Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, en honor a estas fechas hoy vengo con lo que es para mi la segunda mejor película navideña de la historia, aunque mucho merito no tiene ya que aunque anualmente sale un producto encaminado a enternecer los corazones y quizá aflojar la cartera, la calidad de éstas como poco dejan mucho que desear, exceptuando honrosas excepciones como Que Bello es vivir de Frank Capra que logra hacer una obra maestra atemporal con un suicida y un ángel en busca de sus alas que nos hará reir y llorar a partes iguales, pero si hay una obra que la acompaña en ese solitario podium es este Cuento de navidad rodada en 1971 por el maestro de la animación Richard Williams.
Antes de contar levemente de que va la película, con la esperanza de que algún milenial que no conozca esta historia de Dikens se anime y descubra un cuento de navidad bastante particular, dejenmé que les cuente un poco de como se pudo gestar esta obra eterna.
Hacía tiempo que el Maestro de la animación Chuck Jones había dejado la Warner despues de dar vida a varios personajes míticos de los Looney Toons y entre ellos a mi favorito El coyote y el correcaminos y se había pasado a la televisión como directivo de contenido infantil de la cadena abc.
Una de sus ideas fue realizar un episodio especial de navidad con la famosa historia de Dikens un Cuento de Navidad y pensó que nadie mejor para contar esa historia que su amigo y maestro de la animación Richard Williams, quiero hacer un paréntesis, cuando digo maestro de la animación no lo digo en sentido figurado si no en el sentido más literal, por que suyo es el manual de animación más famoso de la historia Animator´s Survival Kit, hoy en día animadores de prestigio, profesionales de primera línea van a su puesto de trabajo acompañado por ese manual de supervivencia del animador, así que cuando hablamos de Richard Williams y de Animación el mundo se detiene. Bien dicho esto, continuamos.
Pues Chuck se puso en contacto con Williams y le ofreció el capítulo y este antes de aceptar puso dos condiciones, la primera que el estilo de dibujo de la historia guardaría la esencia de las primeras ilustraciones de la novela original y segunda y más importante, la historia no se iba a dulcificar, tenía que ser todo lo gótica y oscura cómo es en realidad la historia de Dikens.
La primera Chuck la aceptó la segunda no sé cuantos hilos tubo que mover para que tragaran los directivos de la abc, en poner en horario infantil una obra tan sobrenatural y oscura, pero fuere como fuere, lo consiguió
y así empezó la maravillosa cuento de navidad de Richard Williams, un corto televisivo de 25 minutos de duración en el que nos narra la vida del Sr. Scrooge un uraño individuo que vive ajeno a a la navidad y molesto por todos los que la celebran, un día recibe la visita de un fantasma que le llevara a conocer 3 navidades, la pasada, la presente y la futura y si no sabes que pasa en cada una de ella , lo mejor es parame aquí.
La cuestión es que aquella historia oscura y gótica de trazo clásico fue todo un exitazo con lo que la abc estrenó en cines el cortometraje y este optó al Oscar de Hollywood y la cuestión no es que optara, es que ganó el premio de la academia con lo que se creó un gran revuelo, no por que no se lo mereciera, si por ser un producto televisivo, esto hizo que las normas de la academia de Hollywood se cambiaran y desde entonces ninguna obra estrenada primero en televisión puede optar a los Oscar y donde podéis verla... pues no os tenéis que ir muy lejos ya que está en Youtube por lo que dejare una versión en ingles y otra en Español neutro que por cierto era como se conocía al doblaje para toda hispano américa y que curiosamente era la que llegaba a España.
Pues deseando que estas fiestas sean muy felices, me despido no sin antes pediros que os suscribáis, que mejor regalo de reyes me podeis hacer y que viváis el cine
Bienvenidos, bienvenidas, queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy con todos vosotros un film que lleváis mucho tiempo pidiéndome uno de ellos nuestro amigo y suscriptor Diego y ya ha llegado el momento de reseñar la marivillosa película El Cazador de Michael Cimino.
Hablar del Cazador es hablar de su director y no podemos separar el film de la figura del grandioso y terrible a partes iguales Michael Cimino y por ello nos tenemos que retrotraer a 1972 momento en el que Cimino se estrena en el guión con la maravillosa película Naves Misteriosas que ya hemos reseñado en el canal y que dejaré un enlace en la descripción del vídeo.
Tras ese inicio fantástico le siguió el guion de Harry el Fuerte secuela de Harry el sucio donde fue compañero de palabras de otro chico prodigio el portentoso John Milius, esta secuela lejos de quedar eclipsada por la primera parte de la saga, la engrandeció de tal manera que consiguió asentar la figura de Harry Calahan en una de las franquicias que mejor supieron enganchar con el espectador y tras ello llegaría el momento de su debut como director, de la mano de Malpaso Productions y de Clint Easwood Cimino rueda Un botin de 500.000 dólares, esta opera prima le puso en el objetivo de las grandes Major y Cimino consiguió con solo dos guiones y una película, realizar un film de autor con 15millones de presupuesto y total libertad creativa.
Quiero explicar este punto y como Cimino consiguió con tan poco bagaje hacerse con una producción de tales dimensiones.
Ha finales de los 50 el cine de género dejó de enganchar con el público, primero en Europa y luego en el resto del mundo, la Nouvelle Bague, el Neorrealismo o el Cinema Verité Italiano habían tomado el pulso de la calle, el espectador joven daba de lado a las clásicas películas de estudio y se empezó a tomar al director como el patrón a seguir en lo que se llamó cine de autor, aunque tardó en llegar aquella nueva ola a EE.UU. cuando lo hizo llegó de una forma tan rotunda que los años 70 no se entenderían sin la Nueva Escuela de Nueva York, Cassavetes, Scorsese, Abel Ferrara, Brian de Palma y un largo etc. que continuó con el Nuevo cine americano, Coppola, Spielberg ,etc. Ya los estudios habían perdido la hegemonía y ahora era el director la cabeza visible de las películas, estos arrastraban o no a los espectadores a las pantallas y cuando aparecía una figura emergente, los directivos de los 70 no dudaban en ficharlo a base de talonario y uno de esos chicos de futuro arrebatador era Michael Cimino y es por ello por lo que pudo rodar el Cazador.
La obra era una coproducción britanico-estadounidense en donde la producción iba por parte de la Británica EMI Films y la distribución internacional por parte de la Universal y así empezó a gestarse El Cazador.
El guion estaba escrito por Cimino, Michael Deeley, John Peverall y Barry Spikings, una obra compleja de una película que iba a llegar a las 3 horas de metraje, pero ese no fue ningún impedimento ya que los problemas empezarían con el reparto, Cimino quería las caras más importantes y emergentes de los 70, Robert De Niro, Meryl Streep, Christopher Walken y John Cazale y con 15 millones no había ningún problema, si no fuera por que Cazale ya con su enfermedad avanzada no consiguió el seguro que obligaba a los actores antes de empezar a rodar, al no tener aseguradora Cazale quedaba fuera del reparto, esto era un revés, pero como su papel era secundario Cimino empezó a barajar otras opciones, hasta que alguien puso de su bolsillo 1 millón de dólares para asegurar con ese capital la intervención de Cazale en el film, nadie supo quién fue el generoso mecenas por que nunca lo dijo, pero Streep novia de Cazale en aquel tiempo se enteró que la persona que puso de su bolsillo un millón de Dólares fue Robert De Niro, esas son las acciónes que engrandecen a las personas por encima del actor. Hay que decir que Cazale terminó el rodaje con innumerables dolores, pero terminó el film para morir poco después y ya lo demás es historia del cine.
La película fue un éxito, sobretodo de público y no tanto de la crítica especializada que estaba bastante dividida. pero en los oscar de hollywood de ese año se llevó Mejor sonido, Mejor montaje, Mejor Actor de reparto, Mejor director y Mejor película.
Y que pasó con el gran Cimino, pues que en la gala de los Oscar ya había firmado su siguiente epopeya con la United Artist, La Puerta del Cielo...¿Y que pasó? pues verlo vosotros mismos ya que tienes un vídeo en el canal que hablo de lo que pasó y por que pasó y os lo dejo en la descripción del vídeo para que lo puedas ver.
Ahora vamos a volver al film
La trama es una obra en cuatro actos donde el primero y vitalista nos adentra en la vida cotidiana de unos jóvenes de la comunidad Lituana en un pueblo de Pensilvania, allí asistiremos a una boda ortodoxa donde conoceremos a Michael y Nick dos amigos triunfadores a Linda novia de éste ultimo a Steven fiel escudero de ambos y al controvertido y un poco inadaptado Stan, que aunque pertenece al grupo no es aceptado por los demás.
La aparición de un soldado solitario que ha regresado de Vietnam sirve de admiración y de punto de giro del guion a los muchachos, imaginan su vida de acción y aventuras, pero el soldado vacío por dentro es incapaz de entender a esos joviales muchachos. Este contrapunto es simplemente magistral, todos nos preguntamos que ha debido de vivir ese soldado para estar tan lleno de taras y con el tiempo entenderemos porqué
Todo ese gran primer acto, que rompe con lo establecido hasta ese momento ya que Cimino prefiere recrearse en presentar la vida cotidiana de los personajes con un momento previo a la tormenta, sin tener prisa por empezar la historia a modo de gran prólogo, se convertiría en un momento único y especial del film, algo que recordar por todos los que amamos esta película y quizá también a los que la odian.
Este primer acto costumbrista y de drama social nos enlaza con un segundo acto que cambia totalmente de género, una película bélica al uso donde seguimos a nuestro grupo de tres Nick, Michael y Steven en sus desventuras por tierras vietnamitas.
Ya que en este canal no hacemos spoilers, no puedo hablar ni del tercer acto, ni tampoco del cuarto y final, solo decir que la magia de las dos partes finales de la obra, son parte de la historia del cine, una joya deliciosa y cruel de este arte, que debes descubrir tú si es que sigues mi consejo de verla.
Si todo es prodigioso, las actuaciones, la dirección, el montaje, la fotografía, no podemos dejar atrás la banda sonora del film, escrita por el maravilloso Stanley Mayers que hace una composición brutal a guitarra tocada por el prodigio de las 6 cuerdas John Williams, por cierto, muchas veces me he visto en la necesidad de aclarar en algún debate entre amigos o conocidos que el que toca la guitarra no es el compositor de bandas sonoras John Williams si no que es un interprete de mismo nombre, discipulo del mismísimo Andrés Segovia y que nació en Melburne, Canadá y no en Nueva York.
Así que hecha esa aclaración vamos a dar 3 motivos por lo que debes ver la película y tres opciones para no verla.
1ª Si eres un fanático del cine, de esos que apagas el movil hasta en tu casa para no perderte nada del film, esta es tu película.
2º Si te gustan las películas de cocinado lento, de esos que no te importa que el camino sea largo si la llegada merece la pena, esta es tu pelicula.
3º Si eres de esos que vives las películas, que te ríes y lloras con las películas, si te gusta adentrarte en el interior del personaje, esta es tu película.
Pero también puede no ser para ti.
1º Si no puedes dejar el móvil y estas pendiente a las dos pantallas por si una te aburre, pues no es para ti.
2ª Si te gustan las películas enérgicas, llenas de acción y con tramas trepidantes, películas bélicas al uso o si necesitas que pasen constantemente cosas en pantalla, pues lamentablemente tampoco es para ti
Y 3º Si te gusta el cine para pasarlo bien y no te van los dramas y menos los melodramas, pues tampoco es para ti, por que esta película es un gran melodrama con la excusa de la guerra de vietnam y de la caza de ciervos.
Así que si eres de los primeros ahora necesitaras saber donde verlo " Por ahora" ya que las plataformas cambian constantemente el catálogo, así que si te gustaría verla, no lo dudes y hazlo cuanto antes y una forma maravillosa de no perderte nada por culpa de que la reseña ha llegado tarde es suscribirte, así que hazlo ahora mismo y ¿Dónde puedes ver el Cazador de Cimino?
Pues si eres de España o Mexico la tienes en Filmin en su catálogo fijo y si no eres de esas dos regiones, no creo que tengas problemas para conseguirla ya que es un clásico entre los clásicos y una de las mejores 100 películas de la historia del cine.
Y ya solo me quedan dos cosas, desear que paséis una nochebuena fantástica y sobretodo que seais muy felices y vivais el cine
Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, hoy tengo el honor de presentaros la película La Huella de Mankiewicz.
Antes de meternos en la trama de la película déjenme que les cuente que soy un enamorado del teatro dentro del cine y en gran parte la culpa de ese amor es por gracia de esta prodigiosa película dirigida por uno de los mejores directores de cine de todos los tiempos Josph Mankiewicz.
El director de obras cumbres como De repente el último verano o Eva al desnudo era un maestro en eso de llevar una representación teatral al cine y es que es suya la mejor adaptación del Julio Cesar de Shakespeare que jamás se han hecho en pantalla y con esta huella vuelve 19 años despues para cerrar su filmografía con un epilogo digno del grandísimo director que fue.
Mankieviwicz coge el guion del dramaturgo Anthonny Shaffer que ya había ganado un permio Tony por la versión teatral de la huella y hace una película coral con tan solo dos actores, la primera vez que lo he visto en pantalla y creo que no se volverá a dar. por que aunque en el film el peso interpretativo recae ante los maestros de la interpretación Cane y Olivier, Mankiewicz otrorga el papel de espectadores de lujo a los muñecos y juguetes que aparecen en escena, siendo testigos mudos de los acontecimientos que nos narra esta comedia negrisima y portentosa del director y que logra dotar de un aspecto casi de dioses helenicos a dichos personajes, con lo que al final tenemos la impresión de asistir a una obra clásica de teatro romano una delicadeza para todos los que amamos este arte.
Y es que la trama, más allá de hablarnos del típico trio sentimental que tan buen juego da en los guiones y libretos, tiene un trasfondo de Lucha de clases y racismo con lo que no solamente nos reiremos y asustaremos durante el film, si no que recogeremos un mensaje muy necesario en estos tiempos que corren.
La trama nos narra el encuentro en su mansión británica de Andrew Wike un excentrico y multimillonario escritor de novelas de misterio y del dueño de una cadena de peluquerías el joven Milo Tindle, El primero proviene de una estirpe de nobles ingleses y el segundo es descendiente de un relojero italiano y ¿Que hacen estos dos personajes tan diferentes en el mismo espacio? Pues por que el Joven Tindle está teniendo una relación sentimental con la mujer del noble Wike y este le cita en su castillo para que le ayude con un tema bastante peliagudo, solicita al amante de su mujer que robe en su mansión para cobrar el seguro de unas joyas y como diría Sherlock Holmes Aquí empieza el juego.
Y hasta aquí os puedo contar por que ya sabéis que jamás hacemos spoiler en el canal por lo que el resto de la obra la vais a tener que descubrir vosotros, pero si con esta trama aún no te a entrado el gusanillo de verla, comentar que este film tuvo a todo el elenco nominado al Oscar de hollywood y es que no hay mas actores que Cane y Olivier que hacen uno de los grandes duelos interpretativos de la gran pantalla, dos titanes cara a cara y los dos en estado de gracia por lo que ambos estuvieron nominados como mejor actor, la música una maravilla escrita por el compositor John Adisson son de esas que sin darte cuenta te han acompañado, te han hecho sentir miedo y risa a partes iguales de una manera tan integrada y natural que no has sido consciente de ella y que por cierto tambien estuvo nominado y que decir de la dirección de Mankiewitcz, un genio, un portento como integra elementos inanimados a una intriga entre dos actores de una forma que nos hará ver un film tan moderno con un ritmo tan bestial que por supuesto también estuvo nominado al Oscar y el único que no lo fue y creo que injustamente fue Shaffer, pero creo que el haberse llevado ya el Tony por su libreto jugó en su contra.
¿Y donde puedes ver esta sublime obra? Pues no tienes excusa ya que está tanto el Filmin como en Amazon Prime y mi consejo es que la veas cuanto antes ya que como bien sabéis el catalogo de las plataformas se renuevan y quizá dentro de un tiempo no la tengas.
Y una buena forma de no perderte ninguna de las películas que reseñamos, estar al día de nuestros consejos de cine es suscribiendoos y dejando que os demos una propuesta de cine en casa semanal que seguro que te va a a encantar, así que dale ahora que luego se te olvida.
Y nada, ya queda solo deciros que la semana que viene vendré con un film que me habéis pedido muchos y que ya ha llegado el momento de reseñarlo pero hasta entonces, Ser felices y vivir el cine
Bienvenidos, bienvenidas, queridos amigos y amigas de cinefilia, hoy vengo con una verdadera obra maestra del cine, en el que mezcla a mujeres de armas tomar, mafiosos sin escrúpulos y un niño en apuros, si efectivamente hoy reseñaremos Gloria de John Cassavetes, un film mágicamente imperfecto que raya la excelencia.
Para empezar a hablar del film, comenzaremos por su único punto flaco, el niño, eje y detonante de todo el film no puede ser peor actor, la criatura no estaba preparada para representar un papel tan potente en pantalla y ese fallo en el reparto hace que el film decaiga mucho en su parte inicial y hablo de su parte inicial por que pasada la hora, la cosa mejora mucho y es que la peculiar forma de rodar el de Cassavetes, siempre en linea temporal real de la historia hizo que el niño se fuera encontrando más cómodo en el oficio de actuar y consiguiera en la segunda parte de la película no ser el lastre de la primera parte del film.
Pero dicho lo peor y quitándomelo ya del medio, el resto es simplemente prodigioso, maravilloso, un film que si no lo conoces te va a sorprender y vas amar, este film de mafiosos un poco en la sombra de las grandes obras del género. Es una obra de arte hecha película y es que el director de este film es el maestro de maestros John Cassavettes.
La trama nos adentra en la vida de una mujer de mediana edad llamada Gloria que ha sido novia de un jefe de la mafia, la mujer que sabe que ya pasaron sus mejores años intenta subsistir en un bloque de apartamentos, solitaria y silenciosa, intentando no meterse en líos . Hasta que una mañana un equipo de sicarios de la mafia entra en el apartamento de su vecino y acribillan a toda la famila, todos los miembros son ejecutados excepto el hijo menor que logra refugiarse en la casa de nuestra protagonista con un documento que pondrá en peligro no solo la vida del niño si no también la de Gloria que la llevará en una huida hacia adelante en contra de una familia mafiosa que ella conoce muy bien.
El guion del propio Cassavetes es una trepidante ida y venidas de giros argumentales, con un colofón final del film que hace que te enamores de la película. Cassavetes siempre buscando la verisimilitud de sus films y al no conocer de cerca ni la mafia ni sus códigos, se rodeó de autenticos miembros de la mafia de Nueva York que le orientaron de como actuan, como se mueven y como ejecutan las ordenes criminales que aparecen en el film y el resultado es terrorificamente real, la crudeza de la violencia en este film, hace que los protagonistas de la película se encuentren perdidos en todo momento al enfrentarse contra un enemigo tan poderoso que no les dará ni un respiro.
La música compuesta por el portentoso Bill Conti hace de su banda sonora un cásico del cine independiente, donde los ritmos latinos y el jazz se mezclan en una obra que a ratos parece decadente, a ratos peligrosa y a veces romántica.
Y quiero terminar esta reseña por la parte más importante, las prodigiosa y rotunda, la de su protagonista y actriz principal Gena Rowlands, No puede estar más guapa y mas arrebatadora a sus 50 años, muchas veces vemos en el cine la ausencia de ese tramo de edad en cuanto a papeles protagonistas femeninos y es por la ceguera de los directores y guionistas de cine, esta cinta no puede darse con un perfil más joven de actriz, de hecho el remake que hizo Lumet en los noventa con Sharon Stone carece de la fortaleza que dan los años, Rowland interpreta a una Gloria con todo perdido, habíendo estado demasiado años siendo la otra entre mafiosos y ahora con la edad se encuentra perdida, Gloria en una Gloria Swanson del crepusculo de los dioses cuando llega el sonoro, es un juguete demasiado usado para seguir siendo atractivo y ya lo ha perdido todo, solo vive de los recuerdos que aún desagradables son mejor que su vida anodina de gato y planta de interior y de repente su vida le da un vuelco, un cambio que aunque puede llevarla a la perdición es mejor que su presente decadente y es entonces cuando nuestra heroína con nada que perder empieza a jugar a ganar. Este papel le valió la nominación a los globos de oro y al oscar que se lo quitó Susi Spacy y que para mi parecer se lo tenía que haber llevado Rowland, pocos papeles femeninos pueden hacer sombra a esta portentosa Gloria.
Por desgracia no hay ninguna plataforma que la tenga en la actualidad en su catálogo por lo que tendremos que recurrir a nuestro querido DVD o a otros métodos de visionado, pero por si se te planta la ocasión de ver esta obra, no la dejes escapar, maravillosa película hecha por un genio e interpretada por una de las mejores actrices de todos los tiempos una delicia para que seais muy felices y vavis el cine
Bienvenido, bienvenidas, queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy con todos vosotros Naves Misteriosas o Silent Running que es su título original del film, dirigido por Douglas Trumbull.
Hoy vengo con una de mis películas predilectas, una de esas maravillas que no por ser poco conocidas deja de ser peor que las más populares y es que esta pequeña película de tan solo un millón de presupuesto, superan con creces a la mayoría de obras del género y es que tras la premisa del film esta película oculta mucho pero mucho más.
Antes de nada, puede ser que Douglas Trumbull director del film te suene y a la vez no y es que es un director de cine un poco particular, solo tiene dos largometrajes en su carrera de director, estas Naves misteriosas y la última película de Nataly Wood llamada Brainstorm .
Y con tan poco bagaje ¿Como puede ser que te suene tanto? Pues por que es una leyenda de los efectos especiales, suyos son los efectos de 2001 una odisea en el espacio, Blade Runner, Star Treck la película, encuentros en la tercera fase o El árbol de la vida entre muchas otras.
Pero si piensas que esto le resta valor al film estás muy equivocado por que Silent Running o Naves misteriosas es una de las mejores operas primas del cine de ciencia ficción y a su vez un maravilloso film.
Tras la historia se esconde otro genio de la cinematografía el grandísimo Michael Cimino, en un guión co-escrito con Deric Washburn y Steve Bochco.
La obra nos cuenta la vida de los tripulantes de tres naves espaciales que ante la imposibilidad de tener vegetación en el planeta tierra por los contaminantes, están orbitando a la espera de poder reforestar el planeta y volverlo hacer habitable, uno de esos tripulantes es Freeman Lowell que lo interpreta el portentoso Bruce Dern un naturalista que cuida de tan preciada carga con el mimo de tener las últimas plantas vivas del universo, hasta que un día reciben una orden extraña que volverá la convivencia de los tripulantes en una cacería al hombre.
La película no tuvo mucho éxito en la taquilla del lejano año de 1972, básicamente por que la Universal no se gastó nada en la promoción del film y tampoco proporcionó muchos recursos, solo 1 millón de dólares para terminar toda la película algo irrisorio y es que la universal dejó rodar este film a Trumbull como parte del pago de hacer los efectos especiales de la Amenaza de Andrómeda, película que tenemos que reseñar en el canal por que es brutalmente maravillosa.
Pero la falta de recursos Trumbull hizo una obra que superaba a muchos films de la época y con un mensaje social muy por encima de otras obras y a pesar de que la taquilla no acompañó, al costar tan poco fue un éxito económico para la compañía y más cuando años después se convirtió en obra de culto y se la rifaban en los videoclubs de los 80.
Esta obra durante mucho tiempo era el bien más preciado de los amantes de la ciencia ficción al no ser muy facil conseguir la cinta de VHS o Beta, pero con el tiempo y las reediciones en DVD se convirtió en un clásico más o menos popular.
Una anecdota que cuando me la contaron no me lo pude creer es que gran parte del escenario y debido al poco presupuesto, se rodó en un gran avión de carga que se llamaba Valley Forge y en honor a ese aeroplano que sirvió de plató llamaron así a la nave principal.
Por cierto, si te gusta que te recomiende una película semanal, suscribeté si no estas suscrito ya.
Y ahora vuestra pregunta ¿Donde puedo verla? pues la tenéis en FILMIN tanto para España como para Mexico, aunque es una película más o menos facil de conseguir para ver, por lo que si eres de otro país no te va a costar mucho encontrarla.
Y nada, os dejo con esta película joya de ciencia ficción deseando que seais muy felices y viváis el cine
Bienvenidos, bienvenidas, queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy con todos vosotros Capricornio Uno de Peter Hyams
Que ganas tenía de reseñar esta película y es que Capricornio Uno es una de esas obras que nunca defraudan, un thriller enmascarado bajo una película de ciencia ficción que como os dije en el vídeo de la semana pasada no lo es, ni mucho menos y es que esta obra lejos de centrarse en la carrera espacial, se centra en todo lo contrario y no puede ser más prodigiosa.
Para empezar vamos a romper el hielo con la trama y después contaremos como Nixon, si el 37º presidente de los EE.UU. tuvo mucho que ver con que pudiera realizarse esta obra que se enmarca dentro de las películas conspiranoicas.
El film nos adentra en el primer vuelo a Marte por parte de los astronautas Walker, Willis y Brubaker y de una sociedad cansada de los viajes espaciales, esta nueva sociedad ha perdido el interés en la carrera espacial y ve el dinero invertido más como un despilfarro que como un adelanto, esta tensión entre la ciudadanía y la Nasa lleva a la necesidad de un golpe de efecto.
Este golpe efectista va a ser un viaje espacial hasta el planeta rojo, pero por culpa de la falta de fondos que no permiten mantener a nadie con vida fuera de la capsula, deciden realizar un plan B, hacer una representación fílmica del viaje con el fin de engañar a los ciudadanos y volver a tener fondos para la carrera espacial y marcarse otro hito histórico, pero un problema inesperado dará al traste con todo el plan establecido y el resto lo tienes que ver tú.
Si te parece poco la trama vamos ha hablar un poco de la producción, como con 5 millones de dólares llegan ha realizar la secuencia en biplano más peligrosa de todos los tiempos, uno de los accidentes de tráfico que más se han repetido en el cine y una de las mejores bandas sonoras de la historia gracias a mi siempre admirado Jerry Goldsmith.
Tenemos que viajar hasta el año 1972 cuando Hyams muy sensible a la leyenda de que Kubrick rodó el primer paseo del hombre en la luna, decide montar una historia en forma de thriller con dicha leyenda de base, pero cambiando marte por la luna. Este guion no encontró a ninguna productora que quisiera meterse con estamentos tan nortemaricanos como la Nasa, así que Hyams le dejó dormir el sueño de los justos y hacerse director, ya que hasta aquel momento solo era guionista y fue en 1974 cuando rodó su opera prima Nuestro Tiempo, un melodrama de amores entre alumnos que no pasó de ser un film sin más, luego llegaría Manos sucias en la ciudad donde ya contó con Elliot Gould y Un detective curioso, una comedia de intriga con el gran Michael Cane como protagonista y todo habría seguido su curso si no fuera por que en el verano del 74 Nixon se vio obligado a dimitir por el caso Watergate y la sociedad vió con estupor como sus políticos y los estamentos publicos podían engañar al ciudadano y Hyams vio su oportunidad de oro para retomar aquel guion de conspiraciones gubernamentales y ahora nadie se atrevía a decir que no a una obra de ese tipo, ni siquiera la NASA que era retratada como la mala de la película se atrevió a denegar su ayuda y no solo eso, es que le prestó material, maquetas y via libre para rodar en sus instalaciones a Hyams no le tembló el pulso en retratar a una elite política corrupta y retratar una de la leyendas urbanas que hoy sigue en vigor, si de verdad el hombre puso el pie en la luna o no.
La película tiene dos partes muy bien definidas, la parte del engaño donde James Brolin, Sam Waterson y O.J. Simpsom hacen de unos astronautas en apuros y Hal Holbrock como el mandamás sin escrupulos, que decide ponerles las cosas dificiles a estos muchachotes (Por cierto de O.J. tenemos que hacer un documental por que su vida se las trae) y la segunda donde el ingeniero de la nasa interpretado por Robert Walden pone sobre la pista a un no muy reputado periodista que interpreta como nadie el bueno de Elliot Gould y con estos mimbres Hyams hace un cesto favuloso lleno de giros argumentales que te vana tener las dos horas que dura el film con el corazón en un puño.
¿Y donde podéis ver esta película?
Pues ahora ya no hay excusa que valga por que la tienes tanto en Filmin como en Amazón Prime por suscripción pero si aún no tienes ninguna de las dos, está totalmente gratis en PLUTO TV
Así que con toda la info dada solo me queda recordarte que si te gusta el cine pero hay veces que no sabes que ver, que te suscribas por que desde aquí te vamos a aconsejar cine del bueno y sin hacer spoiler, desde obras maestras a otras más populares y que si te a gustado el vídeo me des un like y si piensas que a tus amigos les puede interesar que lo difundas por redes sociales y con todo esto dicho solo me queda decirte que seais muy felices y vivais el cine
Bienvenidos, bienvenidas, queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy con todos vosotros El tiempo en sus manos de George Pal.
Hubo un tiempo en que la ciencia ficción no hablaba de naves espaciales, alienígenas o civilizaciones extraterrestres si no de cosas más cercanas pero a su vez por lo menos igual de interesantes.
Antes de la carrera espacial ya se fantaseaba con lo que nos encontraríamos en el centro de la tierra o en los abismos submarinos como Julio Verne nos narró en sus novelas, pero si una obra me intrigó desde muy joven es el libro de Herbert George Wells y su novela sobre viajes en la cuarta dimensión o lo que es lo mismo, los viajes en el tiempo que nos narró en su libro llamado La máquina del tiempo, pero si pude llegar a esa obra maravillosamente filosófica y llena de teorías complejas y brillantes fue gracias a esta película casi de serie B que rodó George Pal en 1960 y comento lo de serie B por que este film costó solamente 750.000 dólares y se llegó a llevar el Oscar a los mejores efectos especiales.
El film uno de los pocos largos que dirigió mi admirado George Pal que para quién no lo sepa fue uno de los pioneros del cine de animación en Europa con mas de 60 cortos animados en su haber y que realiza una obra victoriana llena de tensión con está Maquina del tiempo como se llamó en toda hispanoamerica o el tiempo en sus manos como se la tituló en Europa.
La trama nos adentra en la vida del inventor H. G. Wells y de sus compañeros y socios en la última noche del año de 1899, esa noche se dispone a enseñarles su último gran invento una máquina para navegar a través de los siglos con solo mover una palanca, estos no solo dudan de su eficacia si no que le reprochan que no esté creando inventos más lucrativos como armamento para el ejercito, con lo que Wells enfadado les despide y les cita para cenar 5 días después.
Tras eso y con la decisión más clara que nunca, Wells se sienta en su artilugio y parte a vivir una aventura que le llevará a ver como la humanidad se destruye guerra tras guerra hasta localizar una época donde el hombre vive en paz y armonía aparente, por que los Morlok vigilan sus pasos.
La película fue una de mis favoritas no solo de mi infancia si no de mi adolescencia, donde sus constantes giros narrativos nos tienen en tensión durante la hora y media larga que dura el film.
Sus efectos especiales y sus personajes femeninos no han envejecido todo lo bien que debieran, pero entendiendo en la época que se hizo tanto una cosa como la otra, es una obra que hoy en día entretiene y te deja ese gusto dulce al final donde no todo es tan simple ni tan happy end como se sospecharía en un primer momento.
La obra, un film fabuloso para inculcar el gusto por la lectura de la ciencia ficción cumple a la perfección entre otras cosas gracias a su actor protagonista el infravalorado Rod Taylor, uno de los mejores actores del momento un galán portentoso con unas maravillosas dotes interpretativas que se vio ensombrecido por figuras deslumbrantes como Rod Hudson o James Dean que le dejaron en una segunda fila, pero esto no le impidió que protagonizara los Pájaros una de las mejores obras de Hitchcock en la que volvió a demostrar que como actor no tenía ni una pega y en este film lo da todo desde el principio al fin, el desencanto del protagonista, la emoción y la indignación raya la perfección de la interpretación de verdadero caballero británico
Una de las cosas más curiosas que tiene esta película y no es un acierto, es mostrar un futuro cercano para ellos como eran los años 60 como un pastiche de serie B, con guerras termonucleares y uniformes plateados, quizá sea por que el guionista David Duncan se había breado en la serie B más pura de los cincuenta con fims como El escorpión negro o algunos episodios de más allá del limite, pero una vez pasado ese momento la cosa fluye con mayor acierto.
Aventuras, acción y entretenimiento asegurado para todo suscriptor que se atreva con este film bizarro y adorable a partes iguales y que en la actualidad se puede ver en FILMIN y MOVISTAR +
y que desde aquí os recomendamos siempre que te guste ver una película de ciencia ficción de corte clásico.
Quiero decir, por que no muchas personas lo saben es que este film tiene una secuela con un Rod Taylor ya con unos años, un mediometraje que se hizo para la televisión llamado La Máquina del tiempo El regreso y que se deja ver bastante bien, no como su versión del 2002 que no llega a estar a la altura ni del telefilm y que por desgracia no puedo recomendar y ya vamos a cerrar este consejo semanal de reseñas sin espoiler pero quiero recordaros que tenemos una cita la semana que viene y que si no estás suscrito que lo hagas, por que la semana que viene vamos con una ciencia ficción que no lo és, de viajes espaciales que no son en un maravilloso thriler que ha pasado a ser un clásico del cine.
Y ya solo me queda deciros que seais muy felices, viváis el cine y hasta dentro de siete días
Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, hoy vengo con una reseña muy especial, ya que no vamos hablar de la película de Kubrick 2001 una odisea en el espacio, si no de como se gestó, como Kubrick se creo enemistades con el equipo del film y lo más importante, como Kubrick desveló el final a un periodista. Si lo has oído bien, te voy a contar el final que quiso contar Kubrick y que lo hizo con sus palabras, pero antes de llegar a ese momento empecemos por el principio.
Tenemos que hacer un viaje a 1965, fecha en la que Kubrick influenciado por Roger Andrew Caras, deciden hacerse con los derechos de la novela corta "El Centinela" de Arthur C. Clarke.
En aquellas fechas, la carrera espacial entre la U.R.S.S y EE.UU. era un asunto político de primer orden. Una de las ideas que tenía el ciudadano medio de la época es que con los viajes espaciales encontraríamos vida extraterrestre y Kubrick estaba fascinado con la idea.
Caras había leído el Centinela y le propuso a Kubrick que la usara para hacer su próxima película, éste accedió a leerla y tras ello decidió ponerse manos a la obra y rodar un film basado en el cuento corto de Clarke
Si Kubrick era un gran cineasta hay que decir que además era de los más astutos en conseguir financiación, la posibilidad de que un gran estudio produjera un film de ciencia ficción era poco menos que imposible pero Stanley tenía una carta en la mano para levantar la producción.
Él conocía de primera mano que la Metro quería implementar el CINERAMA. El CINERAMA era un sistema de proyección en tres pantallas simultáneas, pero nadie quería optar por ese sistema, por lo que la Metro tenía grandes dificultades de sacar el proyecto a delante.
Así que Kubrick le vendió la idea de que su película sería el colofón final al CINERAMA y que su película se proyectaría a traves de ese sistema, la Metro tragó el anzuelo y comenzó la producción.
Quiero decir que en la mente de Kubrick no estaba el rodarla en Cinerama ni algo por el estilo, si no rodarla y proyectarla en 70mm como al final hizo, dando la puntilla definitiva al proyecto de la metro.
Con esa primera marrullería Kubrick empezó la película, pero si alguno se cree que fue la última, no te marches por que hay muchas más.
La fecha inicial del rodaje estaba prevista para agosto de 1965, pero Kubrick no empezó hasta pasadas las navidades de ese mismo año, el 29 de diciembre de 1965. El nerviosismo de los directivos de la Metro era palpable, habían sufrido un duro revés económico con el fracaso de Rebelión a bordo y no se podían permitir otro fallo de aquellas características.
Pronto Kubrick se alejó de la novela de Clarke, su idea era hacer una obra visual, una epopella, una experiencia única al espectador donde pudiera ver la inmensidad del espacio y el principio del hombre como jamás se habría visto antes, la trama pasaba a un segundo plano siendo los máximos protagonistas la puesta en escena y la composición, de hecho es que en solo 30 minutos del film hay diálogos de las dos horas y media que dura la película, esta ausencia de narrativa hizo que ninguna de las grandes estrellas que busco la Metro para llevar el público a la pantalla quisiera aceptar ninguno de sus papeles, por lo que al final tuvieron que recurrir a actores de segunda fila o totalmente desconocidos.
En el planteamiento de producción la película tenia que durar 3 meses pero debido a que Stanley reescribía el guion constantemente se alargó a más del doble, se rodó tanta película que el montaje del film duró la friolera de 2 años
Kubrick no quería que fuera una película al uso y para ello las imágenes debían de bailar al son de una música excepcional, sabía que era igual de importante la BSO que todo lo que había rodado y mucho más que cualquier trama. El encargado de realizar la Banda Sonora era Alex North, creador de bandas sonoras como Cleopatra o un Tranvia llamado Deseo y que ya había trabajado con Kubrick en Espartaco. North compuso dos horas de música original para Kubrick, durante meses trabajó en la música de 2001 y se la entregó para que la montara con la película, en la fecha del estreno North llegó a la premiere del film y vio horrorizado como ni una sola de sus composiciones fueron al final montadas por Stanley, toda la música fue sustituida por piezas clásicas y no le había avisado, esa actitud de Stanley hizo que North no quisiera volver a trabajar con él y jamás volvió a hacerlo.
Con la película enlatada, los directivos de la Metro pidieron ver el film en donde habían invertido más de 10 millones de dólares, tras el visionado ninguno entendió nada, las alarmas se habían encendido en la productora del Leon, otro fallo más y la metro desaparecería, al no comprender nada, decidieron hacer pases privados a críticos de cine y personas autorizadas de los medios y no obtuvieron ni una crítica buena.
Con todo el futuro en un film que no podían recortar ni modelar a su antojo decidieron estrenarla tal cual la rodó Kubrick con la sensación de perdidos al río. Así el 1 de enero de 1968 se estreno 2001 Una Odisea en el Espacio y en tan solo 2 semanas el film había recaudado 200 millones, la sensación en el publico fue brutal, artistas como Bowie se sintieron inspirados por el film y como él el resto del mundo, se formarón coloquios existencialistas sobre el monolito y se crearon tratados sobre el final del film.
2001 ya era leyenda en menos de un mes, todo el equipo de la película irradiaba felicidad, excepto Clarke que había visto como su trabajo como guionista del film había sido ninguneado, ninguna de sus ideas finales fueron admitidas por Kubrick, así en venganza Athur C. Clarke escribió su libro 2001 donde narraba todas sus ideas que fueron desdeñadas por el director, este es uno de los pocos casos que la película es anterior a la novela y tras ver el film y leer el libro, he de reconocer que la película supera con mucho el 2001 de Clarke.
Por cierto Arthur C Clarke consiguió pingues beneficios con la novela y escribió el guion de una secuela 2010 odisea 2, se lo presentó a Kubrick para que este la dirigiera pero Kubrick comentó que 2001 ya estaba cerrada, se negó y fue Peter Hyans el mismo director que Atmosfera cero el que tomara el testigo en una secuela maldita que no llegó ni a la altura de los talones al original.
Ahora ha llegado el momento de explicar el final.
Resulta que el productor de televisión japonés Yun´Ichi Yao en 1980 le hizo una entrevista a Kubrick por su estreno de El resplandor, la entrevista tuvo lugar en Elstree Studio. El director de Manhattan siempre había sido reacio de contar su idea de final, sobre todo al ver que cada espectador sacaba su teoría, jamás desveló nada de lo que tenía en su cabeza ni siquiera en la famosa entrevista a Playboy, pero ese día a la pregunta directa de "¿Que tenía usted en la cabeza cuando rodo ese final?" el productor japonés se sorprendió al ver que Kubrick por fin respondía.
Kubrick contó que pensaba en algo similar a un inmenso Zoo pero para humanos, donde seres más avanzados que nosotros nos estudiarían.
Al igual que nosotros creamos escenografías ideales para que los animales se sientan en un ambiente similar a su hábitat, pero que de todas, todas es una idealización falsa, así pensó en la escenografía donde una habitación de corte francés hiciera las veces de hogar para el espécimen, en este caso Dave Bowman.
Tras ello pensó como los semidioses griegos que una vez en el olimpo volvían pero con poderes superiores a sus demás congéneres, así Dave regresaría tras su periplo en el Zoo humano donde el tiempo y el espacio se confunden. Esa parte final del regreso no se desarrollaba en el film y quedaba a la interpretación final del espectador.
Como podéis ver es un final críptico pero que una vez se sabe la intención absolutamente todo cobra una nueva forma y seguro que te apetece volver a verla, uno de los problemas es que no hay plataforma que la tenga en Streaming en la actualidad, pero es una película con cientos de ediciones en DVD por lo que es una buena manera de rescatar un film simplemente maravilloso.
Y ya solo me queda decirte que si quieres que todas las semanas te recomiende una película de calidad, ¿Por que no te inscribes como suscriptor? estaremos encantados de que pertenezcas a esta fantástica tribu de cinefilos y si te ha gustado el vídeo dame un Like y ya solo me queda decirte que seas muy feliz y que vivas el cine
Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy con todos vosotros una rareza del género del terror y una delicia para todos los que amamos las historias góticas, El Viyi de Kropachyov y Yeshof.
Hay que remontarse hasta 1967 para que la Unión Soviética realizara su primera película de terror y pasarían muchos más hasta que se continuara con el género, con lo que este Viyi durante muchos años fue la única película de terror hecha en la antigua U.R.S.S.
La obra mantiene una riqueza de planos y estilismos muy propio de la escuela soviética, donde la puesta en escena y la coreografía con la cámara llega a rallar la perfección para narrar una obra gótica de brujas y vampiros, basáda en un cuento de Nicolai Gogol
La historia cuenta la aventura de tres seminaristas que al terminar sus estudios parten de vacaciones a su casa, estos se pierden en el bosque y encuentran una cabaña regentada por una bruja, tras una noche de locura Khoma se enfrenta a la vieja diablesa asesinándola a golpes, pero esta una vez muerta se transforma en una bella joven.
Khoma asustado vuelve al seminario donde le aguarda una noticia que no será de su agrado, el jefe cosaco del pueblo pide que un sacerdote rece al cadáver de su hija durante tres noches, Khoma piensa que puede ser la bruja y parte a enfrentarse contra ésta.
La obra mantiene los principios de la mayoría de obras realizadas en aquel tiempo, donde muestras el folclore típico de sus antiguos pobladores, recreándose (quizá en exceso) en canciones y bailes populares, esta narrativa costumbrista interrumpe muchas veces la progresión de la historia ralentizándola bastante y creando partes tediosas que sin ellas la obra ganaría muchos enteros, pero aún así los directores Kropachyov y Yesof consiguen mantener bastante bien el interés de la audiencia, incluso para espectadores de la época actual donde no estamos acostumbrados a las obras lentas.
Uno de los puntos fuertes es los efectos especiales que debido a su sencillez, alejados de alardes técnicos consiguen aguantar bastante bien el paso del tiempo, las dobles exposiciones y el rodaje sobre pantalla eran técnicas que a finales de los 60 se dominaban casi a la perfección con lo que el resultado de estás técnicas aplicadas al film dan como resultado una obra técnicamente impecable.
La película adolece de la falta de precedentes del género, abrir camino nunca fue fácil y el hermetismo de la sociedad Soviética donde apenas se podían ver obras occidentales hicieron que los directores se adentraran en un género totalmente extraños para ellos con lo que algunos errores de continuidad de tensión hace que el espectador pierda la sensación de estar ante una atmosfera terrorífica y opresiva, pero descubrir la obra de unos pioneros en el género es una delicia que no se suele ver todos los días y sus aciertos son tan grandes que podemos pasar por alto algunos fallos narrativos.
Si eres un arqueólogo del género, esta obra se convierte directamente en un indispensable, si eres una persona abierta a nuevas narrativas el Viyi va a colmar tus exigencias, pero aviso que no es una obra para todo el mundo.
Antes de decirte donde la puedes ver, quiero recordarte que si no estás suscrito lo hagas ahora mismo para no perderte ningún consejo de cine que te damos semanalmente y ahora sí.
¿Y dónde la puedes ver? pues la tienes ni más ni menos que en Filmin, como es normal está en ruso con subtitulos en español.
Deseando que esta obra que es una rareza en si misma os colme de felicidad esta semana me despido sin antes no desearos que seáis muy felices y viváis el cine.
Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, hoy con todos vosotros la sublime e inconmensurable Erase una vez en America del grandioso Sergio Leone.
Hace tiempo que nuestra amiga y subscriptora Ana, pidiera una reseña de está película y que mayor placer que hablar de un film que me marcó la juventud e hiciera que me enamorara del cine de contrastes, del bien y del mal, de lo real y lo irreal, de leyendas imposibles en historias imposibles, ya que aunque al principio pueda parecer una película de gansters, lo que realmente cuenta este film es el tributo del director romano a un país imaginario llamado America.
Sergio Leone director poco prolífico a la hora de rodar y un buen ejemplo de ello es que hacía la friolera de trece años de su anterior película "Agáchate maldito", quería rodar lo que al principio iba a ser un final de ciclo con una de sus películas mas personales. Con un prestigio ganado a base de spaghettis westerns, Leone se embarcó en su gran obra, un film de gansters que abarcarían todas las épocas más reseñables de los EE.UU.
Para ello tomó como base la autobiografía del ganster judío Harry Grey llamada The Hoods, pero problemas de derechos hicieron que se alargara el comienzo de la producción, cuando por fin pudo arrancar la creación de la película se encontró con otro escollo. ¿Quíen iba a dar vida a los nuevos personajes? en los Western lo tenía claro pero al cambiar de época, necesitaba nuevas caras y esto le llevó a un casting que se alargó hasta los 3000 actores y dos años de proceso de selección, donde Robert de Niro y James Woods serían los protagonistas de la obra a la que se sumaría Joe Pesci, Elizabeth McGobern y el debut de Jennifer Connelly.
Otro de los problemas que se encontraba la producción era el recrear la Ameríca de los 20 por lo que Leone prefirió llevarse el rodaje a los estudios de Cinecitta en Roma donde se sentía cómodo para rodar interiores y planos de estudio, pero también llegaron a rodar en Canadá más concretamente a Quebec y París, pero también se rodaron exteriores maravillosos del puente de Brooklyn en Nueva York en planos que quedarán siempre en nuestra memoria, en un mágico collage que sirve para recrear una Ámerica falsamente real.
La historia se contaba a base de flashback en una narración con idas y venidas en el tiempo para construir la vida de Noodels uno de los capos de la mafia judía pero también contarnos la vida y el proceso de cambio que EE.UU. sufrió en el siglo XX
La trama contiene tres tonos distintos, optimista y vitalista en la américa de los 20 donde unos niños comienzan su vida como pequeños delincuentes para contrastar con los años conflictivos de los 30en donde aquellos niños se han convertido en una de las bandas mafiosas más temidas y con más poder y como aquel imperio del crimen se desmorona junto con la abolición de la Ley Seca, para terminar con la añoranza de los 60 donde la America moderna aleja de su vida a aquellos mafiosos.
Y en aquellos años de los 60 un Noodel ya anciano recibe una invitación, una invitación que no tendría más misterio si no fuera por que lleva 30 años escondido en otra ciudad con una identidad falsa viviendo una vida prestada y esa invitación llega con su nombre real.
La curiosidad hace que el anciano mafioso regrese a la ciudad de su infancia a visitar viejos amigos y recordar su vida cruel, despiadada y romántica, pero a su vez honrar a sus tres amigos y compañeros de andanzas que yacen muertos tras un brutal accidente.
Como era de esperar Leone mantiene su estilo de rodar, con lo que Erase una vez en América sigue siendo un Western pero de mafiosos, con largos planos narrativos que terminan abruptamente con violencia, con primeros planos que enmarcan los ojos de De Niro en donde su mirada cargada de ayer se convierte en la interpretación más grande jamás filmada, sin una palabra, ni un gesto, solo esa mirada es suficiente para narrar la vida de un hombre anclado en el pasado.
De amores maltratados por su violencia, que le mantiene en ese lugar solitario de los que no saben amar y de amigos, amigos que eran parte de su vida pero que murieron hace muchos, muchos años.
La obra llega a ser perfecta por la sincronicidad entre imagen y música en una danza lenta que acompasa Ennio Morricone de una manera tan magistral que se convierte en el trabajo de su vida, en una de las mejores bandas sonoras de la historia del cine que no pudo participar en los Oscar debido a que la productora de Lad Jr no la incorporara en los créditos finales y ese formalismo hizo que los Oscar del 84 fueran uno de los menos justos de la historia. Ya que La fuerza del Cariño película ganadora ese año está a años luz de esta obra de Leone que a su vez murió sin ser premiado por una academia que siempre le dio la espalda.
Aunque la verdad sea, esta vez no fueron los académicos los ciegos, si no los propios productores de la Warner que tomando a sus espectadores por imbéciles, remontaron la obra a espaldas de Leone de manera temporal, quitando los flashback y recortando la película o mejor dicho mutilandola hasta tal punto de hacerla incomprensible e insulsa.
Un buen ejemplo de ello fue la prestigiosa crítica de cine Sheilla Benson que al ver el montaje americano, comentó que erá la peor pelicula del año y 6 años después tras ver el montaje original de Leone que se estrenó en el resto del mundo dijo que estaba entre las tres mejores películas de la historia.
Mientras tanto Leone se metió en litigios con la Warner por haber mutilado su obra, litigios que le impidieron empezar el rodaje de Leningrado y que jamás rodaría ya que en 1989 a causa de una dolencia cardiaca fallecía uno de los mayores cineastas de la historia.
¿Y cual es mi opinión sobre la película? Pues que es tan maravillosa que no es para todo el mundo, si eres una persona con la piel fina que busques valores y principios en una película, borra esta de tu cabeza, por que es dura, despiadada, romántica y violenta. Pero si buscas la verdad ficticia que da un cuento cruel y desalmado este es tu film.
¿Y donde la puedes ver?
La tienes en Amazon Prime Video, presta y dispuesta, con su montaje internacional que vuelve a ser el bueno para disfrutar de esta obra maestra llena de matices.
Y ya solo me queda recordarte que le des al botón de suscribirte por que la próxima semana vengo con una película que pocos conoceréis pero que amaréis si eres de esos que disfrutan con el terror gótico, una rareza soviética que es una joya en si misma.
Y nada queridos amigos y amigas de cinefilia, me voy a despedir esperando que seais muy felices y vivais el cine
Bienvenidos, bienvenidas, queridos amigos y amigas de cinefilia, hoy con todos vosotros Golpe en la Pequeña China de John Carpenter.
Esta película que se llamó Masacre en el barrio Chino en Mexico y en el resto del continente Americano como Rescate en el Barrio Chino es una de las películas más divertidas de los locos años 80 y no es de extrañar que nuestro amigo y suscriptor Jesus Alberto nos haya pedido esta reseña.
Antes de empezar con la película en sí, hay que decir que fue un producto mediático de primer orden, si eras un niño en aquel tiempo, no eras nadie en el recreo si no habías visto la película y un buen ejemplo de ello es que fue un rompe ventas de videojuegos, aquella época del 8 bit donde el Spectrum, Comodore y Amstrad eran los reyes, lo mejor que le podía pasar a una película era ser transformado en juegos pixelados, que hacían subir las ventas no solo en taquilla de los cines si no en la venta y alquiler de Video doméstico que tan en auge estaba en aquellos momentos.
Carpenter había encadenado una racha de éxitos que pocas veces se han visto en la historia del cine y es que, La niebla, Rescate en Nueva York, La cosa, Cristine y Starman fueron las obras que precedieron a este fabuloso film.
La trama, sencilla a más no poder donde se mezclaba a dos heroes por accidente, una novia en apuros que luego resultan ser dos, una guerra entre familias rivales y un sacrificio humano no es nada si no lo mezclas con magia y elementos sobrenaturales y si piensas que no puede tener más sorpresas, estas muy pero que muy equivocado por que el bueno de Gary Goldman escribió uno de sus primeros guiones donde llenó de giros argumentales toda la trama haciendo, un trabajo tan eficaz que le permitió escribir años después Desafío total y Minority Report.
Con un presupuesto de 25 millones y un reparto de lo más granado encabezado por Kurt Russel actor fetiche del director desde su telefilm Elvis y que repitió 1997: rescate en Nueva york Y La cosa, para llegar a ponerse en la piel del camionero fanfarron Jack Burton.
Kim Cattrall de belleza espectacular y un oficio en pantalla sobresaliente que ya había soltado su bis cómica en películas como Porkys o loca academia de policía, llegaba a este film como uno de los rostros más populares de la gran pantalla en aquellos años.
Dennis Dun, que ya había trabajado bajo las ordenes de Cimino en Manhatan Sur y que repitió con Carpenter en el Pincipe de las tinieblas, por cierto película que ya hemos reseñado en el canal y el grandisimo Victor Wong. Manhatan Sur, El chico de oro, El último emperador entre otras muchisimas películas que no necesita presentación.
A pesar del apoyo financiero, la 20th Century Fox no hizo una promoción a gran escala, entre otras cosas por que Aliens la secuela de la obra maestra Alien se estrenaba dos semanas despues, pero aunque en taquilla el resultado fue satisfactorio, donde realmente triunfó la película era en el recien creado circuito de vídeo doméstico donde se convirtió en un clásico de los vídeoclubs.
La 20th Century Fox no creyeron en el producto nunca, básicamente por que Jack Burton no era un heroe al uso, si no un camionero al que le superaba la aventura y tenía que ser constantemente rescatado por Wang Chi, esto a los directivos no les gustó en absoluto e interfirieron tanto en la obra que le obligaron a meter secuencias donde hacían más aguerrido al personaje interpretado por Rusell, tras el estreno Carpenter abandonó la 20Th Century Fox para producir independientemente sus películas.
Acierto total ya que habría sido imposible que años despues rodara ESTAN VIVOS, obra maestra y obra que entrelíneas hace una crítica social sobre el mundo preestablecido.
Y ya sé que ahora estáis deseando que os diga donde podéis verla, peeero antes te voy a pedir que te suscribas que si no te lo recuerdo se te olvida, que me des un like si te ha gustado esta reseña libre de spoilers y que lo compartas por redes sociales si es que te apetece y ahora si.
Dónde podéis ver este film. pues en la actualidad la tenéis en Disney +
Y que os espera la próxima semana. Pues un clasicazo que es una petición de nuestra suscriptora Ana, la magnifica Erase una vez en América.
¿Y tras eso que más os puedo decir? pues desearos que seais muy felices y vivir el cine
Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, hoy vengo con un vídeo sobre la censura en el cine, una idea de nuestro suscriptor Diego y como hubo grandes películas que jugaron con ella para reprocharla y luchar contra la censura imperante y se convirtieron en obras maestras
La industria cinematográfica en EE.UU. cabalgaba libre, con obras controvertidas y sin más límite que el creativo, hasta que en 1930 llevado por la presión de parte de la sociedad se limitó esa libertad con un Código de buenas conductas que asumieron todas las productoras en el llamado Código de producción de películas o más conocido como Código Hays en "Honor" al político republicano que las redacto.
Las películas tendrían que tener un carácter antibelicista, se tenía que proteger a las clases bajas de la sociedad, se tenía que denunciar el abuso de los poderosos y por supuesto tenían que ser moralmente aceptables.
Esto llevó a coartar la libertad de los cineastas en muchisimos aspectos de la obra, ya que el mal no podía triunfar y todos los actos negativos tenían que tener una respuesta en la obra, además de mantener la moralidad tanto en las acciones como con la desnudez y actos decorosos, con lo que todas las películas se infantilizaron en exceso, obras simples, de lecturas simples pero bien intencionadas donde terminaban con un final feliz con personajes moralmente intachables creando así el conocido final made in Hollywood, final que ahora vemos como negativo y poco creativo pero que tiene su origen en aquellas normas que encorsetaban las tramas
Este código intentaba que no se repitieran casos de películas controvertidas y con excesos que ofendieran a la audiencia más mojigata del país, como la película de la Metro la Divorciada, donde el adulterio era la tónica habitual del film y que resulto ser un escándalo para la sociedad del momento, ya que una mujer casada sufre una infidelidad del marido y ella decide vengarse dándole de su propia medicina, liándose con el mejor amigo de éste
Esa película estrenada en el 30 fue el punto de inflexión y el resultado fue el famoso código Hays
Con el tiempo el Código Hays se les quedó corto a la parte más reaccionaria del país, aumentando la presión hasta llegar a su cumbre en el 46 con el Macartismo y su detestable caza de brujas.
Esta caza se basó en buscar a autores y actores que fueran o hubieran pertenecido al partido comunista en un comité de actividades antiamericanas, eso hizo que algunos cineastas como Bogard, levantara la voz ante el atropello que estaban sufriendo pero también a delaciones sin piedad como las que hizo Kazan y gracias a esas delaciones se pudo crear una lista negra que prohibía trabajar a personajes de la talla de Trumbo, Lossey o Dassyn entre muchos dagnificados, por cierto Kazan jamás pidió perdón por aquellos acontecimientos y esa actitud hizo que en la ceremonia de 1999 donde le dieron un Oscar honorifico gran parte de los asistentes no aplaudieran en repulsa a aquella actitud.
Pero como toda represión tiene su contestación estas son tres obras maestras que se revelaron contra la censura imperante y la primera de ellas es:
En un lugar solitario de 1950 dirigida por Nicholas Ray.
Primero decir que si os gustan los diálogos de esos que te rompen el alma en dos, Nocholas Ray es vuestro director y está película es un buen ejemplo, rodada justo cuando su matrimonio con Gloria Grahame coprotagonista del film hacía agua y con uno de los momentos más oscuros del director creo esté film atípico junto a su gran amigo Bogart, por cierto el actor de Casablanca fue el que financió la película ya que se rodó alejada de los grandes estudios y ¿por que?.
Básicamente por que dibuja una industria podrida por dentro, con viejas estrellas defenestradas y personajes oscuros manejando la industria, pero también por el personaje protagonista, una persona mas cercana a un villano que a un heroe con una imposibilidad de reprimir su violencia que ejerce contra todo y contra todos que le mantienen en un lugar solitario, con uno de esos finales que se encuentran a 100 mil millas de un happy end Hollywoodiense. que se puede resumir en una frase del film "Viví unas semanas mientras ella me amó"
Por cierto una curiosidad Art Smith, maravilloso actor de reparto fue uno de los actores investigados por el Macartismo.
¿Cómo se puedo rodar y distribuir este film? primero por que lo produjo Santana Pictures propiedad de Bogard y segundo por ser distribuida por la Columbia Pictures una de las major más permisivas con las películas que rallaban lo políticamente incorrecto y ¿donde podéis ver este prodigioso film?
Pues lo tenéis en Filmin y Amazón Prime vídeo, simplemente UN INDISPENSABLE.
La próxima película en retratar lo peor de la censura es la obra maestra de Mankiewichz con guión de Tennessee Williams en De repente el último verano. Esta película de alto voltaje ya que habla de hosexualidad, pedofilia y hasta de canibalismo y de altos quilates ya que en su reparto están ni más ni menos que Montgomery Cliff, Liz Taylor, Katherine Hepburn y mi adorada Mercedes McCambridge haciendo de familiar carroñera como nadie, es una oda a la lectura entre líneas donde una mujer totalmente censurada es encerrada en un Psiquiatrico para evitar que exprese los que la moralidad de una madre quiere mantener en secreto, como podéis ver esta película habla de más cosas que de una simple relación materno filial. Obra maestra y otro imprescindible que podéis ver en Filmin.
Y para terminar este terceto nos tenemos que ir a una de las tramas que mejor retrataron el Macartismo cuando este estaba en auge como son Las Brujas de Salem de Arthur Miller, pero si la obra está escrita en 1952 no tuvo una película de producción norteamericana hasta el 67, si 15 años después cuando el Macartismo no existía y digo Norteamericana por que en el 57 hubo una versión de producción francesa, en fin que este telefilm que se tituló el crisol es un alegato sobre la injusticia no solo del comité de actividades antiamericanas si no de la sociedad que la respaldaba, otro indispensable que tienes que ver y que lamentablemente no está disponible en ninguna plataforma por lo que tendréis que buscarla por otros medios.
Y ya terminamos esta reseña alertando que cualquier tipo de censura lleva a épocas oscuras de las que hay que huir y para terminar con buen sabor de boca, que os parece la semana que viene una de acción y fantasía como Golpe en la Pequeña China? película que es una petición de nuestro amigo Jesus Alberto. Pues ya sabéis contar las horas por que en 7 días volvemos y solo me queda deciros Ser felices y vivir el cine
Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy con todos vosotros el telefilm de Thames Jack el Destripador.
Nos tenemos que ir hasta 1998 año que se conmemoraba el centenario de los asesinatos de Whitechappel y en ese lejano año la productora televisiva Thames preparó uno de los mayores acontecimientos filmicos o mejor dicho telefilmicos del año, que no era ni más ni menos que recrear con exactitud el proceso de investigación que se llevó a cabo en 1888 año en el que ocurrieron los hechos luctuosos que todos conocemos.
Para ello la productora abrió los archivos de investigación de la época que tiene guardados Scontland Yard y de los míticos archivos del Black museum con lo que narrar de una manera veráz todo lo que aconteció aquellos días.
La historia narra los asesinatos de prostitutas en una barriada londinense y de la investigación por parte del inspector Abberline, pero tambien nos hace un retrato político y social de la época con lo que su visionado es una delicia para todos los amantes de las callejuelas poco iluminadas y las brumas en el marco del Londres Victoriano.
El telefilm esta dividido en dos capítulos en una película que llega a las 3 horas de duración y que permite profundizar en el caso y dar una respuesta verosímil.
Todo el telefilm es perfecto pero el problema de intentar ser fiel a la realidad nos impide ver escenas de acción persecuciones y todo lo que una obra de ficción no puede dar, alejadísima de la grandiosa asesinato por decreto, film que ya reseñamos en el canal y que también se basa en Jack el destripador al que se enfrenta el personaje de Conan Doyle Sherlock Holmes, tengo que decir que comparte uno de los mejores repartos que se podían contratar en la época y es que hablamos ni mas ni menos que del maravilloso Armand Assant que interpreta al actor norteamericano Richard Mansfield, Jane Seymour que está prodigiosa en el papel de retratista y mujer fatal y de mi siempre adorado y admirado Michael Kayne que interpreta de una forma espectacular al inspector Abberline, quiero recordar que ese papel le dió a Kayne un Globo de Oro que le llegaba en uno de sus mejores momentos interpretativos.
¿Y dónde podéis ver esta maravillosa obra? pues está disponible en Filmin y si eres un fan del amigo del cuchillo largo y sombrero de copa, creo que no la debes dejar escapar y si no lo eres, pues también por que creerme que este telefilm es de lo mejorcito que se ha hecho en este género.
Y antes de deciros que os espera la próxima semana recordaros que si os suscribís ayudáis al canal a crecer, si lo compartís por redes sociales me ayudáis enormemente en esta labor de recomendaros una película de calidad semanal y si me dais un Like al vídeo me haceis muy feliz al saber que os ha gustado.
¿Y que os espera en siete días? pues tres obras maestras del cine, si tres obras que fueron un referente en contra de la Censura en los EE.UU y este vídeo se lo debemos a nuestro amigo suscriptor Diego que pidió un vídeo sobre el código Hays. Así que ya sabéis ser muy felices y vivir el cine
Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy ha llegado el día de reseñar DUEL o como se conoció en España El diablo sobre ruedas y en parte de América como el Duelo, título éste ultimo que sinceramente me gusta mucho más ya que guarda la esencia del original.
¿Y por que digo que ha llegado el día? pues porque aunque no lo parezca es un film que llevo tiempo deseando meter en el canal y o bien por temática no podía o bien por género siempre se quedaba fuera de la emisión, pero hoy por fin vamos a disfrutar de esa road movie mítica.
Antes de empezar con la reseña quiero deciros que al final del vídeo y solo para los que ya la han visto les tengo un regalo que me van a agradecer de por vida, pero bueno vamos al tema que no es otro de ¿Como se gestó Duel?
La historia vino por una experiencia poco agradable del famoso escritor Richard Matheson, sí, el mismo de Soy Leyenda o el Increíble Hombre Menguante, que yendo en coche con su editor, un conductor bastante agresivo les sacó de la carretera y esto permitió al escritor crear uno de los relatos cortos más interesantes de todos los tiempos.
La historia se centra en los convulsos años 70 en EE.UU. de hecho es que cuando se rodó aún había tropas en Vietnam en una guerra que era la primera que los norteamericanos perdían, si a eso le sumamos el acceso a la mujer al trabajo y a puestos sociales que antes exclusivos del género masculino, nos encontramos con esos hombres acomplejados que guardan tanto rencor dentro, que explotan en momentos cotidianos de la vida como puede ser tras el volante de un vehículo.
La trama comienza con un hombre de esos con problemas conyugales, problemas que no es exclusivo de él, por que atentos a la llamada radiofónica que escucha al principio del film.
Ese resquemor se ve avivado en el momento que un conductor de camiones bastante descerebrado se enfrenta con él, en un estúpido duelo mortal por un simple adelantamiento, cosa que nos tendrá atados a la silla durante 74 minutos en un telefilm prodigioso.
Se que muchos en este momento estarán extrañados con la duración, pero dejarme que termine la reseña por que este film es muchiiiisimo más de lo que parece en un principio.
La ABC en su película de la semana, tenía planteada la emisión de la película en cuestión, película que iba a ser dirigida por un desconocidisimo Steven Spielberg.
Hasta Spielberg aquel entonces solo había rodado algunos capítulos en telefilmes de tercera entre el 69 y el 70, hasta que le llegó la oportunidad de rodar un capítulo para la rompeaudiencias COLOMBO donde rodó uno de los capitulos míticos de la serie Homicidio de acuerdo con el libro, Capitulo éste que tuvo grandes críticas y que permitió que la productora pensara en él para dirigir este Thriller tan particular.
La forma de narrar la película, el tempo de la acción, el misterio que otorga al villano hicieron que este telefilm fuera una autentica sensación en el público, tanto que los productores quisieron hacer un largometraje filmico y permitieron a Spielberg, retomar la película y rodar casi 25 minutos más, terminando así la película que nos ha llegado a todos de 91 minutos.
La trama consigue engancharnos desde el minuto 1, primero por que todos en algún momento hemos sido víctimas pero también villanos en la carretera, con lo que nos enseña como un espejo esa agresividad que tenemos todos en algún momento tras el volante y el acierto de no "enseñar" y esto lo digo entre comillas al villano en el film nos crea un desasosiego que nos acompañará durante todo el metraje.
Ahora una advertencia, digo entre comillas que no nos lo enseña por que sí, la cara del villano aparece en el bar y al final del vídeo os diré quién de todos los clientes es el conductor del camión, pero creerme, si no la habéis visto, es mejor que no lo sepáis por lo que os aconsejo verla primero, intentar descubrir vosotros mismos quién es el villano y luego comprobéis con el final de este vídeo si acertasteis o no, pero no lo hagáis al revés por que te pierdes parte de la gracia.
Pero antes de llegar ahí, quiero deciros dónde la podéis ver. La tenéis gratis en el catálogo de FILMIN pero en alquiler está en todas las plataformas que existen incluido Youtube, así que no hay excusas.
Y ahora ha llegado el momento de decir quién es ese conductor salvaje que se enfrenta en el duelo al bueno de Denis Weaver. Si no la has visto te recomiendo que pares aquí, luego puedes volver en cuanto la veas, perderte la experiencia de buscar al conductor en el bar es un placer que no os quiero quitar, pero si la has visto ya, allá vamos.
Estamos en el bar de carretera, donde Weaver sabe que está el maldito conductor del camión cisterna, en ella vemos a todos los parroquianos e incluso se enfrenta con uno que resulta que no és. ¿Pero quien de todos esos és? pues ni más ni menos que el actor de acción Cary Lofftin si el que tiene el sombrero de paja y mira con displicencia al bueno de Weaver mientras tranquilamente se bebe una cerveza.
¿Acertaste? Si, No. bueno lo que te puedo decir es que acertaste viendo esta maravillosa película que sirvió a Spielberg para labrarse un futuro aunque también algún descalabro como el film que le siguió y que se llamó Algo diabólico o el influjo del mal que es una obra bastante dificil de encontrar y que resulto ser un revés del que pudo recuperarse el bueno de Steven y con esto nos vamos, no sin antes pediros un Like si te gustó y si no te has suscrito lo hagas por que la semana que viene venimos con artillería pesada, Londres victoriano y un asesino en serie.
Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cineflila hoy con todos vosotros It de 1990
En la década de los 80 y en buena parte de los 90 los telefilmes proliferaban y se necesitaban obras populares que dieran base a las historias.
Así que no es de extrañar que un autor recurrente para dicho menester fuera Steephen King y que varías obras de él estén en lo más granado de este género como la fantástica Salem´s Lot del 79 o este It.
A pesar de tener una dirección errática por parte de Tommy Lee Wallace, consigue adaptar la novela de una forma excepcional y todo gracias a un maravilloso Tim Curry que consigue dar vida al malvado payaso de la novela de una forma excepcional y si no te vale simplemente al maravilloso curry en pantalla, decirte que el resto del reparto está excepcional.
¿Y de que va el telefilme? pues es una obra que viaja en el tiempo dentro de un maravilloso pueblecito américano con tintes a los años 50, donde un misterioso mal está secuestrando niños, dichas desapariciones están enlazadas con un payaso, un payaso que esconde mucho más que su cara tras el maquillaje, en la segunda parte nos encontramos con un grupo de amigos del pueblo que siendo niños sufrieron una de las misteriosas desapariciones y deciden volver al pueblo a enfrentarse con sus miedos.
Y hasta aquí puedo leer por que el resto lo vas a tener que descubrir tu.
Cierto es que el remake cinemátografico de Andy Muschietti que hizo en el 2017 no solo está a la altura es que supera a veces este remake, pero hay que decir que el formato del original dividido en dos cápitulos de 190 minutos en total recrean de una forma más fiel la obra del maravilloso King.
Producida por la Warner para la ABC resultó ser un éxito total un éxito que se vendió a todo el mundo en donde manteniendo el nombre se tradujo a infinidad e idiomas y entre ellos al Español, donde en Hispano Ámerica se conoció como ESO o It el payaso asesino y simplemente It en España, pero al fin y al cabo todos los que fuimos niños en esa época sufrimos pesadillas con el bueno de Tim Curry con la cara pintada de blanco.
¿Y donde podéis ver este maravilloso telefilme? Pues por desgracia ninguna plataforma la tiene grátis en su catálogo por lo que habría que recurrir al alquiler que si está disponible en varias plataformas.
Y ya solo me queda deciros que seais muy felices y viváis el cine
Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy nos encontramos ante una reseña bastante especial, primero por que no solo te diremos por que ver el film, si no que justo cuando acabe la reseña os enlazaremos a continuación el vídeo para que veas esta maravillosa obra de terror psicológico con tintes de ciencia ficción.
Son muchos los motivos por los que este film tiene que estar en tu lista de películas que ver en la semana y son muchos los motivos por los cuales este telefilm tiene que estar en el canal.
Primero por jamás en la historia ningún producto televisivo que no fuera directamente Estadounidense o Británico ha tenido tanta repercusión internacional ni tantos premios de la talla del Festival Internacional de Montecarlo, Premio Marconi de Milán, Premio Ondas, Premio de la crítica Española y Un premio Emmy, el primero que recogía la TV española y el último, por que jamás hasta le fecha ningún telefilm ha conseguido alzarse con el ansiado premio excepto esta Cabina.
La sinopsis de la obra, no te preocupes que no te voy a destripar nada de la misma, parte de una simple premisa, un hombre cualquiera entra en una cabina telefónica y se queda encerrado.
Las desventuras de la gente por sacarle de ahí contrastan con los mirones que ven en el asunto un objeto de mofa y burla, sirviendo un drama personal como entretenimiento puro, algo que hoy con las redes sociales está a la orden del día, con lo que podemos decir que este film en su concepto se adelantó varias décadas y que retrató una sociedad muy similar a la actual.
Muchos fueron los que vieron una metáfora política en el film, pero el propio Mercero director y Co-guionista y Jose Luis Garci el otro coautor del guion han explicado hasta la saciedad que su única intención era hacer una película de misterio y suspense con tintes de terror psicológico y a fe que lo consiguieron.
Pero de nada sirve un gran guion sin un actor que le pueda dar vida y ese actor no es ni más ni menos que el maestro de la interpretación Jose Luis Lopez Vazquez, si eres muy joven o un amigo del continente americano, quizá este nombre no os diga nada, pero os tengo que decir que es el mejor actor que he visto en mi vida y creerme que no exagero, podéis comprobarlo por vosotros mismos en obras como Mi querida Señorita, La escopeta Nacional, La prima Angelica o El pisito, todas películas que en algún momento tendré que reseñar y en las que que el gran Vazquez hizo su trabajo de manera prodigiosa, hombre capaz de hacernos reirnos, llorar o asustarnos como es el film que os estamos aconsejando.
La obra dividida en 2 partes muy claras tiene una primera cercana al costumbrismo y neorealismo italiano mientras que la segunda, más oscura se acerca al terror británico de los 70 en los que llega a superarlo por momentos.
No sé si necesitas más motivos para empezar a ver el film, de hecho es que no me despido por que justo ahora, después de este video os he enlazado la película así que no lo pares, prepárate tu bebida favorita, acomodate en tu sillón por que la película está apunto de empezar.
Dalé, dale ahora y ser felices y vivir el cine.... por cierto apaga la luz y asegúrate que no te vas a quedar encerrado.
Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, como os prometí la semana pasada hoy empezamos un ciclo de cuatro películas que no lo son, básicamente por que están creados para la pequeña pantalla en ese prodigioso apartado que son los Telefimes y en este caso reseñaremos Solución Final de Frank Pierson.
Los telefims tienen es su particular concepción su gloria y a la vez su castigo, la falta de necesidad de arrastrar al público a la pantalla ya que su emisión está asegurada por la cadena de televisión que lo produce, hace de estas obras un producto descuidado, sin cariño y solamente rodadas por un sentimiento crematistico puro y duro, pero cuando estas obras caen en manos de un director comprometido con la misma, con conocimiento del medio y con un sentido cinéfilo, se consiguen obras prodigiosamente libres que se salen del redil construido por las producciones cinematograficas al no tener exigencias ni premisas de gustar a todo el mundo.
Y este es el caso que os traigo, primero por que lleva el sello tanto de la BBC como de HBO ambas muy exigentes con la calidad de sus productos a los que no les vale cualquier cosa, segundo por la trama del film, la más espantosa representación del ser humano.
Veréis, sin destripar nada de la misma solo contaros que durante la velada de miembros del partido Nazi se hablará del asesinato de millones de personas, pero no desde un aspecto bélico de la misma si no lo que es peor, de una forma burocrática como el que tiene que deshacerse de archivos obsoletos en la empresa. Esta deshumanización del grupo de comensales está fenomenalmente dirigida por un desconocido Frank Pierson, director de telefilmes del que apenas conozco nada más alla de la película que os reseño y que para mi es una prodigiosa obra de teatro.
Su aspecto teatral tanto de espacios como de diálogos es todo un acierto, nos mete de lleno en la historia sin dejarnos escapar recreándonos con aspectos más artísticos como es la fotografía, grandes momentos de acción o planos recurso, aquí la historia va al grano desde el minuto uno y todo recae en la interpretación del reparto, un reparto cuajado de estrellas de primer nivel
Kenneth Branagh que hace un papel soberbio y generoso por lo antipático del personaje, Stanley Tucci como siempre excepcional, creo que no hay mejor secundario que él o Colin Firth actor que con solo nombrarlo enaltece la película, más el resto de actores todos breados en el teatro británico quizá el más exigente del mundo que están a la altura de semejantes totems de la interpretación.
La obra en la que no hay una violencia explicita es para mí de las más duras que he visto en mi vida, la forma realista de narrar acontecimientos tan atroces hace quitar todo tipo de artificio al film, pensado que estás asistiendo a un momento histórico real, obra que creo que debería ser vista de forma obligatoria para las nuevas generaciones.
¿Y donde podéis ver este maravilloso telefilm, dónde está alojado? pues lo tenéis en HBO y es una magnifica obra para esos momentos que quieres algo más profundo, pero ojo no penséis que estáis ante una obra densa y lenta, que va, el ritmo del guion es de lo mejorcito que se ha hecho en este milenio, no en vano se llevó el premio del Sindicato de guionistas y es que hacer una obra con tanto contenido y que no se haga bola es hartamente dificil y Loring Mandel lo logra sin despeinarse.
Tras mi consejo semanal de un film que no te va a dejar indiferente tras verlo me despido de vosotros hasta la semana que viene con una de mis telefilmes favoritos, una joya de la ciencia ficción que además podréis ver gratis, si totalmente gratis ya que os dejaré el enlace oficial de Youtube para que después de la reseña podáis disfrutar de la película.
Pero si no te lo quieres perder y aún no te has suscrito, a que esperas, dale al botón y ya sabéis, ser felices y vivir el cine
Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA. Hoy he desempolvado el Smoking de las grandes ocasiones para presentaros una obra de arte hecha cine, Las tres caras de miedo del maestro y genio del cine Mario Bava.
Antes de nada, para los espectadores más jóvenes o los que empiezan a conocer el género del terror decir que Mario Bava fue un director irrepetible un maestro de la puesta en escena, el color y de la estética del plano. O lo que es lo mismo un verdadero cineasta, no hay director ni vivo ni muerto que pueda empatar con él y aunque toda su carrera la realizara en producciones o coproducciones italianas y siempre relacionadas con el terror y el suspense, género ninguneado por las academias de cine y de sus premios hay que decir que su nombre lleva uno de los premios más relevantes en la escena del fantaterror en el festival internacional de cine Fantafestival
Y de toda la filmografía del genio italiano me quedo con estas tres caras del miedo o Black Sabath como se llamó en los estados unidos.
Muchos me preguntaréis si es la mejor y la respuesta es no o la más relevante y he de decir que tampoco, pero es que este film es una de esas obras de arte que rompieron con tantas cadenas que influyó no solo al cine si no a la música ya que la banda de Metal Black Sabath toma su nombre por esta obra de Bava como que la primera de las historias "El telefono" es el punto de partida del Gaio, movimiento artístico que tantas buenas obras nos ha dado. Además de influir en numerosos cineastas como Tarantino y a esto hay que sumarle que es una obra tremendamente femenina donde las grandes protagonistas son ellas y en muchos momentos del film solo son ellas las que aparecen en pantalla.
Como te digo, puede ser que no la conozcas o que ni siquiera hayas oído hablar de este film y es entonces donde te quiero explicar que es por este tipo de películas por las que cree el canal ya que hay obras de arte que duermen injustamente en el cajón del olvido y directores que apasionados por el género del terror no llegaron a las grandes masas ya que es visto como un género menor, pero es hablar de Roger Corman, Terence Fisher o el director que os traigo a colación Mario Bava y es nombrar al olimpo de los directores.
¿Y como os puedo reseñar esta película sin hacer ningún tipo de spoiler? pues lo mejor es comentaros cada capítulo por separado.
Cada obra esta presentado por Boris Karloff que además de actuar hace de maestro de ceremonias en unos scketches que intentan rebajar la seriedad del film, con gags de humor que llegan a su apogeo con el gag final que ha sido mil veces repetido y que por respeto a vosotros no pondré aquí para que sea vuestra guinda final de cierre de tan maravillosa obra
La primera historia "El telefono" es una nota discordante dentro del film ya que no es una película de terror si no de suspense, pero es que esta parte narra mucho más de lo que parece a primera vista, una relación lesbica que se intuye por la conversación telefónica junto a prostitución hacen de esta obra un punto de partida para al suspense italiano llamado Gaio y que por desgracia para los norteamericanos La International Amirican Pictures pensó que no era adecuado para su público y remontó el film quitando cualquier tipo de "inmoralidad" que ellos como censores pensarón que no tenía que ser visto por sus conciudadanos, pero que en su versión italiana podemos disfrutar de esta trama llena de matices y suspense. Una joya del cine, sin más.
La segunda es de esas que te matan, se llama "la gota de agua". Aquí nos metemos de lleno en territorio sobrenatural, donde una medium intentando conectar con el más allá muere y una maquilladora de cadaveres tiene que recomponer a la finada, nada pasaría si esta trabajadora no la faltaran escrúpulos para llevarse cosas agenas y como podreis intuir, indemne lo que se dice indemne no va a salir, pero ¿como?. eso lo vas a tener que descubrir tú, pero te tengo que decir que aquí entra en juego una gota de agua.
Y para cerrar este tridente de historias tenemos Wordalak, quiero deciros que era muy niño la primera vez que vi esta parte del film y que planos completos se quedaron en mi mente aterrorizándome noche tras noche, olvidé su título pero no aquella sensación de agobio y terror, hasta que años después me encontré de nuevo con ella y he de decir que me volvió a conmover de la misma manera.
Una historia vampirica de primer orden, una oda al género gótico con tintes eslavos, en ella tenemos cazadores de vampiros, madres de familia y campanadas a media noche y todo esto con Karloff enredando por el medio. Si crees que no vas a pasar miedo con esta antigualla, prueba a verla por la noche.
¿Donde puedes ver este film? pues la versión Italiana, que es la buena la tienes en Filmin.
Y con esto voy a despedirme, pero antes quiero adelantaros que la semana que viene empezamos un ciclo de 4 películas que no son películas... lo dejó ahí y si no te lo quieres perder y no estas suscrito, ¿en serio no quieres formar parte de este grupo de locos por el cine? la admisión es gratuita y solo tendrás que darle clic y disfrutar semana tras semana de estas joyas del cine que quizá conozcas o quizá no.
Y solo me queda por deciros una cosa....Ser felices y vivir el cine
Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, hoy con todos vosotros Dr. Terror de Freddie Francis.
Han pasado mucho tiempo desde aquellos lejanos años 60, tantos que ahora se ha desdibujado tanto el cine fantástico que se hizo en la época, que solo a soportado el paso del tiempo la maravillosa Hammer, el caso es que no solo la poderosa productora que revitalizó a Drácula reinaba en aquellos años en el cine del fantaterror, por que después de que la Universal diera de lado a sus películas de monstruos con los que toco el cielo en la década de los 30, fueron los británicos, con permiso de la American International Pictures, los que tomaron el relevo haciendo un cine para fanáticos del género a todo color y con litros de sangre falsa en producciones hechas con poquísimo presupuesto.
La primera en tomar ese camino fue la archiconocida Hammer y puede ser que falsamente tomemos muchas de las películas de género realizada en aquella época se le adjudique a ella y nos olvidemos de productoras igual de grandiosas como Rank siempre recordada por su Gong o la productora que nos ocupa hoy Amicus Production.
Amicus era una productora un poco especial ya que sus fundadores ambos Estadounidenses que afincaron su productora en Reino Unido, tomó un camino diferente a la Hammer, evitando en todo momento el uso de la sangre en pantalla y realizando unos film de terror más psicológico que su competencia, pero tomando prestadas estrellas como Christopher Lee o Peter Cushing para sus repartos como en la película que me ha servido de muleta para hablar de esas productoras de las que pocos recuerdan y una de sus mejores obra fue está Dr. Terror.
La película nos adentra en un viaje en tren donde un Dr. en parapsicológía lee el futuro de sus compañeros de viaje a través de las cartas del tarot y cada una de esas lecturas es una película en si misma haciendo una obra capitular muy del gusto de la época y que tocó el cielo con las 3 caras del miedo, película que reseñaremos la semana que viene y que es para mi la mejor del género.
Para reseñar mejor esta obra, tengo que separarla por los capítulos que cuentan, pero no os apuréis ya que como bien sabéis los suscriptores del canal, Aqui no se hacen Spoiler, odio esos canales que roban a sus seguidores la maravillosa sensación de descubrir una historia por si mismos, que se sorprendan y conmuevan por primera vez, por ese lado podéis estar relajados.
Así que vamos a empezar con la reseña.
La primera historia, bajo mi punto de vista es las mejores y la más parecida a la Hammer, nos narra la vida de un arquitecto que vuelve a su antigua casa ya que la actual dueña quiere hacer unas reformas en ella. El film de aspecto y temática gótica es una maravillosa fabula por la que no pasan los años y su final aunque previsible no deja a nadie indiferente.
La segunda historia del film es para mí la más floja de todas nos mete de lleno en la Ciencia ficción gracias a una curiosa enredadera que ha crecido en la casa del protagonista justo después de llegar de vacaciones, la verdad es que la historia hace agua por todas partes y más que gritos os hará soltar algunas carcajadas, hay planos que son tronchantes aunque la pretensión no sea esa.
La tercera, otra de las flojitas del del film no lleva a vivir la aventura de un músico de Jazz un trompetista que se adueña de una partitura prohibida, la historia tiene su encanto pero el espectador ya ha ido pillando el esquema narrativo y se va a adelantar en todos los acontecimientos que narra quitandole el suspense necesario para llegar a dar miedo.
La cuarta es una de esas joyitas del cine, ver a Christopher Lee como un pedante crítico de arte no tiene precio y como el karma o lo que sea actúa en su historia es de lo mejorcito del film, aunque como terror no llega a asustar a nadie mayor de 12 años este fragmento del film es francamente disfrutable.
La última historia interpretada por un jovencisimo Donald Shuttherland es la mejor de la cinta junto a la primera, aquí la cosa cambia, vas de sorpresa en sorpresa en un juego psicológico que llega a agobiar de verdad, un pedacito de gloria en esta cinta y que solo esa historia merece la pena ver todo el film.
Por cierto el Dr Terror no es ni más ni menos que el prodigioso Peter Cussing oculto tras capas de maquillaje y unas cejas espantosas que no consiguen ocultar la elegancia interpretativa del genio del terror.
¿Y donde la podéis ver? pues la tenéis en Amazon Prime vídeo, aunque anda por la red de Youtube de manera menos legal, sea como sea... si te apetece recordar el cine de terror de la época es una muy buena opción y el aperitivo perfecto para el plato fuerte que os traeré la semana que viene con una de mis películas de terror favoritas, las 3 caras del miedo de mi admirado Mario Bava y que no os podéis perder, así que si no estás suscrito ¿A que esperas? dale, dale que esto se termina, por que ya solo me queda decir una cosa y cuando la diga se acaba. dale ahora.....por que ya sabéis ser felices y vivir el cine
