Pat Garret y Billy the Kid de 1973

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA. Hoy venimos con una maravillosa película, pero controvertida cómo poca que resultó ser un cisma entre la Metro Golwing Mayer y su director Sam Pekingpah, pero de todo eso nos vamos a encargar más adelante, ahora toca ponernos un poco en antecedentes de cómo llegaba este rodaje.

Veréis a principio de los 70 Rudi Wurlitzer escribió el maravilloso gion de carretera asfaltada en dos direcciones, por cierto film que ya hemos reseñado y que dejaremos en la descripción un enlace por si os apetece ver la reseña de aquel prodigioso film, el caso es que aquella película dirigida por Monte Hellman fue uno de los films que más le gusó el resultado al guionista y escritor por lo que quiso escribir una historia en forma de western para el grandísimo monte helman que ya había demostrado su talento en dos Western como eran El tiroteo y a traves del huracan, estos filmes llevavan la Novelle vague al cine estadounidense adelantandose así al nuevo cine americano.

El caso es que Wurlitzer escribe un guión bastante particular en el estilo, mezclando la vida de Billy el niño y su viejo amigo y ahora perseguidor Pat Garret, una trama psicodelica y de estilo de autor que compró la metro Golwing Mayer, en ella veía un potencial para Sam Pekinpah para que volviera al western despues de su maravilloso Grupo salvaje.

A pesar de que Wurlitzer pidió al presidente de la Metro James Aubry que lo dirigiera Monte Hellman, éste ya tenía un plan previsto para el film y no cedió en su opinión.

Pekinpah nada más leer la historia empezó a cambiar la trama, quitó la psicodelia, metió un prologo en el que vemos el final de Garret que se mezclaba con el principio del film y creo una obra típica de persecución. Wurtlizer cedió a desgana a las peticiones de Sam Pekinpah creando una película totalmente diferente a la escrita primitivamente.

Para poder seguir con el film dejenmé que les cuente un poco de que va la historia de esta película, pero tranquilo no haremos ningún tipo de spoiler del film por lo que si no la has visto aún, no te preocupes.

Pat Garret se acerca a visitar a su viejo amigo Billy el niño para avisarle de que si no se va de las tierras de Chisum y se refugia en Mejico tendrá que darle caza ya que pronto recibirá el cargo de Sheriff.

Este aviso, Billy no se lo tomará muy bien negandose a obedecer y empezando la caza entre dos temibles pistoleros y hasta aquí te voy a contar el resto lo tienes que disfrutar tu, por que este film es una joya del cine y de la música. si como habéis oido bien, la banda sonora original recaía en un jovencisimo Bob Dilan que se estrenaba en estas maravillosas lides y donde compuso una de las canciones míticas del autor Noking on  heavens Door una maravillosa melodía para un momento mítico del film.

El elenco empezó siendo James Coburn como Garret y Bo Hopkins como Billy the Kid , pero pronto Pekinpah sustituyó a Hopkins por Chris Kristoffersón, La amistad de este con Dilan le llevó a presentarselo a Pekinpah que en cuanto  le vió le metió en el elenco como Alias Creando así un personaje mítico para todos los amantes del cantautor.

La película se iba rodando y la música componiendose gracias a los tres genios que confluyeron en él como era Krisstoferson Dylan y Willy Nelson que se rompio las manos tocando su vieja guitarra durante horas, pero no todo eran vino y rosas.

Si recordáis la reseña que hicimos hace unas semanas La de Almas de Metal donde os comentaba por que nadie quería rodar con la Metro Golwind Mayer en los años setenta y que parte de la culpa lo tenía el presidente de la misma el Sr Aubrie pues podéis entender los problemas que se encontraba Pekingpah con la Metro, no le daban más días que los adjudicados al principio ni tampoco más presupuesto, por lo que las relaciones entre ellos era lo más parecido a una guerra, guerra donde el alcoholismo de Pekinpah tampoco ayudaba.

Las broncas eran feroces y el abandono por parte del director siempre estaba ahí, pero Aubrie le pagó de la peor manera, cierto es que le permitió rodar más días y le dió más presupuesto pero su venganza iba a ser un tiempo despues.

Pero antes de continuar quiero contarte un par de cosas, veréis, esta primera película es el inicio de un ciclo sobre obras imprescindibles de los años 70 sí esa época de revolución dentro del cine y en un par de días veremos la reseña de Defensa de John Boorman, reseña que como dije a un suscriptor y amigo ya la tenía preparada, así que a todos los que la estabais esperando que sepáis que es la proxima película del canal y si tú acabas de llegar y no estas suscrito, suscribeté, os recomendamos dos reseñas semanales y tenemos más de trescientas joyas del cine ya reseñadas en el canal por lo que que más quieres y encima es gratis, así que ya sabes dale al botón y la campanita para qu eno te pierdas ninguna.

Pues volviendo a la reseña del film, resultó que el bueno de pekinpah sin saberlo estaba rodando su último Western y tambien sin saberlo estaba haciendo un homenaje a los personajes míticos del cine Jack Elam, Caty Jurado Emilio Fernandez o Slim Pickens actores que son leyenda en el género y que aquí tienen su momento de gloria, por cierto Pekingpah tambien sale en la película si es este que sale en pantalla. aunque no lo parezca aquí tenía 47 años.

Y que pasó en el estreno del film, pues que fue un autentico desastre, pero tiene historia tambien, veréis cuando terminó el film, Peckinpah se puso ha realizar el montaje cuando terminó su versión de 122 minutos, pero como os decía Abrie le esperaba con el hacha preparada así que cómo no le gustaba, le despidió y metió a sus montadores a realizar un film de 106 minutos, remodelando toda la historia y usando descartes del director, para que os hagais una idea de la cantidad de cambio que sufrió están acreditados 6 montadores diferentes, creo que es un record historico. Este film no se debería de llamar que es de Peckinpah y el se lo decía a todo el mundo que quería escucharle, de hecho quiso borrar su nombre de los creditos pero no le dejaron, estaba atado por contrato. lo que no sabía Aubrie es que Pekinpah tenía una copia de su propio film con lo que en 1988 La Turner Home Video compró los derechos a la metro y lanzó el film montado por Pekinpah que mejoraba muchisimo el montaje visto en cines en el año 73, pero lo curioso de esa buena versión es que se cepillaba el momento donde suena el himno mítico de dilan el Naking on heavens door, por lo que La Warner que se hizo con los derechos de esta película en 2005 sacó un DVD restaurado de 98 minutos donde quitaba el prologo del principio, totalmente innecesaio bajo mi punto de vista y metiendo otra vez el momento mítico de Dylan siendo a mi humilde parecer la mejor de todas, directa, maravillosa y creul como pocas.

Y es que el film nos narra la destrucción moral de un hombre, cómo a medida que cumple la ley Garret va mueriendo poco a poco, al igual que muere el místicismo del oeste, la civilización llega y las leyendas desaparecen, llegando al punto algido cuando el propio garret dispara a su propio reflejo.

Obra maestra del cine, para mi el mejor wester de Pekinpah y que me perdonen los amantes de grupo salvaje, pero esque este film sobretodo las dos versiónes, la del 88 y mejor aún la del 2005 son simplemente redondas.

Y ya voy a dar por terminada esta reseña, deseando que os guste y me regaléis un like. y que os espero en un par de días con Defensa pero hasta que llegue ese momento, que seais muy felices y que vivais el cine

Lo que queda del día 1993

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, permítanme que antes de que me adentre en la reseña de este film, os haga participes de una de mis reflexiones, pregunta que aún no he sido capaz de contestar, cómo un artista, en este caso director de cine, consigue la popularidad, como se llega a estar en la mente de todo el mundo cuando se habla de un arte especifico y es que hay que reconocer que si hablamos de cine, Scorsesse, Coppola, Steven Spielberg o George lucas aparecerán siempre, si vamos a los amantes del clásico, pues John Ford, Alferd Hitchcock o Howard Hawks será otra tanda de directores que llegarían a nuestra mente, Si hablamos del cine actual Tarantino, Christopher Nolan, Guy Ritchie o Michael Bay por poner un ejemplo. Y es que podemos caer en la tentación de pensar que es por hacer grandes películas o mejor dicho hacer grandes películas de forma continuada. Podemos ir más allá y decir que consiguen hacer grandes películas de forma continuada y además reconocidas por todo el mundo.

Y siento decir que no es así, no os puedo responder por que unos directores si y otros no llegan a ese olimpo tan especial de la popularidad y es que os propongo un juego, pensar si conocéis estos títulos de películas y si son o no son grandes películas.

Regreso a Howards end, Esperando a Mr Bridge, Una Habitanción con vistas, Maurice, Las Bostonianas u Oriente y Occidente y por supuesto Lo que queda del día película que nos encargamos de reseñar en este vídeo de hoy. Pues sí todas son obras de mi admiradísimo James Ivory uno de los mejores directores de melodrama y películas de época, un maestro de la dirección, elegante y eficaz como pocos que casi nunca aparecerá en esos rankings de directores que siempre se olvida y que quizá para ser justos a mi tambien se me pasaría nombrarlo, por que no se muy bien el Porqué este grandisimo director no ostenta la gracía de la popularidad.

Pero sinembargo sus films si lo consiguen y este Lo que queda del día película de 1993 lo consiguió por meritos propios.

Veréis si nunca os habéis acercado a esta película pensando que quizá un melodrama de época no es para ti, que disfrutas más del cine de acción y aventuras o que lo tuyo es la fantasía el terror o la ciencia ficción, dejenmé que les narre esta reseña y quizá os deis cuenta de que este género tiene tanta gloria y tanto poderío cuando es dirigido por un maestro como Ivory.

Yo creo que es em momento de comentaros un poco de que va esta maravillosa película, no os preocupéis por que no haré ningun tipo de spoiler por lo que podéis relajaros.

En 1933 Adolf Hitler a conseguido imponerse en unas elecciones en Alemania, durante su mandanto los diplomáticos Alemanes intentan estrechar lazos de amistad con figuras relevantes con cariño a Alemania, uno de esos personajes influyentes es Lord Dardington un hombre leal de ferreos principios y amistad pura, pero su situación se complica cuando el gobierno Nazi de Hitler empieza a rearmarse, entonces piden al bueno de Lord Arlington que use sus contactos politicos para que apoyen la decisión del tercer Right. En medio de esa decisión esta el mayordomo fiel el señor Stevens que sigue a su señor sin dudar en ninguno de sus acciones, llevando con orgullo el nombre de la casa. Pero más allá de las decisiones politicas de Lord Darlingotn hay una mansion que debe ser mantenida teniendo un ejercito de criados y doncellas que el Sr. Stevens tiene que gobernar, su aspecto ferreo y robusto, tanto como los cimientos de la mansión se tambalean cuando llega una nueva ama de llaves, la Srita. Kenton y ya no te voy a contar nada más, el resto has de verlo tú y sobretodo disfrutar de esta maravillosa película interpretada por dos titanes del cine cómo son Emma Thomson y Anthony Hopkins.

Para ser sinceros con ustedes he de confesar que si tuviera que salvar 10 películas de los noventa de un incendio, este drama histórico estaría entre los primeros, el film me conmovió de una manera absoluta, teniendo gran parte del metraje un nudo en la garganta cosa que no me suele ocurrir con facilidad y es que la historia que nos cuenta el film es demoledora, ya es totalmente absorvente la novela en la que se basa que dependiendo de la edición se titula igual que el film Lo que queda del día o Los restos del día que sinceramente me parece más adecuado y es que la trama que nos narra Kazuo Ishiguro un japones nacionalizado britanico tiene ese aspecto de pasiones desbordantes contenidas que te engancha como un pez en un anzuelo.

Para contar esta historia de amor secreto e imposible necesitaban de tres elementos majestuosos, por un lado un actor que supiera mostrar sentimientos sin interpretarlos, El Sr Stevens es un sirviente que por decisión propia a renunciado a cualquier opinión, a cualquier setimiento más alla que la servidumbre ciega a su señor, lleva tantos años en el puesto que su mente simplemente trabaja por inercia pero que un día un detonante va a demoler su mundo interior, aunque su fachada visible parece intacta por dentro el ferreo castillo ha sido demolido y ¿Y cómo interpretar lo invisible? pues simplemente pidiendo  a Anthony Hopkins que sea el fiel mayordomo, su trabajo es brutal, sovervio, demoledor. Es capaz de narrar sin actuar tantos conflictos que empatizamos con él desde el primer momento hasta el finaldel film.

¿Pero quien es ese detonante? pues no es otra que la señorita Kenton una mujer que tampoco muestra sus sentimientos ya no por convicción si no por imposición, ella se revela contra la actitud del mayordomo, pero sin ser un torrente si no poco a poco dejando ver lo que siente. Este trabajo de dosificación de la interpretación tampoco es nada facil de conseguir, pero claro si a Kenton la encarna una de las mayores actrices de todos los tiempos como es la grandisima Emma Thomson pues el resultado es simplemente mágico.

Y cómo tercera pata en este maravilloso banco, La casa, la casa es un personaje más en este film, como testigo de los acontecimientos, testigo mudo pero no sordo que tiene un paralelismo total con el Sr Stevens y que se necesitaron varios set de rodaje en diferentes mansiones para crear el dibujo de Darlington Hall.

Ahora quiero contarte donde la puedes ver, Pues la tenéis en Filmin, uno de los títulos clásicos que tiene la plataforma que no se prodiga mucho en este género pero que simplemente su visionado ya merece la pena, pero si eres un amante del buen cine, si te gustan las historias de amores imposibles y amargos este film tienes que tenerlo en tu filmoteca personal. Una joya del séptimo arte que no te puedes perder.

Veréis, este film es una de esas películas personales no por que sea un amante del género si no por todo lo contrario, soy bastante drítico con el melodrama, suelo criticar los trucos usados para enterncer al espectador y aunque este film tiene alguno de ellos, he de decir que no me importan, están tan bien incorporados, tan eficazmente resueltos que aunque sé que el mago me hace trampas con las cartas me da igual ya que el resultado es simplemente maravilloso y es que no puedo dejar de pensar en esta película sin recordar a Stevens y Kenton juntos sin mirarse pero por dentro ocultando su pasión.

Y ya voy a dar por terminado este consejo, que todos los suscriptores del canal que la han visto pueden dar fé de mis palabras y si tú aun no te has animado a verla ya sea por desconocimiento o por que piensas que un drama romantico no es para ti. Haz un hueco en tu ajenda y disfruta de esta maravillosa película realizada por uno de los mejores directores en su género.

Y ahora quiero adelantaros que será del canal en los proximos días, pues he de decir que el Smoking se cambiará por el sombrero de Cawboy ya que vamos a irnos con Pekinpah a resolver el confilcto vital entre Billy el niño y Pat garret pero eso será la proxima reseña y si no te la quieres perder pues que mejor que suscribirte si es que aún no lo has hecho y así vas a disfrutar no solo de todos los consejos de cine que subiremos si no que tambien tendrás en el catalogo del canal más de 300 reseñas, vamos casi un año de buen cine.

Y si te ha gustado el vídeo y si has llegado ahsta aquí es por que te gustado no nos extrañemos, regalame un LIKE es un gestopor tu parte que agradezco enormemente.

Pero como digo siempre, aunque no te suscriban ni me des un like, tengo dos deseos para ti igualmente el primero que seas inmensamente feliz y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine 

CORAZONADA 1982

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hay veces en la vida que una mala decisión la vas a acarrear mucho pero que mucho tiempo y este film de 1982 fue ese error que Coppola lo pago muy pero que muy caro ya que no solamente le arruinó completamente si no que se endeudó de tal manera que necesitó de una década rodando películas simplemente para pagar la deuda comprometida por este film llamado Corazonada.

Antes de empezar con la reseña hay que recordar que esta pelicula es el que sigue inmediatamente despues a la prodigiosa Apocalypse Now, obra maestra del género y que enlazaba con dos obras cumbres del cine de todos los tiempos, El padrino parte uno, la conversación y el Padrino parte 2, Francis Ford Coppola era el rey midas del cine del momento, proyecto que tocaba, este se convertía en oro, por lo que cuando llegó a la metro Goldwing Mayer diciendo que quería hacer un músical esta le recibió con las puertas abiertas.

A ver, el músical aunque a muchos de nuestros amigos quizá les sorprenda, no era un género ajeno al director ya que en  1968 rodó un film bastante regular con fred astair llamado El valle del arco iris, un músical que pasó sin pena ni gloria.

Al principio la Metro goldwing mayer iba a producir y distribuir el film de bajo presupuesto que no superaría los 2 millones de dólares, a medida que Coppola escribía el guión se daba cuenta que sería imposible plasmar en pantalla lo que el quería con ese presupuesto, Francis Ford Coppola propuso a la productora invertir en el film 15 millones de dólares, el caso es que cópola quería dar un aspecto visual a la cinta como antes nunca se había visto, para poder llevar a cabo ese encargo usaría un doble rodaje, uno en celuloide y otro en vídeo, el resultado de esa duplicidad era que podía comprobar casi en tiempo real el resultado del rodaje al no necesitar del positivado de prueba y de las proyecciones de las mismas para dar el visto bueno o no al plano rodado.

Ese sistema original en aquel momento es el que hoy en día se usa de manera normal en cualquier rodaje profesional donde el director tiene un combo que ve el resultado en pantalla de lo rodado en el set, pero claro en aquel entonces era todo un reto. La rulot donde tenía el proyector de vídeo era toda una revolución en aquel momento.

Tras esa subida drástica de coste de la película, la Metro decide retirarse de la producción pero queriendo distribuir el film, el caso es que los directivos de la Metro Goldwing Mayer no querían desvincularse mucho de Francis Ford Coppola y más que nada de otro posible éxito del director.

Veréis uno de los motivos por lo que la Metro salió espantada de la reunión con lucas fue por que cuando el director comentó cómo quería rodarla estos no dieron crédito. Francis Ford Coppola quería rodar todo el film en estudio, esto no es ningún problema, incluso se abaratan mucho los costes de producción al no necesitar de rodar en exteriores con las inclemencias del tiempo y de la luz, pero claro Lucas no quería pequeños set, no. El quería tener un estudio enorme, tenía que ser tan grande que entrara una calle entera de las vegas, con multitudes paseando y coches circulando por el interior. Quería además crear un aeropuerto entero con un verdadero Boeing metido dentro y con una pasarela de pasajeros a tamaño real que fuera abierta para poder rodarla desde el exterior y en el set exterior del aeropuerto un parking plagados de coches.

Los directivos se dieron cuenta enseguida de los costes de producción de la película y ese fue el motivo de la espantada de estos.

Coppola, lejos de caludicar y rodar en exteriores reales, decidió hacer una huída hacia delante. Veréis desde el 69 Coppola y Lucas montaron su productora American Zeotrope, que funcionaba tanto como distribuidora de films, de hecho alguna de las obras de Godard o Kurosawa fueron distribuidas en EE.UU. por la paroductora de ambos, American Grafitty y HTX 1138 De lucas fueron producidas por American Zeotrope, así como todas las obras de Coppola, con el tiempo en 1971 y debido a que George Lucas ya tenia en marcha  su Guerra de las Galaxias, este montó su propia productora, Lucas Films quedandose American Zeotrope en manos de Coppola. Pues bien, debido a que poséia su propia productora adquirio unos terrenos que se incorporarian a American Zeotrope para crear unos estudios cinematograficos que se llamarían Zeotrope estudios.

Y fue allí donde Francis Ford Coppola realizó su sueño, veréis antes de meternos en la trama, en los aciertos y en los errores os quiero comentar una cosa que siempre he pensado, Podemos tachar de locura o error el despilfarro de dinero del director para crear su película, pero es que Coppola tenía un sueño, un sueño que si no lo filmaba se arrepentiría toda la vida, durante el rodaje fue el hombre más feliz del mundo y a pesar de que Campanada le llevó a la ruina jamás renegó del film, por lo que tiene todos mis respetos.

Y ahora vamos a comentaros un poco de que va la trama, como siempre sin espoiler, para despues comentaros la gloria y desgracia que tiene el film, el resultado en taquilla y el endeudamiento del director. Pero vamos por el principio. de que va la pelicula. 

Hank y Frannie son una pareja que están a punto de celebrar su quinto aniversario juntos, la fecha de esta coincide con la fiesta nacional norteamericana del cuatro de julio, en la entrega de regalos vemos que la visión de futuro de la pareja dista mucho de ir en la misma dirección, mientras que Frannie compra unos billetes para irse de viaje a un paraiso tropical, Hanck ha cogido todos los ahorros y ha comprado la casa en la que viven de alquiler, esa disparidad de visión les lleva a tener una discursión que les lleva a una ruptura, en esa noche del cuatro de julio Frannie conocerá a Ray un pianista aventurero con el que puede realizar su sueño de viajar y Frank conocerá a la gimnasta Leila una mujer de fantasía con la que tendrá una cita.

Y hasta aquí te voy a contar.

Y ahora vamos a hablar un poco del film para que valores si es para ti, si encaja con tus gustos o por lo menos si te acercas a la película que sepas que vas a ver.

Primeramente no es un musical al uso, aquí no se interrumpe la acción para que los actores canten y bailen, coppola quería entrelazar los temas musicales con la trama por lo que la letra se entremezcla con los dialogos, para ello Coppola tenía en mente a Van Morrisón pero el León de Belfast no estaba interesado en participar en el film por lo que contactaron con el cantautor ideal para el proyecto, pero que su visión bohemia de la vida quizá le hiciera renunciar o lo que es peor dimitir en medio de la producción el grande entre los grandes Tom Waits, veréis quiero hacer un alto en la producción para hablar un poco del otro coartifice de la película Tom Waits, este en su libro autobiografico Aullando a la Luna narra cómo era su vida antes de la llamada de coppola, su videa vohemia plagada de excesos le llevó a vivir en un apartamento totalmente desvencijado en el peor barrio de la ciudad, su vida se había ido a la ruina y sólo y borracho recibe la llamada de Coppola, El director de el padrino le llamaba para escribiera la banda sonora de una película muy especial, una sintonía que se tendría que crear a medida que se desarrollaba el guión, con lo que tendría que trabajar en las oficinas de Zeotrope con un horario estricto y fechas de entrega cerradas, Tom Waits aceptó y segun dejó escrito él, aquel fracaso de Coppola me salvó la vida, la creación de las canciones salen del alma de un renegado que encuentra redención, creando la que quizá sea una de las bandas sonoras más interesantes del cine, con canciones míticas del Jazz Suave y del Blues.

El film es un alarde técnico, la luz, los planos el montaje, parece que estás viendo uno de los mejores espectaculos de las vegas, su estructura visual es perfecta, no hay una luz que no esté medida  que no sirva para narrar algo, no hay una sombra que no cuente una historia, no hay una superposición de planos que no nos narren un conflicto. Si nos centraramos sólo en la maestría de de puesta en escena del director, en como crea los planos y como nos adentra con ellos en una especie de cuento de hadas para adultos, el film es una obra maestra, un diez sobre diez un joya visual del cine, pero claro la estética aunque importante es sólo una parte del film, la otra es la trama y aquí la cosa no funciona tan bien, los personajes interpretados por Frederic Forrest y Terry Gar no traspasan la pantalla, sus probelas cotidianos no llegan al corazón de los espectadores importandonos poco o nada si rompen o se reconcilian, aunque el momento en que aparece un rizado Harry Dean Stanton y una bellísima Natasha Kinski el film se eleva, eso junto con el tango que bailan sobre la mitad del film el bueno de Raul Julia y Teri Gar que crean uno de las imágenes icónicas del cine, en un juego de luces, sombras y danza simplemente maravilloso.

La cosa es que esta descompensación entre lo visual y lo narrativo no funciona, aunque es interesante y personalmente es una película que me gusta, entiendo que lo naif de la situación, la falta de tensión dramatica por ser interrumpida por la música hace que esta no conmueva, siendo más un maravilloso videoclip de una hora y media que un film al uso.

Con todo esto que te cuento, puede ser que tengas la curiosidad de verla, La tienes en catalogo tanto en Filmin como en Moviestar plus.

Comprarla, pues no sé, hay ediciones maravillosas en DVD y Blue Ray que contiene ademas un making of del film que os puede resultar interesante, pero que no puedo aconsejar a todo el mundo la verdad.

Y ya se rodó la película y sólo fue la primera parte de la pesadilla financiera de Coppola, por que tras ver el resultado la metro y hacer unas proyecciones de prueba, estos se dieron cuenta del desastre que sería, cómo tenian comprometida la Distribucion del film le comentaron la estrategia de marketing que tenian pensado para el film, una distribución a baja escala con una promoción limitada, ese ahorro podría abaratar el desastre que los directivos presagiaban. Coppola indignado pidió libartad para distribuir el film y los directivos de la metro aliviados abandonaron el proyecto sin haber metido ni un sólo dolar en la película.

Corazonada le costó al director sumando producción y marketing y distribución la escalofriante cifra de 26 millones de dólares de los años ochenta, esto le llevó al director a meter todo el dinero ganado con sus cuatro films anteriores y ademas endeudar sus posesiones.

El resultado general del film fue una recaudación en EE.UU y canadá de algo menos de 400 mil dólares que si sumamos lo que hizo en todo el mundo el montante no llegó al millón de dólares, perdiendo 30 veces lo recaudado.

Esto arruinó al director que tuvo que rodar y rodar durante todos los 80 y parte de los 90 para pagar a los acreedores.

Y con este film vamos a dar por terminada la reseña que espero que os haya gustado, un consejo de cine que no es para todo el mundo pero que si tienes ese día de que te apetece algo especial, que se sale de lo común, este film puede ser el que busques y ya me voy a despedir, recordandoté que por favor te suscrivas, ya estamos en casi 10 mil suscriptores y quiero contar contigo en nuestra tribu de cinefilos y si te ha gustado este consejo de cine, si te he hecho pasar un rato agradable hablando de uno de los mayores fracasos economicos del cine, por favor reaglame un like que me hace muy feliz.

Y dentro de un par de días volvemos a la carga, esta vez con un éxitazo que no te puedes perder. pero hasta que llegue ese momento sólo tengo dos deseos para ti, uno que seas muy feliz o por lo menos lo intentes que en este tiempo es bastante con intentarlo y segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine

Dracula de Bram Stocker 1992

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy el canal se viste de gala para recibir una de las películas más influyentes de los noventa, una obra atemporal que acercó a la gran masa de espectadores al terror gótico de Drácula, en una obra controvertida como pocas y quizá bastante desconocida, no tanto en su trama o creación si no en la gestación propia del film, preguntas que nos hacemos cómo ¿Por que se llama de Bram Stocker si es de Coppola? o ¿Por que teniendo el nombre del autor de la novela éste film no es fiel ala misma? y por último ¿Es justo decir que el film es de Francis Ford Coppola? y es que muchas de estas preguntas son parte del rechazo de los más puristas de la obra de Stocker y de su personaje inmortal el Conde Dracula y espero que con este vídeo demos contestación a todas ellas y quizá sirva para reconciliar a los más puristas con una película inmensa y colosal. Por que sí, hoy en nuestra reseña nos adentraremos en la maravillosa Dracula de Bram Stocker dirigida en 1992 por el genio del cine Francis Ford Coppola.

Veréis este film de perfecta factura y maravillosa dirección no tiene una unanimidad en la crítica, la obra en parte fiel pero en otras de libre interpretación, tiene en el propio título de la película su mayor enemigo y es que no se debería llamar que es el Drácula de Stocker si no lo es.

Esa confusión hizo que muchos de los que se acercaran al film buscando un paralelismo con la obra, se sintieran estafados y criticaron la película no tanto por el film mismo, si no por las expectativas creadas, y es que no son infundadas las críticas ya que el título reclama la autenticidad del relato y la fidelidad a la novela original, creándose tres tipos de opiniones al respecto por parte de aquellos espectadores que la vieron.

 El primero y aunque pueda parecer mentira, es de aquellos espectadores profanos tanto en el cine cómo en la obra literaria en la que se basa y que piensan que Stoker es el director del film. Hecho que he tenido que aclarar varias veces y aunque pueda parecer extraño con poco éxito en algunos casos.

El segundo tipo de espectador es aquel que conoce a Francis Ford Coppola y tambien que Stocker es quién escribió la novela,  pero que jamás se han leído la obra original de Drácula

Y el tercero es ese aficionado al terror que conoce perfectamente al director y tiene conocimiento real del libro original.

Y el grueso de las críticas en un sentido o en otro van aparejados del grupo de espectadores donde los pudieros incluir. Tanto en el primer apartado como en el segundo la opinión generalizada es que es una película maravillosa así sin más, mientras que el grupo tercero aunque suele ser una opinión favorable de la cinta tienen algunos peros que la bajan enteros e incluso hacen que muchos renieguen de esta versión.

Pero es que la historia es un poco más compleja y si quieres saber el por que de todo, si quieres entender por que este extraño cisma, tendremos que remontarnos muy atrás en el tiempo en tres líneas narrativas diferentes que son la del Escritor, el director y la actriz

Empecemos por el escritor. James V. Hart y remontemonos hasta 1973 cuando el autor tenía 23 años, por aquel entonces Anne Rice publicó su novela entrevista con el vampiro, un best seller de la época y el acicate para que el joven James quisiera emular a la autora escribiendo su propia novela vampirica, por aquel entonces las películas de drácula tomaban cómo base no la novela de Stocker si no el film rodado por Tod Braunin para la universal en 1931, esta primitiva versión del mito no se basaba en la novela si no en la obra teatral escrita y estrenada  en londres allá por el 1924 y estrenada con un éxito abrumador en Brodway en 1927, los autores de la misma eran dos escritores Dane y Balderston. 

Tambien se rodaron obras por diferentes directores como la de la Hammer en el 58 dirigida por Terence Fisher.

Esto llevó a James V. Hart a crear un guión apartado de aquellas versiones centrandose en los acontecimientos que narra la novela de Stoker, así que para que los futuros compradores supieran de que versión se basaba su guión lo llamo el Drácula de Stoker. 

Hart siguió escribiendo y reescribiendo su guion mientras que buscaba trabajo en la industria que dió sus frutos en una comedia ligerita en 1984 llamada Loca academia de animadoras, tras esa incursión en la industria retomó su obra vital, el Dracula de Stoker que pulió y limpió hasta dejar un primer borrador que se podía vender, ese trabajo le llevó varios años y cuando por fin lo terminó ningun estudio lo quería, las productoras veían al personaje del conde drácula como algo del pasado y de la serie B, nadie iria a ver una enesima propuesta de un personaje de terror que ya no daba miedo, por lo que desesperado cogió la única oferta que tuvo, la de un productor televisivo que la quería para rodar un telefim de bajo presupuesto. James V Hart sabía que sin un presupuesto adecuado y sin llegar a las salas de cine su obra sería una simple parte de un todo más grande por lo que firmó una clausula con el productor que le liberaba del contrato si en 6 meses una gran productora se hacía con el guion.

Y ahora vamos a dejar apartado este primer hilo y vamos con el segundo, el del Director.

Veréis Francis Ford Coppola en los años 70 era considerado casi como un diós dentro de los estudios de cine, sus trabajos cómo La conversación, El padrino parte uno y dos y su film bélico Apocalypse Now  le abrieron las puertas a cualquier productora, pero los años de vino y rosas para el dierector terminaron pronto en 1980, cuando Corazonada film rodado en 1982 fue un sonoro fracaso, fracaso que no pudo mitigar con los siguientes films que rodó, Rebeldes, La ley de la calle, Cotton Club, Peggy sue se casó, Jardines de piedra o Taker no pudieron volver a dar laureles al bueno de Coppola, esto le llevó a intentar un último esfuerzo, quemar su ultimo cartucho como era reabrir el padrino, film que ya lo había dado por concluido pero la desesperación de conseguir otro éxito rotundo le forzó a rodar en 1990 el padrino parte 3, dentro del elenco en uno de los papeles más importantes de la cinta como era el de la Hija de Michael Corleone se contrató a la actriz del momento la maravillosa Winona Ryder, la joven actriz que estaba ilusionada por trabajar con uno de sus mitos tubo la mala suerte de caer enferma, enfermedad que le impidió rodar el papel y ser sustituida por la hija del director Sofia Coppola, no vamos a entrar en detalles del resultado y nos vamos a seguir centrando en la Señorita Ryder.

así que ahora vamos al tercer hilo de esta historia el de la Actriz

Veréis Ryder fue una sensación casi desde sus principios cuando en 1988 rodó Bitelchus una comedia de terror que fue un éxito mundial, el papel de coprotagonista dejó perplejos a los estudios con lo que desde ese momento todo el mundo quería trabajar con ella, tras Bietelchus vendría el biopic de Jerry Lee Lewis La gran bola de fuego de 1989 para terminar realizando la obra maestra de Tim Burton Eduardo manos tijeras en 1990. Rayder que estaba en lo más alto de su carrera sólo tenía una preocupación en aquellos entonces y fue el plantón que le dió a Coppola, ella sentía que le había decepcionado y guardaba en secreto el miedo de que jamás el bueno de Francis quisiera trabajar con ella.

El caso es que un año despues por azares del destino le llegó un guión que le impactó, uno que relataba la historia de Dracula pero según los acontecimientos narrados en la novela, tras leerlo se puso en contacto con el escritor un casi desconocido James V Hard ya que le interesaba interpretar el papel de mina, el caso es que Winona Ryder quería empezar a realizar papeles más maduros y este personaje lleno de pasiones reprimidas y fuerza le otorgaba la posiblidad de dar un paso adelante en sus aspiraciones interpretativas, pero cuando habló con Hard este le explicó que si en 6 meses no tenía una oferta sobre la mesa, la película sería un telefim de bajo presupuesto.

Winona Ryder no se lo pensó dos veces, compró el guión y contactó con las productoras, la más interesada era La columbia films que dió luz verde al proyecto que venía de la mano de la actriz joven del momento y es entonces cuando ella propuso a Coppola que no pudo triunfar con su padrino parte 3. La Columbia estaba deacuerdo y ahora sólo faltaba convencerlo.

Winona y Coppola se reunieron y ella le explicó sus miedos de que la guardara rencor, a lo que Coppola le dijo que esos miedos eran infundados y que para que se quedara tranquila la dijo que si, que rodaría la nueva versión de Dracula 

Y ahora me van a permitir que haga un alto en el camino y les cuente un poco de que va el film ya sabéis que siempre sin spoiler aquí es una norma que no nos la saltamos jamás, sea del año que sea la película y sea lo conocida que sea.

Pues bien. El principio del film nos narra los acontecimientos ocurridos durante la expansion otomana por europa y de el baluarte que supuso para la cristiandad el principe de transilvania Vlad Teppes, este tras el regreso de una batalla en contra del tuco se encuentra que su mujer se ha suicidado creyendo que el había muerto, el hecho del suicidio condenado por la iglesia prohibia en dar sepelio a su propia mujer, Vlad iracundo contra la religión por la que luchaba, se enfrentó a su diós y recibió el castigo de convertirse en un ser de la sombra siendo un no muerto que se ha de alimentar de la sangre por los siglos.

Y estos pasaron y el viejo Vlad decide mudarse de su viejo castillo al moderno Londres bajo el pseudonimo de Conde Dracula. Para las adquisiciones de sus inmuebles Johnathan Harker un joven abogado se desplaza hasta transilvania para facilitar la firma de sus propiedades, pero habrá un evento que cambiará todo, Mina, la joven prometida de Johnathan es la viva imagen de su antigua mujer, con lo que el malvado Vlad tiene ahora un nuevo objetivo y hasta aquí te voy a contar, el resto de la película tendrás que verla tu. Y ahora vamos de lleno ha continuar con el resto de la gestación de este film.

Tras la aprobación del guión por parte de Coppola este empezó a formar el reparto, por supuesto Mina era de Ryder, pero el resto del elenco estaba en el aire, al final el reparto se formó de una manera dispar mientras que Anthoni Hopkins estaba muy interesado en interpretar a Van Helsing, la otra opción como era Liam Neeson se descartó el mismo por respeto al veterano actor, Gary Oldman no estaba especialmente interesado y sólo por la frase contenida en el guión que dice, he cruzado oceanos de tiempo hasta encontrarte le dió el empujon que necesitaba para dar vida a uno de los Draculas mas memorables de la historia y ahora viene el momento mas controvertido ya que para el personaje de Johnathan Harker la primera opción no fue Keanu Reeves si no Christian Slater que declino formar parte del film, tras ello Ryder propuso a Johnny deep pero la columbia pensaba que no era lo suficientemente conocido por lo que al final fue Reeves quien se hizo con el papel, por cierto la mayor controversia de la película en el arpartado artistico es debido a que Reevs intentó emular el acento ingles sin conseguirlo quedando forzado en sus interpretaciones, algo que pasa desapercibido para los que han visto la versión doblada, pero que los que vieron en su versión original criticaron quizá con extrema dureza.

Coppola se llevó al reparto y al guionista a su casa para hacer lecturas de guión y donde se realizaron cambios narrativos de la historia, hay que recordar que Francis Ford Coppola no sólo es un gran director si no que es un guionista excepcional no en vano su primer oscar lo consigio gracias al trabajo de escritura en Patton.

Y empezó la película, la Columbia estaba un poco temerosa, aunque contaban con un gran presupuesto 40 millones de los años noventa, conocían el despilfarro del director en anteriores películas como Apocalypse Now o Corazonada obra que arruinó la productora de Coppola, por cierto esta pelicula que suspuso un quebradero de cabeza al director será el film que reseñaremos en un par de días por lo que me van a permitir que no diga nada de ella y claro si no te la quieres perder y no estás suscrito por favor dale al botón y a la campanita ahora que luego se te puede olvidar y te espero en un par de días con esta obra que supuso la ruina de coppola. Pues volviendo a la película. 

La columbia temía el sibrecosto posible del film y prepararon una reunión para hablar de viajes, proponer localizaciones, etc. Pero los directivos quedaron sorprendidos cuando Coppola dijo que quería hacer todo el film en estudio, Esa opción abarataría totalmente el film ya que se tiene un control total de la luz y el sonido, quedando maravillados los directivos de la columbia y es que todo lo que vas a ver son decorados excepto el paseo por Londres que si son exteriores reales.

Os voy a dar una opinión al respecto, me parece todo un acierto, esas imagenes que viven entre lo real y lo falso te meten en un sueño que es en fin toda la película. Una pesadilla maravillosa que no quieres que termine.

Para los efectos visuales, cóppola quería todo analogico, usando los efectos que se hacían en las obras clásicas antes del CGI, pero entro en conflicto con el diseñador de producción y con el supervisor de efectos visuales que le presionaban para usar imagenes digitales, esta confrontación llegó a tal extremo que despidió a ambos contratando en su lugar a Thomas E Sanders par ala producción y a su hijo Roman Coppola.

Una cosa que os quiero decir Roman Coppola no está muy interesado en la dirección de cine, disfrutando más haciendo videoclips y series televisivas, así cómo guionista, pero es un tipo con un talento descomunal, que lamento que no siga la trayectoria de su padre y si no para muestra un boton, la lucha entre los gitanos acolitos de dracula y el grupo de rescatadores lo rodó totalmente el bueno de roman, una de las partes favoritas de la película de casi todo el mundo es obra de aquel muchacho.

Y si el conflicto con los técnicos fue brutal, Gary Oldman no lo puso nada facil. Veréis para mi Oldman es el mejor drácula para esta película por un simple motivo, estaba pasando un estado similar al que siente el bueno de blad. Oldman como Teppes había perdido en su matrimonio, el enlace con Umma Thurman mujer por la que dejó a su primera exposa estaba en las últimas, Oldman tenía el corazón roto y eso le hizo acrecentar su adicción, si su personaje era adicto a la sangre, Oldman lo era al Alcohol , esa adicción que terminó unos años despues ingresando en una clinica de desintoxicación le hacía irascible, uraño y violento, por lo que Winona no podía soportarlo, de hecho es que Coppola decidió recortar lo máximo posible su aparición con ella en pantalla.

Pero dicho esto, jamás lo notaremos que gran actiz es la buena de Winona Ryder.

Y con dificultades propias de hacer una película Coppola terminó de rodar su versión sobre la obra de Stoker y quiero dejar claro versión.

Una de las mayores criticas que recibe este film es la falta de rigurosidad con la Novela, pero como comentamos al principio, este film es una adaptación directa de Stoker y no de la obra de teatro que era la que se solía adaptar, que cierto es que no tendría que haberse titulado así, pero querían diferenciar a su Dracula, del de la Universal o de la Hammer, sólo por eso. A si que por favor pasar por alto este tema la proxima vez que lo veais.

¿Y que pasó con esta película como le fue en taquilla?

Pues fue un éxito brutal, mas de 200 millones de dólares de los años 90 y con una repercusión asombrosa, la sintonía se hizo un superventas y la canción de ANNIE LENNOX se escuchaba constantemente en la radio

Y donde la puedes ver, veréis está maravillosa película la puedes ver tanto en Filmin como en amazon Prime video, pero de verdad este film es una obra cumbre del cine universal por lo que no debes dejarla de tener en tu filmoteca personal por lo que un DVD o Blue Ray  es una compra casi necesaria para cualquier amante del cine.

Y ya voy a dar por terminada la reseña de esta obra maestra que espero que os haya aportado algo de interés sobre el film, si piensas que es así, que mejor que darme un Like un agradecimiento vuestro que recibo con honor y orgullo, y cómo os dijimos la siguiente reseña será Corazonada el film que arruinó a Coppola pero hasta que llegue ese momento dos deseos que tengo para vosotros, el primero, que seas inmensamente feliz o por lo menos lo intentes y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine

Estan vivos 1988

 Bienvenidos bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, permitanme que antes de meternos de lleno en la reseña de este maravilloso film, película que adoro y que marcó mi juventud cómo todas las obras cinematográficas  que estamos reseñando en este ciclo, os hable del esfuerzo que supone dirigir, veréis, este esfuerzo creativo no sólo lo podéis encontrar en bibliografía de grandes directores como por ejemplo Así se hacen las películas de Sidney Lummet, si alguno de vosotros tiene dudas de cual es el trabajo del director o el esfuerzo que supone terminar una película, le recomiendo que se lea este libro por que es simplemente maravilloso, si no también mirando la filmografía de directores que ruedan constantemente, cosa que le ocurrió al Jhon Carpenter entre la década de los 70 y los 80.

¿Y por que digo esto?. Básicamente por que parece que la filmografía de este tipo de directores, van creciendo y creciendo hasta llegar al agotamiento, momento en el que necesitan un descanso, pero justo en ese punto en el que el director parece que ya no puede más, suele crear uno de sus mejores films y es que resulta que este Están Vivos película que vamos a reseñar hoy, es la película que marca ese punto  de inflexión en la filmografía de John carpenter.

Y para muestra que mejor que mirar las obras que rodó el director Neoyorkino  antes de estan vivos y después.

Veréis si nos centramos en su filmografía más primitiva y sólo reseñando sus más memorables obras nos Encontramos la maravillosa Asalto a la comisaría del distrito 13 estrenada en 1976,La noche de  Halloween de 1978, La niebla de 1980, 1997 rescate en Nueva York de 1981, La cosa de 1982, Christine de 1983, Starman de 1984, Golpe en la pequeña china de 1986 y el Principe de las tinieblas de 1987 y tras esta obra al año siguiente en 1988 rueda este fantástico film de Están vivos, en doce años fréneticos de creación cinematográfica en el que se convierte en un referente del género, pero ahora fijaros las películas que rodó despues de este film. Memorias de un hombre invisible de 1992 cuatro años después de este están vivos y que no es de lo mejor del director y un film capitular co dirigido con Tobe Hooper Una bolsa de cadaveres rodado en 1993 que fue directo a la televisión, tras ello en el 94 en la boca del miedo y no fue hasta 1995 que Carpenter parece que vuelve tomar aire al rodar el fabuloso remake del Pueblo de los malditos.

Así que poniendonos en situación de el momento en el que rodó este film de terror y ciencia ficción vamos a contaros un poco de que va la pelicula.

Aunque es un clásico del cine y del género, vamos a tratar este film con el mismo cuidado que cualquier obra de estreno, ya que siempre habrá personas que se acerquen a esta magnifica película por primera vez así que lo comentaremos sin ningun tipo de spoiler estar tranquilos en ese aspecto.

John Nada es un obrero en paro que viaja desde Colorado hasta los Angeles en busca de trabajo, sin dinero y sin casa vagabundea por la ciudad hasta que en una construcción es contratado como obrero, allí conocerá a Frank otro trabajador en una situación similar que le ayuda al instalarle en un asentamiento de gente pobre que vive gracias al voluntariado de los miembros de una iglesia cercana.

John sospecha que en esa iglesia suceden más cosas que ensayar en el coro y está en lo cierto ya que se dedican a la construcción de unas extrañas gafas de sol que te hacen ver la realidad, la humanidad está siendo conquistada por unos seres cadavericos que se ocultan a ojos de todos y sólo se descubren cuando son vistos tras esas lentes ahumadas y ya no te voy a contar nada más, el resto tendrás que descubrirlo tu y disfrutar de los acontecimiento que se narran en este película memorable y que ha conseguido ser una película de culto por méritos propios.

Y es que el film es realmente entretenido y a la vez narra en una forma fantástica algo tan común como es la diferencia de clases, la destrucción de la clase media por la avaricia de algunos, este film dibuja a esos personajes cómo seres extraterrestres que buscan infiltrandose en nuestra sociedad esquilmarla, muy parecido aunque con mensaje contrario con la protentosa película de Don Sieguel La invasion de los ladrones de cuerpos y es que este film en cierta forma representa casi una continuación de aquella obra del 56 auque realmente Estan vivos se fundamente en el relato corto de Ray Nelson Las Ocho en punto de la mañana. Por cierto, para los que les apetezca leer el relato que es bastante diferente a este film os dejaré un enlace a la narración completa en español, no es muy largo, se puede leer bastante bien y es realmente impactante, por lo que os lo recomiendo a todo el mundo.

John Carpenter que ya era todo un referente y que podía contar con una cantidad de actores del momento para interpretar a John Nada se fija en un luchador de Wresley el por aquel entonces famosisimo Roddy Piper que hace un papel bastante bueno, de hecho es que este papel le sivió para crearse una carrera como actor de reparto sobretodo en peliculas canadienses y es que hay que decir que que el bueno de Piper está creible en todo momento y eso que quien le da la réplica no es otro que Keith David que ya había sorprendido a Carpenter con su poderio interpretativo en La cosa.

Por cierto la explotación de los conocimientos en la lucha del bueno de Peper John Carpenter lo usa para crear una de las peleas más memorables del cine, una lucha en un callejón que dura casi 6 minutos y que es un alarde de movimientos de Wreslin una joya que tenéis que disfrutar por que es simplemente magnifica, su coreografía con un estilo muy alejado de las artes marciales que tan de moda estaban desde los 70 hasta hoy en día y es una bocanada de aire fresco desde que las patadas se impusieron a las viejas luchas a puñetazos de los films de los años 50.

Y donde la puedes ver, donde puedes disfrutar de esta joya del cine. Pues la tienes Tanto en Filmin cómo en Moviestar plus. Pero este film que era en su momento de lo más demandado de los videoclubs de la época son de esas obras que tienen que estar en cualquier filmoteca personal que se precie por lo que un DVD o Blue Ray harán de esas tardes aburridas una sesión trepidante de acción, lucha social y extraterrestres con aspecto de zombies.

Y ya voy a dar pot terminada esta reseña, pero antes quiero adelantaros cual será el film que narraremos la semana que viene, película que me habéis pedido una y otra vez que reseñe por que no es ni mas ni menos que la obra cumbre del cine vampirico la todopoderosa Dracula de 1992, film dirigido por Francis Ford Coppola que nos hace un retrato fiel al original de Bram Sotker.

Y si no te quieres perder esa reseña, si quieres estar al día de todo lo que subimos y de disfrutar de más de 300 películas reseñadas en el canal, por que no te suscribes si es que no lo has hecho aún, es muy facil, dale al boton de suscribirse a la campanita para que te avise cuando hay una reseña nueva y disfruta de dos sugenrencia de cine semanales. Y si te ha gustado esta reseña, si te he hecho pasar un rato agradable en Youtube por que no me reglas un like, el pulgar para arriba en el vídeo es como la propina en los restaurantes, nos indicas que hemos hecho un buen trabajo y que estás satisfecho, con la diferencia que tu bolsillo no se resiente, así que si quieres darle like, hazlo ahora antes de que se te olvide.

Y nada, con estas últimas peticiones vamos a dar por terminada esta reseña de Estan vivos, película que auna el terror suave con la ciencia ficción en cierta forma bastante vinculada con la obra de HP Lovecraft y uno de los referentes de aquellas obras maestras del cine de los ochenta

que si no conocias tienes que ponerle remedio cuanto antes y si la conoces seguro que ya te he puesto los dientes largos para que vuelvas a verla otra vez. Por cierto este dato es para ti querido amigo que has llegado al final del vídeo. El guión lo escribe un tal Henri Armitage que es el nombre de uno de los personajes de Lovecraft, pues bien bajo ese seudonimo se esconde realmente el propio Carpenter que debido a la cantidad de influencias recibidas por parte de varias fuentes literarias y del comic decidió que el famoso Armitage recibiera los honores de la escritura de este film

Y deseando que esta anecdota os haya gustado sólo me queda por desearte dos cosas, la primera que seas inmensamene feliz o por lo menos luches por ello, como nuestro protagonista de hoy John Nada y segundo y no menos importante que vivas el cine

Almas de metal 1973

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, veréis hoy os traigo un placer personal, una de esas películas que cambiaron mi forma de ver el cine cuando apenas era un niño y que me quedó en recuerdo que nos marcaron nuestro gusto cinefilo y es que las obras que imactan cuando eres muy joven se quedan para siempre contigo y eso me pasó con este Almas de metal de 1973.

Pero para ser justos Westworld que es como se llamó originalmente, en español tiene varios nombres en dependiendo de la región donde se estrenó, El mundo de los robots asesinos, oestelandia y este Almas de Metal que es como la conocí aquí en España.

Con el tiempo y a medida que fuy aprendido de cine, esa pasión por esta película de ciencia ficción no solo no decreció si no que aumentó en intensidad por un gran número de factores que os voy a narrar en esta reseña. Pero para poder empezar con la misma me van a permitir que os cuente un poco de que va el film, ya sabes que sin spoiler por que es un principio del canal y por que creeme no son necesarios para empujarte a ver la película, si es que no la has visto ya claro.

Os imagináis un parque de atracciones para adultos, un disneland para los padres, pues bien en un futuro próximo se ha creado dicho centro de entretenimiento, un mundo donde los visitantes pueden dar rienda suelta a sus más bajos instintos, vivir en un mundo medieval de duelos y princesas, la antigua roma con sus orgias y fiestas y por supuesto, el mundo del salvaje oeste lleno de duelos y atracos a bancos.

El caso es que la experiencia es totalmente realista ya que los actores del parque son ciborgs que sólo se diferencian de los humanos por las palmas de las manos, el resto son imperceptibles ante la comparación con un humano, por lo que se les puede pegar, disparar y otras cosas que ya os podéis imaginar y todo sin ningún tipo de  remordiemiento ya que simplemente son máquinas.

Pero un error en las computadoras de la empresa, empieza a dar problemas al parque, complicando la estancia de los visitantes y hasta aquí te voy a contar, el resto si no lo conoces vas a tener que disfrutarlo tu y creeme que merece mucho la pena.

Veréis la pelicula es pionera en muchos aspectos, es la primera pelicula en mostrar graficos digitales y para poder llevarlo a cabo no fue nada facil ya que se tuvo que rodar en 35mm, positivarlo en una fotografía estandar, esta tuvo que volver a ser fotografiada y tratada de forma digital para crear el pixelado y tuvo que volver a ser pasada a 35 mm. y es que lo que ahora tardaríamos pocos minutos en realizar fue una tarea ardua y pesada

Y segundo y más impactante, es la primera vez que en un film se habla de un virus informatico, un error en la programación que se expande como una enfermedad humana. Impresionante verdad.

Pues si esto os ha sorprendido, atento por que ahora llega lo mejor, la propia producción.

Chrichton era por aquel entonces uno de los escritores de ciencia ficción más famoso ya que robert whise cogió una de sus novelas para que en 1971 se rodara la portentosa La amenaza de andromeda.

Este film dio tanta fama al escritor que cuando quiso meterse en el mundo del cine, la televisión le dió una oportunidad creando el telefilm Pursuit para la Fox tv.

Pero claro Michael Chrichton quería rodar un largometraje cinematográfico y aunque quería alejarse de la ciencia ficción sabía que su único acceso a que una productora le pagara el film era no salirse del género que le dió fama, por lo que escribió el primer guion de Westworld, tras moverlo por todas las productoras, ninguna quiso arriesgar su dinero en una opera prima, todas excepto la Metro Golwing Mayer.

Y aquí quiero pararme un momento, veréis enla década de los 70, fue la eclosión del cine de autor, donde los directores implantaban su sello personal en las películas, el único estudio que se negó a claudicar fue la Metro y no sólo no claudicó si no que en su forma más tenebrosa creó un sistema de producción que ataba de pies y manos a los directores contratados, por lo que nadie que se lo pudiera permitir rodaba para la Metro Goldwing Mayer, directores como Robert Altman, Stanley Kubrick, Blake Edwards, Fred Zinneman o Sam Peckingpah fueron algunos que renegaron de la productora, un parentesis, Kubrick de todos los narrados era el que menos tenía que quejarse ya que le hizo el truco como decimos aquí en España a la productora del Leon con 2001 Una odisea del espacio en el que ató de pies y manos a la Metro goldwing Mayer y realizó el film que quiso con la oposición de la productora que cuando intentó meter mano en el film ya era demasiado tarde, pero volvamos al film.

Cómo hemos comentado antes ningun director que se lo pudiera permitir  rodaba con la Metro pero Chrichton no podía así que se reunió con el que por aquel entonces era el presidente del estudio James T. Aubrie que le comentó los temores de perder el control del film por culpa de la intromisión de la productora, Aubrie le dijo que no se meterían pero en cambio no podía pasarse de 1 millon de dólares y que el elenco actoral lo contrataría la metro directamente. Chrichton accedió y empezó el rodaje del film.

La metro contrató a Richard Benjamin que interpretaba a Pete Martin un abogado de chicago recien separado a que su amigo personal John Blane interpretado por un fantástico James Brolin le lleva al parque donde él ya a estado antes para intentar que olvide su reciente separación y para el robot pistolero un fantastico Jul Briner que volvía a enfundarse el traje de Chris jeremy Adams el protagonista en los siete magnificos. La película tenía un nivel bastante discreto en el elenco artistico, debido a que por problemas de presupuesto no se podían permitir ninguna estrella. ¿Entonces cómo pudieron fichar a Briner? pues muy sencillo, la productora sabía que el bueno de Yul pasaba dificultades economicas y que bajaría su cache y dicho y hecho Yul Briner apareció a cambio de 75 mil dólares.

La película mantenía con dificultades el presupuesto límite de un millón, esto la metro fue consciente viendo la cantidad de descartes narrativos que el director hacía, así que en un movimientointeligente por parte de la Metro, aumentaron ese límite en 250 mil dólares más, lo que permitió a Chrichton realizar digitalmente la visión de los robots, así como el crear un spot televisivo que iba a tener mucho peso en la parte final del film y algunas acciones extra que redondeaba la película.

El film resultó ser un éxito sorprendente, primero por que era una opera prima, segundo por la cantidad de competencia que tenía en pantalla recuperando con el segundo film de semana ya toda la inversión de la metro y consiguiendo cuadruplicar el mismo sólamente con al recaudación de EE.UU. y canadá, por lo que podemos entender que pronto tendríamos una secuela, secuela que narraremos en el proximo vídeo, pero antes decirte donde la puedes ver.

La idea de la continuación de este Almas de metal venía de la mano del productor Samuel Z Arkoff que tenía en mente la idea de una corporación que había mutado a un lado más oscuro, lado que intentarían sacar a la luz dos periodistas.

El caso es que ni Chrichton ni la metro estaban interesados en la continuación por lo que a Arkoff le costó vender el proyecto a ninguna grande, las otras major temian que el film no estuviera a la altura ya que siendo un éxito si no la rodaban la secuela era por algo, así que el productor solo consiguió que la American international pictures la rodara.

A ver esta secuela es más bien mala, aunque tiene su encanto está a años luz del original pero cuidado es la que se toma de referencia para la serie de televisión, por lo que si quieres saber de donde viene la historia de Westworld quizá sea interesante que le eches un vistazo.

Y volviendo a este Almas de metal, donde la puedes ver.

Pues la tenéis en Hbo para ser disfrutada, un film que si no lo has visto tienes que ponerle remedio inmediatamente y si eres fan del género, tendrás que buscar un dvd o blue ray para tu filmoteca personal, ya sin ella tu colección estará incompleta.

y nada ya ha llegado el momento de despedirme no sin antes recordarte que si no estás suscrito que lo hagas, que le des al botón y la campanita para que te avise cuando subimos un vídeo y que si te a gustado este consejo de cine me regales un like que me hace muy feliz.

pero te suscribas o no, le des like o no, sólo tengo dos deseos para ti. el primero que seas muy feliz o por lo menos lo intentes y hasta que nos veamos en un par de días que vivas el cine

Excalibur 1981

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, veréis hay películas que por su belleza visual, por su aura de leyenda han conseguido traspasar las décadas estando de actualidad hoy en día, pero si una película brilla con luz propia esa es Excalibur, obrá mítica de los ochenta, film prodigioso del género de espada y fantasía y quizá la obra cumbre de las leyendas Arturicas en el cine y es que este film rodado por John Boorman es una de esas obras inmortales del septimo arte que tienen mucho pero mucho más que vamos a contar en esta nueva videoreseña.

Antes de empezar por la producción me van a permitir que les hable de forma personal sobre este film. veréis esta obra es de mis películas de cabecera, quizá la obra que más me ha impactado visualmente, cada uno de sus planos es una obra de arte en si mismas, el color, la luz, los efectos visuales son simplemente míticos, ver esta obra es como ir a un museo para quedar embelesado con cada propuesta artistica y es que cuando un film lleva en la cabeza del director más de 10 años, es normal que el resultado sea sobresaliente.

John Boorman jamás fue un director que me removiera por dentro, de hecho sus películas pasaban sin pena ni gloria por mi cabeza a excepción de la maravillosa Defensa, su estilo visual en la ciencia ficción como en Zardoz no llegaban a llenarme del todo, tanto color, tanta luz me arrebataban, sus obras más recientes como el Sastre de panamá no pasaban de ser un entretenimiento y todo habría seguido así si no fuera por que rodó este film sobre la leyenda del rey Arturo, fue ver simplemente 5 minutos de película y quedar a los pies de esta obra y pensar que con ella, el bueno de Boorman tocó el cielo con las manos, por que no se puede ser más perfecta, con el tiempo mi vida me llevó al cine y su estudio me llevó recurrentemente a esta película apreciando en toda su magnitud la obra maestra que había rodado el director en los años ochenta.

La complegidad narrativa, Boorman tenía que contar toda la vida de un hombre desde su gestación hasta su muerte, narrar las cuatro estaciones vitales de un rey con el peso de estár anclado a la tierra y que sus circustancias personales están ligadas inexorablemente a la de su pueblo y todo eso debería de estar encapsulado en una obra inferior a tres horas y hacerlo con esa maestría simplemente es algo inusual, muchos autores para contar menos han tenido que usar una trilogía.

La complegidad visual, ¿Cómo se puede rodar la fantasía, cómo se puede representar camelot, como sería vivir en un mundo en el que la magia está ligada a la cotidianidad? Que dificil se hace pensarlo, que complejo es representarlo pero Boorman lo realiza con una aparente sencillez que sólo cuando se tiene muy claro lo que se quiere y se es un genio es capaz de salir bien.

Y el ritmo del film, que grandioso es el ritmo, cómo los acontecimientos felices pasan rápidos pero los aciagos se nos hacen eternos, como sufrimos con nuestros personajes, cómo encontramos alivio cuando todo lo malo ha pasado, que dificil es hacer todo esto, pero que fácil le sale al gran John Boorman.

Y es que esta obra para mi es más que una película, son parte de mis sueños, de mi fantasía.

Y es que jamás Arturo ha sido más real que en esta película.

Pero si alguien no conoce la película creo que es el momento de reseñarla, veréis en este canal no se haden spoiler, nuestro principio es no desvelar nada del film, pero en este caso es casi imposible, o ves la pelicula o no la ves, da igual que te la cuente de pe a pa y aún así no haberla conocido, por que en gran parte del film realmente no es lo que te cuentan si no como te lo cuentan, pero de todas formas tranquilo, no desvelaremos nada de la trama para que la disfrutes completamente de esta obra maestra.

En una cruenta guerra Uter Pendragón y el Duque de Conway por el trono es el primero el que consigue alzarse gracias a la famosa espada de Excalibur, el Duque de Conway claudica y se firma la paz en el castillo de este, pero Uter cae rendido ante la belleza de Igrane la esposa de su nuevo subdito, esté decide hacerla suya abriendo otra vez la guerra entre Uter pendragon y el Conde.

Uter que tiene como aliado al mago Merlín le pide que le entregue a Igrane y que él a cambio le otorgará cualquier cosa que le pida, Merlin accede y mediante un embrujo consigue que el Rey Uter haga suya a Igrane gestando en ella un varón, todo parece que va sobre ruedas para el rey Uter consiguiendo todo lo que anelaba hasta que la llegada de Merlín hace que todo vuelva a torcerse al reclamar la deuda que tiene pendiente con él, reclamando para si el niño recien nacido, ese niño se llamará Arturo y su destino será ser rey y hasta aquí te voy a contar el resto lo tienes que ver tu, en un film que tiene aventuras, traiciones, romanticismo, guerras y perdones en una epopeya que simplemente es mítica y que su visionado seguro que te cambiará la forma de ver el cine de fantasía.

La obra es un trabajo personal de Boorman, junto con Rospo Pallenberg escribieron un guión sobre la leyenda del rey arturo basado en parte en la novela del siglo 15 La muerte del rey Arturo de Thomas Malory, el borrador del guión se lo llevaron a los grandes estudios ya que para poder sacar adelante el film necesitaban un presupuesto de cerca de 10 millones de dólares, Por motivos economicos ninguna productora se sintió empujada a comprar el proyecto aunque la United Artist vio una salida a su proyecto personal, veréis el estudio había contactado con Saul Zaentz que tenía los derechos de explotación de la obra de Tolkien el Señor de los anillos para el cine y estaban buscando una salida para poder sacar adelante el proyecto por lo que le pidieron a Boorman y Pallenberg que retocaran el guión para que encajara con la trilogía de Tolkien.

Estos terminaron un guion que hoy en día está disponible en la red e incluso se han realizado documentales de la versión de Boorman sobre el señor de los anillos para realizar una película de imagen real, que por costes otra vez la United Artist rechazó, pero comprandoles el guión ya que tenían en mente realizar la película en animación por parte de Banski, que saldría infinitamente más barato y aunque no suelen aparecer acreditados es este guion de Boorman y Pallenberg el que se toma como base para prealizar el Señor de los anillos de 1978.

Y todo queda ahí guardado y olvidado en un cajón, Boorman sigue rodando cine y el mundo girando hasta que cinco directivos de la United Artist astiados con el trato que les daban en el estudio abandonan este y crean su propia productora Orion Pictures consiguiendo un contrato de distribución en exclusiva por parte de la Warner en 1978 y ¿que proyecto tenían en mente? pues si, la versión arturica de Boorman con lo que le pidieron que retomara el proyecto, Boorman no sólo iba a dirigirla si no que iba a correr con parte de los gastos siendo el tambien productor por lo que la negociación fue facil, El paso de la Leyenda del Rey Arturo a la adaptación de la trilogía de Tolkien y el regreso otra vez a la leyenda arturica hizo que parte de la magia que el señor de los anillos quedara impresa en la obra.

Merlín es un mago al más puro estilo Gandalf, un ser extraterrenal que vive al margen de las leyes humanas aunque con predilección por estos en un mundo cambiante y es que buena parte del film nos narra el cambio de la edad antigua a la moderna, del paso de las tribus de dioses y leyendas a un mundo más cerebral y civilizado con el cristianismo imponiendose sobre los ritos celtas.

Esta intrahistoria es tan potente que abrarca todo el film, el mundo del comienzo poco o nada tiene que ver con el final, un final que a la vez es un principio cómo del ciclo de la vida se tratara. 

La película tenía uno de los trabajos fotográficos más impactantes del momento por parte de Alex Thomson y para ser justos uno de los más prodigiosos de la historia que le hizo estar nominado junto con El estanque dorado, rojos, ragtime y enbusca del arca perdida, aunque pudiera parecer que la batalla estaba entre el film de Spielberg y el de Boorman el ganador de aquella ceremonia fue Rojos de Warren Beauty, no pienso comentar nada más.

En cuanto otro aspecto destacable del film es el vestuario, madre mía la calidad que le otorgó el bueno de Bob Ringwood, hoy en día le debemos parte del vestuario de casi todas las películas posteriores sobre la época medieval y de espada y brujería, su trabajo es excelente otorgando de luz a los caballeros con sus armaduras plateadas y de oscuridad a las huestes una joya hecha cine que no tuvo ni una nominación en los Oscar aunque si en los Bafta.

El único festival que si supo ver la gloria de este film fue Cannes que le otorgó el premio a mejor contribución artística, totalmente justo y necesario.

Pero si esta película le ha dado un premio que pocas películas consigue, esa se la hemos dado los aficionados al cine ya que este film a conseguido la inmortalidad y ese premio no tiene nigun tipo de sesgo o pasas el filtro del tiempo o no y este film lo pasó con creces.

Y ya voy a ir terminando esta reseña, reseña que me habéis pedido varios suscriptores que os hiciera y por fin ha llegado el día, por cierto, no estás suscrito al canal. pues a que esperas, dale al botón y a la campanita y por cierto ¿si te gustó el vídeo por que no me regalas un like? es un gesto maravilloso que da valor al trabajo realizado y un agradecimiento eterno por mi parte.

Y que vendrá despues de este Excaliburn de John Boorman, pues dos películas de ciencia ficción maravillosa Almas de metal de 1973 y su continuación Mundo Futuro del 76 dos joyas que han puesto en la picota gracias a la serie de HBO pero que tienen mucho, pero que mucho más que merecen una reseña por nuestra parte. 

Pero hasta que llegue ese momento, sólo me quedan dos cosas que decirte, la primera que seas inmensamente feliz o por lo menos lo intentes y la segunda como no puede ser de otra forma Que vivas el cine