ganan, aquella derrota del vietnam era demasiado shock para aquel tiempo y aquellas personas y no era bueno hurgar en la herida.

Aunque hay que recordar que en los 70 hubo grandes películas que trataban sobre el mismo conflicto, El cazador de Cimino o Apocalypse Now de Coppola, su narrativa era humanista, la primera hablaba de lo que la guerra hace en la mente de un ser humano, la segunda es una caza al hombre, pero es que Platoon no narra la historia de un personaje, habla de la guerra misma y de esas cifras que llenaban los periódicos de la época, de esos muchachos que no se pudieron librar de un conflicto que ellos no buscaban, por un país en el caso de los afroamericanos que no les respetaba.

Pero diez años fueron suficientes para poder mirar al pasado y en 1986 y con un rodaje de 52 días en filipinas dieron la réplica de aquella historia de un joven Oliver Stone con la que forjó su leyenda, En la ceremonia de los Oscar de aquel año, Platoon se llevó 4 estatuillas incluyeno mejor Montaje, Mejor sonido, Mejor director y sobre todo Mejor película  que resultó ser toda una sorpresa, pero totalmente justa, aquel año sonaba con fuerza Hanna y sus Hermanas, una habitación con vistas o La misión, todas ahora son obras cumbres del cine pero que quedaron eclipsadas por esta película que narraba la guerra del vietnam desde las vísceras de lo vivido.

Y dónde puedes ver esta película de la antigua Orion Pictures, pues la tienes en Filmin  pero al ser una obra universal, un clásico del género es un film que puedes encontrar con facilidad y sobre todo, si te gusta el director y su obra  puedes encontrarla en infinidad de DVds o Blue Rays, un film que creo necesario para entender lo cruel de la guerra.

¿Y que pasó con su director tras ganar el Oscar? pues la estatuilla nos regaló a un director con una mirada crítica sobre Estados Unidos, tocó el materialismo más exacerbado con Wall Street, Volvió al vietnam pero desde el punto de vista de los soldados que regresaban como parias en Nacido el 4 de julio y tocó las conspiraciones internas con JFK. película que puso en la picota el asesinato de Jhon Fitgeral Kennedy.

La película es dinámica, cruel y bisceral, me imagino que no es un film para todos los días pero hay momentos que una dosis de realidad nos viene como anillo al dedo en estos momentos tan convulsos.

y ya sólo me queda despedirme de vosotros esperando que la reseña os haya gustado y si es así regalame un Like, que si no conocías la película no la dejes escapar por más tiempo y sobretodo que si te apetece seguir viendo mis reseñas te suscribas si es que aún no lo has hecho, pero te suscribas o no, le des Like o no, sólo me queda por desearte que seas muy feliz y que vivas el cine