Dillinger Primera películas de John Milius

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy con todos vosotros la primera película de uno de los directores que cambiaron el cine de Hollywood en los 70. Uno de esos cineastas que marcaron un antes y un después en el séptimo arte, un momento de gala por que hoy reseñaremos Dillinger de John Milius.

Por cierto no dejes de ver el final de la reseña ya que te voy a dar una sorpresa que si la has visto es probable que se te haya pasado de largo y si la vas a ver, va a ser necesario que conozcas ya que es historia  del FBI.

Antes de hablar de la película déjenme que les comente un poco de su director y cómo y por que se pasó al mundo de la dirección.

Milius que había estudiado en la universidad de Carolina del Sur junto a George Lucas pronto se mostró como un animador reseñable con su proyecto fin de carrera llamado Marecllo I´m Bored pero su futuro no estaba en el dibujo si no en el guión. 

Pronto demostró sus dotes en el género de acción y su nombre empezó a sonar con fuerza tras participar en el guion de Harry el Sucio aunque sin acreditar le sirvió para volver a trabajar en Harry el Fuerte esta vez si acreditado. Pero si hay dos películas que cambian para siempre el rumbo del escritor son: Las Aventuras de Jeremias Johnson dirigida por Sideney Polak y sobretodo el Juez de la orca de John Huston que le llevaron a dirigir sus películas ya que pensaba que ambos directores estropearon su obra y así fue como se gestó Dillinger.

Milius se puso en contacto con La American International Pictures ( por dios cuanta gloria ha dado al cine esta productora) y les prometió un guion casi regalado si le dejaban dirigir la película que escribiera, La AIP tenía varios proyectos uno de ellos era Blacula el vampiro negro que terminó rodando William Crain, Mamá negra, mamá blanca una película de corte carcelario femenino que termino rodando el filipino Eddie Romero y una película sobre gansters que fue la que al final escogió y así empezó a rodar este Dillinger.

Si una cosa tenía clara, era que quería de protagonista a Warren Oates, actor que propuso para protagonizar el juez de la Orca que al final se lo llevó Paul Neuman y que siempre dijo que fue un error.

El resto del reparto estaba cuajado de maravillosos interpretes, el estar al día de los  jóvenes actores que más destacaban en de la industria, el tener contacto con los chicos de oro de  Holliwood como eran Coppola, Sielberg, De Palma, Scorsese y sobretodo su compañero George Lucas,  le hacía tener claro el elenco a escoger donde destacaban estrellas de la interpretación como. Ben Johnson, Harry Dean Stanton, Geofrey Lewis o Richard Dreifuss que llegaría a ser el actor más joven en llevarse un oscar a mejor actor.

Que hace de cada minuto de esta película una obra de arte.

El film narra la vida de Dilliniger y de cómo se convirtió en la presa más cotizada por parte del FBI, lejos del romanticismo de otras obras del género, con una moralidad cuestionable en la trama que le alejan del Noir y con una violencia explicita donde vemos asesinatos de mujeres, ancianos y niños sin ningún desapego ni remordimiento.

Tambien nos narra cómo la sociedad del momento encumbraba a esos ganster y cómo la policia no tenía ningun tipo de miramientos para conseguir sus trofeos que no eran otros que el terminar con los foragidos fuese como fuese y costara la vida de quien sea, con lo que realmente esta película no hay buenos ni malos, aquí son todos malos.

Divertida, con varios sistemas de rodaje, me encanta el momento fotonovela muy a lo Jetee de mitad de la cinta y que Milius con sus conocimientos de animación hace un trabajo soberbio en la que fluye ese momento con una naturalidad pasmosa aunque en casi 5 minutos no veamos más que imágenes estáticas en pantalla.

La obra es una joya de 103 minutos, divertida y con un ritmo endiablado muy de agradecer en los biopic y que hace de este Dillinger una opera prima de primer nivel que consiguió una nominación a los globos de oro gracias al trabajo de Michelle Phillips.

¿Y donde la puedes ver? Pues la tienes tanto en España como en Mexico Filmin y Filmin latino

Y ahora lo prometido es deuda. John Edgar Hoover, principal impulsor y primer director del FBI se enteró del rodaje y el guion y aunque enfermo decidió mandar una carta criticando fuertemente la película por mostrar una inspiración pervertida a la sociedad, la cuestión es que murió un año antes de ser estrenada, pero Milius decidió que ese ultimo mensaje llegara a todo el mundo, con lo que si terminas los títulos de crédito verás una  voz sobre la imagen en negro. Ese es el mensaje original narrado por un imitador de Hoover y que ha quedado para la posteridad gracias a esta película, así que ya sabes, espera a que terminen todos los creditos y disfruta de ese postre maravilloso, una guinda especial a una película casi perfecta.

Y ya sólo me queda pedirte que si no estás suscrito y quieres que te aconseje una película le des al botón y la campanita y si te ha gustado la reseña me des un like y sobretodo que os espero la semana que viene con otro consejo de buen cine, pero hasta entonces ya sabéis mi deseo de que seais muy felices y vivais el cine. 

La Isla del Dr. Moreau quizá el peor rodaje de la historia

 Bienvenidos, bienvenida, queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy con todos vosotros una de esas historias que nos regala el cine, uno de esos rodajes que por sus acontecimientos son más interesantes que la propia película, hoy hablaremos de un verdadero drama que se vivió en el rodaje de La Isla del Dr. Moreau.

Para entender todo lo que ocurrió es necesario saber quien es Richard Stanley.

En 1990 un joven el director rodó una de esas películas independientes de corte amateur que llegó a gustar entre los fanáticos de la clase Z que se llamó Hardaware, La película que mezcla ciencia ficción y terror llegó a tener algo de notoriedad e incluso una nominacion en Sitges a mejor película que ganó aquel año, Henry Retrato de un asesino pero este pequeño film llamó la atención de Miramax con lo que en 1992 pudo rodar El demonio del desierto Un western atípico que pasó sin pena ni gloría con lo que Richard Stanley se quedó sin proyectos pero con un sueño, el rodar la Isla del Dr. Moreau, al ver que nadie llamaba a su puerta comenzó a a pagar de su bolsillo a un dibujante que plasmara la visión de la película en un dossier de producción y empezó a recorrer estudios a la búsqueda de un inversor que apostara por su película, además de encargar a un amigo brujo que intercediera por él, hay que decir que tanto él como su madre creen en la brujería y el esoterismo.

El tiempo pasaba y nadie le contestaba hasta que New Line Cinema, que buscaba una obra de ciencia ficción le llegó el proyecto y se puso en contacto con el joven Stanley para comprar su proyecto y aquí empieza la historia.

Los productores de New Line Cinema estaban pensando en una obra de bajo presupuesto, una película barata con lo que ampliar su catálogo de Ciencia Ficción y terror en donde tanto la idea como el joven director sin bagaje encajaba a la perfección, así que le dieron luz verde y empezaron a desarrollar la historia y el guion de la isla del Dr. Moreau.

Para mejorar el guion del propio Stanley contrataron a un guionista eficaz con una larga trayectoria como era Ron Hutchinson y empezó la hora de hacer el reparto de la película.

New Line Cinema que tenía previsto hacer una obra barata se encontró con que uno de los directivos mandó el guion a Marlon Brando y este se encontró muy interesado en el film, hay que recordar que ya había trabajado con él en una película producida por Francis Ford Coppola llamada Don Juan de Marco de un recién llegado  Jeremy Leven que tenía un par de guiones antes de meterse en la dirección de una película que fue un desastre y en el que Brando no ayudó en absoluto, aún así New Line pensó que sería un buen revulsivo para la película que Brando estuviera en el reparto, pasando de una obra de bajo presupuesto a un film de más de 40 millones de dólares.

Es entonces cuando los directivos creyeron que Richard Stanley no debía de ser el director y pensaron en Roman Polanski, Stanley sentía la obra como suya y decidió no quedarse de brazos cruzados, el mayor error de su vida, ya que podría haber negociado una alta cantidad de dinero o incluso presupuesto para otra película y conseguir royalties como autor de un film de Polansky, si era un éxito le encumbraba y si era un desastre quedaba fuera, pero quizá la juventud no le hizo ver con perspectiva la oportunidad ,  así que  se marchó a casa de Brando con el que hizo buenas migas, se dice que por que Stanley era descendiente del famoso explorador Henry M. Stanley, aunque lo que de verdad yo creo que Brando vio a un director al que poder manipular, cosa que con Polansky no pasaría, así que el actor se plantó ante la productora y dijo que si no era Richard Stanley el director no trabajaría, así que la productora tragó.

Bueno, tragar, tragar no, ya que por petición de Tim Zinemman se guardaron medio millón para contratar a otro director por lo que pudiera pasar, actitud que secundó el fundador de New Line Robert Shaye.

El resto del reparto lo formaban James Wood y Bruce Willys.

Antes de montar los set decidieron hacer unas secuencias y ver como se desenvolvía Richard Stanley en un rodaje y las sensaciones fueron catastróficas, los directores supieron que el proyecto le venía grande al director y más con Brando, aunque la puntilla le vino de la mano de Willys, Demy Moore se separó del actor y este dejó la producción llamando a otro actor del momento Val Kilmer que tenía  fama de niñato en la industria. Brando y Kilmer en una misma película era demasiado para el pobre Stanley aunque el no era consciente.

Con el Set preparado se marcharon a la costa Australiana y solo tres días después de llegar la Hija de Brando se suicida y este regresa a su casa. 

Para ir avanzando en la producción Stanley comienza el trabajo con Kilmer pero este se negaba a trabajar mas de 20 semanas, por lo que el joven director comete otro error, le dió el papel de Wood y este abandonó el proyecto, Wood podría haber parado a Kilmer ya que se quedaba como única estrella en el rodaje, así que buscaron a un actor que estuviera disponible y contrataron a  Rob Morrow famoso por Doctor en Alaska.

Y ahora empieza el Rock and Roll

Kilmer con un ego descomunal empieza a llevar la contraria en todo a Stanley, no le respeta, le ridiculiza delante de los compañeros y Stanley empieza a sufrir presión por parte del estudio y por su actor estrella, además de no saber nada de Brando que estaba desaparecido, la presión llegó a a tal extremo que el director se escapó del hotel y llamó en pánico al productor pidiéndole que le buscara otra habitación con excusas incoherentes.

Los productores ya habían tomado la decisión de relevarle pero tenían que buscar a alguien que pudiera hacerse cargo de la película así que Stanley siguió trabajando hasta que llegó Brando, éste lejos de ayudar echó más gasolina al fuego, hizo cambios en el reparto por cuenta propia, se pintó la cara de blanco que no estaba en el guión pero que a la postre resultó una gran idea, el motivo era que Brando muchas veces no quería rodar por no encontrarse anímica mente bien, con lo que pudieron usar un doble para todas las escenas que no hablara.

Mientras Stanley llegaba al límite, su sueño de rodar Dr. Moreau se estaba convirtiendo en una pesadilla por lo que tenía arranques de pánico donde hablaba de quemar el set de rodaje, de destrozar la obra. El equipo estaba totalmente quemado sin empezar la película, los secundarios eran maquillados durante horas a las 5 de la mañana y tenían que estar preparados para rodar toda una jornada y al final no había rodaje, el retraso era palpable y la sensación de caos hizo a Rob Morrow que llamará a su representante y le pidiera que le sacara de allí y así fue, contratando David Thewlis.

Y New Line Cinema llegó con otro director Jon Frankenheimer, antes de empezar con Frankenheimer que también tiene miga, vamos a terminar con Stanley, éste fue despedido pero cobró integramente el sueldo con una condición, mantenerse a 40 kilometros del set de rodaje. Stanley desapareció pero no se marchó de la isla, se quedó merodeando en estado de locura e incluso aprovecho la complicidad de algunos extras para ir al set de rodaje con máscara de perro y ver como terminaba la obra el bueno de Frankenheimer y ahora vamos con él.

Frankenheimer tenía fama de duro y cuando digo duro, hablo de un director que insultaba, faltaba el respeto, gritaba, vamos lo que sería un estado cuartelario. Muchos de los miembros del staff fueron despedidos y los actores tratados como ganado, viniendo del caos precedente y con un retraso abismal el ambiente era pésimo, Brando apenas rodaba y cuando lo hacía improvisaba por que no se sabía el guión, llegaron a ponerle un pinganillo para que una auxiliar le leyera el guion. Fairuza Balk quiso abandonar pero Frankenhaimer la amenazó con no trabajar en su vida si lo hacía por lo que terminó la película de malas maneras.

Siendo justos, Frankenheimer consiguió terminar una obra que estaba apunto de la cancelación, aunque fue un desastre en taquilla, se consiguió salvar algo de dinero y sobre todo a la compañía de la quiebra, si preguntamos a los actores estos hablan pestes de Frankenheimer pero si la pregunta se lo hacemos a los productores hablan maravillas por haber terminado la película.

Mi opinión personal es que Frankenheimer tomó el timón de un barco hundido y aún dañado lo llevó a puerto, que era duro, seguro. Que fue tirano, seguro. Pero es que los actores estaban saboteando la película en un boicot de niñatos con lo que al final consiguió ponerles en su sitio, decidir que ellos prefirieran terminar el trabajo que seguir boicoteando la película.

Y en taquilla la película fue un desastre, pero hay que decir que recuperó la inversión y todo gracias al veterano director. En cuanto a Stanley abandonó el cine de majors y continua rodando películas de serie Z ya sin ninguna relevancia.

Y hasta aquí la historia de este film y de este rodaje y de estos egos desmesurados. Y si te ha gustado por favor regalame tu Like y si no estas suscrito al canal ¿A que esperas? hazlo ya y así la semana que viene volveremos con otra gran película que reseñar que ya estamos terminando y hasta entonces ya sabéis Ser muy felices y vivir el cine

Accion Ejecutiva 1973

Bienvenidos, bienvenidas, queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy con todos vosotros Acción Ejecutiva de David Miller

Corría el año 1973 y se conmemoraba el decimo aniversario de la muerte de John Fitgeral Kennedy cuando esta película salió a la luz narrando una posible conspiración de determinadas agencias de inteligencia norteamericanas involucradas en el asesinato de Dallas.

La idea de la obra vino a manos del grandisimo actor Donald Shutterland que creo el germen de esta obra, aunque después no podría intervenir, así queda acreditado y uno de los que pusieron dinero para que esta obra saliera adelante fue el mismísimo Kirkt Douglas.

La película como era normal por el contenido que narraba, fue producida de manera totalmente independiente y creada con solo un millón de dólares. Y la presión sobre los cines y distribuidores de salas fue tan feroz que apenas estuvo unas semanas en cartel y no fue hasta más de 15 años después cuando las televisiones se atrevieron a emitirla y es que esta fue la primera película que hablaba de un complot contra el presidente electo y en boca de su principal actor Burt Lancaster se hizo para que el pueblo norteamericano buscara la verdad de lo sucedido y dudara de la versión oficial.

La película nos adentra en la vida de un grupo de poder molesto con las políticas de Kennedy, sobre todo en lo referente a los derechos civiles, las políticas anti racistas y su deseo de salir del Vietnam así como el desarme nuclear. Robert Ryan que interpreta a Robert Foster un político se supone que del ala republicana intenta que el petrolero Harold Ferguson se una al complot y se de así luz verde al magnicidio. 

El organizador de la acción ejecutiva es el grandísimo Burt Lancaster que toma el papel de James Farrington un miembro de inteligencia habituado a este tipo de trabajos que ha montado dos grupos para el asesinato.

El film que siempre nos narra la historia desde el punto de vista de los conspiradores, está bien hilado, es creible y hasta cierto punto veraz, a pesar de que se nos avisa al principio que es una historia ficticia y esto es gracias al maravilloso guión de Trumbo que con su maravillosa forma de escribir consigue crear una trama que te tendrá atrapado toda la película contando situaciones complejas de una manera directa y aficaz, Trumbo que había sido represaliado por la caza de brujas no era el único componente dañado por el Macartismo ya que en la cinta podremos disfrutar tanto de la presencia de Will Geer como de Lloyd Gough.

La película se aleja mucho de la otra genial obra sobre el asesinato de Kennedy rodada en el 91 por Oliver Stone y ambas forman dos posibles versiones que con el tiempo y las posteriores investigaciones parece que no van muy desencaminadas  

Con el tiempo esta película se ha convertido en un cásico y también una efeméride maldita ya que fue la última película del maravilloso Robert Ryan que murió poco tiempo después.

El film es una maravillosa obra rodada por el gran David Miller autor de varias obras maravillosas como Los Valientes andan sólos, miedo súbito (por cierto esta obra tengo que reseñarla por que madre mía que papel hace Joan Crawford), un grito en la niebla o Amor en conserva de los hermanos Marx una de mis comedias favoritas de todos los tiempos. Pero que en este caso pone en juego su prestigio y su profesión para narrar una obra incómoda para una sociedad que prefería no ver.

El film necesario a todas luces es ha día de hoy un gran acercamiento a la posible conspiración y una obra para ver si necesitas tener otros datos de lo que pudo ocurrir y que la tienes en Filmin o Filmin latino para España y México pero que se puede encontrar con relativa facilidad en Blue Ray o DVD.

Una obra maravillosa, un thriller político sensacional y creo que una película necesaria.

Y ya vamos a dar por teminada esta reseña, pero la semana que viene os tengo un vídeo que no es en si mismo una revisión de una película si no la narración de cómo un desastre terminó con la carrera de un director, una historia de pasión, lucha de egos y locura que no podéis dejar escapar y para ello si no estas suscrito hazlo y así no te perderás nada y sólo tienes que esperar 7 días, pero hasta entonces ya sabéis ser muy felices y vivir el cine 

Ronin De John Frankenheimer

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, hoy volvemos al género más puro de la mano del irregular pero maravilloso John Frankenheimer con su película Ronin de 1998.

Hablar de Frankenheimer es nombrar a un director kamikaze donde los haya, capaz de sacar producciones malditas a delante aunque el fracaso fuera inevitable, como con la Isla del Dr. Moreau del director Richard Stanley que llevó la producción a pique y que fue relevado por Frankenheimer en una historia que pronto reseñaremos por que no hay desperdicio en lo ocurrido en aquel rodaje.

Así que podemos entender un poco cómo Frankenheimer asumía los trabajos de dirección y cómo este Ronin, penúltima película del director es un buen ejemplo de ello.

La película aún que comparada con la Isla del Dr. Moreau  fue una balsa de aceite pero que  no estuvo carente de problemas y conflictos, sobretodo con el guion, la historia escrita por Zeik y el primer guion de la misma fue tambión obra del escritor, fue realmente Mammet el que dio forma a la película, la base de Zeit fue totalmente cambiada creandose un guion nuevo a partir de esta.

Cuando Mammet se enteró de que iba a compartir créditos como co guionista con Zeit, entro en cólera y decidió no estar acreditado y así aparece en pantalla con el nombre de Richard Weitz. Frankenhaimer abogó por ser más justos y que Zeit apareciera como autor de la historia y Mammet como guionista pero la United Artist prefirió no meterse en litigios con Zeit y dejar las cosas como estaban.

La trama plagada de acción, vuelve al cine policial de los años 70 con un gusto muy a lo French Connectión 2, quizá por que las localizaciones en Niza y sus persecuciones en coche rememoran el trabajo de Frankenheimer en aquella cinta hoy de culto y que era una maravillosa secuela del film rodado por William Friedkin.

En este caso entramos de lleno en la vida de unos delicuentes a sueldo, unos mercenarios contratados para robar un misterioso maletín y que son reclutados por todo el mundo gracias a un misterioso hombre en silla de ruedas, El grupo plagado de americanos, franceses, alemanes o irlandeses forman una especie de legión estranjera no siempre bien allegada.

El mayor de los problemas es que hay varias agencias que quieren ese maletín, los irlandeses y sobre todo los rusos que no escatimarán esfuerzos para hacerse con él.

Cia, Kgb o el Ira serán algunas de las organizaciones que saldrán a relucir en la cinta y que nos tendrán pegados al asiento en sus dos horas de metraje. Hay que destacar especialmente las persecuciones en coche por las angostas callejuelas de la costa azul, una verdadera delicia para todos los que disfrutamos con este subgenero y las interpretaciones maravillosas a cargo de grandísimos actores y actrices como es el caso de De Niro, Jean Reno, Natacha McElhone, Stellan Scarsgad, Sean Bean, Jonathan Pryce o la breve aparición de Michael Lonsdale son un buen ejemplo del nivel interpretativo de la cinta.

Frankenheimer es directo y sin florituras, coloca la cámara y deja que los actores llenen de magia la pantalla y a fe que lo hacen, aunque la obra no es perfecta, un defecto de la cinta, pero que estuvo muy de moda en los 90 era meter giros constantes en la trama justo al final de la obra con lo que el mareo en los cambios de guion era desesperante y que gracias a dios parece que ya pasó esa moda, pero si no fuera por ese detalle, estaríamos ante una cinta casi perfecta, con algún agujero de guion que no os voy a desvelar y algunas incongruencias que sinceramente van a pasar desapercibidas la primera vez que veas el film.

¿Y donde puedes ver esta trepidante película? pues la tienes en Filmin y filmin latino para Mexico, aunque si estas suscrito a MGM de Amazon Prime tambien la tienes en su catálogo.

Una obra ligerita, para no pensar mucho, lejana de obras mayores pero que cumplen con su principal objetivo que es entretener y ya sólo me queda decirte que si estás suscrito al canal, la semana que viene nos vemos con otro consejo de cine que os damos semanalmente para disfrutar de este arte y que si no lo estás y deseas pertenecer a esta maravillosa familia de cinefilos ¿Aque esperas, dale al botón de suscripción a la campanita y ya sabes disfruta de nuestras sugerencias, se feliz y vive el cine

Lost in traslation La mejor película de Sofia Coppola

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy con todos vosotros Lost in traslation del 2003.

Han pasado casi 20 años del estreno de este Lost in traslation y parece que la carrera de Sofia Coppola toco techo con este drama moderno de personas que se sienten solas en una de los paises mas poblados del mundo como es Japón.

A principio de Siglo la hija del maravilloso Francis Ford Coppola  irrumpio con una de las películas más prometedoras y controvertidas del momento, la fantásticaVirgenes suicidas un drama de corte adolescente que puso a todo el mundo pendiente del retoño del señor Coppola.

Esa expectación se convirtió en furor tras su siguiente largometraje este Lost in traslatión que mejoraba con creces a su opera prima, una obra perfecta, rodada con una sensibilidad una maestría que no solo rindieron a la prensa especializada si no al publico que acudía en masa a las salas de cine a ver este drama romántico entre dos almas solitarias con una historia de amor con fecha de caducidad temprana que superó con creces los 100 millones de recaudación.

La trama nos adentra en dos vidas que corren paralelas, la de Bill Murray que interpreta a Bob Harrys un actor en el otoño de su carrera  que tiene en la promoción de un Wiski japonés una forma de ingresos monetarios y la de Scarlett Johansson que interpreta a Charlotte la joven mujer de un fotógrafo musical que está en el país del sol naciente acompañando a su marido en uno de sus trabajos.

Ambos pronto se ven separados y solitarios Bob hastiado con su vida y su trabajo está deseando escaparse del país aunque lo que le espera sea una mudanza y la elección del color de la moqueta junto a su mujer y su hijo y Charlotte con una crisis matrimonial debido al poco caso que le hace su marido y la soledad continua en un país que no entiende. Un día el camino de ambos confluye y descubren otro japón, divertido, bello y romántico y poco a poco se van sintiendo atraidos el uno con el toro en una relación imposible.

La película considerada una de las mejores del milenio y con razón es una obra perfecta, el retrato de un japón hostil y el cambio a un pais hermoso es un alarde de planificación por parte de la directora que coge de la mano al espectador y lo lleva por donde quiere cuando quiere, la potencia de las imagenes y el buen puñado de canciones bien escogidas donde destaca sobre manera el More than this de Roxy Music es la guinda del pastel de una historia escrita por la propia directora.

El futuro de Sofia Coppola en aquel momento parecía que estabamos ante otro genio del séptimo arte, recordemos que estamos ante la segunda película de la directora y su opera prima ya fue toda una revolución pero desde ese momento la directora cayó en picado, sus siguientes obras fueron Maria Antonieta película muy por debajo de  sus dos obras anteriores y que no funcionó en taquilla a pesar de contar con un presupuesto diez veces superior a este Lost in traslatión, Somewere que fue un desastre, The Bling Ring una de las peores películas del 2010 o La seducción otra obra fallida ha hecho que la figura de Sofía Coppola se desdibuje y que aquel prometedor futuro se diluya como azucar en agua caliente.

Pero siempre será la autora de esta maravillosa película, tierna, inclemente y políticamente incorrecta Lost in Traslation.

Y donde la puedes ver, donde puedes disfrutar de esta belleza hecha película Pues la tienes disponible en NETFLIX una maravillosa obra para una velada romántica o no un acierto de película siempre.

y con este consejo semanal terminamos, y ya nos ponemos a reseñar nuestro próximo consejo de la semana que viene y ya sabes que si no te quieres perder nada, si quieres que sigamos aconsejando cine de calidad, sólo tienes que suscribirte y dar a la campanita, pero hasta entonces ya sabes que mi deseo siempre es que seais muy felices y que viváis el cine   

El graduado de Mike Nichols

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy con todos vosotros EL GRADUADO de Mike Nichols.

Corría el año 1967 cuando el grandísimo Mike Nichols se ponía tras la cámara para rodar esta versión de la novela de Charles Webb en lo que se convertíria con el tiempo en una de las obras cumbres del cine y un referente del drama romántico, además de regalarnos una BSO y unas canciones que han quedado para siempre en el imaginario colectivo gracias a Simon y Grafunkel. Una joya que si no la has visto al final de la reseña te daré mi opinión sincera con los motivos por los que ver esta película es casi obligatorio.

Pero para empezar vamos con la trama, como siempre sin Spoiler, así que no te apures.

Benjamin es un recién graduado universitario que vuelve a casa, su regreso al hogar no es como se puede esperar, la sensación de hartazgo viene dado a la continua exposición de los padres de éste ante su circulo de amigos, se siente un simple mono de feria, un día la Señora Robinson le fuerza a llevarla a su casa y está empieza a seducirle hasta que Benjamin cae en la tentación de la Sra Robinson y desde entonces el chico aplicado empieza a vivir una vida disoluta que poco o nada tiene que ver con su pasado de buen estudiante y mejor chico.

Y no te quiero contar más por que si no la has visto aún, va a ser una sorpresa continua durante la hora y media larga que dura el film.

El graduado fue toda una sensación en 1967 y eso que no lo tenía nada fácil, aquel año mágico se estrenaron varias obras cumbres, Adivina quién viene a cenar, La leyenda del indomable, Bonnie and Clyde, Al calor de la noche, La condesa de Hong Kong o Los doce del patíbulo. Fueron algunas de las películas que compartieron cartel con la maravillosa obra de Nichols

Rodado con unos escuetos 3 millones de dólares y con un reparto donde su máxima estrella esa Anne Bancroft, lo tenía muy difícil aquel año en la taquilla, hay que recordar que Dustin Hoffman era un completo desconocido y que Katherine Ross apenas llevaba dos años en la industria, con lo que el desastre debido a la dura competencia no era descartable, además de la temática donde un chico era instruido en las artes amatorias por una mujer de mediana edad y para más inri casada con el socio del padre, en una sociedad tan puritana podría caer como una bomba, recordemos que estamos en los años 60, pero contra todo pronóstico aquel año 1967 fue el año del graduado, curiosamente un drama romántico de corte existencial que competía con películas de género cuajado de estrellas.

Y es aquí, donde si no la has visto y nunca te ha llamado la tención te comentaré por que este film de bajo presupuesto recaudara más de 100 millones de dólares y por qué esta película es un referente para directores actuales tan dispares como Tarantino o Wes Anderson.

Uno de sus puntos fuertes es el ritmo de la película, ya desde sus títulos de crédito nos plantea una duda, ¿Que le pasa al chico? esa duda en la primera parte de la película es resuelta con la continua exposición de los padres que llegan a ridiculizar al muchacho. Una primera parte arrebatadora, no han pasado ni 20 minutos cuando Benjamin se encuentra ante una encrucijada, caer ante la seducción de la Sra Robinson o vivir la vida que tienen prevista sus padres para él, nos hace entrar en una espiral vertiginosa en la historia, que nos atrapa y no nos va a dejar libre hasta el final del film. Además el cambio continuo de drama a comedia oxigena la trama con partes humorísticas con lo que simplemente parece que el tiempo vuela, no eres consciente del paso de éste y casi sin darte cuenta ya estas metido en la parte final del film. Además las canciones de Simon y Grafunkel que crean auténticos himnos generacionales y una banda sonora que acompaña el film compuesta por Dave Grusin que aunque siempre en la sombra del duo folk en esta película, hace un trabajo soberbio en la parte musical del film.

Pero si en algo destaca esta cinta, además de sus interpretaciones es la belleza en los planos que Nichols regala al espectador, Puestas en escena maravillosas, encuadres fantasticamente realizados, escorzos prácticamente perfectos, el juego de los colores en pantalla o la colocación perfecta de la cámara en todo momento, convierte al graduado en una maravilla tanto técnica como estética que sinceramente no puedes dejar escapar.

¿Y dónde la puedes ver, dónde puedes disfrutar de esta obra maestra? Pues la tienes tanto en Filmin como en Filmin latino para España y Mexico, aunque puedes encontrar DVDs o Blue Ray a buen precio y creeme que es una compra siempre acertada.

Y si quieres disfrutar de una obra maestra, divertida, romántica y maravillosa no la dejes escapar y si te ha gustado la reseña, si te gusta que te recomienden buenas películas para adentrar en el séptimo arte todas las semanas, no dudes en suscribirte, dar a la campanita y si me quieres regalar un like a favor de esta reseña no lo dudes hazlo y como siempre ya vamos a empezar con la siguiente reseña que la disfrutaréis en 7 días pero hasta entonces un deseo, que seas muy feliz y que vivas el cine

El hombre que nunca estuvo allí de Joel Coen

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, hoy con todos vosotros El hombre que nunca estuvo allí de Joel Coen.

Hablar de los hemanos Coen es hablar de una de las carreras cinematográficas más impactantes y laureadas del cine actual, siempre fieles a sus principios con grandes dosis de autor en todas sus películas y una visión muy especial a la hora de desarrollar las tramas, los Coen siempre han tenido el respaldo de publico y crítica en obras únicas que han hecho más grande el cine.

Y en el 2001 estrenaron este noir atípico pero clásico llamado El Hombre que nunca estuvo allí, pero fue una obra que empezó mucho antes ya que nos tendremos que trasladar a 1996  cuando se empezó a desarrollarse esta historia de un barbero con un gran mundo interior y dificultad para mostrar sentimientos.

El guion escrito por Ethan y Joel Coen tuvo que ser interrumpido por la producción de el Gran Lewoski, película que a la postre sería una de las obras cumbres de los 90, tras acabar el rodaje en el 98 volvieron al guion de su noir más atípico que volvieron a interrumpir ya que la obra que en ese momento estaba en preproducción O Brother! se aceleró al disponer tiempo Clooney para rodar, así que en el año 2000 pudieron dedicarse en cuerpo y alma a terminar el Hombre que nunca estuvo allí y empezar con su rodaje.

Película rodada en color y por cierto en algunas zonas del mundo se estrenó en ese formato, se transformó digitalemte en una obra en blanco y negro, este monocromatismo era la forma que tenían en mente los Coen de como se debía de ver la película y no puedo estar más de acuerdo, ese blanco y negro moderno, le da un toque especial no solo a la película si no a la trama, ya que se convierte en un personaje más en la cinta, situando la acción en un mundo ideal, de altas dosis morales y con creencias en los platillos volantes y de mentiras ocultas.

Y quiero detenerme aquí un momento, por que si esta obra va de algo es de las mentiras, esas que hacen funcionar la maquinaria social y que sin ellas todo se desmorona como un castillo de naipes.

Ed Crane barbero no por vocación si no por que esta casado con la hermana del dueño de una peluquería masculina, mantiene un silencio absoluto sobre sus sentimientos, sabedor de todos los secretos su desidia ante el mundo hace que este gire con normalidad, un día se le presenta una oportunidad de negocio única en forma de lavado en seco, donde invirtiendo 10.000 dólares puede salir de esa rutinaria barbería.

El problema que para conseguirlo tendrá que desvelar uno de esos secretos que como pedestal de barro mantiene en equilibrio a toda su vida y la de su familia política y una vez quebrado se verá inmerso en una vorágine de acontecimientos que intentará resolver siempre desde el mutismo más absoluto, Endiosamientos, vidas pasadas falsas, infidelidades, autoengaños, hipocresía legal y deseos ocultos y homosexualidad, serán algunos de los elementos que saldrán a relucir como si de una caja de pandora se tratara, creando el caos en una ciudad modélica de mediados de lo s cuarenta.

Billy Bob Thorton y Frances McDorman no pueden estar más acertados, sus interpretaciones que rallan lo sublime te harán sentir el sentimiento de una pareja se mueve por rutina,  James Gandolfini que interpreta al jefe de McDorman es un hombre de éxito, héroe de guerra con una gran complicidad con la mujer de Crane, Michael Badalucco dueño de la barbería y un gran charlatan que contrasta con el mutismo de crane y Jon Polito el comercial de una lavandería en seco que será el detonante de toda la historia y que juntos hacen que esta obra cobre sentido. Pero hay mucho más por que veremos en pantalla al siempre maravilloso Richard Jenkins como el abogado del pueblo en tema de herencias y asuntos civiles y a una jovencísima Scarlett Johanson una niña prodigio con el piano e hija del abogado Walter Abundas.

El film que no puede ser más acertado no es de las obras más conocidas de los coen pero que está muy por encima de la media de los hermanos cineastas, con un ritmo muy particular y con un humor negrísimo, si no la has visto será toda una bocanada de aire fresco en el género Noir para ti, muy cercana a Perdición en las formas pero con ese punto canalla que sólo los Coen saben dar a sus películas te tendrán anclado a la silla durante las casi dos horas que dura el film, una joya que la podrás ver en Filmin para España o Filmin Latino para Mexico pero que gracias al DVD o Blue Ray es muy fácil de conseguir y si eres fan del cine de los Coen una compra obligada.

Y ya hemos terminado la reseña de este maravilloso film que tanto si eres fan del género Noir como si no te lo aconsejo fervientemente y si te gustó la reseña y quieres que todas las semanas te aconsejemos cine de calidad como este Hombre que nunca estuvo allí, ya sabes, suscribete, dale a la campanita y espera 7 días por que ya estamos preparando la nueva reseña y hasta entonces ya sabéis, ser muy felices y vivir el cine

LA TRAMA última película del gran Hitchcock

 Bienvenidos, bienvenidas, queridos amigos y amigas de CINEFILIA. Hoy con todos vosotros la ultima película de un genio, el cierre de la filmografía de un maestro, la obra que puso fin al cine de ALFRED HITCHCOCK, con todos ustedes la Trama de 1976.

Permitirme si me alargo en la reseña, pero es que hay pocas películas que me parezcan tan acertadas como La Trama y por muchos motivos. pero para empezar contemos de que va la película.

Blanche Tyler es una espiritista sin poderes una estafadora que intenta sacar el dinero a ancianas con necesidad de comunicarse con el más allá. Su novio un actor sin trabajo que intenta salir a delante conduciendo para una compañía de taxi en turno de noche, es a su vez una especie de detective que husmea en la vida de las incautas clientes para conseguir información que ayuden a su novia a convencer de sus falsos poderes con datos que ella supuestamente no puede saber.

 Un día en plena sesión espiritista con Julia Rainbird una rica anciana recibe el encargo de encontrar al sobrino de ésta, un bebé que fue abandonado para proteger el prestigio familiar y que no se sabe nada de él, ni el nombre, no la dirección, ni siquiera quién se hizo cargo, sólo saben que tiene 40 años.

Pero una mujer que habla con los espíritus como Blanche puede resolver el enigma a cambio de 10.000 jugosos dólares, esto la llevará a empezar una investigación junto con su novio mientras que una extraña rubia secuestra a personas importantes a cambio de diamantes únicos.

¿Y que tiene que ver una cosa con la otra, en que momento las dos tramas se unen y que pasará? pues eso como ya sabes lo tienes que ver tú por que en este canal no hacemos spoiler, pero créeme que es un regalo adentrarse en esta comedia detectivesca con la dirección de Hitchcock y con la música de John Williams.

Hitchcock había decidido cerrar su filmografía donde empezó en Reino Unido con la película Frenesí donde regreso tanto a su país como a su género favorito el suspense, su salud ya era delicada en 1974, durante su jubilación forzosa tras Frenesí debidos dos ataques cardíacos que casi termina con su vida, no se sabe muy bien el motivo de volver a rodar con 77 años, con una salud más que delicada una película de bajo presupuesto, carente de grandes estrellas y sin ninguna pretensión y que no le iba a dar nada en su carrera, además de cerrar su obra vital con una comedia, género alejado del que le dio gloria, aunque hay que decir  que todas sus películas tienen un humor negrísimo cómo con la muerte en los talones por ejemplo, nunca será recordado por el género con el que cierra su epílogo.

A ver, que os conozco... ahora se que algunos os estáis arañando la cara. ¿Cómo que Hitchcock no tenía comedias? a ver no he dicho eso, he dicho que sus obras que hicieron de él leyenda cómo Verigo, Psicosis, la soga o los pájaros estaban a años luz de la comedía, así que vamos hacer un recorrido por todas las comedías del director que las tenía y muy buenas. 

La mujer del granjero de su época muda del 28, Champan también muda y también del 28, Matrimonio original del 41 ya en el sonoro, ¿Pero Quien mató a Harry  del 55.

 y luego aunque eran más películas románticas  que comedia, podríamos incorporar Atrapa a un ladrón 55 o Marni la ladrona del 64.

Así que esta Trama se convierte en una de esas rarezas de la que el extravagante director dejó huella hasta el final.

El reparto podría haber sido más extraño que el que fue en realidad, donde sólo Bruce Dern tenía algo de estrella, para su protagonista ya sabemos la tendencia que tenía hitchcock por las rubias  y aquí no podría ser menos por que la actriz que se encargaba de llevar a sus espaldas la película era Barbara Harris, lo curioso es que no era su primera opción, ya que había pensado para su papel principal a Liza Minelli que como bien sabéis su pelo era negro azabache, pero que sinceramente habría sido una Madame Blanche maravillosa, aún así Harry hace de este papel algo delicado y genial.

Aunque estaba bastante enfermo ya y por eso su aparición en pantalla solo es una silueta tras el cristal, no había dejado de ser duro en los rodajes y si no que se lo digan a Roy Thinnes, que tras un par de días haciendo de Arthur Adammson le despidió del rodaje, así sin contemplaciones. 

El motivo fue que el quería a William Devane pero no estaba disponible, pero pasados dos días de rodaje se enteró que ya estaba libre y se deshizo del pobre Thinnes y contrató a Devanne, así sin temblarle el pulso.

Otra extravagancia del director  en su el desprecio total a los actores lo tenemos en  otro ejemplo claro fue cuando  Dern le preguntó por que el fue el elegido, me imagino que para que el director le dijera bondades de sus trabajos e interpretaciones, pero no, la respuesta fue la siguiente. Por que Paquinow me pedía un millón de dolares, así que te contraté a ti. Lo curioso es que Bruce Dern se puso a buscar a ese tal Paquinow y nadie le conocía, al final se enteró que ese tal Paquinow era Al Pacino. Una anecdota maravillosa de un director que alardeba de tratar como ganado a los actores. Genio y figura hasta el final de sus días.

Ahora voy hablar de la imagen final, tranquilos no del final ni destripes de la trama sólo del último fotograma de la película, un guiño a cámara por parte la rubia protagonista Harris, directo al espectador, ese guiño siempre me ha sacado una sonrisa ese ultimo frame de toda la filmografía del director, ese cierre es como si el propio Hitchcock se burlara de nosotros, en un hasta la vista pero en el otro lado, recordar que Madame Blanch es espiritista y se transmuta con los fallecidos. Si no la has visto mirála, disfrutalá y dime si quieres que mensaje recibes de ese cierre de película y de carrera vital.

Y donde la puedes disfrutar, bueno ademas de DVD, Blue Ray, Colecciones del director, la tienes para Mexico y España en Filmin y Filmin latino

Una joya para estas noches de calima una maravilla para cualquier momento, no es la más grande de Hitchcock pero es maravillosa y sin más deciros que seais muy felices y vivir el cine.

El Sirviente OBRA MAESTRA INDISCUTIBLE

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy con todos vosotros El sirviente de Joseph Losey.

Ya sabéis lo que me cuesta hacer rankings de películas, básicamente por que es muy difícil para mi dejar fuera a obras maestras del cine, pero tengo que confesar que en mi podio particular, entre las tres mejores películas de la historia pondría a este film, por que El Sirviente es más que una película es una obra de arte, un delicado trabajo tanto actoral como de dirección, una obra maestra indiscutible un ejemplo claro de por que al cine se le llama el séptimo arte, así sin más.

Puede ser que no la conozcas y es normal hasta cierto punto, también puede ser que el director Joseph Losey te suene poco y que Dirk Bogarde el protagonista de este film no lo conozcas y todo tiene una respuesta que al final de la reseña os comentaré por que tanto el director como el actor no eran muy bien vistos por la maquinaria Hollywoodiense, pero esta reseña tiene como objetivo hacer justicia, tanto con la película como con el director como con el grandísimo Bogarde.

La trama, sacada de la novela de Robin Maugham, nos adentra en la vida de Tony interpretado magníficamente por James Fox, joven heredero con planes de negocios inmobiliarios en la selva de Brasil, este tiene una vida ordenada y acomodada con su prometida Susan interpretada por Wendi Craig, juntos van a fiestas y hacen planes de futuro.

 Tony con su nueva vida de heredero se compra una pequeña mansión y para poner orden busca a un sirviente que no será ni más ni menos que el magnifico Bogarde interpretando a Barrett un distinguido ayuda de cámara que ha estado a las ordenes de un viejo amigo de su difunto padre.

Pronto criado y señor crean unos vínculos que distan mucho de los normales entre jefe y sirviente con lo que Susan se verá desplazada y comenzará un conflicto entre los tres que se recrudecerá tras la llegada de la hermana de Barret la señorita Vera interpretada por una maravillosa y sensual Sarah Miles y hasta aquí os puedo contar ya que el resto de la película tendrás que verla tú.

En las dos horas que dura el film y que son un alarde de poderío interpretativo  te anclará al sofá y te dejará ahí hasta el final de la cinta por que la historia créeme que es demoledora y brutal.

Losey hace lo que mejor sabe hacer desde que dirigiera obras de teatro que no es ni más ni menos que hacer una puesta en escena impactante, no hay ni un solo plano en la cinta que no mantenga una estructura artística perfecta y el juego hace con las profundidades y alturas con la escalera por medio o el juego con los espejos y las sombras son una lección de como y donde poner la cámara de un maestro de maestros de uno de los mejores directores de todos los tiempos y si quien aparece en plano es Dirk Bogarde, entonces cada toma es una obra maestra por que el actor británico es uno de los mejores interpretes de todos los tiempos, con una cadencia tranquila y sosegada, sin aspavientos y con una clase que traspasa la pantalla, Bogarde da en cada uno se sus momentos en el film un ejemplo de lo que es actuar en el cine.

Y ahora toca hablar un poco del director y del actor, cómo fueron relegados a películas fuera de los grandes estudios y por que no son tan reconocidos como otros cineastas coetáneos. 

Joseph Losey era un director consagrado dentro de la industria hollywoodiense dirigiendo películas tanto para la Paramount como para la RKO, su forma de dirigir, su visión artistica le auguraban un futuro prometedor en los grandes estudios, pero en 1952 la caza de brujas se cebó con él y el Macartismo le impidió seguir trabajando como director, así que se marchó a Europa primero y después a Reino Unido, El tener vetado el mercado norteamericano hacía que solo productoras independientes  para el mercado local pensaran en él para dirigir sus filmes y eso fue lo que hizo, pequeñas películas que no salían de las Islas británicas y a veces llegaban a Europa, pero con poca o nula repercusión, pero en los cinestudios y fancines de la época sobretodo en Francia e Italia le daban la repercusión necesaria a sus filmes para que no dejara de dirigir y esa segunda vida que le dio el viejo continente hizo que jamás volviera a dirigir ninguna película en los EE.UU. y que al final muriera en la ciudad que le recogió cuando su país le dio la espalda Londres y es por eso por lo que muchos de vosotros no tienen a Losey entre los grandes directores de cine, pero es ver solo un par de películas del director y caer rendido por su trabajo.

En cuanto a Bogarde la cosa es más complicada, actor de la Rank productions tuvo una época dorada e incluso pensaron en él para películas tan importantes como Lawrence de Arabia, Gigi o Dr. Zhivago, pero por malas decisiones suyas o por que escogieron a otros actores en su lugar al final Bogarde no tenía ese papel que le encumbrara mundialmente y si a eso le sumamos los rumores de homosexualidad que siempre le acompañaron y que no le dolían prendas en hacer papeles conflictivos en la sociedad del momento, le impidieron llegar más lejos en las grandes productoras.

Pero sin embargo en las producciones Europeas era un Totem un ídolo tanto para directores como para el público que encumbraba su trabajo en pantalla, no es raro entonces que Bogarde en 1984 llegara a ser presidente del jurado de uno de los festivales más importantes del mundo, como es Cannes, eso da un ejemplo de lo que significaba Bogarde a este lado del océano.

¿Y donde puede ver esta obra maestra?

Pues la tienes tanto en FIlMIN como en MUBI. Una maravillosa cinta para pasar esas tardes de cine que te apetece algó más serio que un simple telefilm

Y ya llegamos al final de esta reseña por lo que os quiero recordar que si te gusta el cine, que si quieres consejos para ver películas y que además te digamos en que plataformas están para ver en este momento, te suscribas y le des a la campanita y así semana a semana te recomendaré una película que te saque del sopor y el aburrimiento y que haga de tus tardes, más entretenidas y provechosas.

Y ya estamos preparando la próxima reseña que la tendrás disponible en siete días, así que hasta entonces dos deseos, ser muy felices y vivir el cine

Al otro lado de la ley: el mejor thriller policiaco del nuevo milenio

Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia hoy con todos vosotros Al otro lado de la Ley de Craig Zahler.

Craig Zahler autor que ama el género sobre todas las cosas es uno de esos directores que mezcla el clasicismo más absoluto con una versión muy personal en la forma de entender el cine, pero siempre siendo fiel al género y a si mismo, novelista, guionista, músico y cineasta Este artista ecléptico hace de este Al otro lado de la ley una película coral de esas que confluyen en un momento maravilloso, cruel y despiadado en un final que no va a dejar a nadie indiferente.

La trama, escrita por él mismo en un guion que derrocha talento por los cuatro costados, nos mete de lleno en 4 historias diferentes, la de dos policías que se exceden en las formas, en la de un expresidiario de vuelta a la calle, el de unos atracadores despiadados y la de una madre primeriza con pánico a dejar a su bebé solo. Todas estas historias nos llevarán a un momento de colisión como 4 trenes a toda velocidad que chocan en un mismo momento y nos regala uno de esos finales de los que amo profundamente, cómo ya sabéis intento en mis reseñas no destripar nada de la historia el resto de película la tienes que ver tú y creeme que la vas a disfrutar muchísimo.

El film que convenció a toda la crítica especializada por primera vez, viene precedida por 2 películas anteiriores, el maravilloso western Bone Tomahowk (que ya reseñamos en el canal y que al final del vídeo os dejaré un enlace por si quieres verlo) y que mezclaba el western clásico con dosis de terror y gore en una obra entreteniada a más no poder que fue la sensación del 2015, aunque no muy entendida por todos los críticos, la mayoría nos dimos cuenta de que estamos ante un cineasta con un sello personal muy marcado y que sus siguientes obras no nos iban a dejar indiferente y así fue.

Su segunda pelicula Brawn in the cell Block 99 nos narra otra obra de género en este caso el delincuencial y carcelario que en breve reseñaremos por que es otro de esos filmes que marcan la carrera de un director tan particular como lo es Zahler, aunque que los críticos no supieron ver el poderío de la cinta, si que es de destacar que el publico fue unanime con la obra y fue acogida de una forma maravillosa tanto en Sitges como en Venecia.

Pero ya con su tercera película éste Al otro lado de la Ley parece que los que no comulgaban con sus obras los ha llevado a su redil a base de ser fiel a su forma de ver el cine, y no solo fiel a la trama si no también con el reparto ya que la mayoría de actores repite en ambas películas.

Mel Gibson que hace el papel de un viejo policía con problemas domésticos y de Vince Vaughn un policía a punto de casarse y que repite en esta cinta con el director, forman una de las parejas principales de la pelicula,  Tory Kittles  que hace de exrecluso en la búsqueda de trabajo para dar a su hermano una oportunidad en la vida, la de Thomas Kretsman y sus secuaces que preparan un gran robo y la de Jennifer Carpenter una madre que no quiere separase de su hijo y que repite otra vez con el director. Aunque no solo de los actores principales vive la cinta, hay dos papeles pequeñitos que son una joya y un verdadero lujo, la de Don Johnson haciendo de jefe de policía y que repite tambien con el director y la del maravilloso Udo Kier tambien repetidor y próximo actor al que haremos un vídeo especial por que simplente es leyenda viva del cine.

La acogida de la cinta fue unanime y convenció tanto a la crítica como al público llegando a participar en Venecia y en los premios Saturn pero se le otorgó una nominación al razzie llamado Peor temerario por la vida humana y propiedad pública. Una de esas patochadas que se hacen de forma graciosa por que ¿Que tiene que ver la violencia o las muertes en una película con la calidad de la misma? Una estupidez más que me vuelven a separar de los premios hollywoodiense tanto de los buenos como de los malos.

Ahora un consejo para futuros espectadores de la cinta. La obra es inclemnente con los personajes así que no te enamores de ninguno y tiene un momento muy gore que he de decir que me hizo retirar la mirada, pero que dan un toque maravillosamente cruel a la cinta que le viene genial, marca de la casa del director que le dan un toque tarantiniano a la obra.

¿Y donde la puedes ver? Pues la tienes tanto en Amazon Prime como en Filmin, así que no hay excusas, este fin de semana toca un thriller policíaco, coral a más no poder y cruelmente divertido.

Y ya os voy a dejar y despedir hasta la semana que viene, pero antes recordaros ser fiel a nuestra cita y si aún no eres suscriptor ¿a que esperás? dale al botoncito a la campanita y deja que te recomendemos una película semanal libre de spoilers. Y hasta entonces ser muy felices y vivir el cine

Diabolicamente tuyo Polar Francés con tintes psicológicos

 Bienvenidos, bienvenidas, queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy con todos vosotros Diabólicamente tuyo de 1967.

si te preguntas por que el polar francés cambió el noir americano, esta película es un buen ejemplo, una joya del cine policiaco francés que contiene una se esas historias que quitan el hipo y con unas actuaciones realmente soberbias. Pero es que este Diavolicamente tuyo tiene mucho más de lo que puede parecer en un principio.

Ultima película del maravilloso director Julien Duvivier uno de los olvidados del cine frances bastante injustamente, cierto es que en su trayectoria no todo es oro e incluso tiene algunas peliculas con Fernandel que sinceramente no son de mis favoritas, pero es que en su filmografía tiene verdaderas obras de arte como Pepe Le Moko del 37, Seis destinos del 42, Anna Kerenina del 48, Almas perversas del 56 o esta diabolicamente tuyo del 67, última película del director y un maravilloso epilogo vital con una obra de género que te aseguro que no te va a dejar indiferente.

La trama parece sencilla.

Un hombre borracho, conduciendo un automóvil a más de 170 km por hora, sufre un accidente que le deja amnésico, su mujer que también viajaba en  el coche, consigue salir ilesa, con el beneplácito del doctor, se lo lleva a su casa donde intentará reponerse, la cuestión es que cuanta más memoria consigue recuperar, más extraño le parece todo, un criado que vale para todo y mucho más, un médico amigo de la familia que se mueve como pez en el agua en su casa y una mujer que a ratos es tierna y otras distante, le llevarán a investigar sobre su pasado para descubrir el secreto que intentan ocultarle.

Si piensas que sabes lo que ha ocurrido, sólo te digo que esperes a ver el final que te dejará con la boca abierta y con un cierre del film que se ha imitado 100 veces y jamás ha sido igualado.

Duvivier era ninguneado por los directores de la Nouvelle Vague por que su forma de rodar era totalmente canónica, desde su época muda el director hacía un cine muy americano y hay que destacar sus películas de género Noir y jamás le interesó el nuevo cine francés pero lamentaba que aquellos nuevos directores despreciaran su trabajo, aunque tambien tenía sus defensores como Delon que comentó que Duvivier era mejor que todos ellos.

El director falleció con 71 años por culpa de un accidente de coche, una verdadera  lastima por que el director estaba en plana forma y esta peícula lo demuestra. 

Una autentica joya que si me haces caso vas a disfrutar muchísimo. Rodada en color, cosa nada usual en el director, con un elenco de verdadero lujo Alain Delon encabeza el reparto al que le acompañan la bellísima Senta Berger que además de ser espectacular físicamente actua de maravilla, el siempre eficaz Sergio Fantoni y Peter Moshbasher que hace del criado chino Kim. Un cuarteto que ocupa casi todo el film creando una trama laberíntica e hipnótica que durante la hora y media que dura el film te va a tener intrigado.

¿Y donde la puedes ver?  pues no tienes ninguna excusa, está en Filmin, en Amazon Prime y en Netflix por lo que está al alcance de la mayoría del público.

Así que si te apetece ver un cine de investigación sin ningún tipo de miramientos y con una de las mejores tramas del genero y un final que te deja con los ojos abiertos no la dejes escapar.

Y ahora toca empezar con la siguiente reseña que la podréis ver en siete días, mientras tanto y hasta que llegue ese momento os dejo otras dos opciones para poder difrutar de otras reseñas y si te gusta el canal, no dudes en suscribirte y hasta que llegue el momento de volver a vernos ya sabes, se feliz y vive el cine