39 Escalones (1978)

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy venimos con una de mis películas setenteras favoritas, de un director que amo y al que llevamos haciendo un ciclo de cine desde hace tres reseñas el maravilloso Don Sharp y el motivo de mi admiración total a este director viene dado desde el día que descubrí esta versión de 39 Escalones, novela escrita por John Buchan y que Hitchcock ya llevó a la pantalla en 1935 pero de todos estos datos hablaremos en la parte final de la reseña, Ahora vamos directamente a contaros la Trama.

Si el film es una maravilla es por que la historia que nos cuenta es simplemente brutal, veréis la historia nos lleva a 1914 unos meses antes de que estalle la primera gran guerra, el Coronel Scuder un antiguo miembro de la inteligencia tiene sobradas razones para pensar que Prusia a activado un plan para acelerar el estallido de una guerra que es inevitable, en dicho plan entraría en acción una cedula durmiente Prusiana, pero aún desconoce el objetivo y quienes son los agentes, lo único que tiene claro, es que en la trama entra un número concreto de peldaños, justamente 39.

El resto del grupo de inteligencia no le toma en serio, pero sin embargo el Cornel pasa a ser objetivo de los agentes secretos prusiano, con lo que acorralado recurre a su vecino, un ingeniero de minas Richard Hanaway que pasa grandes temporadas en Sudáfrica y  que plantea su viaje  de vuelta en poco tiempo, el caso es que el viaje deberá ser pospuesto en el momento en el que Scuder le confíe su secreto y hasta aquí te voy a contar, el resto creeme que es una verdadera gozada, un film que simplemente es perfecto de principio a fin.

Antes de hablar de esta película y de la de Hitchcock tenemos que hablar un poco de la producción, Greg Smith productor principal de la película era un ferviente seguidor de la obra de Buchan y de toda su obra 39 Escalones era su novela favorita, Smith no estaba nada conforme con las dos versiones que se hicieron, la de Alfred Hitchcock en 1935 y la de Ralph Thomas en el 59, ambas versiones se tomaban demasiadas licencias que alejaban la obra novelesca de sus versiones cinematográficas por lo que pidió a Michael Robson que escribiera un guión cien por cien fiel a novela y Robson entregó un libreto casi fiel al original y digo casi por que el final del libro de un coche dirección a la playa era poco cinematográfico por lo que decidió tomarse una licencia que fue simplemente maravillosa, toda la trama ocurría en Londrés y que mejor que culminar la cinta en el centro político del país británico e incorporar cómo eje central el Big Beng en un homenaje al hombre mosca de Harold Lloyd. 

Por cierto esta escena cuando la vi de niño me impacto muchisísimo y se quedó en mi memoria. Una escena bien creada y construida con un increscendo dramático altísimo que te tiene con el alma en un puño durante todo el metraje que dura.

Tras ese cambio, el productor se lo enseñó al hijo de Buchan y quedó altamente impresionado llegando a decir que su padre habría dado el visto bueno. Tras el guion el productor recaudó un millon y medio de libras exterlinas entre otras cosas por la entrada en la producción de Rank Organitation y Nortfolk International Pictures. Por lo que ahora sólo quedaba pensar en el director.

Sharp por aquel entonces era un director consagrado, breado en la Hammer Films, donde siempre supo sacar lo mejor de producciones escuetas y había sido bastante famoso tras rodar Jaque a la reina un film que tocaba de soslayo el escándalo del viernes sangriento y que estuvo rodeado de grandes controversias en Reino Unido y tras aquel film rodó para la Televisión el telefilm de las 4 plumas donde otra vez salió airoso. Esta fama de buen director, talentoso y sensato le hicieron ser la primera opción que obviamente aceptó el encargo.

Tras ello habría que elegir el reparto, para el protagonista escogieron al actor de moda británico del momento por su recreación de Jesus de Nazaret el gran Robert Powell que hace de un heroe a la antigua usanza y que lo encarna perfectamente, pero si somos sinceros el villano del film le roba todo el protagonismo por que no se puede estar mejor que David Warner, por dios que actor en que papel, sinceramente raya la perfección y por si todo eso fuera poco, la banda sonora original que compone el maravilloso Ed Welch le viene cómo anillo al dedo, sabe transmitir con su sintonia el estado de animo del momento de la película, siempre poniendo la música al servicio de la trama, una joya de sintonía que si la escuchas por primera vez te va a parecer un clásico del cine y es que en sus acordes guarda toda la magia del cine detectivesco clásico, por que este film está más cerca de un film de detectives de época al tipo de Sherlock Holmes que al film rodado por Hitchcock y ahora es cuando atacaremos esa parte.

Pero antes vamos a comentaros donde la podéis ver la película y es que está para España y Mexico en Filmin y Filmin latino, pero hacerme caso, de verdad, esta película es para tenerla en formato físico, un DVD de esta película es un regalo para los sentido, obra que suelo ponerme recurrentemente por que son de esas películas que te alegran el día.

Y ahora vamos a contaros un par de cosas de este film y de sus versiones anteriores, veréis decir que esta película del 78 es un remake de la película de Alfred Hitchcock es no decir la verdad, esta película poco o nada tiene que ver con la versión del 35, cómo dijo el productor del film Greg Smith aquella primera versión era un 20% Buchan y un 80% Hitchcock y no le falta razón, mientras que este film es un 99% Buchan y es que si has visto las dos versiones, son dos películas totalmente diferentes, no se pueden comparar por que no cuentan lo mismo, no cómo la del 59 que bebía directamente de su obra predecesora y que quedó eclipsada por el gran Hitchcock, algo que a ocurrido siempre con el orondo director, no conozco ninguna obra que se base en un film suyo y que no salga escaldado, pero cómo en este caso, no hay comparación posible son dos obras que conviven en universos paralelos.

¿Y que me parecen los 39 escalones de 1935? pues eso lo vais a descubrir dentro de un par de días por que reseñaremos esta fabulosa obra del maestro del suspense y al final hablaré cual de las dos es mi preferida, por que aún diferentes tengo predilección por una de las dos y si no te lo quieres perder, lo mejor es que estés suscrito al canal y ya sólo me queda desearte que seas muy feliz y que vivas el cine 

 

OPERACIÓN ÍSLA DEL OSO

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy venimos con un film de aventuras, esas películas que causaban furor en la época de los 80 y que nos regaló joyas de este arte que gustaban de la misma forma a los mayores y más grandes de la casa, esos films que reunian a toda la familia frente a la pantalla y que siempre, siempre, siempre entretenían y para recordar aquellos films gloriosos os presentamos Operación Isala del Oso de Don Sharp

Ya estamos apunto de terminar este ciclo dedicado al director Australiano que llegó a ser un referente en la Hammer y que aquí se metía con una historia de aventuras basado en un libro de Alister Maclean el prodigioso autor de entre otras obras literarias cómo los Cañones de Navarone o El nido de las Aguilas, un escritor de culto dentro del género y que en esta Operación Isla del Oso mete todos los ingredientes en una novela que resultó cómo no, ser otro Best Seller.

Con estos mimbres se creó una coproducción Canadiense - Britanica para llevar a la pantalla las desventuras de un grupo de cientificos en el ártico. El film que resultó ser uno de los referentes en cuanto a dinero de producción canadiense que no escatimó en detalles, con un reparto de auténtico lujo donde podíamos ver en pantalla al Gran Donald Shutherland que estaba en su mejor momento, Vannesa Redgrave que no se prodigaba mucho en el género, Un richard Wikmark otoñal pero que aún podía dar la réplica a cualquiera y un Christopher Lee que era la guinda de un prodigioso pastel dirigido cómo no por Don Sharp.

El film nos metía en la vida de un grupo internacional de cientificos auspiciados por la ONU que embarcan dirección al ártico con la misión de investigar el cambio climático, uno de los problemas es que la expedición se centra en la Isla del Oso un Islote que tiene una frontera bastante conflictiva y en el que la OTAN ha puesto varias restricciónes para no tener ningún tipo de conflicto. Además de ser la antigua base de submarinos del ejercito Alemán en la segunda guerra mundial.

El grupo de científicos no está carente de roces y recelos al tener a miembros de ambos ejes y que a pesar de su importante cometido cómo es el calentamiento global, salen a relucir a cualquier roce.

Pero todo se complica cuando una serie de accidentes se está cobrando la vida de los miembros expedicionarios en los que no pueden faltar, agentes dobles, miembros del partido nazi y un tesoro oculto en un film que harán las delicias de todos aquellos que añoramos este tipo de películas.

La obra que no saca todo el jugo al maravilloso reparto que tiene, es una autentica gozada, divertida, llena de acción y persecuciones donde podremos ver unos hidrocopteros naranjas que siempre que salen empieza lo bueno, unas rudimentarias motos de nieve y cómo no barcos, bases expedicionarias y toneladas de nieve para crear un marco de acción incomparable.

El film recuerda a ratos la Cosa de carpenter y es que todos los que sómos fan de la prodigiosa película de terror estamos deseando que aparezca una nave espacial enterrada en hielo, pero no el misterio es mucho más mundano y rentable. Uno de los problemas que tiene esta película es en lo aguantar el suficiente tiempo el origen del conflicto desvelando hacia la mitad del film que es lo que todo el mundo busca, otro de los problemas es que algunos de los giros de guión son bastante previsibles, pero sólo algunos por que otros te van a poner la película patas arriba y consiguen con alegría confundir al espectador y sorprenderlo.

El film aunque sin ser un desastre no dio en la taquilla todo lo esperado y eso quizá llevó a dejar en dique seco a los maravillosos personajes que la cuajan.

El jefe de la expedición Otto Guerran, magistralmente interpretado por Richard Wirmark que es un cientifico alemán con una deuda pendiente con el mundo, Frank Lasing un Californiano de origen Alemán en busca de algó más que investigaciones al que da vida el actor de moda de los 70 Donald Shutherland y que es de lo mejor de la película, Heidi Linqsky una médico Danesa con una misión oculta a la que da vida la maravillosa Vanessa Redgrave y Lechinski un cientifico Polaco  de cuando Polonia pertenecía a la URSS y que tendrá más de algún roce con el resto de expedicionarios magistralmente interpretado por mi admiradísimo Christopher Lee.

Y dónde puedes ver esta película? en que plataformas está actualmente y recalco esto último por que de un día para otro puede cambiar por lo que te aconsejo que si crees que se encaja a tus gustos la veas cuanto antes, auque la disponesmos tanto en Filmin y Filmin latino para España y Mexico y en Amazon Prime vídeo, por lo que supongo que muchos de vosotros podréis disfrutar de este film sin necesidad de recurrir a otras formas de visionado.

En este caso, no recomiendo la compra de un DVD a no ser que seas muy fan del género por que cómo digo, aunque es francamente entretenida y cumple con todo lo que tiene que tener un film de estas carácteristicas no destaca en nada, aunque no la vas a olvidar una vez vista de eso te doy fe y tampoco es la mejor del director, esa me la reservo para dentro de un par de días cuando reseñe la última película del ciclo de Don Sharp y si no te la quieres perder ya sabes, dale al botón de suscribirse, a la campanita para que te avise de cuando tienes nuevas reseñas y disfruta de nuestros consejos de cine, pero para empezar con ella antes tengo que terminar con la reseña de este film por lo que la vamos a dejar aquí, esperando que te guste y la disfrutes tanto como lo hago yo y hasta que nos volvamos a ver dos cosas, ya sabes la primera que seas muy feliz y la última que vivas el cine

 

Rasputin 1966

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy venimos con un personaje historico pero bajo la mirada de la portentosa Hammer y de la mano de uno de sus directores fetiches el gran Don Sharp, director del que empezamos un ciclo hace solo un par de días y que hoy nos metemos en una producción menor pero que salió fabulosa, la maravillosa Rasputin el monje loco de 1966.

Veréis hoy vamos a empezar al revés que cualquier reseña por que no empezamos ni por la trama ni por la producción si no vamos a hablar levemente del personaje real, el autentico Rasputín por que como veréis la historia real del monje tiene que ver muchisimo con la producción del film.

Grigori Yefermovich Rasputín fue un curandero que consiguió gran fama en la época zarista de los Romanov, en un momento dado el hijo de la zarina cayó enfermo y fue llamado a palacio ante la inutilidad de la medicina convencional, el caso es que tras la llegada de Rasputín el niño mejoró y la Zarina le tomó como consejero en 1905 pero la actitud del monje curandero, sus multiples excesos y éscandalos le llevaron  a ganarse la antipatía de la coorte.

Tanto fue así que se preparó y ejecutó un plan de asesinato contra él que terminó con su muerte en 1916 a manos de Felix Yusupof, una muerte que puso fin a los excesos de 11 años de un personaje que ha trascendido las épocas y gracias a diferentes películas ha quedado en nuestro imaginario colectivo.

Y ahora vamos directamente al film que nos ocupa, veréis el guion vuelve a ser obra de John Elder, si habéis visto la reseña anterior sabréis que es el pseudonimo con el que firmaba los guiones el productor de cine Anthony Hinds y que en este caso se encarga de escribir una historia inspirada en la vida del monje pero no podía contar los acontecimientos como sucedieron ya que el asesino de Rasputín todavía vivía y tenía varios libros escritos por lo que Hinds trastoca algunos acotencimientos, pero esto le da la libertad de construir un personaje a medio camino entre el misticismo, la superchería y el terror creando la recreación de la vida de Rasputín mas entretenida del cine.

El argumento mantiene la esencia de las películas góticas en las que Hinds era un verdadero maestro y la dirección de Don Sharp, ya un director con un bagaje importante en diferentes producciones pone la maestría del plano y la composición que aprendió con El beso del vampiro, anterior película que reseñamos y que os dejaré un enlace en la descripción del vídeo por si la quieres ver y que ya marcó algunos planos míticos como el enmarcado entre rejas que otra vez a quí vuelve a ser un momento mítico del film, cuando Rasputín cura al hijo de la zarina.

Y para seguir con la producción ahora si que vamos a contaros de que va este film.

Rasputín es un religioso cargado de vicios y perversiones que en un momento dado salva la vida de la mujer de un posadero, este hecho benevoló se lo cobra con vino y con la hija del posadero al que el novio cargado de celos pierde una mano en una peléa con el monje. Este hecho le lleva abandonar el   pueblo e irse a Sanpetersburgo donde conocerá a una dama de compañía de la zarina y por medio de sus dotes hipnóticas le servirá de acceso a la coorte de los zares y el resto lo tienes que ver tú por que ya sabes que aquí no hacemos spoiler.

Pero esta sinopsis nos sirve para hablar del verdadero protagonista de esta película El grandioso actor Christopher Lee, Lee era una leyenda de la Hammer pero su papel de drácula le estaba encasillando trás la capa del vampiro, aunque curiosamente el actor hacía doblete en el rodaje por que mientras unos días estaba rodando Rasputín otros los dedicaba a encarnar al Conde en Drácula el pricipe de las tinieblas un film que no sólo compartía actor si no que tambien escenarios, en ambas películas usan los mismos, pero esta reutilización lejos de empobrecer el film lo realzan ya que tienes la sensación de que estás viendo una producción clásica de terror y no un biopic al uso.

Este cambio de registro de Lee le sirvió para demostrar lo buen actor que era, cómo podía interpretar a otros personajes con la misma maestría que hacía con sus papeles de vampiros, un trabajo que años despues Lee confesó que fue de los que más orgulloso estaba. Por cierto en la misma entrevista comentó que de pequeño conoció a Felix Yusupof el verdadero asesino de Rasputín y tambien a la hija de este último que le confesó que el parecido de lee con el auntentico Rasputín era impactante.

La película es elegante, marca de la casa de Sharp y aunque había suficientes excusas en la cinta para meter algo de erotismo en la misma y que salieran muchachas con poca ropa, muy al gusto de la época, el Director Australiano vuelve hacer gala de la contención para mostrar acontecimientos bastante truculentos con una belleza descomunal, con un tacto impecable y dejando en la imaginación del espectador a imaginar los sucedido entre un plano y otro.

Esta capacidad de creación de tramas sin mostrarlas por parte de Sharp demuestran una calidad técnica de primer orden y que enriquecian el relato sin suavizar ni un ápice las atrocidades del villano de la película.

¿Y dónde la podéis ver, donde podéis degustar esta obra maravillosa de la Hammer? Pues la tienes tanto en Filmin como en Filmin Latino para España y Mexico, pero si eres un fan de la productora o del maravilloso Christopher Lee, no dejes escapar esta cinta en formato físico, una obra esencial tanto del actor como de la Hammer.

Y ya vamos a ir dando por terminada esta reseña de una película maravillosa, díficil de enmarcar por que terror no es, aunque a veces recuerde a una obra gótica, de acción y aventuras tampoco, aunque estas no faltan y un biopic de un personaje real tampoco se puede considerar debido a todas las licencias que Hinds se tomó, así que digamos simplemente es es Rasputín de 1966.

Y ya os voy a dejar ya que tras esta reseña empezamos con otra maravillosa película de acción del maravilloso Sharp en una historia de aventureros, viajes y nazis. una reseña que no te puedes perder y para eso que mejor de suscribirte al canal si es que aún no lo has hecho, pero te suscrivas o no, sólo me queda por desearte que seas muy feliz y pedirte que vivas el cine

El beso del vampiro

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia hoy venimos con un film de aprovechamiento, una obra que aún siendo un hibrido de descartes, el maravilloso Don Sharp supo hacer de ella una de las mejores películas de la Hammer por que hoy vamos a reseñar la maravillosa  y divertidísima el beso del vampiro de 1963.

Esta película  es de esas obras que por su manera de ser creadas tiene todas las pepeletas de ser un verdadero desastre, un film abocado a ser otra más en un género de una productora y nada más.

Sin embargo hubo grandes haciertos que la hicieron hoy en día una verdadera película de culto que está entre las más grandes de una productora que ha llegado a ser simplemente Mítica la grandisísima Hammer films. Pero antes de comentaros la producción, dónde la podéis ver el film y por que es una de las películas de mi vida. 

Vamos a contaros la trama. Si ya eres uno de nuestros amigos suscriptores veteranos, sabrás que aquí no se hacen spoiler, que el canal está pensado para aconsejarte y empujarte a ver la película y no a destripartela y ser un sucedaneo del visionado, así que tranquilo nuevo espectador que sólo te vamos a contar de que va y te dejaremos que descubras por ti mismo el film si es que se asemeja a tus gustos y quieres verla claro.

Nos situamos sobre el siglo XIX cuando una pareja de recién casados Gerald y Mariann Harcourd van de luna de miel viajando con uno de los primeros vehiculos a motor, debido a la falta de combustible se quedan tirados cerca de un poblado, un poblado un poco particular ya que tienen un gran hotel, unos parajes maravillosos, un castillo en la loma de una montaña pero que curiosamente no tiene habitantes.

 En el hotel solo se encuentran el matrimonio que lo rejenta, un profesor que es presa de la bebida y ellos. Esta solitaria estancia se ve alegrada cuando el dueño del castillo el Dr. Ravna y sus dos hijos Carl y Sabena les invitan a cenar comenzando así una aventura que pondrá en pelígro sus vidas y les llevará a descubrir un secreto oculto del pueblo. y hasta aquí te puedo leer.

la película tiene una de las producciones más desastrosas de la historia pero a la vez una de las más gloriosas, pero para entender este sinsentido nos tenemos que remontar varios años antes, La Hammer no quería vincular el rostro de Lee al de Drácula por lo que inició una serie de películas sobre el conde y vampirismo en el que el gran Christopher Lee no aparecía, la primera de ellas sería las Novias de Drácula de 1960, en este film no solo se quería dar una vuelta de tuerca al personaje principal si no que tambien a la trama misma Anthony Hinds productor de la obra, participó en el guión, aunque sin acreditar y metió dosis de sectas sátanicas y magia negra, pero tanto el director del film Terence Fisher, cómo Peter Cushing la mayor estrella de aquel reparto se negaron, por lo que rodaron un film vampirico al uso.

El caso es que Hinds no se dió por vencido y creó  a su alter ego un guionista llamado John Elder que se estrenó en este film. Cogió todas las ideas desechadas en su anterior producción, una trama de sectas satánicas con un enjambre de vampiros que mantenian una jerarquía, teniendo así desde el sumo sacerdote, los acolitos y sus novicias. esta idea se enmarcaba en un film gótico al uso en el que incorporaba el otro descarte de su anterior film, el final plagado de hechizos y magia negra, este final fue rechazado por Peter Cusing en el anterior film y aquí reina con luz propia con uno de los finales más originales de la historia del cine.

Así que tenemos un guion escrito por un productor metido a guionista sin experiencia previa, que hace un libreto cuajado de descartes de otras películas y si creeis que no se puede hacer peor, atentos.

Resulta que despues del acahecido en su anterior film Hinds prefirió para esta obra no contar con ninguno de los rostros conocidos de la Hammer, ni Cushing ni Lee, con lo que tampoco tendría el reclamo de esos actores para llamar al público a la gran pantalla y si ya pensáis que no se puede abocar más al desastre a una producción, decidió buscar a un director totalmente verde en la materia y escogió a Don Sharp, Sharp no había rodado un film de terror en su vida, el era un actor australiano que había dirigido algúnos documentales y una pequeñita película de robos llamada Los especialistas, pero ni por asomo tenía experiencia no ya sólo en el género si no que apenas cómo director, Hinds con este fichaje se aseguraba de tener atado el argumento ya que no se atrevería a cambiar nada, cosa que ya le ocurrió con Fisher.

Y con un guión escrito por un productor, con una historia de retales descartados de otros films, con un reparto carente de estrellas y un director novato en el oficio comienza la producción de El beso del vampiro. Si alguien hubiera apostado algo del resultado final de la obra, muy perjudicado estaría si pensara que aquello no terminaría en desastre de dimensiones biblicas.

Pues bien, no fue así. Es más la película es un éxito rotundo, fresca, con ritmo, profunda, a ratos parece una gran producción que se convirtió por meritos propios cómo un clásico del género y una de las películas referentes de la productora.

La obra, personalmente es una enseñanza de cómo la pasión ciega por algo, cómo el querer ir a contra corriente por que crees en la historia a veces termina en éxito, que ser valiente en el cine no tiene por que salir caro y cómo Hinds creyó en si mismo y en la historia y se quitó del medio a todos aquellos que le ponian piedras en su camino y le entorpecían terminando una película gloriosa. Una enseñanza que llevo conmigo y que hay veces que todos tenemos que seguir. Y por esto, este film es una de mis peliculas vitales y por que es buenisima a más no poder.

Y ahora llega al momento de hablar de Don Sharp, cómo hemos contado antes a Sharp le pilla de imprevisto el contrato de dirigir un film de corte gótico, apenas tenía experiencia cómo director y el terror no era uno de sus generos, por lo que una vez firmado el contrato, se puso a aprender cómo se rueda una obra de terror, para ello se vió todos los films anteriores de la Hammer pero tambien obras maestras del mudo, estos análisis le hicieron aprender lo importante de la estética en el terror, del virtuosismo que tienen las puestas en escena en este género, que la imajen, el cuadro es tan importante cómo el dialogo, por que el terror se llena por sentimientos por lo esencial del cine que es la imagen y cómo si de un alumno aventajado se tratara Sharp monta unas imágenes que empatarían con el gran Baba uno de los genios de la estética en el cine y de su predecesor en la Hammer Fisher. 

El momento en el que el profesor Zimmer irrumpe en el funeral, el marco que crea con las rejas del cementerio, la quietud de ese momento, es simplemente antológica, su belleza te ata a la silla, te deja sin aliento y te das cuenta de lo que vas a ver es algo grande de verdad y que por momentos va a rallar lo sublime. 

Por otro lado, él aportó su visión naturalista forjada en largometrajes documentales, dando una profundidad natural a todo lo que ocurre en pantalla, nada en la cinta ocurre por que sí, muchos de los acontecimientos que te narran no están contados explicitamente, pero que quedan claros de manera implicita, Sharp no te dice por que el hotel está vacío o por que de los pocos habitantes que tiene la zona, pero en su trama queda claro, se entiende, no es necesario contar más de la cuenta.

El momento del secuestro, uno de sus más algidos instantes del film, recuerda a las películas de Corman y que sirvió de base para que años después Roman Polanski realizara uno de sus primeros y más gloriosos filmes, el Vaile de los vampiros que retoma con humor las películas góticas de la Hammer y este El beso del vampiro cómo parte fundamental de su historia.

Y donde la puedes ver? Pues la tienes tanto en Filmin como en filmin latino para España y Mexico. Pero seamos sinceros, si has dado click a esta reseña es por que te interesan los clásicos del terror y más aún de vampiros por lo que de verdad una adquisición en formato físico es una gran idea, la tienes en infinidad de ediciones, sueltas o en cofres, por lo su compra es casi obligada para hacerte con lo mejor de la maravillosa Hammer film.

Y con esta reseña terminamos el ciclo de películas personales que empezamos con la maravillosa Gloria de Cassavettes y que enlazamos con un nuevo ciclo de cine basado en la figura de Don Sharp ya que tras esta película se hizo uno de los referentes del terror y un director que imprimió su sello personal en la Hammer film.

Y esperando que este nuevo ciclo de cine os llene de satisfacción me despido no sin antes desearos que seais muy felices y sobretodo que viváis el cine

Hardcore la obra más personal de Schreader

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy vamos a reseñar una de las películas más personales de un director, una especie de exorcismo personal y a la vez revancha vital,  por que hoy nos vamos a adentrar en el universo personal de Paul Schereader en este film llamado Hardcore de 1979.

Pero para poder explicar todo lo que oculta esta película es necesario explicar la trama, pero no te preocupes ya sabes que en este canal, jamás hacemos spoiler y que contamos lo justo para que puedas disfrutar de la obra cómo debe de ser, viendo la película y sorprendiendote con la misma.

Nos encontramos en un pueblecito del medio oeste, en una comunidad calvinista muy centrada en la religión y las buenas costumbres, sus habitantes viven en una especie de burbuja moral que los aisla del exterior, un día Khristen una joven adolescente desaparece en un viaje con el instituto a California, su padre Jake Van Dorn preocupado por la desaparición de su hija decide contratar los servicios de un detective privado Andy Mast con la misión de localizar a la joven. Pasado un tiempo el detective viene con noticias sobre Khristen, ya que ha localizado a ésta protagonizando una película para adultos del género Hardcore, Jake entonces decide rescatar a su hija de los captores que la están obligando a protagonizar ese tipo de films y emprende una cruzada que le llevará a los ambientes más turbios de California.

La película se centra mucho en la visión de una comunidad calvinista y como su manera de interpretar la religión les lleva a estar separados del mundo y constreñidos ante el resto de la sociedad y es que esta visión del director viene por que el mismo fue criado en una comunidad calvinista radical que le prohibieron ver cine hasta bien entrados los 19 años.

Hardcore no es más que una especie de espejo ante ese tipo de doctrinas tan cerradas en donde la falta de apertura asfixia a los miembros más inquietos y cómo al final se ven tan sólos como Jake.

Jake fenomenalmente interpretado por el grandísimo George C. Scott, que encarna a un hombre solitario, al que sus seres más allegados por una forma u otra le han abandonado, es obligado a cambiar su visión del mundo que se ve trastocado desde los cimientos al tener la necesidad de mezclarse con el lado más oscuro de la sociedad que no sólo le servirá para entender el mundo que le rodea si no para cambiarle por dentro.

Durante toda la trama Scott representa a una especie de explorador en una jungla humana totalmente desconocida para él, su búsqueda le llevará a interpretar el papel de un productor de películas para adultos y mezclarse con las personas que se ganan la vida mostrando su cuerpo en pantalla, allí veremos todas sus miserias y Jake se dará cuenta que su visión del mundo no se aleja mucho de la vida mortificada de las jovenes actrices.

Esta deconstrucción del personaje me reconfiguró mi forma de entender cómo construir a un protagonista. La forma en que nos presenta a Jake cómo un hombre integró de una pieza carente de debilidades y que al pasar los minutos y los acontecimientos esa rotundidad se vaya quebrando cómo un castillo de naipes, demostrando cada vez más debilidades, cómo la grieta de un muro que se hunde hasta terminar como un pobre hombre al que la vida le ha dado un revés al que dificilmente se podrá recomponer. Me demostró que existen otro tipo de heroes, esos que más reales y cotidianos. 

El film que aunque no es perfecto, muestra una verdad narrativa en una historia llena de alma que siempre va increscendo y es que Schreader vuelca aquí toda su furia contra la comunidad que le tuvo constreñido toda su juventud y el final carente de épica y en cierta forma de moralidad, se transforma en una especie de venganza ante esa visión del mundo.

El director se adentraba en este segundo film con toda la verdad por delante, recordemos que su primera obra fue Blue Collar un año antes, pero es en este segundo asalta donde Schreader comienza su forma de crear su filmografía donde la degradación del ser humano era algo recurrente y obsesivo, un buen ejemplo fue la película que siguió a este Hardcore, American Gigoló un film que nos contaba la vida de los hombres de compañía en un thriller donde mezclaban traiciones y asesinatos con un gigoló como protagonista, por cierto esta película ya la reseñamos en el canal y que te dejaré un enlace en la caja de comentarios por si te apetece ver la reseña, tras ella se adentró en el rodaje del remake el beso de la pantera donde narraba un film de corte fantástico de terror donde una mujer pantera interpretada por nasha kinski no conseguiá integrarse en una sociedad que no entendía, un film menor del director pero que es francamente interesante y no hay que olvidar que suyo era el guion de Taxi Driver donde las chicas de la calle tenían un peso crucial, siendo este tema un argumento casi obsesivo. Pero volviendo a la película que nos ocupa.

El film tiene una base confesada por el propio Schereader que es el mítico wenster Centauros del desierto donde John Waine tiene que ir en la búsqueda de su sobrina raptada por los comanches, algo similar a esta historia que se basa en un hecho veridico que ocurrió en su comunidad y que resultó ser un escandalo local y que Paul airea en esta película.

El trabajo de Scott es simplemente genial, su aspecto arisco y rudo encaja con el personaje del principio del film, pero después sabe mostrar a un hombre lleno de taras y debilidades en un trabajo actoral de primer orden, el caso es que Scott y Scheader no se tragaban, el rodaje estuvo lleno de discursiones entre ambos, un día se cuenta que el actor decidió encerrarse en su rulot y no salir hasta que le prometiera Paul Scherader que no volvería a dirigir, a lo que el bueno de Paul tuvo que hacer esa promesa para terminar la película que por supuesto no cumplió.

Y donde puedes ver esta película? Pues la tienes a tu disposición tanto para España como para Mexico en Filmin y filmin latino, pero si crees que puede ser de tu interés hay DVDs de segunda mano a buen precio y si eres un fan absoluto de este director, existen diferentes cofres donde disfrutar de varias películas en la que casi siempre esta éste maravilloso pero cruel film.

Una de las cosas que más me gustaron de la película es el final, desmitificando al heroe y dándonos una visión bastante egoista donde nunca nada cambia, la vida sigue igual y el mundo rodando y ya vamos a dejar esta reseña para que te animes a ver el film que si no la has visto creeme que te va cómo mínimo a sorprender y en un par de días podrás disfrutar de otro de nuestros consejos de cine pero hasta entonces sólo me queda por pedirte una cosa intenta ser muy feliz y sobretodo que vivas el cine

el coleccionista 1965

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hoy vuelvo con otra película de mi vida, un film de suspense psicológico que marcó mi forma de ver el género, por que hoy tengo el placer de reseñar El Coleccionista de William Wyler.

Me van a permitir antes de adentrarnos en la película hacer un breve retrato de su director y no sólo de su talento tras las cámaras si no de su amor por todos los géneros del cine, por que si en algo Wyler a pasado a la posteridad es por tocar todos los palos posibles con el mismo cariño y es que no en vano Wyler fue uno de los padres de este arte y uno de los más longevos directores ya que su filmografía abarca desde el mudo en los años veinte hasta los años 70 cinco décadas de cine donde realizó algunas de las obras más importantes de este arte, desde dramas maravillosos cómo, Jezabel, la loba o la carta, todas con una Bette Davis espectacular, Cumbres Borracosas o La heredera donde se adentraba en el melodrama, Calle sin salida o la estupenda Horas desesperadas realizando así dos obras cumbres del cine negro, pero también no le dolieron prendas para rodar comedias románticas cómo la estupenda Vaciones en Roma o cómo robar un millón y..., pero también realizó grandes epopeyas cómo el remake de Ben-Hur haciendo la mejor versión hecha hasta el momento y que mejoró un original que ya era una obra maestra arrasando con 11 Oscar de la academia o Wester poderosos cómo Horizontes de Grandeza y también se adentró en el músical cómo en Fanny Girl y por si le faltaba un género se adentró en el suspense con este thriller psicologico llamado el coleccionista que a llega por momentos a rayar el terror y que verlo es simplemente un placer que quiero compartir con vosotros.

El coleccionista que se basaba en la novela de John Fowles que había escrito sólo dos años antes en 1963 y que se encargó Stanley Mann y John Kohn  de trasladarla a un guión que dirigiría un ya maduro Wyler pero con una vitalidad que  recuerda a sus primeras obras, con producción británica y un reparto excepcional donde casi aparecen en exclusividad el grande entre los grandes Terence Stamp y la maravillosa Samantha Eggar, en un duelo no solo interpretativo por que si este film es de esos en los que no se necesita de un amplio reparto para ponernos los pelos de punta.

Veréis Terence Stamp encarna al ex bancario Freddie Clegg que tras ganar un boleto de lotería se dedica a vivir la vida a la Dolce far niente y ocupa su tiempo en capturar la belleza de las mariposas en un Hobbie aparentemente normal, pero la mente de Clegg no está del todo sana, él piensa en la belleza cómo en una posesión personal, sus capturas y sus encapsulados de dichos insectos pasan a un punto más álgido cuando decide hacer lo mismo con una estudiante de bellas artes de la que está enamorado, la joven y bella Miranda, tras decidirse a dar el paso, Freddie secuestra a la joven pero pronto se dará cuenta de que mantener a una persona secuestrada es mucho más difícil que encapsular sus mariposas y hasta aquí te voy a leer ya que el resto del film lo tienes que descubrir tu, ya sabes que en este canal no hacemos spoiler ni te contamos la película por lo que si crees que se adaptan a tus gustos la busques, la veas y la disfrutes que para eso es el cine y en el caso de esta películasi eres de España o Mexico la tienes tanto en filmin cómo en filmin latino, pero aunque no seas de esos países es un clásico que no te debe de costar mucho encontrar.

La película no es un thriller al uso, realmente es un hibrido entre una película romántica aunque perversa y una obra de terror psicológico donde el peso de la historia recae casi en exclusividad en los dos actores protagonistas, la cuestión es que el film arranca optimista y vivaz para ir poco a poco oscureciendose y curiosamente esta dureza de los acontecimientos es la que poco a poco va mejorando la obra que va siempre de menos a más, terminando con la maravillosa guinda del pastel cómo es este maravilloso final que ha sido mil veces copiado pero jamás igualado y que hacen de esta pequeña película todo un clásico del cine.

Por que sí, este film es uno de los clásicos indiscutibles no sólo del género que ha inspirado a infinidad de directores, un buen ejemplo es Atame! de Pedro Almodovar que supo imprimir la esencia de este film en una versión suya totalmente personal pero cargada de referencias a esta película y es que si hablamos de maestros del cine y nombramos a Wyler es por cosas cómo esta.

y cómo era de esperar, el día de su estreno fue un éxito absoluto que llegó a tener 3 nominaciones a los Oscar de ese año, a Mejor Guion Adaptado, mejor actriz y cómo no podía ser de otra forma a Mejor director ¿Y por que no ganó ninguna estatuilla? por que el año 65 son de esos años gloriosos donde se estrenaron varias obras cumbres del cine, Sonrisas y lágrimas, Dr Zivagho o La historia más grande jamás contada y por cierto también fue el año de estreno de Los paraguas de Cherburgo, un músical que tengo unas ganas tremendas de reseñarosla y en cuanto encuentre un hueco lo haré.

El caso es que aún sin ganar ninguna estatuílla este pequeño film está situado entre los más grandes del cine que si no lo has visto tienes que ponerle remedio, por que tanto la historia que te cuenta y cómo te lo cuentan es algo prodigioso.

¿Y que supuso para mi esta película? Realmente al film llegue ya bastante adulto y en pleno estudio de cine por lo que para mi no era del todo desconocida ya que había leído bastante sobre ella por lo que mis expectativas de sorpresa eran bastante bajas, tenía la cabeza cargada de clichés de las películas sesenteras, optimistas y hasta cierto punto tontorronas y en gran parte de la película es así, pero llegado a un momento en particular la obra coge otro punto uno al que no estaba preparado y me pilló de improviso teniendo una parte final de impacto que me dejó con la boca abierta casi la media hora de oscuridad profunda de la película y que me hizo entender que las películas son historias de principio a fin y que muchas cogen cuerpo de inmediato pero otras sin embargo necesitan su tiempo, su adaptación y entendí entonces lo que es ser paciente con la trama, paciencia que te recomiendo también a ti querido amigo si es que te atreves a ver este Coleccionista.

Y ya voy a dar por terminada la reseña y os adelanto que la próxima película es una de mis guionistas y directores favoritos, no muy reseñada y bastante olvidada en los rankings de cine pero que para mi marcaron un antes y un despues en lo que a la construcción de un personaje se refiere, pero si no te la quieres perder ya sabes suscribeté dale a la campanita y nos vemos en un par de días, pero hasta entonces ya sabes, un deseo que seas muy feliz y una petición, que vivas el cine

  

Gloria 1980 Cine negro según Cassavettes

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, hay veces que hacer una reseña de un film conlleva mucho más que narrar una película o hablar de un argumento, si no que en ella va aparejado eso que llamamos corazón y es que me van a permitir que las próximas cuatro reseñas sean película que sin ser perfectas tienen ese punto especial que una vez vistas te acompañan toda una vida, películas con alma con ese don mágico del que Gloria de 1980 es quizá un buen ejemplo, film dirigido por un cineasta que admiro profundamente que supo ponerse la industria por montera y dedicar las ganancias como actor para hacer un cine 100% independiente y autoproducido y es que no hablamos de otra persona que del gran john Cassavettes y que junto con una de las mayores damas de la interpretación Gena Rowlands que es capaz de despliegar con aparente sencillez eso que se llama poderío interpretativo, hacen de este film una simple maravilla, imperfecta, si, pero con tanto alma que simplemente es una obra genial.

 

La trama es en principio sencilla.

Gloria es una mujer que pasa de los cuarenta, que vive en un edificio de apartamentos de un suburbio neoyorkino donde pasa sus días con aparente tranquilidad acompañada de un gato y de viejos recuerdos, un día algo va a trastocar su mundo, unos ganster de la mafia buscan a un cofidente que resulta ser su vecino y tras un tiroteo donde matan a toda la familia el niño logra escapar y refugiarse en casa de su vecina Gloria, el problema es que lleva consigo una lista de teléfonos con todas las direcciones de los mafiosos con lo que ahora es el niño el objetivo y gloria la única que se interpone entre los pistoleros y la criatura descubriendo poco a poco que Gloria es más que una simple solterona de un pobre barrio de nueva york y creeme que el resto lo tienes que descubrir tú y que es una verdadera delicia acompañar a la gran Gena Rowland en esta fantástica aventura

Cassavettes es uno de esos directores que saben sacar el jugo a las historias ocultas no solo de los personajes si no que tambien del entorno y aquí Nueva York se dibuja como una ciudad alejada del glamour y los destellos a los que nos tienen acostumbrados y nos narra el otro lado de la ciudad el urbanita el de una gran ciudad dormitorio donde las vidas de los personajes se mezclan con el ambiente denso de las alcantarillas y los apartamentos de segunda, tambien ayuda la maravillosa partitura de Bill Conti autor eclipsado por la partitura de Rocky pero que en este film no se queda a la zaga sabiendo dar las dosis justas de sentimentalismo cuando es necesario cómo si de perfume maravilloso se tratara

y para terminar la terna de aciertos, está su mujer la maravillosa y bellisíma Gina Rowland, actriz que tiene una legión de seguidores por su forma de interpretar, por su forma de hacer de este arte algo aparentemente fácil y que quizá su vida torturada por el alcoholismo le dió ese poso de verdad cuando interpretaba a mujeres que ya habían vivido demasiado, papeles cómo el de Una mujer bajo la influencia o este mismo Gloria que le dieron ese aura de estrella de este arte, pero estrella de segunda donde Hollywood no supo ver la verdad de esta actriz y la privó varias veces de una estatuílla que se merecía más que nadie. Aquí nos muestra una mujer que esconde una vida anterior, una superviviente la vieja novia del ganster que hace tiempo fue remplazada por otra más joven e inocente y que ahora marchada la juventud y la inocencia sus ojos ocultan la vida de una superviviente por necesidad que sabe sacar lo mejor de la vida cada vez que se le presenta la ocasión pero que inexplicablemente sin saber por que en esta ocasión decide coger el camino difícil y menos provechoso, quizá por ese sentido biológico que llamamos instinto maternal que poco a poco se apodera de ella por culpa de un niño hispano desamparado al que la mafia le quiere matar en toda la película pero al que un servidor lo mataría durante media, por que sí, el niño es infernal, sus actuaciones fingidas te sacan de la película aunque menos mal que ahí está Rowland para salvar constantemente el plano, la cosa es que al espectador le pido paciencia, la misma que me aconsejaron a mi antes de ver este film, aún recuerdo las palabras de un compañero cuando me pasó un DVD casero en forma de regalo, por favor aguanta al niño los primeros 40 minutos de película y no lo entendí hasta verlo y aguantarlos que ahora este consejo te lo doy a ti.

Siempre me pregunté por que el niño está tan mal la primera parte del film y pasable no os voy a engañar en la parte final y esto es debido a la forma de rodar de Cassavettes donde siempre lo hacía siguiendo la línea temporal de los acontecimientos por lo que pasada buena parte de la cinta el niño empieza a acostumbrarse a eso de interpretar y ya no lo hace ni tan forzado ni tan fingido, pero aún así el acierto de anclar la cámara a Rowland a no parar ni un instante de verla en pantalla hacen de esta cinta una experiencia de cine sublime no apto para todos los paladares y que por cierto puedes ver tanto en España como en Mexico en Filmin y Filmin Latino pero seguro que cómo yo un DVD aunque sea viejo o casero te abrirán las puertas de este maravilloso director que por cierto ya reseñamos en el canal otra maravillosa obra de arte la incomparable El asesinato de un corredor de apuestas chino que créeme que no puedes dejar escapar y que te dejaré en la caja de comentarios un enlace para que veas si se ajusta a tus gustos o no.

El film tiene un remake por parte de otro de los grandes directores del cine, el portentoso Sidney Lumet que  en 1999 rueda una versión esta película llamada igual y que la acogida de esta nueva obra fue demoledora recibió criticas negativas por todos lados que lastraron esta nueva versión, pero seamos sinceros, el remake no es malo, ni mucho menos, el caso es que cuando Lumet toma el relevo de Cassavettes esté ya era una leyenda del cine, es una ironía de la vida que cuando el director estaba vivo, la crítica no le hiciera tanto caso que cuando falleció. El caso es que la Versión de Lumet mejora la interpretación del niño bastante y es normal por que peor que el original es imposible, pero claro, el cambiar a Sharon Stone por Gena Rowland no es lo mismo, cuidado no quiero decir que Stone sea una mala actriz pero es que Rowland es un autentico monstruo de este arte, sólo verla en Otra mujer de Woody Allen o Faces por poner un ejemplo marcan el poderío interpretativo de la maravillosa Rowland.

¿Y que supuso para mi esta película? realmente fue la entrada a conocer aquellos que se llamó nuevo cine americano, por aquel entonces mucho más joven y menos acostumbrado al cine independiente resultó ser como una bocanada de aire fresco que trastocó mi idea de cine comercial y que supuso la apertura a otro cine y la búsqueda de otras obras similares, lo que me ayudó a amar aún más este arte

y con este consejo de cine que espero que sepas aguantar los 40 minutos de niño para que disfrutes de una segunda parte maravillosa con un final de esos que no olvidarás nunca me despido ya que en unos  días tendrás una nueva reseña de otra película de esas que marcaron mi vida y que espero que tambien consigan marcar la tuya. pero hasta que llegue la nueva reseña ya sabes un deseo, que seas muy feliz y una petición que vivas el cine

Cowboy de medianoche : el lado oscuro del sueño americano

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy traemos al canal una de las películas más controvertidas de la historia del cine, una obra maestra  que se atrevió a ir contracorriente, a destruir el cine americano desde dentro para hacerlo más grande, hoy tenemos el lujo de reseñar Cowboy de medianoche, película que hizo de los premios de la academia de cine verdaderamente algo necesario ya que en parte esta obra sobrevive grácias a la valentía de los premios de aquél año, pero antes de entrar a desentrañar esta fabulosa película dejénme que les comente la trama, tras ello hablaré desde el corazón de un film que es mucho más que una película sobre sueños rotos.

 

Joe Buck es un joven vaquero que se ha creído el cuento del sueño americano y decide dejar su vida y su trabajo en el pueblo e ir a Nueva York en busca de fortuna, cuando llega se da de bruces con una ciudad hostil que no le presta atención y que poco a poco le va ganando la jugada, hasta que Rico un delincuente callejero se cruza en su vida y entre estafas y maldadas Joe se da cuenta de que lo que le vedían no era cierto y hasta aquí os voy a contar, ya sábeis que no hacemos ningún tipo de spoiler en el canal y descubrir esta obra de perdedores es una delicia, pero que este film llegara a ser lo que fue se debió a un cambio generacional por que todo lo tenía en contra, la película estaba abocada al fracaso como la historia de los personajes que nos cuenta.

Nos situamos en 1969 cuando se estreno esta película, el pueblo Estadounidense se estaba dando de bruces con la realidad de un mundo que les estaba tomando la medida, 14 años de guerra de vietnam eran demasiados para una generación que había roto con la America de sus padres y es que sólo en este marco podemos entender cómo esta película pudo conseguir la repercusión necesaria en un film rodado por el brítanico John Schlesinger para la United Artist y quiero dejar claro que este film pudo darse gracias al apoyo de aquella major ya desaparecida por que ninguna de las grandes se habrían atrevido a narrar una película sobre la novela de Leo Herlihy.

La historia nos habla de los Midnight Cowboy, chicos de compañía que malvivían vendiendo su cuerpo a otros hombres en la calle 44 que por aquel entonces era un lugar sórdido de encuentros esporádicos, un lugar no apto para un chico de pueblo que busca sobrevivir en un mar de tiburones, hoy en día el título ha perdido su sentido pero en aquella época todos sabían a lo que se refería, tanto fue así que el film primeramente fue catalogado cómo X por lo que la película estaba abocada al ostracismo.

El gion de la película se puso en manos del maravilloso Waldo Salt, guionista defenestrado por el Macartismo, que se negó a testificar ante el comité de actividades antiamericanas y fue de los nombres apuntados en aquella infame lista negra de cineastas y que para poder trabajar tuvo que exiliarse en Reino Unido y que volvía a escribir otra vez para un film Norteamericano en el que volcó todo su talento pero que su participación en la obra era otro acicate más para ocultar este film por parte de los más reacionarios.

La obra contaba con el papel de Jon Voight haciendo de chico de pueblo que la ciudad le gana la partida, un papel que le llevaría al estrellato pero que por aquel entonces era un completo desconocido y el de Dustin Hoffman que ya era una promesa tras su papel en el graduado, la obra era tan comprometida que su representante le pidió que no realizara la película ya que podría dañar su proyección de futuro, pero Hoffman no se lo pensó, creía en el arte interpretativo y con la temeridad que da la juventud encarno a Rico de una manera magistral y tengo que confesar que no puedo dejar de pensar en esta película cuando apoyo mi cabeza en el cristal cuando viajo en autobus de larga distancia y es que la obra cómo el frio cala hasta los huesos.

El film tiene un aire pesimista, cruel y dramático pero al igual que su música que alterna la harmonica de John Barry con el Everybody's Talkin' interpretado por Harry Nilsson, tiene la gloria de la amistad, de la piedad y la ayuda de dos hombres que se aman como hermanos por que son lo único que tienen en aquella cruel y despiadada ciudad, un Nueva york cruel nocturno y sucio en el que sus habitantes sueñan con escapar a florida de la misma forma que Joe pensaba en aquella ciudad cómo su salvación y que quizá les espera la misma hostilidad ya que simplemente la sociedad no quiere a perdedores estén en la ciudad que estén.

Y curiosamente el film no es desolador, la obra es vitalista y redentora, en la que a pesar de romper los sueños de los inocentes el día sigue a la noche y tenemos la sensación de que quizá ahora las cosas les salgan bien.

La película que con la calificación X, los ciudadanos de Nueva York enfadados por enseñar el otro lado de la ciudad, un reverso que era mejor ocultar con películas que sólo enseñaban una parte de la cara de la ciudad que curiosamente era la más brillante y con una parte de la sociedad deseando el fracaso del film, pero que se alzó contra todo pronostico en la 42 edición de los premios Oscar, donde consiguió la estatuilla cómo mejor película, mejor director y mejor guion adaptado donde por fin Wado Salt pudo reconciliarse  en su país y en la industria de la que jamás tendría que haber sido expulsado.

Este éxito de la película hizo que se reconsiderase su calificación y pasara de X a R donde cualquier persona mayor de edad podría verla y sobretodo podía exhibirse en cines comunes, aunque este dato no lo tengo asegurado y es sólo una corazonada no creo en la bondad de los censores norteamericanos de aquellos años y que la reconsideración fuera por la película si no más bien por que no querían que una película X fuera ganadora de un Oscar a mejor film y de ahí que bajaran la calificación, pero fuera como fuese aquel premio dio alas al film que con la repercusión merecidisima que consiguió los expectadores del momento acudieron en masa a ver el film que terminó con una recaudación en taquilla de más de 44 millones de dólares de la época .

Y donde la puedes ver, en que plataforma está, pues en España la tienes en Filmin y Movistar plus y para México en Filmin Latino, aunque es un clásico del cine y que encabeza el catálogo de la MGM y que seguro habrá mil plataformas en la que verla.

Y ya voy a dar por terminada la reseña que se ha demorado en el tiempo y que le prometí a mi amigo Edgar que la reseñaría, así que compañero ya he cumplido mi palabra. Y que película nos espera en un par de días, pues ni más ni menos que Gloria de Cassavettes, en donde la maravillosa Gina Rowland nos vuelve a enseñar lo que es el arte interpretativo, una de las películas de mi vida, dirigida por uno de los directores que más admiro y por una de las actrices que siempre me muerden el corazón cada vez que sale en pantalla, así que amigos y amigas del canal muchas gracias por seguir a Cinefilia, por haberos suscrito y a todos vosotros que me hayáis dado un Like gracias por ayudarme a seguir recomendando cine que hoy y con los tiempos que corren es aún más que necesario de ver, así que os deseo que seais muy felices y que viváis el cine

El resplandor: La obra mas terrorífica de Kubrick

 Bienvenidos, bienvenidas, queridos amigos y amigas de cinefilia, hoy venimos con una obra que es un referente del terror en el cine, un clasico bastante controvertido que llegó a polarizar las críticas en su momento pero que hoy en día es aclamado de manera unanime, ya que estamos ante un film icónico no sólo del terror si no del cine en general, por que hoy nos adentraremos en la producción del resplandor.

 

Por cierto al final del vídeo os daremos una pauta para todos aquellos que quieran verla doblada en Español de España, pero cómo hoy nos espera una reseña larguita, sientate en tu mejor sofá, relajate por que empezamos.

Jack Torrance un escritor de novelas, se traslada con su mujer y su hijo de siete años al impresionante hotel Overlook, en Colorado, para encargarse del mantenimiento de las instalaciones durante la temporada invernal, época en la que permanece cerrado y aislado por la nieve. Su objetivo es encontrar paz y sosiego para escribir un libro a la vez de ganar un poco de dinero. Sin embargo, poco después de su llegada al hotel, al mismo tiempo que Jack empieza a padecer inquietantes trastornos de personalidad, se suceden extraños y espeluznantes fenómenos paranormales, en donde su hijo pequeño parece que contacta con algo más que con su amigo invisible.

La película basada en una novela de Stephen King que ya por aquel entonces era todo un superventas, fue seducido por la warner para que le cediera los derechos de su próximo relato, esta premura en conseguir los derechos cinematográficos era debido al éxito de la película Carrie y al nombre que estaba cogiendo el escritor, la novela en cuestión era El resplandor y comenzó la producción de la película meses antes de ser publicada la novela, en el contrato constaba la creación de un guion por parte de King.

Mientras tanto la Warner sabía que Kubrick estaba interesado en rodar un film de terror. Esto era debido a la mediocre acogida que tuvo Barry Lindon, que fue rebasada aquel año por El exorcista, película que el se negó a dirigir ya que era la primera opción de la productora, así que le presentaron el guión de King y Kubrick acepto crear la adaptación al cine de el Resplandor, pero con varias premisas, una de ellas era que él decidiría el reparto y no habría negociaciones y por otro lado que el mismo iba a reescribir el guion ya que quería cambiar algunos enfoques de la novela original a lo que la Warner admitió dichas exigencias y empezó la reescritura de la obra.

Kubrick nacesitaba la ayuda de algún escritor experto en  la materia, por lo que pensaron en la escritora Diane Johnson que estaba haciendo por aquel entonces unas charlas universitarias sobre el terror gótico, así que Kubrick y Diane se adentraron en la escritura de la trama, lo curioso era que los enfoques de los dos autores chocaban, Kubrick no querìa un terror sobrenatural, el buscaba explcaciones racionales a los sucesos, mientras Diane narraba una historia de fantasmas.

Y curiosamente la base de la novela de King tambien era una nota discordantes entre los autores ya que Diane pensaba que era un mal libro y Kubrick decía que era la primera obra que se había leído de principio a fin con gusto de todas las novelas que le enviaban para adaptarlas.

Esta dualiadad en la narrativa, lejos de dinamitar la trama la enriquece, el espectador durante gran tiempo de la obra duda de los sucesos, estos fluctuan entre el terror fantasmal y la psicosis encontrandose perdido ante lo que está viendo.

el ritmo es magistral, y los grandes salones vacíos permiten a Kubrick jugar con la puesta en escena, creando una continuidad creativa con su anterior film Barry Lyndon, si en aquel momento se centraba en la pintura, en este film se centra en la fotografía donde él era un maestro, el momento de las gemelas o la simetría del pasillo se han convertido en imágenes icónicas del cine, así como el ascensor sangriento es un referente del cine de terror.

El reparto fue otro momento de discrepancias de Kubrick con King, al que no le gustaba cómo estaban adaptando su novela, el sentía que se había perdido el enfoque del mal del hotel, donde radica toda la oscuridad y que Kubrick estaba creando un film de suspense pero no de terror y ese malestar llegó cuando Kubrick le dijo que el actor elegido iba a ser Jack Nicholson, King entonces le recordó que las personas ya iban a verle mentalmente inestable ya que su anterior éxito había sido Alguien voló sobre el nido del cuco, pero Kubrick vió un refuerzo a su idea esa relación, recordar que el buscaba acontecimientos reales y no sobrenaturales, por lo que haciendo valer su clausula de no intromisión del reparto Nicholson encarnó al escritor con bloqueo artistíco encerrado con su familia.

El film es perturbardor, los acontecimientos que nos narra la película nos tiene en tensión constante, a veces perdidos pero siempre aterrorizados, la película aunque alejada de la novela le otorga una nueva dimensión a la historia y aunque Stephen King renegara de la película, esta enriquece al libro y viceversa, siendo ambas un motivo para ver o leer la otra obra. En mi caso esta especie de pseudo-adaptación me llevó a leer la novela y disfruté descubriendo una historia paralela y no una recreación literal.

¿Y dónde la puedes ver por el momento? pues la tienes en HBO presta para ser proyectada para pasar una noche de terror en casa, pero si te haces con la edición en DVD además de la película disfrutarás de un documental de cómo se hizo la película y todos los secretos de la producción que recomiendo fervientemente. Así que si eres de los mios enriquece tu cineteca con una buena edición de este film, ya que enriquezará tu apartado de terror.

Y ahora lo prometido al principio. Puede ser que seas de España y la quieras ver doblada al Español continental, pues no lo hagas o te la buscas en Español neutro o lo mejor mirala en versión original, el caso es que el doblaje del resplandor es una chapuza, considerado el peor doblaje al español de la historia, Kubrick en su afan de controlar todo le dió la dirección del doblaje en Carlos Saura, un buen director pero no especialista en la materia y escogió como voces a Joaquín Hinojosa y a Veronica Forqué, ambos actores no destacan ni por su calidad de doblaje ni por su voz, siendo uno de los motivos por lo que la obra durante mucho tiempo fue tachada de descacharrante delirio y si crees que exagero ponte la película en Español de España y mira con estupor lo que hicieron con el doblaje.

Y que tal la recepción, pues no fue mala, tampoco buena, en su momento pasó como una obra de terror más, aunque alcanzando los 45 millones de dólares en territorio estadounidense en parte ese no exito es el responsable de los casi 5 cortes que tiene este film en donde se cambia el enfoque varias veces del final, pero que para mi gusto la edición internacional con el final típico del laberinto de arizonicas es mi favorito el más redondo, pero tranquilo, veas la edición que veas es una gran película.

Y ya voy a terminar la reseña y si te a gustado, regalame un like y si no te quieres perder la reseña de la próxima semana suscribete y dale a la campanita, así no te perderás ninguno de nuestros consejos. y ya sólo me queda decirte dos cosas, un deseo, que seas muy feliz y una petición, que vivas el cine

Suspiria : Darío Argento en estado puro

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia hoy tenemos el lujo de adentrarnos en lo mejor cine Giallo, y de la mano de uno de sus mayores referentes Darío Argento, ya que en 1977 rodó esta maravillosa película titulada Suspiria.

 

El film es una de las obras cumbres del director Romano, que llegó a tocar la genialidad con varias obras filmicas, siempre bajo el esquema del género Giallo del que se considera uno de los mayores exponentes y que posteriormente sucumbiría con obras menores e irregulares, pero que podemos decir que sus primeras obras son tan grandiosas que le hacen estar en el olimpo de los directores y Suspiria forma parte destacada dentro de esas obras sobervias que nos ha regalado el maestro Argento.

La trama nos cuenta, la llegada de Una joven bailarina que ingresa en una exclusiva academia de baile la misma noche en que asesinan a una de las alumnas. La subdirectora del centro es la amable Madame Blank, que brinda a la nueva alumna todas las comodidades y facilidades necesarias para su aprendizaje. Pero, poco a poco, una atmósfera malsana se va apoderando del lugar, algo extraño y  tenebroso hacen de la estancia de la joven una verdadera pesadilla, de la que tendrá que escapar

El film nos narra un maravilloso cuento de pesadilla en el que nos encontramos connotaciones a los clásicos cómo Alicia en el país de las maravillas, el mago de Oz o Blancanieves, pero también en obras más oscuras cómo Drácula.

Y es que no es una historia realista, no estamos hablando de un film que nos narre unos acontecimientos verídicos, si no que sigue el esquema de una pesadilla, una historia onírica en donde todo vale de la que la protagonista quiere despertar pero que nosotros cómo espectadores difrutamos de cada minuto de esta tenebrosa y crómatica historia. 

Y es que Argento vuelca algo más que el talento en este film, resulta que coescribe el guion junto con Daría Nicolodi tomando cómo base la obra de Thomas de Quincey  que escribió a finales del XIX y que narra la existencias de entidades y grupos ocultistas de los que tanto Argento cómo Nicolodi eran conocedores, no en vano la historia surge tras el viaje al triangulo mágico que lo forman las ciudades Lyion, Turin y Praga, muy enlazadas con las artes oscuras y del conocimiento de dichas sociedades.

Argento no sólo nos narra la historia con dialogos, si no que todas las imágenes son evocadoras, desde la puesta en escena, la composición del cuadro y el color, esta última parte es quizá la que más quebraderos de cabeza dio a la producción ya que Argento quería representar el cromatismo vísual de la película Blancanieves del 37 y que sólo se podía conseguir con el sistema de revelado por Tecnicolor, uno de los problemas era que el 77 el tecnicolor estaba totalmente en desuso y la necesidad de usar cámaras especiales para el revelado por prismas de tres colores le llevó a utilizar una de las 3 cámaras existentes en europa, así que como el revelado de los negativos que tenían que ser llevados a California y traidos para su montaje, esa necesidad estilistica se convirtió en todo un hándicap, pero que a la postre sirvió para hacer una de las películas más bellas en lo estético, del que Argento es todo un maestro.

Aunque pueda parecer anecdotico, Argento tenía más nombre entre el sector del cine que entre el gran público y es que sus obras eran carne de cineclubs de de pequeños cinestudios, obras que no eran para todo el mundo, pero esa especie de delicatesen para paladares adentrados lo cambió al poco tiempo el cine dómestico, lo que ayudó a sus películas a que arrasaran entre los más jovenes creandose una legión de fans donde este film era una de las más alabadas.

Argento tenía tanta fuerza dentro del sector, había hecho obras tan memorables que la actriz protagonista Jessica Harper renunció a su papel en la obra de Woody Allen Annie Hall para poder encarnar a la bella e inocente bailarina Suzy Banion.

El film hoy en día es considerado una obra maestra, aunque quizá es una obra para espectadores apasionados por el género pero que si entras dentro de este film, la vas a amar de por vida, si tienes suscripción en Amazon Prime o si eres de España o Mexico en Filmin y filmin latino tienes la suerte de que está en su catálogo, la obra tiene muy buenas ediciones en DVD pero te recomiendo su compra si eres fan absoluto del terror o si te gusta el Giallo, en ambos casos, ve directamente a una buena edición en formato físico por que vas a disfrutarla muchísimo y se convertirá en una de tus películas recurrentes a la hora de dar algo de sangre a tus tardes de cine.

Si nunca has visto Giallo o el terror no es un género que precisamente te encante, te recomiendo el alquiler o la busqueda del film y ver si perteneces a este grupo de amantes del cine de Argento.

Suspiria es mágica con un reparto espectacular donde podrás ver rostros tan particulares del cine cómo Udo Kier o Miguel Bosé, cada plano es un alarde de estilo y el ritmo simplemente maravilloso, así que tras este consejo de cine, con una de las obras que personalmente más amo de Dario Argento os dejo hasta dentro de unos días con otro consejo de cine, pero hasta entonces, sólo dos deseos, uno que seas muy felíz y por supuesto que vivas el cine

Bienvenido Mr. Chance

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia hoy tengo el placer de recomendaros una de las películas de mi vida, un film sobre política en forma de comedia, una obra singular que si no la conoces te va a volver el mundo del revés, película no muy conocida pero creeme que inolvidable, por que hoy reseñaremos la maravillosa, delicada y arrebatadora Bienvenido Mr. Chance.

 

El film rodado por Hal Ashby en 1979 es una joya del cine, en una fecha prodigiosa del séptimo arte ya que ese año se rodaron obras cumbres cómo Apocalypse Now, All That Jazz, Kramer contra kramer, El tambor de hojalata o Alien el octavo pasajero y todas son películas maravillosas que han dejado huella en la historia, pero que curiosamente este Bienvenido Mr. Chance me llegó dentro del alma, por que sinceramente esta obra es mucho más que una película es un alegato vital en todos los aspectos.

El film que nos narra la vida de Chance Gardyner un hombre que ronda la cincuentena con algún tipo de traba mental al que le cuesta expresar sus sentimientos y al que un millonario a tenido enclaustrado en su mansión de Washintong, sin ningún documento de identidad ni ningún tipo de educación su sociabilidad se ha desarrollado viendo la televisión y con el poco contacto que ha tenido con unos cuantos sirvientes, el día del fallecimiento del millonario, los abogados le instan a dejar la casa, ya que él no consta en ningún sitio, con lo que vestido con el traje del millonario, sale al mundo exterior cómo si de un astronauta explorador se adentrara en un planeta desconocido, carece de maldad y de picardía y sólo los buenos modales y su apariencia física le hacen mantenerse a flote, cuando por azares del destino es atropellado por Eve la esposa de un adinerado e influyente empresario que vive sus últimos días en su mansión.

El caso es que la llegada de Chance hace que el millonario coja un nuevo impulso vital y su fiel doctor viendo el bien que le hace este nuevo inquilino decide dejarle en la casa el mayor tiempo posible.

El caso es que Gardiner sólo entiende de plantas, no tiene cultura ni educación pero el aire misterioso y su visión sobre la jardinería hacen creer a todo el mundo que está delante de un genio, hasta la élite política se rinde a sus pies y sólo el médico de la familia el DR. Allenby sospecha del nuevo invitado. Y hasta aquí te voy a contar, el resto de la trama tienes que descubrirla tú y creeme que es un regalo hecho película, un film de esos inolvidables con un final portentoso que te dejará tan sorprendidos cómo el resto del mundo ante Mr. Chance.

La obra no puede ser entendida sin la actuación portentosa de Peter Sellers, veréis, tiene que expresar sin expresar, hablar sin hablar y eso sólo lo puede hacer este actor británico, sus momentos más cómicos son los que no hace absolutamente nada y pero tras sus ojos encuentras un mundo de sentimientos y es que la mirada de Peter Sellers lo es todo en este film, por otro lado el personaje de Multimillonario que la vida le ha dado un tiempo de descuento el Sr. Benjamin Rand interpretado por el fabuloso Melvyn Douglas que consiguió por este papel el oscar a mejor actor de reparto y cómo tercera en discordia la Dulce Eve una mujer común y corriente con un marido que ama pero que la irremediablemente la va a dejar y que está en horas bajas, en donde las personas sómos más sensibles y que la interpreta como nadie una de las mejores actrices de todos los tiempos, la maravillosa y bellisíma Shirley Mclane y por último el Doctor, el único analítico que no se auto engaña y que ve en Chance al hombre que es y que lo interpreta fabulosamente el protentoso actor Richard Dysard.

Y es que esta película no podría haberse hecho con otros actores, es más este film no puede terner remakes por que sería imposible recrear los acontecimientos que ocurren sin caer en la pantomima o la cursilería, por que sinceramente la historia que escribió Jerzy Kosinski en 1971 y que reescribe el guión para esta versión es vitalista a más no poder aunque estemos todo el rato cerca de la muerte, cómo una especie de paz y sosiego ante el último viaje y no es de extrañar que Kosinsky se suicidara dejando una de las notas más tranquilizadoras para sus allegados en 1991 dónde decía, Hoy voy a domir un rato más largo de lo habítual, a ese rato llamarlo eternidad, el caso es que le habían detectado una enfermedad incurable y decidió dejarnos, una pena por que ha sido uno de los autores más peculiares de la literatura norteamericana, por cierto si te animas tras ver la película a leer uno de sus libros os aconsejo Pasos y la novela en que se basa esta película Desde el Jardín.

Y para terminar voy con la parte más importante, el director Hal Ashby, veréis su corta filmografía y lo peculiar de esta le hacen no figurar en la lista de los directores más aclamados, pero te tengo que decir que no tiene ni un sólo film malo y que no sólo se dedicó al largometraje de ficción, si no que se adentró en el documental músical, siguiendo la gira de los Rolling Stone por EE.UU. en 1981, documental que si te gustan sus satánicas majestades no te puedes perder, pero si había un género en el que destacaba era la comedia, El último deber, Champú o este Bienvenido Mr. Chance es un buen ejemplo de ello.

¿Y dónde puedes disfrutar de este film? Pues si eres de España o Mexico lo puedes ver tanto en Filmin o filmin latino, pero tambien puedes alquilarla en Amazon e incluso en Youtube, pero creeme que en este caso la compra en DVD es casi necesaria, por que es un film que no te vas a cansar de ver y en esos momentos de bajón en el que necesitas un chute de vitalidad, esta película es fabulosa.

Por cierto la obra tiene una de las enseñanzas más importantes que puedes recibir cuando vayas a emprender cualquier proyecto y que parto a narraros.

Chance dice que todo en la vida tiene cuatro estaciones El otoño y el invierno y la primavera y el verano y que si trabajas en la época invernal sabiendo que no vas a recoger frutos, la primavera y el verano llegarán abundantes, sin olvidar que pasado el ciclo, volverá el invierno y no podrás rendirte como buen jardinero has de cuidar de tus plantas y pronto llegará la primavera.

No me digáis que esta parte es mejor que cualquier libro de auto ayuda, pues nada más, tras este comentario del film te dejo pero con tres deseos, el primero es que si no conoces la película, la busques de inmediato y solventes ese problema, el segundo es que seas muy felíz y el tercer cómo no, que vivas el cine

Entrevista con el vampiro

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hoy tenemos un lujo de película que llenó las salas de cine para ver una película de vampiros, convirtiéndose en la sensación del momento, ese rotundo éxito hizo que los puristas la rechazaran ya que llevó a miles de personas al cine que jamás habían prestado atención al género, pero que el tiempo ha sabido reconciliar y es que estamos hablando de la maravillosa Entrevista con el vampiro de Neil Jordan.

 

Antes de empezar con la reseña quiero adelantaros que si la película es entretenida como pocas, la historia de su producción es igual o más interesante que el propio film, sólo un adelanto, ¿Sabías que el guion terminado estuvo encerrado en un cajón más que una década del que casi no sale si no llega a ser por el éxito de otro film de vampiros? pues sí y todas esas anécdotas y muchísimas más os las narraremos después de contaros de que va el film.

La película nos sitúa en la ciudad de Sanfrancisco en la actualidad, donde el periodista Malloy se ha citado con Luis un extraño personaje que dice ser un vampiro, pronto Malloy descubre que efectivamente la descabellada historia que le está contando el extraño personaje es cierta y parte a escuchar su historia que le lleva a revivir la vida del personaje desde la época colonial de Luisiana hasta vivir la revolución industrial en París, en compañía del vampiro que le convirtió el taimado Lestat y de la niña vampiro Claudia, en una trama llena de asesinatos, intrigas y traiciones que te van a tener las dos horas que dura el film anclado a la silla. Y créeme que si no la has visto dejemos aquí la sinopsis por que el descubrir la trama a ritmo de mordiscos y sangre es una delicia de la que no te quiero privar.

Una de los motivos por lo que la película fue un éxito era la de poner el foco en el depredador, en el asesino y no tanto en la víctima o su cazador, pero esto no funcionaría si no fuera por que no nos pinta a un chupasangres uniforme, si no que le llena de moralidad e incluso bondad en cierta forma y que contrasta con otros de su especie más tiranos, caprichosos y malvados, contándonos un film de buenos y malos pero sin salirnos de las criaturas de la noche, con un oyente humano que representa a un simple notario de la historia, este nuevo enfoque resultó ser toda una revolución dentro del género en el cine, aunque no de la literatura ya que Anne Rice escribió la novela en 1973.

Rice tras ver la hija de drácula de 1936 obra destacada de Lambert Hillyer, la inspira para escribir la Novela entrevista con el vampiro, una historia de más de 400 páginas que no encuentra comprador, la historia está dando tumbos desde 1973 hasta 1974 cuando logró venderla a la editorial Alfred Abraham Knoff que incluía una adaptación de la novela para una futura película de la Paramount adquiriendo los derechos antes de la publicación de la novela en 1976, pero la productora no encontraba ningún aliciente para rodarla, hay que recordar que en los 70 el cine de Vampiros era un género de serie B donde las producciones pequeñas copaban el género alternando el terror con el erotismo y sólo la Universal se atrevía a reverdecer laureles con su Drácula de Badam en el 79, pero el producto no era para la Paramount, así que pronto se deshizo de los derechos y llegando a principios de los 90 en manos de la Warner, productora más adecuada para ese tipo de género y más desde que sonaba que Coppola iba a realizar su versión de Drácula con lo que adquirieron los derechos a la espera del funcionamiento del film que versionaba lo más fiel que podía la novela de Brahm Stocker y no hace falta decir que fue todo un éxito.

Hay que decir que durante el camino, el guión había sido dulcificado y autocensurado, no había rastro de la relación homosexual de los personajes que se intuye en toda la novela y que prefirieron cambiar el papel de vampiro mentor por el de una vampiresa entre otros cambios, el caso es que Novela y guion se habían separado muchísimo y os cuento esto por que la Warner quería a Jordan cómo director para la película, pero éste al leer el guion no le gustó en absoluto y decidió no rodar el film, el caso es que llegó a sus oídos que la novela era diferente y tras leerla lo tenía claro, había que volver al original de Raice, dejar todas las relaciones como en la novela, hay que recordar que su anterior film Juego de lágrimas trataba sin ambages la relación con una mujer trans y sentía que las relaciones entre los vampiros no tenían que ser ocultadas ya que enriquecían la trama con segundas lecturas, así que reescribió Rice el libreto bajo las directrices de Jordan hasta dejar la historia cómo la conocemos hoy en día.

Tras la reescritura empezó el momento de elegir a los actores del reparto y todos encajaban como anillo al dedo pero hubo un actor que fue motivo de disputa entre Jordan y Rice y ese fue Tom Cruise, Jordan si algo tiene es que es un gran director de actores y sabía que Cruise era un actor disciplinado capaz de mutar y encima llevar a la sala a millones de personas, pero Rice se quedaba en los papeles que había protagonizado, el ultimo la Tapadera, pero anteriormente todos los papeles eran positivos con lo que Rice no entendía que un actor puede mutar de piel a su antojo y Cruise era uno de los mejores actores jóvenes del momento, tanto llegó la discrepancia que intentó sacarle del reparto hablando directamente con la productora, pero la Warner apostaba por el criterio del director y dejaron a Cruise en el reparto, tras ese fichaje el elenco de Vampiros había quedado de lo más comercial, Cruise la estrella del reparto, guapo oficial, Brad Pit que era el actor más deseado del momento y Antonio Banderas que le daba un toque exótico y le hacía un producto francamente atractivo para arrastrar a público a las salas más allá del género y esto hizo que entrara el productor discográfico David Geffen que ya había hecho sus pinitos cómo productor cinematográfico y con bastante éxito, hay que recordar que también produjo Bitelchus y con su entrada disparó la producción hasta los 50 millones de dólares.

Jordan jamás había tenido un presupuesto similar para una película, pero lejos de amilanarse se lanzó a realizar una de las mayores producciones de los 90 y a fé que lo consiguió, planos secuencia urbanos usando planos aereos, recreaciones del Luisiana del XVIII, grandes mansiones, barcos, planos en París y unos efectos especiales realizados por la todopoderosa empresa de Stan Willson  que se encargaba de todos los efectos analógicos y a Digital Domain para los efectos digitales que sirvió para elevar el film a cotas tan altas cómo el Drácula de Coppola.

La recepción del film fue arrasador, consiguió quintuplicar  la inversión solamente con la taquilla, con lo que habría que sumarle las ventas a televisiones y a vídeo doméstico con lo que resultó ser un éxito absoluto que hoy puedes ver en HBO max.

El caso es que en su momento los fans del género nos sentimos un poco fuera de lugar, años y años yendo a ver cine de vampiros en salas casi desiertas para que ahora todo el mundo se apuntara al carro, muchos de ellos arrastrados por los rostros de los actores y no por amor al género, nos hacía que la amaramos y la repudiaramos al mismo tiempo, todos protestábamos de lo comercial de la cinta pero nos rendíamos ante la verdad de su director, la película era dura, cruel y sanguinaria cómo las películas a las que estábamos acostumbrados a ver y que en estados unidos le pusieron una clasificación R, alejandosé así del Main Stream, pero por mucho que protestaramos el aire comercial todos salíamos encantados de la película.

La obra está perfectamente hilada, nos daba una versión diferente a las obras vampiricas que nos narraba desde el punto de vista del depredador y esa vuelta de tuerca que podría haber salido mal o ñoño cómo paso años despues con crepúsculo aquí no lo era, es un film que va del drama romántico al terror suave con unas altas dosis de inquietud al meter a una niña en la trama cómo era el papel de Kristen Dunst y es que no hay nada más inquietante en el cine de terror que los niños y en este film no podía ser menos.

Y ya vamos a ir terminando la reseña, para ir preparando la siguiente que será una obra no muy conocida pero maravillosa, una comedia con tintes de cine político y que espero que os guste tanto cómo a mi, el caso es que si no te lo quieres perder y no estás suscrito hazlo ahora y dale a la campanita para que no se te pase ninguno de nuestros consejos.

Y ya vamos aterminar esta obra que tiene una continuación y que es francamente mala que quizá algún día reseñare con un vídeo de esos de amores culposos ya que aún siendo un petardo total, tiene cosas que me hacen no repudiarla del todo, pero bueno eso será otra historia ahora sólo me queda desearte dos cosas, que seas muy feliz y que vivas el cine