Charlie y la fábrica de chocolate 2005

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy con todos vosotros Charlie y la fabrica de chocolate de Tim Burton

Por cierto al final de la reseña te hago una pregunta que me gustaría que me contestaras, pero bueno eso será tras terminar esta reseña de este maravilloso film

Hablar de está película como un remake de Mundo de Fantasía o Billy Wonka y la fabrica de chocolate no es del todo correcto, cómo ya hablamos en la reseña anterior del film rodado en 1971 tubo infinidad de cambios sustanciales entre la novela y la película, mientras que esta versión si que podríamos decir que se centra más en el libro que en la obra de Mel Stuart, con lo que podríamos decir que esta película del 2005 es una nueva adaptación de la obra literaria y no un remake al uso, por lo que podemos decir que ambas obras narran una misma historia pero con formas y tramas diferentes.

Pero para adentrarnos de lleno en la producción, en lo que se diferencian y sobretodo comentaros cual me gusta más, vamos directamente a contaros la sinopsis de la obra, como siempre sin spoiler por lo que esta tranquilo.

La historia nos narra la vida de Charlie un niño de clase baja, su padre trabajador en una empresa de dentifricos no gana lo suficiente para sacar a su familia adelante, sobretodo al tenerse que hacer cargo no solo de su mujer y su hijo si no que tambien de los cuatro abuelos que están impedidos en una cama.

La factoria de chocolate que daba trabajo a su abuelo materno cerró hace tiempo quedando en el recurdo de este fabulosas historias que le narra a Charlie. Un día y por sorpresa el dueño de la factoría el chocolatero Billy Wonka decide dejar entrar a 5 niños acompañados de un adulto a visitar su factoría, para ello a ocultado en el interior de 5 tabletas de chocolate 5 tiquets dorados, siendo estos la única forma de entrar a la fabrica de chocolate.

Mientras que el mundo se vuelve loco buscando dichos tiquets dorados, Charlie apenas puede comprar una tableta el día de su cumpleaños, las posibilidades son mínimas pero la suerte hace que una tableta premiada con uno de esos tiquets caiga en sus manos, dando así el inicio a una película de aventuras fantástica dentro de un mundo de golosinas.

El film reinterpreta de una manera eficaz el escritor John Agust que sabe adaptar las miserias de los años 60 a los 2000, los niños egocentricos y tiranos son un reflejo de los niños más maleducados de nuestro tiempo, que no dejan de ser un reflejo de sus padres. Niños hipercompetitivos, glotones o sabiondos, con un poso egoista que contrasta con la bondad y generosidad de Charlie, mostrando que muchas veces los que más tienen menos dan y los más desafortunados entregan todo, un contraste que está patente en ambas obras y que hacen de el film una lección no a los niños si no a los progenitores que han de pensar si ellos se representan en algunas de las actitudes negativas de los personajes más antipáticos del film.

La producción de la película no fue nada fácil por parte de la Warner, el primer escollo era conseguir los derechos ya que Dalh que no quedó satisfecho cómo os comentamos en el vídeo anterior con la producción del film del 71, se cerró en banda para permitir nuevas adaptaciones de su obra, de hecho es que La warner tuvo que firmar una cláusula de protección primaria a la historia de Dalh y el visto bueno del reparto por parte de los herederos, estos dieron el visto bueno en 1998, tras comenzar el guión en 1999 por parte de Scott Frank, mientras tanto la Warner buscaba el otro puntal del film, la elección del director. 

Aunque ahora parezca imposible uno que no fuera Tim Burton, tuvo uno anterior que no era ni más ni menos que Gary Ross, pero llegado el 2001 tanto el guionista Frank, cómo Ross abandonan la producción, quedando Charlie y la fabrica de Chocolate en suspenso durante 2 años.

Por la producción pasaron Rob Minkoff, Tom Shadyac e incluso Martin Scorsesse, cómo posibles directores, pero fue Tim Burton el elegido en mayo del 2003, a pesar de que ya había casi 6 borradores del guión, Burtón contrató a John August para escribir otro guión desde el principio. August fue fiel a la novela ya que tanto Burton, cómo el o cómo la familia Dalh renegaban de la versión del 71 lo que daba margen para crear pequeños cambios con el visto bueno de los herederos.

Junto con Tim Burton entró en la producción su actor fetiche Johnny Deep que encarnaba a un Billy Wonka con un peinado imposible.

Y el resto es historia, un taquilla envidiable a nivel mundial y una cantidad ingentes de fans hicieron olvidar a las nuevas generaciones aquella antigua versión del 71. ¿Pero cual es mejor, o mejor dicho, cual es la que personalmente me gusta más?

Pues no hay una respuesta absoluta a esa pregunta, ya que creo que en ambas obras hay luces y sombras y cómo si de un duelo automovilistico se tratara, una adelanta a otra y viceversa sugún se desarrolla el film.

La principal diferencia es que la versión del 71 es un musical y la del 2005 no, por lo que seguro que si adoras los musicales te gustará más la del 71 y si no los soportas pues te quedarás con la del 2005, yo que no me situo ni en uno ni en otro lado, sinceramente que sea una obra musical, no me afecta en absoluto, las canciones y melodías de la del 71 están muy bien integradas en la historia, siendo esta fluida y bastante bien encajada. 

En cuanto el aspecto, el realismo de la obra primitiva contrasta con el CGI de la de Burton, donde este crea su particular mundo retorcido y oscuro que sinceramente creo que le viene cómo anillo al dedo y pienso que este aspecto de producción le da un plus a la versión más moderna.Siendo la de Burton mi favorita.

Las interpretaciones de los niños son magistrales, las de ambas obras, pero la intrahistoria de orfandad de la primera versión, la necesidad de que el niño tenga que madurar por fuerza, hacen más creíbles la sensatez de éste, siendo la película del 71 mejor en ese aspecto que la versión moderna.

El segundo acto es totalmente diferente, en uno marca brevemente la vida de la familia y da un retrato leve de la histeria por conseguir los tiquets, entrando de lleno a presentar a los 4 niños que serán los antagonistas del film, mientras que la versión del 71, entra de lleno, sus momentos de comedia, el retrato de histeria por conseguir uno de esos dorados pases son divertidísimos por lo que también en ese aspecto triunfa el viejo film.

Uno de los atractivos de la película de Burton son los Umpa Lumpa, que con unas coreografías totalmente descacharrantes dan un plus a los pequeños trabajadores que no tiene el film de Stuart y que aquí la versión moderna supera al clásico.

Y ahora vamos al personaje más icónico Willy Wonka, a ver en el film de Tim Burton el personaje se dibuja más, sabemos de su infancia de sus miedos y traumas, mientras que en el de Stuart es una página en blanco una especie de mago de Oz donde poco a poco vamos conociendo pero sin saber muy bien que va a pasar con él, ambas intrahistorias están fenomenalmente interpretadas y narradas por lo que no puedo elegir una, ambas son maravillosas, pero diferente es el actor y es que no es lo mismo Johnny Deep que hace un maravilloso papel que el gran Gene Wilder, aquí no hay comparación, Wilder es capaz de interpretar la locura sin parecer un outsider, mientras que Deep lleva al extremo la actitud del personaje al igual que hizo con el sombrerero loco o su Jack Sparrow, por lo que me quedo con la actuación contenida y magistral de Wilder.

Y ahora llego al punto que para mi es el que hace que me decante por la versión del 71 y es el final. veréis el final del 2005 es francamante bueno, termina en todo lo alto y es una buena guinda final al film, pero el tercer acto en el ascensor de la versión del 71, cuando narra sus planes Wonka, explica el por que de todo con un Gene Wilder soberbio me siguen emocionando hoy en día tras verla decena de veces y es que ese final, si lo has visto jamás lo olvidarás, jámas verás una verdad tal en la actitud de un actor frente a su destino. Éste junto con el monologo de Blade Runner son de esos que llevaré siempre conmigo y es por esto, por lo que aun siendo una gran versión la Burton, que supera muchas veces al original hace que me quede con la versión primitiva que dio lustre nuestro rubio de cabellos rizados el gran Gene Wilder.

Y dónde puedes ver esta maravillosa versión, pues la tienes tanto en Amazon Prime video cómo en HBO Max, con lo que seguro que puedes ver este film sin necesidad de recurrir a otro tipo de formas.

Y ya voy a dar por terminada esta reseña y me gustaría hacerte una pregunta que os adelanté al principio de la reseña que os haría

En los comentarios quisiera saber si has visto las dos versiones o sólo una y en el caso de haber visto las dos, por favor puntuamelas, yo para dar ejemplo lo voy hacer, para mi la versión del 71 es un 8 y la del 2005 un 7 y medio.

Pues deseando saber lo que opináis vosotros y vuestra puntuación, por cierto no hay respuesta correcta ya que sobre gustos no hay nada escrito, me despido deseándoos que seáis muy felices y viváis el cine

Un mundo de fantasía

 Queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy el canal se viste de gala para recibir otra vez a uno de los mayores cómicos de la historia del cine, un actor y director que realizó un cine comercial pero de calidad, unas películas que iban desde la comedia ligera hasta el músical de corte juvenil por que Un mundo de Fantasía o Willy Wonka y la fábrica de chocolate de 1971 es una de esas maravillosas películas que encarnó un siempre maravilloso Gene Wilder.

Willy Wonka y la fábrica de chocolate nos narra varias historias en un sólo film, una película con argumentos diferentes segúnte vas adentrando en la película y es que el libro de Roald Dahl escrito en 1961 es de una riqueza increible que diez años despues Mel Stuart supo plasmar en la pantalla con todo el explendor que la obra necesitaba.

Esta película es una de las obras más importante del director y bajo mi punto de vista es la más importante, una rara avis dentro del séptimo arte, veréis cuando el cineasta se embarca en este proyecto su trayectoria  en la dirección era apenas nula, un documental titulado cuatro días de noviembre del 64 y dos comedias romanticas, si hoy es martes esto es Belgica  del 69 y Amo a mi esposa de 1970, todas producidas por la productora de David Lloyd Wolper, una productora especializada en series de televisión y documentales. Los trabajos entre Stuart y Wolper granaron una amistad tan fuerte que la hija del director llamaba al productor tio Dave y es que en este film la niña tiene mucho peso ya que tras leer el libro pidió a su padre y a tio Dave que hicieran realidad lo que ella leía en su libro. Pero había varios problemas, el primero era que Wolper no tenía la capacidad para producirla y tampoco disponía del capital suficiente cómo para hacerse con los derechos de la novela pero es aquí donde el trabajo tenaz de un productor demuestra el sentido de este oficio, moviendo a sus contactos se enteró que una chocolatera norteamericana debido al éxito de la novela se hizo con los derechos del chocolate Wonka que pretendía superar las ventas creando el chocolate del libro y Dave se puso en contacto con la chocolatera y dijo que si el libro se hacía película, no solo podían llegar a más público si no que la propia tableta Wonka que saliera en el film sería con el logotipo del emboltorio de ellos mismo, teniendo en exclusiva no solo el nombre si no que tambien la imagen.

Esta idea le permitió firmar un contrato y que la chocolatera no sólo comprara los derechos si no que pusiera 3 millones de dólares para rodar el film.

El contrato convenía que el guión sería escrito por el propio autor de la novela Dahl, pero este no llegó a tiempo, entregando un borrador y este estaba a años luz de ser cinematográfico, hay que decir que el lenguaje literario y del cine son diferentes y que pocos son los autores que se adaptan a ambos géneros y Dahl no era uno de ellos, por eso se contrató a David Seltzer que sin acreditar montó el libreto que apareció en pantalla, incorporó subtramas, dosis de dramatismo y giros narrativos que la novela no tenía, eso hizo enfurecer a Dahl ya que no seguía su historia al pie de la letra y renegó siempre del film, pero hay que decir que todos los cambios fueron simepre a favor de la película, que el niño fuera huerfano en vez de que su padre trabajara en una fábrica de dentifricos, por cierto no mucha gente sabe que sin acreditar tambien había varias escenas escritas por Robert Kaufman sobre la histeria colectiva por conseguir una de las láminas doradasy que son parte importante del éxito del film.

Wolper no podía sacar a Dahl de los creditos ya que daba un respaldo a la película importante, por lo que prometio a Seltzer producir su próximo film.

Y entonces empezó a crearse el reparto y el personaje más importante de la película era el confitero Wonka, para ello audicionaron a infinidad de actores, pero cuando llegó Gine Wilder Mel Stuart supo que debía de ser Wonka, simplemente era perfecto con lo que se le contrató de inmediato, Wilder con un setido total de la profesionalidad se metió en el personaje tanto que exigió cambios en el color del traje, la forma y hasta la altura del sombrero y aquí hay otra anecdota maravillosa con el actor y su personaje. El quería marcar el caracter de Wonka desde el principio, un personaje burlón y mentiroso y para ello se le ocurrió que en la presentación apareciera cojeando y despues mostrar que era una broma dando un mortal hacía delante, Mel Stuard dudaba, pero Wilder le dijo que o se incorporaba o dejaba el papel, por lo que tuvo que transijir creandose así una de las presentaciones de personaje más divertidas e impactantes del cine.

La película narra varias historias en paralelo cómo ya hemos dicho al principio por lo que más que una sinopsis del film, permitanme que esta vez os de un retazo de todos los argumentos que nos plantea la película, pero tranquilos, los más veteranos del canal saben que jamás hacemos spoiler por que el principal motivo de este canal es empujaros a ver la película y no ser un sucedaneo barato de la misma quitandoos las ganas de verlo ya que si te la destripo para que embarcarte en la historia.

Veréis la historia nos narra la vida de Charlie un huerfano pobre que su vida simplemente es un pozo negro, su madre debe trabajar hasta la noche para sacar adelante a los 4 abuelos impedidos que viven con ella y él ayuda en su casa trabajando cómo repartidor de periodicos, a diferencia de todos sus compañeros de clase él no puede permitirse nada sólo soñar, pero al crear Wonka unas papeletas para entrar en su fabrica, nos encontraremos que el sueño tampoco se lo puede permitir por que mientras que el puede comprar 2 tabletas sus compañeros superan los centenares.

Otra de las tramas que nos plantea la película es un retrato de la sociedad sin valores, niños  que son un reflejo de sus padres, abaros, ambiciosos y siempre queriendo más sin disfrutar de lo conseguido, un reflejo de una sociedad corrupta que no dudan en hacer trampas para entrar o hacer acopio de todas las tabletas para ser ellos los afortunados, un buen ejemplo de esta narrativa es cuando secuestran a un hombre para que su mujer dé la ultima caja de wonkas que posee.

Y por último un duelo entre dos confiteros que luchan por arruinarse mutuamente entre Wonka y Mr. Slugword.

El film es trepidante y maravilloso, con unas canciones memorables que han quedado para siempre en el imaginario colectivo gracias al trabajo de Leslie Bricusse y Anthony Newley.

¿Y donde puedes ver el film? pues lo tienes en Moviestar Plus, Filmin y Filmin Latino, pero si eres de Hispanoamerica la tienes directamente en HBO Max.

Así que es una obra que puedes ver de una manera fácil, pero cómo siempre te digo, como las plataformas quitan y ponen títulos durante el tiempo, si de verdad te gusta, un DVD o blue Ray físico es una muy buena opción.

Y ya vamos a dar por terminada la reseña, no sin antes comentaros que esta película tiene un remake realizado por Tim Burton del 2005 y que será la próxima reseña dentro de un par de días, donde no sólo comentaré la nueva versión si no que os diré cual de las dos versiones es mi preferida y si no te lo quieres perder, lo mejor que puedes hacer es darle al botón de suscribirte y a la campanita y si crees que es interesante esta reseña que compartas el vídeo con tus amigos y familiares o por redes sociales.

Y sólo quiero decir una cosa, Peter Ostrum en el 2016 puso en su perfil de Linkedin Ex Actor, veterinario y dueño de una fabrica de chocolate, si has visto la película lo entenderás.

Y ya sabes que no voy a terminar el vídeo sin desearte dos cosas, que seas muy feliz y que vivas el cine

La casa de las sombras del pasado

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, veréis hasta ayer mismo no sabía con que película de Price cerrar su ciclo, podía cerrar con obras maestras del actor cómo El pendulo de la muerte o La máscara de la muerte roja, tambien pensé en terminar su ciclo por el principio sus primeros éxitos El mago asesino o El barón de harizona, pero al final pensé, ¿que mejor que terminar este homenaje con una película que homenajea no sólo a los grandes actores de la serie B si no al género en toda su magnitud? y es por eso que he decidido esta noche reseñar La casa de las sombras del Pasado de 1983

Pete Walker director de poco prestigio incluso dentro de la serie B homenajea en la época de los 80 un género que se veía como anticuado y rancio, su valentía llegaba al ser la última película en rodar, un film que cierra su filmografía cómo hubiera deseado cualquier director, con uno de los mejores elencos de la historia del terror gótico.

Antes de empezar con la reseña te tengo que ser sincero, ¿es un gran film?, pues no, ¿es una obra que resulta ser un referente del género? pues tampoco y ahora te sentiras extrañado preguntándote por que te aconsejo que veas este film por encima de otras obras mayores.

Pues por que es una delicia, sencilla, directa, a ratos memorables y siendo una obra de un autor que aunque no tan brillante como otros fue un enamorado de su género que quisó regalarnos en pantalla el mejor homenaje que un fan del género desearía, por que señores y señoras, niños y niñas, en sus pantallas aparecerán rostros tan memorables cómo son los cuatro ases del cine de terror de todos los tiempos, Chistopher Lee, Peter Cushing, John Carradine y cómo no nuestro admiradísimo y homenajeado Vincent Price.

Cuatro actores que curiosamente fueron parte de las pesadillas de los 70 y que en la década de los 80 estaban siendo tratados cómo viejas glorias del pasado y que demuestran en este film que el arte es eterno y que el talento no hace más que crecer con los años y lo demuestran en un film atípico y a veces sorprendente.

Vamos con la sinopsis de la película que cómo ya sabéis es siempre sin spoiler y creeme que en esta cinta el no desvelar nada de la película es simplemente indispensable.

El escritor de prestigio Kennet Magee se apuesta con su editor que es capaz de escribir una novela clásica de terror en un día si le permiten escribirla en el ambiente adecuado, el montante de 20.000 libras hace que el productor acepte la apuesta permitiendole escribir en el caserón que tiene en venta un conocido suyo.

tras la llegada de Magee se da cuenta de que el caserón abandonado lo que se dice abandonado no está ya que una pareja de guardeses cuida de la finca y una cantidad de casualidades hace que pronto otros visitantes lleguen a dicho caserón, con lo que nuestro escritor tendrá que lidiar con los acontecimientos que ocurren mientras intenta terminar con éxito su apuesta de escribir su novela.

El film que se basa en la obra original Erld Deer Biggers es una delicia de encuentros y descubrimientos constantes, con la necesidad del espectador de no pensar mucho en los acontecimientos por que si no la obra se cae, pero que si te dejas llevar, el camino que resultan ser los 100 minutos de película son una verdadera delicia, un verdadero manjar para todos los que somos fans del género en un tributo que cómo no podía ser de otra forma es un poco mediocre y un poco magestuoso cómo el genero mismo al que homenajea.

La película sabe mantener la tensión en todo momento, tomando prestado sin rubor ninguno retazos de obras míticas de autores cómo agatha Cristie, en un film que más de terror, por que terror no es, de misterio y de intriga, con un escritor cómo notario de los acontecimientos que irremediablemente ocurren a su alrededor sin muchas cosas que pueda hacer, de un misterio familiar que parece que ata a todos los integrantes en una especie de prisión de silencio y con unas y eficaces intrepretaciones que siempre salvan el plano y que sirven para demostrar que aquellas viejas estrellas seguían siendo tan potentes y eficaces cómo en las décadas pasadas y quiero hacer un inciso hoy que cerramos el ciclo de Price, para revitalizar una figura que pocas veces se reclama en el cine fantástico y de terror, el padre de la saga de actores el maravilloso John Carradine que tiene títulos memorables de la serie B cómo La mansión de Drácula, el Fantasma de la Momia o La venganza de los Zombis, un gran actor cabeza de la saga Carradine donde David, Keith y Robert dieron continuidad y nuevos laureles a tan cinemátografico apellido.

Y dónde puedes ver este film, tributo del cine que mas nos gusta a algunos, pues lo tienes tanto en Amazon Prime vídeo como en Filmin y Filmin latino, un acierto para esas tardes o noches donde te apetece ver a todos estos astros juntos.

Y ya vamos a dar por terminado este ciclo que películas que no sólo son un homenaje al gran Price, si no que tambien del género al que le dió gloria y deseando que os guste este film no muy conocido pero que sin ser perfecto es brillante y a ratos una joya con un final maravilloso que espero te sorprenda y te guste termino mi reseña como siempre esperando que te guste tanto cómo para darme un like y si no lo estás te suscribas y ya sólo me quedan dos cosas por decirte, que seas muy feliz y que vivas el cine

La caída de la casa User

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, hoy volvemos con el ciclo que le estamos dedicando al maravilloso Vincent Price uno de los rostros más conocidos de la clase B y hoy tengo el honor de reseñar uno de sus film míticos, una obra oscura y gótica dirigida por el gran Roger Corman en 1960 y es que no es otra película que la caída de la casa User.

El film es una de las múltiples adaptaciones literarias que hizo Roger Corman de los relatos de Edgar Allan Poe para la International American Pictures, un buen puñado de obras memorables que dieron lustre a las novelas del escritor, donde casi siempre asomaba el rostro el maravilloso Vincent Price.

La película nos narra la llegada de Phillip Winthrow el prometido de Madaline User a casa de esta, un caserón siniestro edificado en medio de unas tierras desoladas, a pesar del aspecto Phillip llama a la puerta siendo recibido por un viejo y triste mayordomo, éste le cuenta que Madeline está enferma y no le puede recibir, aún así Phillp insiste, siendo recibido por el hermano mayor de Madeline y dueño de la casa el Sr. Roderick User, un hombre aquejado de infinidad de enfermedades, su imponente aspecto está apunto de sucumbir igual que su casa, Roderick le comenta a Phillip que no puede llevarse a su hermana ya que está igual que el y la casa son presa de una maldición, comentario este que sirve de acicate a Philip para llevarse a Madeline fuera de ese ambiente tóxico y hasta aquí te voy a contar ya que el resto de la película tienes que descubrirtlo tú, cómo bien sabes en el canal no hacemos Spoiler pero si necesitas más motivos para ver la película vamos de lleno a narraros la producción del film.

Corman, quería rodar una película en tecnicolor, un cache poco habitual para las películas de serie B del momento por el coste elevado que tenía el revelado del celuloide, además de pedir rodar en 2 semanas en vez de los diez días habítuales en la American International Picture, la historia seleccionada era el relato de Poe la caída de la casa User, el motivo de adentrarse en la novela de Poe eran dos, por un lado el relato era popular en aquellos entonces lo que aseguraba un buen puñado de espectadores a las salas de cine y el segundo y no menos importante era que la obra era de dominio publico con lo que se ahorraban los costes de autor. La historia no era del todo bienvenida por parte de los productores de la American International Picture ya que el relato original no tenía un antagonista claro, era una historia fantasmal alejado mucho de un film comercial, pero Corman les convenció diciendo que si tendrían un enemigo, la casa sería el antagonista, dicho lo cual decidieron contratar a Mathelson uno de los más eficaces escritores de ciencia ficción y terror de toda la historia y adaptó la novela para poder ser narrada en una película, realizó varios cambios, el primero meter un romance y un impedimento a este, con lo que la tensión estaba inmersa en la historia desde el minuto uno, la casa tendría un conocimiento propio, siendo esta cómo dijo Corman el enemigo a batir en la cinta y para terminar la oposición del hermano contra toda razón para que Philip saque a la chica de la casa.

Estos tres cambios sobre la novela, haciendo más un thriller que una historia de fantasmas fue todo un acierto y es que no en bano Richard Mathelson es uno de los escritores que mejor se adaptan al cine, capaz de escribir una novela con sus códigos y adaptar esta al cine con su técnia, un genio de su tiempo que nos regaló obras tan recordadas cómo soy leyenda o el Increible Hombre menguante.

La producción se asentaba en cuatro actores, Harry Ellerbe que hacía de mayordomo, Myrna Fahey que encarnaba a Madeline, Marck Damon que interpretaba a Philip y la figura imponente de Vincent Price encarnando a un rubio Roderick, sus trajes carmesí son hoy en día una de las imágenes icónicas del cine que junto al color saturado del cinemascope daban una presencia única en pantalla.

Un film que hoy puedes disfrutar en infinidad de DVDs y Blue Rays, que ademas tienes disponible tento en Filmin cómo en Filmin latino para españa y Mexico pero que al ser un cásico puedes encontrarla relativamente fácil.

El film tiene un aspecto muy superior al coste de producción que se elevó a 270 mil dólares y uno de esos aspectos es la llegada de Philip por los campos arrasados y eso es debido a una casualidad que le dió un empaque especial a la cinta. Unos días antes del rodaje un incendio arrasó una colina de Holliwood , Holliwood Hills dejando un aspecto desolado al terreno, Corman aprovechó la oportunidad y se fue con el equipo de rodaje al campo arrasado por el fuego, creando uno de los inicios más espectaculares de la American International Pictures, el color del cinemascope, el buen trabajo del director y la maravillosa fotografía de Floyd Crosby hicieron de este comienzo una de las imagenes icónicas del cine de terror gótico que enlazaba con el espectacular mate painting de la casa, un trabajo artístico del maravilloso pintor Albert Whitlock que no fue acreditado en la cinta pero que su trabajo marca los momentos más espectaculares de la cinta.

Por cierto, espero que no os importe que me aleje un momento de la reseña para comentaros el maravilloso arte del Matte Painting y de los prodigiosos artistas que lo hacen posible, por que si, a pesar de ser una técnica casi tan antigua como el cine, hoy en día se sigue usando, aunque de manera digital que espero algún día hablar en profndidad de ese maravilloso arte que realza las películas sin que el espectador se de cuenta.

¿Pero cómo se realizaba este arte? veréis el director marcaba una posición fija en cámara donde llegaba nuestro protagonista en primer termino, mientras que de fondo se veía el horizonte real, en un cristal y pintado al oleo, un especialista en mattes que era un pintor de estilo hiperrealista, realizaba una obra tomando la perspectiva del plano para que pareciera que está en el horizonte, creando puertos plagados de barcos piratas o castillos en la loma de montañas que cómo es lógico solo existían en la pitura del cristal. Una vez secado, la cámara podía moverse y desplazarse un rango limitado, ya que si se salía demasiado de ángulo se veían los hilos de la marioneta desvelando un truco tan maravilloso cómo eficaz, pero con ese simple movimiento, el encuadre del director y el arte del mate painter nos regalaron momentos tán míticos como esta maravillosa estructura de la casa User. 

Y volviendo a la película, la obra nos crea una figura de Roderick User cómo un hombre casi renancentista, que no sólo toca el Laud y compone sintonías, si no que tambien era un maestro pintor con uns cuadros expresionistas de primer orden, el encargado de dichas obras era Brut Shoenberg que realizó una media docena de cuadros para la producción del film que 15 días despues cuando terminó el rodaje, fueron esquilmadas por el equipo y entre ellos Vincent Price que se llevó varias obras a su casa. Nome digáis que no es maravilloso interpretar a uno de los mayores referentes del gótico, cobrar por ello y llevarte encima un par de cuadros originales.

Ya voy a ir dando por terminada esta reseña, pero quiero dejar antes un mensaje a todos aquellos espectadores jóvenes que han llegado por casualidad al vídeo o simplemente todos aquellos que aún no han visto el cine de Roger Corman y no lo conocen, Corman es un maestro de maestros, un director que ha sido referente y mentor de los mayores directores actuales, quizá no te haya llegado aún a tus oídos su nombre por que a diferencia de otros directores clásicos, como Dreyer, Wiler, Lean, Wells o Ford por poner algunos apellidos míticos Corman siempre realizó su trabajo con obras de bajo presupuesto, en eso que se llama serie B y que iba a entretener a la clase popular y sobretodo juvenil de la época, pero que su maestría en el encuadre, su puesta en escena y su forma de construir con imagénes, narrativas oscuras y siniestras será siempre recordado cómo un maestro que al gún día tendré que hacer un documental sobre su figura, por que sí, por que Corman es uno de mis referentes en la dirección y si algún día quieres hacer cine, rodar cine, mira su obra y aprende cómo ya lo hicieron directores cómo Joe Dante o Scorsesse entre otros.

Y esperando que te haya gustado esta segunda reseña del ciclo de nuestro admirado Price y si es así regalame un Like. 

Verás quiero decirte lo importante que es para un vídeo de este tipo vuestra pulsación al Like, este tipo de vídeos sólo llegan a las personas cómo tú que eres fan del cine y que quizá ya conozcas la obra y por eso te ha llegado o a mis suscriptores que son cinefilos de primer orden que saben bastante de cine y que simplemente sumo un consejo más a su conocimiento cinefilo, pero estaría bien que este tipo de reseñas, lleguen a esos nuevos espectadores de youtube, que no conozcan ni el genero ni los autores, que quizá descubran una forma maravillosa de este séptimo arte y para eso es necesario que el vídeo tenga eso que llama Youtube datos positivos, por que si nosotros no fomentamos este tipo de creaciones, no sólo de este canal si no tambien de otros compañeros que crean vídeos relevantes, al final las recopilaciones de tiktok o las reacciones a bromas callejeras colman la mayoría de consejos que nos da youtube, por que ellos si que le dan a like y si que consiguen esos datos positivos.

Pero des al botón o no, fomentes este tipo de canales o no, sólo tengo dos deseos para ti, uno de ellos es que seas muy, pero que muy feliz por que los tiempos en los que vivimos nos lo pone muy díficil y otra cósa que os deseo es que cómo siempre vivais el cine

 

El abominable Dr. Phibes

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy traemos una película para los cinéfilos más nostálgicos, aquellos que disfrutaban de las comedias terrorificas setenteras de serie B, obras que no se tomaban muy en serio a ellas mismas y que conseguian el sagrado deber de una película que era entretener y es que si hay una película que camina entre lo mundano y l majestuoso es este film de Robert Fuest El abominable Dr.Phibes de 1971

los que ya tenemos una determinada edad, recordaremos a tres actores como representantes de nuestras pesadillas en la infancia, Boris Karloff, Christopher Lee y cómo no Vincent Price y es que los 60 y 70 resultaron ser épocas proclives al terror de la serie B, a veces ingenuas, otras hilarantes, pero siempre entretenidas, un género que en los 80 adoptaron las grandes Major para realizar las mismas películas igual de chispeantes pero con más presupuesto que dieron a esa década el esplendor juvenil que hoy recordamos pero sin obras cómo el Abominable Dr. Phibes no habrían existido, por que sí este género de la fantasía y terror de serie B fue el germen de muchas de las grandes obras ochenteras y entre dichas películas si había uno de los rostros más representativos era el del maravilloso actor Vincent Price que interpretaba sin complejos y con una verdad absoluta los personajes más disparatados que la pluma de los guionistas creaban.

El film narra las aventuras del Dr. Phibes un asesino en serie por venganza que decide matar a sus victimas con las maldiciones hebreas. ¿Es judío? pues no, muy religioso, pues tampoco ¿Y entonces por que usar unas maldiciones del antiguo testamento? Pues por que sí, por que estudió teología y ya está ¿Pero eso importa? pues cómo el resto de la cinta no mucho, es entretenido ver cómo se las ingenia para matar a sus víctimas con pustulas, murcielagos o langostas.

El caso es que sus asesinados son Doctores en medicina, por lo que la policia pone a dos inspecores de Scotland Yard para protegerlos y sinceramente no necesitas saber nada más por que creeme que es para verla.

El film es una obra imperdible si eres fan del género o de Vincent Price, ¿Pero que pasa con el resto del mundo? Pues déjame que te cuente más del film y tú mismo juzgas si es para ti o no.

La película tiene uno de los principios más raros que he visto en un film de terror en mi vida, con autómatas tocando música y con Phibes y Vulnabia vailando, Phibes es un hombre marcado por el pasado con sed de venganza y un motivo para asesinar que iremos descubriendo a medida que pase el metraje y Vulnabia es una bella joven que le ayuda, no sabemos muy bien por que cómete los actos terribles a los que le manda Phibes, pero ni falta que hace. Tras un par de asesinatos y el desarrollo de la investigación por parte de los inspectores de Scotland Yard ya entendemos que este film serio no es, no pienses en una obra terrorífica de esas que te tiene el alma en un puño, el film es una comedia grotesca, pronto nos dámos cuenta el sentido de la obra que es entretenerte los 94 minutos que dura el film y creeme que lo consigue, hay un momento en la película con una cabeza de unicornio de bronce que creeme que es para morirte de la risa, pero todo esto sin ser una comedia explicita, el humor se enmascara dentro de una película de terror bizarro de serie B y por eso, en gran parte de la película, no sabes si te tienes que reir de la muerte salvaje o asustarte y todo esto con un aspecto pop que sólo la AMERICAN INTERNATIONAL PICTURES nos regala y es que la AIP era la Hammer norteamericana que hacía del terror gótico su sello al otro lado del charco, por cierto un día tengo que hacer un homenaje a esta productora que tanta gloria dió al genero.

El film que se mantiene casi en exclusiva gracias a un maduro Price que logar interpretar el papel sin mover la boca, por cierto acentuo esto de mover la boca y no hablar por que si habla, consigue con su sola presencia hacer de este film una obra de culto, otro de los aciertos fue de un casi novato Robert Fues que decidió rebajar el disparate del guión escrito por James Whiton y William Goldstein que plagaron de disparates un guión ya de por si grotesco pero en el buen sentido.

Y es que estas películas que no quieren sentar cátedra que sólo se hacen para pasarlo bien y que los fans lo disfruten son la mayoría de veces mas honestas que otras producciones aparentemente serias o eso que llaman ahora Terror culto o Terror inteligente, cómo si estas películas no lo fueran.

La obra tuvo un gran éxito de publíco y Vincent Price ganó en Sitges su premio a mejor actor un galardón más que merecido.

Y si te he convencido y piensas que esta película es para ti, la tienes disponible en Filmin y Filmin Latino para España y Mexico pero al ser de culto, antigua y casi desconocida para los que no son fans del género, es bastante fácil conseguir verla, incluso creo que anda por youtube.

Y es que tengo el honor de comentaros que Price va a ser el actor al que vamos a homenajear haciendole un ciclo de reseñas de sus obras más reseñables y que seguro que te harán amar el genero de manos del actor de Misuri

Y cual será la siguiente, pues ni más ni menos que la Caida de la casa Huser una joya del género del terror gótico con tres de sus puntales, el Director Roger Corman, el maravilloso escritor y guionista Richard Matheson y cómo no, nuestro invitado de honor el INCONMESURABLE Vincent Price y ya sabes que si no te lo quieres perder, si quieres saber de que va la película pero sin que te la destripemos con spoiler que te van a destrozar la experiencia, suscribeté al canal, dale al botón y a la campanita y disfruta de nuestras reseñas de cine de todos los géneros pero siempre de calidad.

Y este film ¿es para ti? Bueno ya te debes de haberte hecho una idea a lo largo de la reseña, pero si dudas ahí vamos.

¿Quieres ver una peli de terror de esas que te ponen los pelos cómo escarpias? Pues no, no es de ese tipo de films.

¿Quieres disfrutar con una comedia de terror que te va a tener entretenido de principio a fin? Pues ve a buscarla ya por que directamente es para ti.

¿Te gustan las grandes producciones góticas de la Universal? Pues no, no es de ese tipo de films

¿Eres un fan de la sangre de mentira de la Hammer, te gusta el estilo de Amicus? Pues enhorabuena por que esta cinta sigue el mismo patrón de producción.

Y por último, ¿Te gusta Vincent Price? pues ya está todo dicho y si es así, no te pierdas nuestra semana dedicada a él con tres películas maravillosas que esta obra comienza.

Por cierto este film tuvo tanto éxito que al año siguiente tubo una continuación malísima, que a mi me encanta pero son de esos amores culposos que algún día reseñaré pero que sinceramente no puedo aconsejarte.

Y deseando que te unas al barco y sigas este ciclo me despido no sin antes desearte dos cosas, que seas muy feliz y que vivas el cine

Sangre Fácil primera película de los Hermanos Coen

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, hoy tenemos el honor de reseñar la primera película de una de las mayores parejas de cineastas, una ópera prima que marca el estilo que posteriormente asentarían en su cine los Hermanos Coen, por que hoy vamos a reseñar Sangre fácil de 1984.

Los hemanos Coen antes de meterse a rodar este prodigioso film ya estaban metidos en el mundillo del cine cómo técnicos. Joel trabajaba como asistente de montaje en producciones de terror de bajo presupuesto, un trabajo que le serviría no sólo para entender el ritmo y el lenguaje audiovisual, si no también arreglar los problemas de producción en el montaje.

Por el otro lado, Ethan trabajaba cómo guionista para la serie televisiva de la CBS Cagney and Lacey, pero las inquietudes de ambos no se paraban en trabajar en las películas de los demás si no que ellos querían hacer su propio cine, fue entonces cuando en 1983 con su guión terminado y un trailer bajo el brazo, contactaron con todas las empresas y productores locáles para conseguir la suficiente financiación para realizar su film, un noir que tenía grandes dósis de suspense.

Dicha peregrinación en busca de levantar el suficiente dinero cómo para empezar la prodcción del film les llevó cerca de un año, pero pasado ese tiempo y 1 millón y medio despues la producción de Sangre fácil empezó

La historia es un Noir muy personal, donde contiene elementos de tódos los cienastas que les gustaban y tambien aspectos personales, sellos que desarrollarían posteriormente en su carrera profesional cómo creadores y que ya están patentes en esta su primera película.

Sangre facil empieza con una pareja que vuelve de madrugada en coche, tras una conversación empezada entendemos que ella está casada y a él le gusta ella, una confesión que lejos de alejar a la pasajera parece que le gusta, tras llevarse un susto al pensar que un coche les sigue, deciden pasar la noche en un motel donde dan rienda suelta a su pasión.

Ella es Abby la esposa de Julian Marty un empresario que tiene un bar de carretera y él Ray uno de los camareros del bar y el coche que les seguía es del detective privado Loren Visser, éste lleva el informe y las fotos del romance a Marty que loco de celos decide planear la muerte de la pareja un asesinato que deberá ejecutar el detective Visser, pero no todo saldrá cómo lo planeado y un giro de guion llevará a una matanza por dinero y traición.

La película es un compendio de drama, suspense y noir que juega con un montón de referencias clásicas a las que reinterpretan, retuercen, desmontan para crear una narrativa personalísima y singular que dan un aire diferente al típico thriller.

El argumento de una sencillez pasmosa, lejos de grandes giros de guion es narrado con el montaje típico de las películas de terror de las que Joel era un profesional, creando una atmosfera densa y claustrofobica plagada de personajes de dobles morales y a la larga perdedores, que o bien cegados por el amor la ira o la codicia encuentran su perdición en forma de castigo a los actos feroces y terribles de las que son autores

Pero no todo es gloria en la cinta, la novatada la pagan con un ritmo irregular, con un montaje a veces maravilloso y otras abrupto, con efectos narrativos que la mayor parte de las veces funcionan pero otras se ve que tales portentos aún les quedaban grandes en aquel momento, pero ni todos fallos técnicos juntos pueden ocultar lagrandiosa película que es, un ejemplo de cómo la pasión por el cine, la cinefilia de los autores donde se ven reflejados tributos a Hitchcock o Fritz Lang, pueden crear por primera vez una película con grandes dosis de autor y de género

Una cosa que siempre tendremos en mente fue el momento de eclosión de estos autores tan personales con el de otro autor igual de único como es el gran David Lynch que coincidieron en una década mágica del cine cómo fueron los 80

Y antes de decirte donde la puedes ver y si es para tí o no, dejarme que os recuerde que ¿si te gustan mis reseñas por que no estás suscrito? hazlo ahora que luego se te olvida y si has llegado por casualidad en esta reseña, mira el resto de vídeos que tenemos en el canal, todo son consejos de cine libres de spoiler por lo que te animaremos a ver las películas dejando que las decubras tu mismo y ya si, ¿dónde puedes ver este portentoso estreno en la dirección cinematografica y la creación por parte de los Coen? Pues la tienes tanto en Filmin y Filmin latino para España y Mexico pero ahora bien.

¿Es para ti? y aquí es donde creo que esta película no es para todo el mundo, cómo ya hemos dicho en la reseña, la película no es perfecta y adolece de algunos errores y cambios de ritmo, por lo que si estás exclusivamente acostumbrado a a ver cine comercial, te va a costar entrar en la película, aunque te aconsejo que lo hagas, alguna vez hay que salirse de los estandares y si eres una persona acostubrada a ver cine INDIE pues a ti te digo que pases de la plataforma y pilles un DVD o Blue Ray por que la vas a disfrutar muchísimo, es en si una lección de cine perfecta donde ves luces y sombras de las que aprender con una historia simplemente sobresaliente.

Una de las cosas que siempre pensé, es. ¿Que pasaría si los Coen se decidieran ahora a dirigir el mismo film como ya hizo Hitchcock con el hombre que sabía demasiado? Sería algo maravilloso ver cómo atacarían hoy este maravilloso film siendo ya unos cineastas consagrados y no dos autores incipientes, pero bueno, con esa duda os dejo hasta dentro de un par de días que empezaremos un ciclo de tres películas que a los más veteranos del lugar les va a llevar a tiempos felices, pero hasta que llegue ese momento os pido que seais muy felices y que por supuesto viváis el cine

El gran Lewoski

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, hoy venimos con una reseña muy personal, uno de esos filmes que marcaron a una generación de jóvenes a finales de los 90, donde el notas reinaba con voz propia en forma de un heroe atipicom en un film totalmente descorcentante y maravilloso, por que hoy tenemos el inmenso honor de reseñar El gran Lewoski de Joel Coen.

El cine se trata del engaño, de hacer sentir al espectador sentimientos al ver acciones en la pantalla que realmente no están ocurriendo en la vida real, somos los espectadores cómo el público de un mago al que tenemos la necesidad de creer, queremos en lo más profundo de nosotros ser bondadosamente burlados, con tramas y premisas que encontremos naturales, con historias que nos sean creibles y personajes que representen lo mejor de nosotros para poder identificarnos con él, pero en el caso de esta película escrita por Joel y Ethan Coen, no es así, al mago se le ven los trucos e incluso a veces nos muestra que lo que vemos es un mero engaño, por lo que tampoco te tienes que tomar muy a pecho los acontecimientos narrados, esta ruptura de la historia, esta forma de narrar el film fue toda una revolución en su momento que se adueñó de los jóvenes en una película que sinceramente no te cuenta nada, pero creeme si te digo, que tampoco lo necesita. Por que este maravilloso film es una extraña y portentosa obra de arte, entretenida, lisergica y a ratos emocionante film de investigación, pero para poder desarrollar un poco más esta extraña forma de contarnos una historia dejenme que enpiece por contar la trama.

Por cierto, tranquilidad ya sabes que en este canal no hacemos spoiler, reseñar una película para que la veas y luego contarte de que va toda la historia para que no sea necesario, es una incongruencia de la que aquí estás libre, por eso relajaté la hayas visto o no, la recuerdes o no.

El Notas es un vago afable que ronda la cuarentena y que carece de ningún tipo de estimulo en su vida, sólo las partidas de bolos con sus dos amigos Walter y Donny le hacen salir de ese letargo que lleva por honra en su vida casi contemplativa, hasta que un día dos matones entran por error en su casa, debido a la deuda contraída por la esposa de otra persona que se llama como él, el caso es que mientras le agredian creyendole el otro Jef Lewoski uno de los matones le orina en la alfombra, acontecimiento que le llevará a vivir una serie de aventuras mientras bebe un coctel llamado ruso blanco. Y el resto de la historia debe de correr por tu cuenta viendo esta maravillosa historia llena de mal entendidos e impostores.

Y me voy a quedar con este ultimo adjetivo, el impostor, la obra es un conpendio de ellos, el título es el primero, ni siquiera se refiere al Lewoski protagonista, si no al otro Lewoski, el grande, esta declaración de principios los Coen lo llevan por gala llevando al espectador a mal entendidos constantes, el cuento narrado por un viejo cawboy nos lleva a contar una historia de la cosmopolita ciudad de Los Angeles, donde el narrador se siente tan perdido cómo el matojo de hierva que vaga sin rumbo al principio del film. Los Coen meten a un narrador que no narra nada simplemente por el echo de decir al espectador que es un cuento y por si se le olvida al público, los coen se encargan de meter al personaje e incluso que mire a cámara varias veces durante la película, un recurso que en otras manos podría ser un desastre pero en las manos de los hermanos cineastas es simplemente glorioso

El Gran Lewoski un protohombre, un millonario, un mecenas de los más desfavorecidos es otro gran pluf, otro impostor al igual que su amigo walter un orgulloso Judio que hace el Sabath pero que realmente es un Polaco Católico que aún esta enamorado de su exmujer, a pesar que esta se vaya de viaje con su nuevo novio y al que le ha dejado su religión y prestado a su perro y al que su control de la ira deja mucho que desear.

Impostores como los secuestradores, que van de crueles sicarios, de criminales sin excrupulos pero que realmente son un grupo de actores de películas para adultos que interpretan sus papeles de malhechores con la misma falta de pericia que se adentran a escenificar al electricista que llega a la casa antes de sucumbir a los encantos de su anfitriona en dichas escenas subidas de tono.

De jugadores míticos de bolos que no dejan de ser una fachada de cristal que esconde a un delincuente exibicionista, que parece el gran antagonista y que resulta que no es más que otro impostor dentro de la película, por que si en la obra hay un verdadero enemigo de nuestro personaje es el mismo.

uno de los pocos que no necesitan de impostar nada, por que realmente no es nadie, es nuestro protagonista el nota, que junto Donny son los que se representan cómo son, Donny un una persona que no se entera de nada, que se pierde en los acontecimientos para centrarse en lo absurdo y El nota, que reniega constantemente de su nombre real, que no tiene ningún tipo de motivación propia para emprender la aventura, sólo el calentamiento de cabeza que walter que con su ira descontrolada le empuja para que reclame la reparación de su alfombra y este decide emprender tan absurda cruzada.

Un heroe atipico, ya que no es especialmente valiente, ni inteligente, ni siquiera tiene un talento especial que el irse amoldandose cómo puede a los reveses que le da la vida.

Y es que los autores nos narran una maravillosa locura que bebe directamente de Fargo su anterior film, en lo dispar de los personajes y acontecimientos pero con su típica carga de humor negro, que ya exploraron con Arizona Baby al principio de su carrera. Pero que curiosamente no siempre es así.

Los Coen nos pueden narrar films serios de género cómo Sangre fácil un Noir típico que ya os adelanto que será la próxima reseña o Muerte entre las flores un film de gastern que es una de las joyas del género y una de las mejores películas de los 90 que reseñaremos pronto en el canal, por lo que realizar este tipo de locuras disparatas es un acto consciente no un estilo natural y cómo maestros de la trama que son, son capaces gracias a la técnica de escritura llevar al espectador por donde quieren ellos.

Y volviendo al film que nos ocupa el Gran Lewoski, la obra es entretenidas cómo pocas y dentro de su entretenimiento está el descubrir a actores inmensos en pequeños cameos como el caso de Ben Gazara, Jon Polito, Sam eliot, Jon Turturro o el tristemente desaparecido Philip Seymur Hoffman, por cierto que gran actor fue este prodigioso interprete.

¿Y dónde puedes ver esta disparatada aventura de dedos cortados con esmalte verde y alfombras maltrechas? Pues la tienes en Netflix, en Amazon Prime Video y para españa y Mexico en Filmin y filmin latino.

La película hoy de culto pasó por los Oscar de Hollywood totalmente desapercibida, incomprensiblemente el guión no fue ni siquiera premiado un desastre que por lo menos en Europa le dieron algo de chance gracias a la selección oficial en la Berlinale y una nominación como mejor película extranjera en los premios Europeos de cine, una ceguera a la que nos tienen acostumbrados los premios de la industria Norteamericana más famosa pero que el tiempo pone en su sitio y este film está en lo más alto de esa década noventera que fue un desastre y que salvaron de aquel tedio de obras manidas un puñado de obras cumbres cómo lo fue este film

Y ya vamos a ir dando por terminada esta reseña, pero antes quiero hacer incapie en el uso de Hotel California de los Gibsy King, jamás una melodía tuvo tanto sentido en un momento tan poco épico como es tirar unos bolos en la bolera.

Y ahora vamos a empezar a preparar Sangre Facil, la opera prima de esta pareja de autores y si no e la quieres perder, ya sabes que tienes que hacer, suscribirte si no lo has hecho, darle a la campanita para que youtube te avise y si has llegado hasta aquí es por que te ha gustado la reseña, así que por favor regalame un like que me hace muy feliz ver esos pulgares para arriba,

Y ya ha llegado el momento de desearte que seas muy feliz, muchas gracias por ver y seguir el canal y por vivir el cine

Reservoir Dogs primera gran obra de Tarantino

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy tenemos el honor de reseñar una película singular, con un estilo propio que se convirtió en marca de la casa de su director y que desde entonces ha sido 1000 veces imitado pero cómo ocurre cuando imitas a un genio, jamás lo igualado, por que hoy reseñaremos Reservoir Dogs de Quentin Tarantino.

Es curioso cómo la casualidad en el cine se pone a trabajar para sacar obras de una forma totalmente inverosimil y esto es lo que pasó con este Reservoir Dogs cuya producción nunca prodría contarse como una historia cinemátografica por que ésta sería totalmente increible.

Veréis Tarantino no era un universitario con estudios de cine, plagado de contactos en la industría y con grandes mecenas detrás que le adentraran en el mundo de la dirección tras terminar sus estudios. No ni mucho menos, Quentin dejó sus estudios y se centró en tomar clases de interpretación a tiempo completo mientras ganaba unos dólares en un videoclub de Manhattan Beach, mientras tanto empezó a escribir algunos guiones e incluso rodar un largometraje en 1987 títulado el Cumpleaños de mi mejor amigo, película irregular que el propio Tarantino ha querido borrar de la Faz de la tierra pero que le sirvió para aprender todo lo que no debía de hacer cómo director. El caso es que en 1991 Tarantino preparó su segundo envite en la dirección con un guión sobre atracos que ocurrian en un almacen, la película muy medida para poder ser rodada con muy poco presupuesto se basaba sobretodo en dialogos que nos contaría en forma de Flashback lo ocurrido en el atraco, este sería el germen de Reservoir Dogs, la primera idea era que el film fuera interpretado por sus compañeros de clase de interpretación donde contaban con un pequeño productor que estaba tomando clases de interpretación y que correría con los gastos del film Lawrence Bender, el caso es que Bender veía posibilidades en la historia y por mediación de su mujer le hizo llegar el guión a Harvey Keitel, el actor quedó abrumado por la historia y no sólo pensó en interpretarla si no que entró en la producción del film, entre Bender y Keitel reunieron un montante de 1 millón 200 mil dólares, una cantidad más que respetable para un film independiente pero a años luz de una producción comercial norteamericana, esta limitación presupuestaria hizo que mantubiera ese aspecto de film independiente pero le permitió contar con un reparto profesional y algunas escenas de exteriores que formarian parte del universo Reservoir Dogs.

La trama comienza con una conversación en un restaurante donde se discute de la canción de Madona Like a Virgin, pronto con discursiones y conversaciones entenderemos cual es la jerarquia dentro del grupo, Joe el viejo capo del grupo y su hijo Eddie son los únicos que visten de sport, el resto parecen uniformados con traje y corbata negra, El Sr. Blanco el más veterano y con más cargo dentro del grupo, El Sr Rubio quizá el más duro de todos, El Sr. Marron un delincuente cerebral, El Sr Azul uno de los de mayor edad, El Sr. Naranja y el Sr. Rosa un delincuente con un amor excesivo por el dinero, por cierto Buscemi tiene una anecdota maravillosa en la película, el personaje del ladrón tacaño en el reparto de nombres se queja por que tiene que ser Rosa y no otro color, pues hay que decir que esa línea del dialogo no estaba en el guión original y fue concebida tras las primeras lecturas del guión cuando Buscemi, al igual que su personaje, se quejó del color e incluso dió alternativas, una anecdota que hace suya tarantino para darle un momento maravilloso dentro del film.

Todos desayunan antes de que los uniformados cometan un atraco de diamantes, atraco que no saldrá del todo bien con la sospecha de que uno de los integrantes es un policía infiltrado y ya no te voy a leer más, pero creo que tampoco lo necesitas por que adentrarse en esta primera obra de Tarantino es una verdadera delicia, un placer que es descubrir poco a poco quien es quien y que no te quiero privar de él con spoiler, ya sabes que en este canal estás 100% libres de ellos.

La película tiene una fuerza totalmente descomunal, no sólo en sus momentos más dramáticos si no en el largo preludio en forma de conversación vanal, veréis este recurso que forma ya un sello propio del director es una de las mayores genialidades del mismo, cómo os comenté al principio de la reseña la idea de la película era que tenía que ser economicamente viable con poco presupuesto y no podían hacer planos y planos de presentación de personajes y se tenia que perfilar el caracter de cada uno de ellos de forma directa, mostar quien manda, quien tiene el gatillo fácil, quien es tacaño y quienes son los trabajadores y quienes los patronos, etc.  y que el desayuno del principio cubría toda las necesidades que evitaban minutos de rodaje, siendo al final un efecto que se convertiría en un sello personal de la filmografía del director.

Esta obra que nos quiere vender el gran Quentin Tarantino cómo su opera prima que cómo es sabido y notorio es su segundo film lo puedes ver en infinidad de plataformas por lo que no tendrás ningún problema en poder disfrutarla, pero ojo, recordar que al final más pronto o más tarde terminarán por desaparecer de las mismas, con lo que si eres fan del director o del género o simplemente te gusta el cine, el film está en infinidad de ediciones tanto en DVD cómo en Blue Ray, por lo que tener esta obra en formato físico para verlo cuando quieras en tu filmoteca es una compra de satisfacción asegurada.

Y las plataformas que a día de hoy la tienen en su catálogo son las siguientes. Amazón Prime video, Filmin y Filmin latino, Movistar Plus y HBO, además de tenerlo tanto en Starz cómo en LionsGate plus.

Así que si aún no la has visto, creo que no hay ninguna excusa para sumergirte en este maravilloso film que para mi fue un antes y un despues en el cine de género.

Veréis resulta que hablar de los 90 y cine policial era un compendio de thrillers al uso y buddy movies. Los policiales europeos seguian el mismo esquema que los norteamericanos y de repente llega esta obra que recuerda en cierta forma a las viejas películas europeas, a la Novelle Vague y al Noir francés llamado Polar, esta sensación de ver una nueva película con aires de clásico me voló la cabeza y la selección músical que simplemente es otro personaje más de la película me hizo enamorarme directamente del director y lo mismo ocurrió en el mundo festivalero, triunfando en Toronto y sobretodo en Sitges donde se llevó mejor director y mejor guion.

Un film convertido en clásico, una obra indispensable del cine y de una época que fueron los 90 que cómo bien sabéis para un servidor no fue precisamente la mejor del cine pero que estas maravillosas obras hicieron salvar la década.

Y ya voy a dar por terminada la reseña, no sin antes preguntarte ¿Si te gustan mis reseñas?¿ si quieres estar al día de los consejos que os damos?. Pues si es así no olvides en darle Like y suscribirte si aún no lo has hecho, y hasta dentro de un par de días donde reseñaremos otra maravillosa película de la década de los 90 dónde comentarémos un film que aunque lejano en todo lo narrativo con este Reservoir Dogs, carente de la épica y dramatismo de este film, le atan lazos tan fuertes que sinceramente no puedo reseñar la una sin la otra por que en un par de días reseñaremos El Gran Lewoski, un film de los Cohen que mantiene una narrativa propia cómo este reservoir Dogs, alejada de las grandes producciones de estudios cómo este film de Tarantino y que en el reparto cuenta con uno de los miembros de la banda, el Sr. Rosa, por que sí Steve Buscemi tiene un rol importante en ambos films, pero hasta que llegue ese momento, dos cosas, se muy feliz y vive el cine

El hombre que sabía demasiado 1956

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy con todos vosotros la segunda parte de esta reseña que viene a diseccionar la fabulosa película El hombre que sabía demasiado que ya en el vídeo anterior le dedicamos a la primera parte de este film reseñando la versión del 34 y que ahora regresamos para hablar del remake que hizo el propio director de su película en 1956, por que sí Alfred Hitchcock rodó dos veces la misma obra.

A ver para los que tengan prisas y quieran saber cual de las dos obras es mejor, pues vamos a contároslo ya, si el film de 1934 era fresca y dinámica, con dosis de humor y bastante intriga, la versión del 56 es una obra maestra, mágica en todos los aspectos, perfecta, sublime que es capaz de oscurecer la primera versión que superaba a gran parte de la cinematografía universal.

No hay comparación entre un film y otro siendo la versión del 56 superior en todos los aspectos, pero si quieres saber por que, que la hace tan buena y que podemos sin sonrojarnos llamarla una obra maestra, quedate a ver el resto de la reseña. Pero para poder continuar, antes hablemos un poco de la trama.

El matrimonio MacKenna está pasando unas vacaciones por marruecos acompañado de su hijo, tras un pequeño encontronazo con un pasajero en el autobus que les lleva a su hotel, un hombre sale en su ayuda Luis Bernard, éste aclara el malentendido y entabla una breve amistad con la pareja de norteamericanos, aunque la esposa Jo sospecha de las preguntas inquisitorias de su salvador, el marido Benjamin no ve nada raro y deciden quedar a cenar juntos pero Bernard les da plantón con lo que despechados se hacen amigos de una pareja de fans de Jo Mackenna, antigua y famosa cantante.

Su siguiente día deciden planearlo con la nueva pareja para ir a conocer la ciudad pero en plena excursión un acontecimiento luctuoso cambiará la vida a nuestra pareja de protagonistas al tropezarse con Luis Bernard herido de muerte dejandolé un mensaje secreto a Benjamin, tras decidir declarar a la policía algo le detiene, su hijo ha desaparecido en extrañas circustancias, por lo que Benjamin y Jo deciden ir en su rescate y hasta aquí te puedo contar, el resto lo tienes que ver tu por que no hacemos en el canal ningún típo de espoiler cómo bien sabéis, pero el descubrir la trama que nos plantea el guionista John Michael Hayes y que nos lleva de la mano el gran Alfred Hitchcock es simplemente un regalo para la vista, una película que se va a convertir de inmediato en una de las preferidas de tu vida, por que simplemente es una joya.

Hitchcock no estaba muy contento con su versión del 34, según sus palabras era un film rodado por un buen amateur y pensaba que no sacó todo el jugo a la historia por lo que tras rodar falso culpable para la warner Bross decidió atacar ese mismo año el remake de su película pero en este caso para la Paramount que no sólo puso 2 millones y medio de la época si no que otorgó al cineasta su afamado sistema de Vistavision patentado para la Paramount, el sistema conseguía mayor nitided al tener un negativo con 8 perforaciones lo que no necesitaba de nungún tipo de ampliación en el proyector y a fe que el bueno de Hitchcock le saco todo el  provecho, el film se ve espectacular de principio a fin, destacando los planos en el interior de la embajada, donde casi parece que estemos dentro de la sala.

Una de las cosas que hizo el director fue marcar la parte final de la cinta al principio de esta, que quiero decir, el momento en el Albert Hall de Londres cuando en la melodía suenan los platillos algo importante va a pasar al final del film, en la obra del 34 Hitchcock pensó que no quedó del todo redondo ni comprensible con lo que aquí le dice al espectador desde el minuto cero, atentos a este momento y no lo olvidéis y a fe que lo consigue, toda la escena de ese mítico momento es perfecta, una lección de suspense, la coreografía de planos, contra planos, planos detalle, generales, vistas subjetivas es un alarde de maestría que pocas veces hemos podido ver en el cine y no en vano Hitchcock era llamado el rey del suspense, por momentos cómo este.

Por cierto el director de la orquesta que sale en el film es el inconmensurable Bernard Herman el autor de esta banda sonora que aparece en forma de cameo, que joya poderle ver en pantalla.

Pero otro aspecto importante del film que cambia absolutamente esta versión para mejor es el nuevo tono que adquiere el matrimonio, si en la primera obra el cinismo era su ley motiv, en esta es el instinto maternal, la desolación de perder a su unico hijo por parte de una madre, los lazos que crea el autor entre ellos se ve reflejado cuando cantan juntos ¿Que será, será? por cierto la canción escrita por Bernard Herman que ganó un premio Oscar de la academia y esa melodía acompañará a nuestra heroina como si de la escopeta de la primera versión se tratara, y tendrá un peso fundamental en la resolución del caso.

Aquí los villanos no tienen tanto peso en la historia, quizá no estaba Peter Lorre para robar planos, pero el tono que adquieren los personajes, sobre todo ella, en el que no es ni del todo mala ni del todo buena, realzan y dan una profundidad a la pareja malhechores que sinceramente superan a la banda de criminales del 34.

Y quiero dejar para el final lo más destacable del film, La pareja protagonista Jimmy Stewart y Doris Day. No se puede tener más magia y complicidad en pantalla, simplemente parecen un matrimonio consolidado por años, la elección de James Steward era fácil, pero la de Doris Day es simplemente magistral, su aspecto me mujer común y corriente, alejada de las femme fatale de Hollywood la hacían creible en el papel de madre dedicada a su hijo. Una maestría interpretativa por parte de los dos actores.

Y ¿Donde puedes ver esta fantastica película? Pues la tienes para España y Mexico en Filmin y Filmin Latino, pero está película en DVD o Blue Ray es una compra de satisfaccion asegurada, una película que destaca en todos los aspectos del cine, su narratica, su ritmo y su puesta en escena es propia de uno de los mayores directores de cine de toda la historia que curiosamente jamás ganó un Oscar a mejor director y eso que estuvo cinco veces nominado, una mancha en los premios que no pudieron limpiar ni con el Oscar Honorifico en 1967, una vergüenza que tendrán por siempre los premios Hollywoodienses.

Y ya cerramos aquí esta reseña no sin antes pedirte que te suscribas a un canal que te aconseja cine, para que disfrutes de la obras maestras de todos los tiempos como esta y que si te ha gustado la reseña me regales un like y ya sólo me queda pedirte que seas muy feliz y que vivas el cine 

  

El Hombre que sabía demasiado 1934 (Primera Parte)

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy venimos con una sesión doble que tendrá su continuación en un par de días por que hoy nos encargaremos de reseñar El Hombre que sabía demasiado de Alfred Hitchcock.

Hay veces que el cine te regala momentos inigualables, el poder comprobar cómo un director de cine aborda la misma película cuando empieza su carrera y cuando este es ya un director consagrado, un regalo que Alfred Hitchcock nos dio cuando rodó El Hombre que sabía demasiado en 1934 y hacer su propio remake en 1956, 22 años después del film que vamos a narrar en esta primera parte

La obra le llega a Hitchcock con 35 años y casi diez de profesión, en plena expansión de su estilo, los años 30 fueron la época en la que el orondo director forjó su marca de la casa y en este film podemos ver algunos de sus elementos carácteristicos que tendrían continuación un año despues en Los 39 escalones donde forjó de una manera eficaz todo lo aprendido durante su incipiente filmografía. Siendo está, los 39 escalones la película que forjó su antes y después en la industria.

Pero volviendo al film que nos ocupa, El hombre que sabía demasiado, es una obra imperfecta con un montaje bastante mejorable pero con una verdad en el oficio que la hizo una de las grandes obras del director, el film que no aguanta el escrutinio de los más racionales espectadores que buscan siempre la lógica en todos los acontecimientos del las películas y que cómo ya dijo el propio Hitchcock "Si la vida ya de por sí no es lógica, por que piden que mis películas lo sean" y tiene toda la razón, el film es para sentarse y dejarse atrapar por la historia que nos cuenta entre otros guionistas el prodigioso Charles Benett, un film cargado de intrigas políticas, espias, asesinatos y hasta sectas ocultistas especialistas en Hipnosis y si crees que no se pueden meter más acontecimientos digamos "Especiales" dejarme que os cuente la trama.

Bob y Jill Lawrence son un matrimonio que pasan sus últimos días de vacaciones en suiza acompañados de su joven hija, un día tras una cena un amigo de estos es asesinado, resultando ser un agente de la inteligencia del ejercito británico, tras ser herido de muerte, este consigue pasar una información a su pareja de amigos, pidiendoles que lleven dicha información al cónsul inglés en suiza, pero esto no va a ser nada fácil ya que los despiadados asesinos secuestran a la hija del matrimonio para evitar que digan nada de lo sucedido.

Cómo hemos dicho antes el film cómo tal no es perfecto y si búscas una película similar a las obras que rodaría Alfred Hitchcock en los 50 pues puede defraudarte, el film está plagado de errores, errores de montaje donde las transiciones enlazadas brillan por su ausencia y dónde los efectos visuales suelen estar demasiado recargados y ser demasiado ñoños, pero de la misma forma que tiene ese tipo de errores técnicos la película tiene eso que pocos filmes lo tienen y no es otra cosa que magia, magia en el encuadre, en la puesta en escena, en las interpretaciones y en un guión lleno de sarcasmo y dobles lecturas que hacen una extraña delicia su visionado y es que una obra no tiene por que ser perfecta técnicamente para ser disfrutada, para que se convierta en uno de esos films que no sabes muy bien por que te apetece ver más que otras películas mejor terminadas y es que la historia que nos cuenta, plagada de acción y sentido del humor con un villano interpretado por el grán Peter Lorre que es más un malvado de opereta que un antagonista al uso o un matrimonio que no hace una escenita a pesar de que tienen a su hija secuestrada y que hasta en esos momentos saben guardar las formas y continuar con ese sarcasmo que se ha convertido en la vida cotidiana de la pareja, donde la heroína, la fuerte, la pistolera es ella mientras que el marido toma el papel de eficaz detective que le lleva a un momento mítico en una clínica dental, si no has visto la película te aseguro que las escenas que ocurren en ese momento te van a poner los pelos de punta y que no puedo dejar de compararla con el momento dental de Maraton Man, aunque aquí hay menos tortura y más tensión.

Hitchcock ya había tocado el thriller en cinco de sus anteriores películas El enemigo de las Rubias , chantaje, asesinato , Mary y El número 17, las dos primeras obras del cine mudo y el resto ya en el sonoro, obras que poco a poco fueron enamorando al director que con el tiempo se convertiría en el maestro del suspense, pero sin olvidar sus maravillosas comedias, por que el autor hasta en sus películas más oscuras siempre metía algo de humor más o menos macabro eso sí

La película que puedes ver tanto en Filmin como en Filmin latino para España y Mexico, pero que si sabes inglés la tienes grátis en Plex, por cierto siempre me pregunto ¿si tan dificil es meter subtítulos en español en esta  plataforma? Pero bueno, esperemos que en algún momento lo hagan.

Y volvíendo al film y a la reseña, esta obra posteriormente sería revisitada por el propio director, haciendo un remake nuevo pero casi medio siglo despues, con todo lo aprendido y con el respaldo de una gran productora cómo era la Paramount. ¿ Y cual fue el resultado? ¿Difiere mucho el remake del original? ¿Cual es mi favoríta y por que?. Pues todas esas preguntas tendrán que esperar un par de días a la segunda parte de este vídeo donde podrás saber todos esos datos y muchos más en la reseña que haremos en exclusiva de la versión del 56 y ya sabes que si no te la quieres perder, lo mejor que puedes hacer es suscribirte si es que aún no lo has hecho y darle a la campanita para que te avise cada vez que hay una nueva reseña, pero lo hagas o no, quiero despedirme con un deseo, que seas muy felíz y con una petición que vivas el cine

39 escalones (1935) La primera gran película de Hitchcock

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia hoy el canal se viste de gala para narrar una de las grandes maravillas que nos regaló Hitchcock, la primera versión de la novela de John Butchan rodada en 1935, la portentosa 39 Escalones de Alfred Hitchcock.

Muchas veces nos preguntamos que film es el que marca la carrera de un director, a partir de que obra éste coge su estilo filmico y empieza a crear obras de autor y en este caso 39 Escalones es un buen ejemplo de cómo esta película marcó la forma de rodar cine del genio brítanico Alfred Hichcock.

Vereís hasta llegar a rodar esta película el director había creado 18 películas en una vertiginosa carrera de 10 años donde le llevó a dirigir obras anuales de tres en tres en una especie de locura frenética de rodajes que le llevaron a tocar todos los géneros comerciales del cine, pero fue llegar 1934, un año antes que estos 39 escalones y rodar un film que despuntó sobre su anterior trayectoria cinematográfica, la portentosa El hombre que sabía demasiado de 1934, con el maravilloso Lesley Banks y Nova Pilbieam cómo protagonistas, ya sé que en este momento algunos de vosotros pensaréis, ¿pero si el hombre que sabía demasiado es del 56 con James Stuward y Doris Day? y sí, efectivamente esta película del 56 es un autoremake de la versión original del 34 que por cierto ya os adelanto que tanto una cómo la otra van a ser las siguientes reseñas del canal, así que te aconsejo que no te las pierdas y para que eso no ocurra no olvides suscribirte al canal y darle a la campanita. 

Pues bien, esa película de espías que me permititán que me guarde los detalles para el próximo vídeo, resultó ser un revulsivo para el director y embarcarse en este film Los 39 Escalones, habiendo experimentado antes con el original de El Hombre que sabía demasiado, aquí Hitchcock tiene una especie de lucidez artistica e incorpora de golpe y en un unico film todo lo que ha ido experimentando hasta el momento, El hombre normal metido en una avenura extraordinaria, el falso culpable, los mal entendidos que llevan a enrvesar la aventura, las mujeres independientes y rubias, el suspense como atracción del espectador ante los acontecimientos y cómo no el humor cómo valvula de escape en determinados puntos del film que ayudan a aligerar la trama, pero tambien sirven de contraste para cuando esta se vuelva a oscurecer. Todos estos elementos que en conjunto están en el estilo del director son llevados por primera vez en pantalla en este maravilloso film llamado los 39 escalones y para poder continuar con la reseña vamos a comentaros un poco de que va la película, tranquilos ya sabéis que aquí no hacemos spoiler.

La película nos narra la fantástica historia que vive Richard Hannay un australiano de viaje por Londres que en una funcion de variedades conoce a una extraña mujer, tras crear esta un tumulto en la sala, la misteriosa Annabella Smith, tras acompañar Annabella a Hannay a su casa, esta le confiesa que es una espía, que sus perseguidores la están cercando y necesita enviar un mensaje a una persona en escocia, a pesar de que Hannay no la cree en un proncipio, pronto se dará cuenta de que todo lo que dice esa misteriosa mujer es cierto y hasta aquí te voy a contar, si no sabes nada de la película te recomiendo que la veas por que en la hora y media que dura el film es una locura de trama, con altas dosis de acción, suspense y humor con unos maravillosos dialogos, siempre chispeantes que te va a tener anclado al sofá hasta que termine el film y que por cierto no tienes ninguna excusa para verlo. Verás este film a de mas de estar para España y Mexico en Filmin y Filmin Latino, lo tienes en Amazón Prime vídeo, Flix Ole y Movistar plus. Pero si eres de España  o te puedes conectar a traves de una VPN, este film está gratis en Pluto Tv, por cierto para que te sea más cómodo te voy a enlazar la ruta de Pluto Tv en la descripción del vídeo.

Y dicha la trama y donde la puedes ver vamos directamente a comentaros sobre esta película y su maravillosa versión del 78 que por cierto os dejaré un enlace a la reseña en la descripción del vídeo para que puedas entender cual de las dos versiones me gusta más.

El film se basa ligeramente en la novela de John Buchan Los 39 Escalones y que difiere no sólo del grueso del film si no que digamos que se parece levemente, Esta versión le sirvió a Hithcock a tomar las partes que más le interesaban a él como cineasta para hacer una película en la que pudiera aplicar todo lo aprendido hasta el momento, el film recuerda a obras posteriores del director cómo falso culpable o con la muerte en los talones, obras que emanan directamente de este esquema filmico que puso en marcha en estos 39 escalones.

Y en cuanto a trama, en que se diferencian este film del 35 con la versión del 78, pues en todo, cómo ya comenté en la anterior reseña, los 39 escalones de Don Sharp no se puede catalogar de remake, apenas Hitchcock tómo como prestadas algunas motivaciones y acontecimientos de la novela, mientras que Sharp aprovecha toda la novela para crear su guion, por lo que simplemente son obras totalmente diferentes, el máximo parecido es el título.

Y cual es la película que me gusta más, cual de las dos versiones es mi favorita. Pues siendo totalmente sincero la obra de Sharp de 1978 me gusta mucho más, el principio frenético, la lucha entre dos ejes mundiales y el peso que tiene el villano en esta obra setentera me gusta más que la obra de Hitchcock, pero es que claro el film de 1935 tiene tantos handicaps que no es una comparación justa.

Primero y lo más Obvio es que en el 35 aún la narrativa cinematografica estaba en construcción, muchos de los elementos narrativos estaban siendo creados por estos pioneros que en el 70 no sólo habían sido estudiados y perfeccionados, también el momento en que estas obras llegan a sus directores, Hitchcock aún estaba empezando, aún su cine tenía mucho de experimentación y ensayo, mientras que Sharp era un director maduro con casi 20 años de experiencia y por último es que ambas obras son hijas de su tiempo, la del 35 más austera tecnicamente con una producción más barata, se fundamenta mucho en los acontecimientos rodados en estudio dando ese aspecto teatral que tenian las obras de los años 30, además de tener una censura que miraba con lupa cualquier desmán, mientras que la versión del 78 es más libre en este aspecto, con una producción digna de una película hollywoodiense y por supuesto con una narrativa más moderna.

El uso de la base de la novela es otro elemento fundamental, el libro más profundo, con más dosis de investigación y política nos acerca a la visión de una humanidad que aún no había sufrido ninguna guerra mundial y que ven con pesimismo y medio los acontecimientos que van a llevar al mundo a uno de los mayores desastres, en cambio la versión de Hitchcock menos profunda en lo narrativo, apenas los acontecimientos que están siendo objeto de espionaje son desarrollados a lo largo del film siendo desvelados al final pero sin mucho peso en la misma, esta crucial diferencia me hace tener a la obra del 78 por encima de este film del 35.

Y quiero decir con esto que Sharp es mejor director que Hitchcock, pues no, Sharp es un buen director que toco techo con esta película mientras que Hitchcock estaba empezando cuando rodó 39 Escalones, con el tiempo el orondo director rodaría una decena de obras maestras del cine, un genio al que Sharp no puede empatar.

Pero si has visto ambas versiones , me encatará saber tu opinión al respecto, si la compartes o no, si crees que tengo razón o por el contrario piensas que estoy equivocado y me lo puedes hacer llegar haciendo un comentario al respecto.

Y si estás deacuerdo cómo si no y te ha gustado mi reseña, ya sabes regalame un Like y si quieres puedes compartir esta vídeo por redes sociales si crees que es de interés y dicho todo esto sólo me queda desearte dos cosas, una que seas muy feliz y la segunda que vivas el cine