El hombre que mató a Liberty Valance

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, dejenme que les cuente una cosa, en lo más alto de las películas de mi vida se encuentra un Western, pero no un western cualquiera, es un western de John Ford pero curiosamente uno de los más atípicos del director, pero de ese aspecto nos ocuparemos luego y es que estamos ante una obra cumbre del género justo cuando este empezaba a languidecer y es que no estamos hablando de otro film de El hombre que mató a Liberty Valance de 1962.

Si os parece bien vamos a contaros ya directamente de que va el film y así poder centrarnos en la producción de esta película. 

Veréis un anciano senador de los estados unidos y su mujer viajan a un pueblecito Shinbone para dar el último adios al cadaver de su viejo amigo, allí frente al cuerpo de este recuerda cómo empezó su amistad y como esta le hizo ser el hombre que es ahora. Recuerda cuando él Ramson Stodart era sólo un joven abogado y cómo al llegar a su destino fue apaleado por un peligroso pistolero al servicio de los terratenientes el criminal Liberty Valance, este cruel acto ratifica a nuestro protagonista en su decisión de aplicar la ley pero esta no se puede dar sin la ayuda de un honorable Cawboy Tom Doniphond, el único en todo el pueblo capaz de plantar cara a Valance. Ramson intenta aportar al pueblo en el periodico local y creando un aula de educación donde los ideales de libertad, ley y orden se ven amenazados constante mente por la cruel sombra de Liberty Valance y hasta aquí te voy a contar, no es necesario que sepas más de una película simplemente inolvidable.

Y ahora vamos a contaros la creación de esta extrañísima película, pero antes permitanme que les anime a suscribiros, verás si te gusta el cine, si quieres conocer clásicos y películas independientes de todos los géneros y épocas, pues estás en el canal adecuado, aquí te daremos a conocer films sin destrozaros la experiencia, no hacemos spoiler y te empujamos a ver la película que reseñamos, dandote toda la información para que tu valores si es para ti o no. Así que no lo dudes, dale al botón y a la campanita y forma parte de esta familia que somos los suscriptores de CINEFILIA.

Pues bien, para entender la obra en su conjunto y lo excepcional de este film tenemos que ir al momento de su creación, veréis a finales de los 50 el cine como se conocía en su momento se tambaleaba, los años 60 fue un momento de cambios drásticos en los gustos del publico que hicieron que el sistema de grandes estudios se vinieran abajo, el cine que llegaba de europa, el cine independiente norteamericano había copado el sitio que parecía reservado a los grandes estudios de hollywood y junto con la debacle de estos llegó tambien el fin de los géneros clásicos, las superproducciones eran ruinosas y ya nadie quería ver historias de Cawboys que veían desfasadas, en esta peculiar repulsa del publico se encontraba el wester, el western clásico vivia tiempos haciagos y no fue hasta 1964 que un italiano diera un nuevo aire al género pero alejado de estas epicas historias, el cine creado por Sergio Leone y el espaghetti western le dió un nuevo impulso por un lado pero por otro enterró estas historias romanticas de foragidos y hombres de ley que era el western clasico para siempre. Y en ese momento John Ford, uno de los referentes del western en el cine se planteó dirigir este film, una obra pequeña rodada en blanco y negro. Ford quería representar lo que estaba viviendo un mundo que terminaba y que otro se abría paso, su cine de grandes panoramas, de grandes extensiones, se ponía las gafas para centrarse en el hombre, en ese hombre queviene a matar lo viejo y traer la modernidad, sin rencores, sin revanchas ford se apea del caballo, se olvida de lo enorme para centrarse en lo pequeño y todo gracias a una historia comprada por 7500 dólares a Dorothy Jonson y trasformada en guión por Bella y Goldberg dos escritores de confianza de Ford, no en bano ya habían escrito El sargento Negro. El caso es que a pesar del nombre o mejor dicho por culpa del nombre Ford no lo tenía facil para sacar adelante este film y sólo la Paramount Pictures dió su visto bueno cuando supo que John Wayne iba a estar en el reparto y que John Ford correría con parte de los gastos con su productora. Pero la contratación de Wayne no fue fácil, no le gustaba su personaje, se sentía parte del atrezzo del film, el caminaba por ahí mientras que las disputas principales las tenían Jymmy Steeward y Lee Marvin, como dijo Ford, John nunca entendió que el verdadero protagonista de toda la historia era él y a fé que así pasa, es ese valuarte tranquilo que junto con el final de su enemigo sabe que él tambien morira de alguna forma, pero aún así deja que el nuevo tiempo sea abra camino a costa de su propia existencia y es que esa es la magia de este film, que narra una mentira y una verdad, el final y el principio de un mundo o mejor dicho de una forma de ver el mundo, este film era un reflejo de lo que estaba ocurriendo en la sociedad del momento. Aún así John Wayne acepta el reto y hace una de sus siempre eficaces interpretaciones.

Para el papel de idealista abogado que termina de senador Ford quería a Steeward y tampoco lo tenía facil, ya había trabajado con el director en Dos cabalgan juntos y la realción entre ambos fue pesima, pero si Wayne hizo la película por que la dirigía Ford, Steeward la hizo por que se enamoró del papel.

Y para tener al villano fue John Wayne quien sugirió a Lee Marvin, donde había trabajado con el en Los Comancheros y este aceptó de inmediato al venir la proposición de cómo era conocido Wayne el Duque.

El caso es que apesar de estar en blanco y negro y rodada en estudio la obra costó más de 3 millones de dólares, el caso es que la Paramount se centró en una campaña promocional pensando que pudiera ser un desastre y auqnue consiguieron levantar la producción, si que quedó lejos de lo esperado con el film y es que la obra no fue comprendida, ni por el publico, ni por los críticos del momento ni por la Academia de cine que sólo nominó al film a mejor vestuario y es que no fue hasta bien entrados los 70 cuando este film fue reivindicado como la obra mastra que es y como ese film crepuscular que dió luz a todo el género precedente.

Para mi es una de las películas de mi vida, amo a este drama con todas mis fuerzas la musica de MOCRICH, la fotografía de Clothier pero sobre todo a su guión y a su historia una trama que nace de dentro que traspasa que habla de como las leyendas se gestan de una verdad que es a la vez una mentira, como el fin a veces justifica los medios y como el silencio de un hombre le hace más grande al estar en la sombra que salir a la luz.

Film de esos que marcan, necesario a todas luces, entretenido por que un western de Ford siempre es entretenido y como he dicho una de las películas de mi vida y bueno ya sólo nos queda una, la que marcará el vídeo 500, para mi la obra que más me ha marcado, ese faro con el que comparo a cualquier film, pero para eso, para empezar con esa crítica antes tengo que terminar esta y no lo puedo hacer sin un consejo, lucha por ser feliz o intentaló ya que no hay mejor lucha que esa y una petición, que vivas el cine 

dracula 1931

Bienvenidos, bienvenidas. queridos amigos y amigas de cinefilia, veréis si hay una obra referente de la novela gótica, ese es quizá su último gran personaje, el escrito por Stocker 1897 en su novela inmortal Drácula, aunque era un referente de la literatura fue el cine en 1931 el que popularizó al personaje y es que el cine es quizá el arma más poderosa para crear mítos que parecen que siempre han estado ahí y es que la potencia global que tiene el cine jamás a sido tan patente que con el cine de terror de monstruos y como ejemplo los creados por la Universal en los años 30, hoy en día el hombre lobo que tenemos en mente es el creado por la universal, la momia, el hombre invisible y por supuesto los íconos del género Frankenstein y Drácula, tienen el rostro de aquellos antiguos films de la major hollywoodiense.

Y de todos, el film que resultó ser un film que hizo que me enamorara del personaje fue este Drácula dirigido por Tod Browning.

Veréis esta película no es la primera adaptación en el cine del personaje, ya que Mournau quiso a principio de los 20 realizar su versión del personaje, pero por problemas con la heredera de Stoker tuvo que cambiar al personaje de Drácula a Nosferatu.

Pero más suerte tuvo el personaje en el teatro, en 1924 en la escena Londinense se estrenó Drácula la adaptación teatral realizada por los dramaturgos Hamilton Deane y John Balderson, esta obra fue de tal éxito que se preparó una gira en los EE.UU. ni más ni menos que en Brodway donde fue estrenada en 1927 con un éxito descomunal de crítica y publico.

Mientras tanto en el cine , la Universal Pictures consiguió un gran éxito con un film de terror con un personaje mítico como era El jorobado de Notre Dame en 1923, el personaje creado por Victor Hugo dió paso dos años despues en 1925 El fantasma de la ópera que volvió a ser un exito de publico, por lo que se tenía que explotar el filón tocando la hora a esa producción de éxito que estaba arransando en la escena de Brodway Drácula.

Así que tomaron el libreto teatral  y pidieron al guionista Garret Fort que trasladara el libreto a un guion de cine. Pero había un problema ¿Quien sería ese caballero centroeuropeo que causaba estragos a los protagonistas? ¿Quien sería Dracula?. El problema era que el actor al que estaba destinado Conrad Veid había regresado a Alemania y la estrella del terror Long Chaini que era el personaje que había interpretado tanto al Jorobado de Notre Dame como al Fantasma de la Ópera, pero había firmado contrato por la Metro Goldwind Mayer y la productora lo tuvo claro desde ese momento, el actor que le estaba dando vida en el teatro el nacido en el imperio astroungaro Bella Lugosi, comenzando así la leyenda tanto de la obra, como del personaje como del actor.

Y ahora que os parece que antes de seguir con la reseña de la película vayamos directamente a contaros de que va el film, aunque es un clásico y todo o casitodo el mundo lo conoce, siempre pienso en esas personas jóvenes que aún no se han adentrado en esta leyenda, así que haremos nuestra reseña sin spoiler, así que si eres de ese grupo que no ha visto la película, puedes estar tranquilo.

Rendfiel un abogado Londinense viaja a los carpatos rumanos para un negocio con un noble del lugar, cuando llega allí se da cuenta que los campesinos temen a una especie de demonio que es el vampiro y le piden que regrese a su país y que no vaya al castillo, pero Renfield no atiende a esas superticiones y parte a completar su misión, al llegar al castillo conoce a un encantador caballero que es el Conde Drácula.

Al cerrar la compra de la abadia de Carfax, el Conde y Rendfiel regresan a inglaterra, pero renfiel ha sufrido una extraña enfermedad que le mantiene en tratamiento psiquiatrico bajo supervisión del Dr. Steeward. Este en la ópera conoce al recien llegado Conde Drácula y presenta a su hija Mina, al prometido de esta Harker y la amiga de su hija, la Srta Lucy Weston.

El amable Conde queda prendado de mina y a partir de ese momento parece que algo oscuro ha caido sobre la familia del Dr Steeward y hasta aquí te voy a contar el resto de la película has de disfrutarla tu y creeme que es una joya.

Pues ahora antes de continuar con la producción de este film de mi vida, dejenme que les pida que se suscriban, si te gusta el cine, si quieres conocer o recordar  esas obras míticas del cine que nos hacen soñar, que mejor que formar parte de nuestra familia, así que dale al botón de suscribirte y disfruta de nuestros ciclos de cine.

Y volviendo a la producción Carl Lemmer Jr el productor que lanzó a la Universal al exito en aquellos años, pensó que para dirigir la versión en ingles fuera un director que conociera el estudio y pensó de inmediato en Tod Brwoning, autor de cintas míticas como el trio fantástico film rodado en 1925, garras humanas del 27 y  la casa del Horror tambien del 27. Por cierto he comentado la versión en ingles y es que en aquellos tiempos no se doblaban las películas si no que se hacían versiones en diferentes idiomas, por el día se rodaba en Ingles y por la noche aprovechando el decorado y vestuario se rodaba la versión en español, en el caso del rodaje nocturno se hizo cargo George Meldford con la dupla protagonista de Carlos Villarías y Lupita Tovar, me gustaría comentaros algo de este film pero por más que lo he buscado no he encontrado más que algunos planos, siendo este film una asignatura pendiente. 

Bueno y por que esta obra clásica es una de las películas de mi vida, pues curiosamente no fue la primera versión que vi, siendo la Hammer films y su versión del conde vampiro el que me hizo estremecer por primera vez con el rostro de Christopher Lee, no, en el caso que nos ocupa la ví de adulto, consciente de lo que iba a ver y sabiendo toda la repercusión que tenía este film de Tod Browning, con esas espectaciones previas es normal que llegue la decepción, pero no fue así, ese decorado del principio de unos carpatos pintados en estudio, ese castillo que parece infinito y esa interpretación de Bella Lugosi me hizo caer rendido a sus pies, la belleza de este film en blanco y negro traspasaba la pantalla de cine ya que fui de los afortunados de ver esta joya en pantalla grande gracias a una reposición en la filmoteca nacional. un lujo que hoy aún recuerdo.

Así que si no sabes que ver estas fechas, si estás aburrido frente al sillón, aprobecha el momento y ponte este film mítico. un placer para los sentidos una joya del cine sonoro que aún guardaba el aire teatral del mudo y que dió pie a esas interpretaciones tan exageradas que ha día de hoy siguen siendo míticas.

Y bueno, ya me voy a marchar esperando que haya sido de vuestro interes, si es así hazmelo saber con un like o con un super like eso que han creado nuevo los de Youtube y que aún no sé como va.

Y ya sólo me quedan 2 films para terminar este ciclo personal así que me voy a poner manos a la obra de inmediato y para eso antes tengo que terminar esta reseña pero no lo puedo hacer sin antes desearte primero que intentes ser feliz, que no hay mejor lucha que esa y segundo y como no puede ser de otra forma que vivas el cine 

  

JASON Y LOS ARGONAUTAS

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, veréis si habéis nacido en los 70 y eráis unos críos en los 80, cuando aún existían cines de reestreno y sesiones dobles, pues esta película la habéis visto segurísimo y ser un chaval de 10 o 12 años y ver en la pantalla a griegos luchando contra un gigante de bronce era un impacto brutal que disparaba nuestra imaginación y es que todo este preambulo sirve para presentar otra de las películas de mi vida, un film que de niño adoraba y que aún hoy sigo viendo con una sonrisa en la cara por que no es otro film que Jasón y los Argonautas de 1963 dirigido por Don Chaffy

Veréis la magia que tiene este film no viene ni de la mano de sus actores, maravillosos, ni de su director bastante eficaz, si este film tiene magia propia es gracias al director de efectos especiales el grandísimo Ray Harryhausen, estrella del stop motion y creador de uno de los métodos de vfx que revoluciono el cine el Dynamation, Pero de todo esto os hablaremos luego, de como se gestó y cómo pudo realizarse ya que ahora le llega el turno de contaros de que va la película. Si es un clasicazo, pero me imagino que mucha gente joven no habrá tenido opción de adentrarse en esta fantasía de la mitología en el cine, por lo que tendré cuidado de no contar más de la cuenta, ya sabéis que en este canal nunca hacemos spoiler, así que vamos allá.

Pelías ambiciona el trono de Tesalia por lo que con el beneplacito de Zeus se dispone a tomarlo, pero no será tan fácil, aunque en sus designios aparece que conquista el reino, tambien aparece que perderá el trono cuando se cruce con un hombre con una sóla sandalia y ese hombre será el hijo del depuesto rey Jasón. Pasa el tiempo y el designio se cumple, pero Pelías tiene un plan para burlar lo que tienen preparado los dioses para él. Jasón irá a buscar al fin del mundo el bellocino de oro, la piel de carnero que trae prosperidad y salud al pueblo que lo posea y lo que no sabe el bueno de Jasón es que en la tripulación y para sabotear el viaje estará su propio hijo.

Tras unas olimpiadas para reclutar a los argonautas, todos los Heroes del momente se enrolarán en el viaje incluyendo al gran hercules y con tal prodigio de guerreros el barco zarpa a lo desconocido.

Y hasta aquí te voy a contar, el resto de la película tienes que verla tu y creeme que disfrutarla.

El productor Charls H. Scheneer llevava tiempo colaborando con el maestro del stopmotion  Ray Harryhausen y este le propuso hacer un peplum pero dandole un giro a la producción y Charles H Scheener dió el visto bueno y prepararon el guión de lo que sería Jasón y los Argonautas.

Tomando los relatos de Apolonio de Rodas los guionistas Jean Read y Beberly Cross crean la base de este guión cargado de mitos y leyendas a los que tendría que dar vida Harryhausen con su sistema Dynamation.

Ray harryhausen el día que vio King Kong supo que quería encargarse de los efectos especiales que tanto le habían sorprendido y empezó su aprendizaje que culmino con O´bryan el creador del gorila gigante de KingKing del 33 y de mundo perdido del 25 como maestro primero y como jefe despues, formandosé así Harryhausen con el mejor del momento, pero el discipulo superó al maestro con un sistema capaz de fusionar la animación de los muñecos con fondos y personjes reales.

El sistema ahora puede parecer sencillo de lo ingenioso que era pero no fue así, el sistema se valía de dos rodajes y proyecciones sobrepuestas, verán a groso modo el Dinamation funcionaba así. Se creaba un escenario que encajara perfectamente con el metraje rodado en imagen real, se animaba fotograma a fotograma las criaturas y elementos que actuaran con ella y luego se fusionaba en un segundo rodaje el metraje rodado por actores con el creado por Ray Harryhausen. Dando como resultado imagenes míticas como la lucha con los siete esqueletos un prodigio del momento que hoy en día sigue funcionando.

Y es que ese sistema revolucionó los efectos visuales en el cine y sirvió de inspiración para grandes directores que luego serían ellos los que inspirarían a nuevas generaciones como era George Lucas y Steven Spielberg. Por cierto Harryhausen siempre lamentó que no le dieran el Oscar a los efectos especiales aquel año y a fe que se lo merecía.

Pero bueno, sea como fuere volvamos a la producción del film, para dirigirlo se contó con el director británico Don Chafey, un autor alejado de cualquier éxito y siempre trabajando en series televisivas y largometrajes británicos de segunda, un director que alejado de los grandes nombres de la industria del momento tenia un oficio que empataba con cualquiera, por lo que le hacía ideal para una producción de bajo presupuesto como era este film por que no hay que olvidar que esta maravilla se realizó por algo menos de un millón de libras.

Dónde no escatimaron y fue todo un acierto, fue en el apartado musical, allí Bernard Herman el prodigioso compositor que ponía sintonía a otro britanico de lujo como era Alfred Hitchcock se encargó de realizar la partitura musical de esta película, una melodía que carecía de cualquier tipo de cuerda para no ocultar los metales y la percusión que le dieron caracter a este maravilloso Jasón y los argonautas.

Y bueno por que un espectador de ahora tiene que ver esta película realizada con cartón piedra y no adentrarse en otras películas más modernas con mejores efectos realizados por CGI.

Pues por que este film tiene mágia, el aspecto que le daba al celuloide el Estaman color, las actuaciones casi teatrales de su elenco donde habría que destacar a gran Nygel Green haciendo de Hercules o Michael Gwain haciendo de Hermes. quizá los rostros más conocidos del elenco actoral y de esas aventuras familiares que tanto hecho de menos hoy en día donde se dejaba volar la imaginación a grandes y pequeños y es que es así, son de esas películas que ya no se hacen, que se han perdido no sé si para siempre, una época en la que al espectador se le trataba como persona y no como un vector de no se que adgoritmo, así que aunque creas que este film está pasado marchito, no puedes estar más equivocado,  es un film moderno, lírico y cruel, es en definitiva una de las películas de mi vida.

Y bueno ya me voy a marchar, esperando que si te ha gustado me des like al vídeo y si no estás suscrito lo hagas, por que si te gusta el cine y quieres descubrir o redescubrir películas para ponerte esa tarde que no sabes que hacer, pues este canal puede ser de gran ayuda y si crees que a alguien le puede interesar, hazselo llegar, seguro que pasará un rato agradable con nosotros.

Y sin nada más que contaros pues que mejor que despedirme, primero deseandote que seas inmensamente feliz o luches por ello y segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine

Una mujer bajo la influencia

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, permitanmé que les cuente una cosa. Mi amor por el cine, mi percepción sobre el arte interpretativo se acrecentó nada más ver esta obra, ya sabéis los seguidores al canal mi amor desaforado por Cassavettes como director y Rowland como actriz y el flechazo instantaneo vino de la mano de esta curiosa, majestuosa y única en su especie. 

Una mujer bajo la influencia de 1974 una de las peliculas de mi vida y que debía de estar en esta cuenta a tras que es el ciclo que le estoy dedicando a mi cinefilia personal.

Hablar de este film es bastante complicado, no sé si será para todo el mundo ya que no es cine de entretenimiento, es un ejercicio actoral y dramático de primer orden, pero por otro lado creo que espectadores que aún no se han adentrado en este tipo de films y tengan ganas de evolucionar en su diversidad filmica puede que les empuje a ver otro tipo de cine y que encuentren en la obra como ese faro de las buenas películas que le harán seguidor del cine independiente.

Así que no es una recomendación de cine, hablaré de la película, comentaré sus pormenores y tu tendrás que ver si estas en ese punto en el que esta película te puede gustar o no, así que todo queda bajo tu responsabilidad.

Pues bien, dicho lo cual vamos con esta obra maestra, esta joya del cine independiente que ahora es ensalzada como un totem cinematográfico, no en bano está registrada en la biblioteca del congreso de los estados unidos para su preservación como obra de cine imprescindible. Pero que en su momento fue vapuleada e ignorada.

Cassavettes actor mítico de cine que apareción por ejemplo en Rose Mary Baby o en los 12 del patíbulo, tenía una visión única como director, tras un primer chasco con su film Ángeles sin paraíso, decidió de forma consciente alejarse de los estudios de Hollywood y hacer la guerra por su cuenta, todo lo que ganaba como actor en las películas lo invertía es sus películas, obras personales y únicas, con una mirada actoral bastante especial, tenía en la interpretación del actor el mayor valor para el film por lo que rodaba siempre de forma lineal, comenzando por el principio y rodando el final con el último día de rodaje, cassavettes trataba a cada film como una obra coral, los actores podían o mejor dicho debían dejarse llevar, improvisar, sacar la verdad delante de la cámara y poco a poco Cassavettes creo un grupo fijo de actores que siempre que podían trabajaban con él. Ben Gazzara, Peter Falk y por supuesto la mayor dama de la interpretación Gena Rowland que además era su esposa. Esta forma de hacer cine pronto le llevó a tener discipulos en su escuela de cine y posteriormente en la AFI el American Film Institute. Si hoy en día Martín Scorssese es ese director con una visión única, es por su maestro Cassavettes, Scrossese alternava las clases con cassavettes con la productora de explotación de Roger Corman, llegado un momento pudo dirigir su primer film, una película de atracos muy a lo American International Pictures titulada el Tren de Berta, tras ver la película Cassavettes, le precuntó a Scorssese si ese era el cine que quería hacer el resto de su vida, Scorssese dijo que no y su maestro le recomendó que la siguiente película le saliera de las entrañas y así lo hizo rondando Malas calles y todo esto que les he constado es por que quiero porner en valor a la figura de John Cassavetes y que puedan entender el final de esta reseña. Creo que para un espectador neofito puede entender ahora el aura que rodeaba al director.

Pues bien, con esa forma tan kamikaze que rodar, donde a duras penas retornaba algo de dinero invertido en sus películas su libertad hizo adentrarse en tramas impensables en aquellos años.

Un día su mujer le pidió a Cassavettes que escribiera una obra de teatro para ella que contara los retos a los que una mujer madura de más de cuarenta, casada y con hijos debía de solventar. El reto le dió a Cassavettes la oportunidad de abordar los problemas mentales y sicológicos, las adicciones, los comportamientos erraticos que en aquellos años 70 estaban siendo una epidemia sobre todo en las mujeres maduras, creando así el libreto de esa obra teatral, tras unas cuantas lecturas con su mujer Rowland, John Cassavettes se asustó, pensó que la verdad que imprimía su mujer en ese cruel relato podría hacerla caer en una espiral de destrución al tener que reinterpretar el papel función tras función, así que propuso a Rowland que en vez de una obra teatral realizaran una película, el problema era conseguir el dinero, llevava más de 5 años sin un gran papel que le diera dinero enfrascado como estaba en dirigir e interpretar sus películas, así que pidió una hipoteca en el banco y mandó el guión a sus amigos, el primero a Peter Falk, éste se abrumó con la obra, quedó impactado y le dió a casavettes medio millón de dólares con la única condición de que el fuera Nick el marido de Mabel empezando así el rodaje de esta película.

Y ahora toca el momento de contaros de que va, aunque es más un intento infructuoso, no se puede resumir esta película en cuatro frases, es inmensa, compleja y arrebatadora que dudo que mi sinopsis pueda estar a la altura, lo único que puedo hacer es no contar más de la cuenta para que si os apetece verla no os robe ningún giro argumental.

Así que vamos alla.

Mabel es una mujer madura con hijos y un marido obrero de la construcción, sus problemas deberían de ser los de cualquier mujer del momento, educar a los hijos, llevar la casa, hacer milagros con el sueldo del esposo para que no falte de nada, si no fuera que además de todo eso sufre de ataques mentales, una inestabilidad psiquica que le hace ser mentalmente inestable, a veces es alocada y divertida, otras violenta y otras autodestructiva. este mar de problemas lo intenta salvar el matrimonio como buenamente puede, sólo teniendose el uno al otro, como dos naufragos en una balsa en medio de una tormenta y hasta aquí te voy a contar, no necesitas saber más.

La película es demoledora, vemos un matrimonio que intenta luchar con los problemas mentales de la mujer, pero que al final es una lucha conjunta de el marido y ella, siendo la pareja como un todo, pero no tienen la solución a nada, se equivocan, aciertan, se vuelven a confundir, intentan llevar una vida lo más normal que pueden por el bien de los hijos, pero es imposible.

 En esta película no vas a encontrar la solución a los problemas, si no que es un retrato descarnado de una familia intentando salir a delante. No hay buenos ni malos, no hay culpables ni inocentes, no hay moraleja, no hay moralina, sólo un espejo real, donde la lucha de intentar capear el temporal es lo único que se puede hacer. 

El papel de Rowland es el más impactante que he visto en mi vida, no hay actuación ni másculina ni femenina en toda la historia del cine que pueda estar a la altura del encarnado por Gina Rowland en este film un film plagado de obstaculos.

Veréis cuando se terminó de rodar la película ninguna distribuidora quiso proyectarla en las salas de cine, la obra iba a quedar sin ser vista por el público por lo que Cassavettes tomó a algunos de sus alumnos que habían trabajado en la película y crearon un sistema paralelo de distribución, si no podían proyectar la película en cines, tenían que tomar otra alternativa, empezaron a contactar con cinestudios, universidades, escuelas de cine y salas de arte, muchas veces eran los propios actores y director el que presentaba la película y luego hacían coloquio del film.

La obra tenía sólo esa vida la de los circuitos paralelos, esa y la de los festivales de cine y dónde arrasó fue en el festival de cine de San Sebastián, allí Cassavetes se alzó con la Concha de Plata y Rowland fue premiada como mejor actriz , Obviamente con esos pocos visionados y repercusión era imposible estar en la carrera de los Oscar de Hollywood ni de los globos de oro. Es entonces cuando algo mágico pasó.

Veréis en el Show televisibo de Mike Duglas coincidieron como invitados Petar Falk por su personaje de Colombo y Richard Dreyfus promocionando su último Film  El parendizaje de Duddy Kravich. Dreyfus uno de esos actores de leyenda que el alcohol destruyó, en ese momento era una voz más que autorizada en el mundo del cine y del público, el actor más joven en ganar un Oscar que era un referente del momento. La entrevista iba normal, cada uno hablaba de sus personajes, de sus nuevos proyectos personales hasta que Dreyfus paro la entrevista, miró a Falk y le dijo. Vi  tu película, ya sabes la de una mujer bajo la influencia, Falk miraba a dreyfus, no sabía lo que iba a decir y Richar Dreyfus le dijo, es la película mas inquietante, aterradora, brillante, oscura, triste, deprimente e increible que he visto en mi vida, sabes Peter cuando llegue a casa estaba tan abrumado que tuve que vomitar. 

Todo el mundo quedó impactado ya que nadie conocía la película y pronto la audiencia quiso verla por lo que algunos cines se hicieron con los derechos y la emitieron en sus salas, eso dió la oportunidad de competir en la pantalla con películas como El padrino Parte dos, El coloso en llamas, asesinato en el Orient express, Lenny o Chinatawn. todas con una campaña promocional que dejaban en pañales esta pequeña película, pequeña película que en los globos de oro se llevó cuatro nominaciones, mejor director, mejor pelicula dramática, mejor actriz y mejor guión, llevandose en justicia el premio de mejor actriz.

Los Oscar nominaron a Cassavettes como mejor director y a Rowland como mejor actriz, Cassavettes perdió contra Coppola y su padrino dos y perdió en justicia, pero lo de Rowland es considerado como uno de los mayores errores de la historia de la academia, no por el premio a Hellen Bustin que hace un gran papel en Alicia ya no vive aquí que fue quien ganó, si no por que Rowland desplego tal alarde de técnica actoral que nisiguna actriz estaba a su altura, quedandosé la gran Gina Rowland con la estatuilla que se merecía, la dama de la interpretación nos dejó el año pasado y se fue a ese rincón del cielo que tiene dios reservado a las grandes actrices con un Oscar Honorifico, una estatuilla que sirve para lavar la cara de la academia cuando ocurren estas injusticias.

Y bueno, creo que es redundante decir que es una película que me marcó, una obra que me cuesta ver, por su crudeza, pero que me engancha sólo con ver la primera escena del bar con Rowland y ya no me suelta hasta que termina.

Una obra que decir sublime se queda corto, cine independiente realizado con un presupuesto precario que se pegó con lo más granado del cine del momento y decir que aquel momento era 1974 es decir mucho.

Y nada, ya vamos a terminar esta reseña, comunicandoos que este canal pequeño de cine crece si tu te unes a nuestra familia, si te gusta el cine, si quieres conocer películas de todos los géneros, suscribeté con tu acción nos ayudas a seguir adelante y tu en contraprestación no te perderas ninguna reseña.

Y bueno, la proxima semana volveremos con otra película totalmente diferente a esta y que espero que os guste, pero antes de marcharme permitanme que les recuerde dar un Like si te ha gustado nuestro consejo o no de cine y dos deseos el primero que seas inmensamente feliz y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine 

EL GUATEQUE

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia. Cómo ya sabéis estamos en un ciclo de películas de mi vida, ciclo que empezamos con la cuenta a tras de la reseña 490 y que terminaremos con mi favorita en el episodio 500 y una cosa que dejé clara cuando hice este ciclo, es que no son las mejores de la historia y ni siquiera las mejores para mi, si no que son films que me marcaron y es que veréis, hoy vamos a reseñas la maravillosa comedia el guateque, una de las comedias de mi vida que luego os justificaré, pero resulta que este film  no es ni de lejos la mejor película del director Blake Edwards, ese puesto lo tiene la demoledora Días de vino y rosas de 1962, obra cumbre del director y una de las obras maestras del cine y que reseñaremos merecidamente en algún momento del canal.  

Y es por eso por lo que quería recordaros que en este ciclo personal no vais a encontrar las mejores de la historia si no mis películas más personales y tengo que decir que como este El Guateque no ha habído ni habrá comedia que me ha hecho reir con ganas, recuerdo o mejor dicho me recuerdan mis hermanos siempre que tienen ocasión que con este film de niño me dio tanta risa que me oriné encima, cosa que ya he asumido y que a pesar de que han pasado los años y que el DVD que compré en su momento y que ha pasado más veces que las recomendadas por mi reproductor en una obra que puedo asegurar que me sé de memoria, aún sigo riendome con ganas con ella, que siempre que puedo y la ocasión me permite vuelvo a ponerla a mis invitados y me doy cuenta que el que más se rie y disfruta soy yo.

Y es que el guateque o The party que es su titulo original es simplemente la comedia disparatada que más he disfrutado y que sigo haciendolo, así que Señoras y Señores, niños y niñas estén atentos a esta reseña de un director genial, con uno de los grandes de la comedia en estado de gracia y con la más preciosa canción de amor que pasa totalmente inadvertida, por que sí, hoy reseñamos el Guateque film de 1968 dirigido por Blake Edwards y protagonizado por Peter Sellers. 

Veréis la relación de Sellers con Edwards hacía tiempo que se había consolidado, 5 años antes en 1963 participa como protagonista en el film de Edwards La pantera rosa de 1963, tras eso vendría El nuevo caso del inspector Clousseau en el 64 para llegar aqúi al guateque en 1968.

Por cierto, vamos a ir por delante ya que vivimos tiempos con mucha tontería encima, Sellers no es indú y sí lleva la cara maquillada y no pasa nada, ni Anthony Queen era Ucraniano en las sandalias del pescador, es como bien sabe todo el mundo Mejicano ni Omar Shariff era moscovita en Doctor Zivhago que como bien sabran era Egipcio y no pasa nada, ese es el papel de los actores meterse en la piel de otro personaje más alla de su raza, credo o condición, así que por Díos a ver si se termina ya esta turra con el temita de las razas. 

Pues bien continuemos con esta película que sorprendentemente por el tema que os acabo de contar es hoy en día politica, moral y  socialmente repudiable y quizá por eso me gusta aún más.

Veréis Milrich corporation, la productora de los tres hermanos Milrich ya sabía de la valía del director y de Sellers al haber producido La pantera rosa, por lo que no era de extrañar que cuando propuso Edwards relaizar una nueva película con la premisa de un personaje que estuviera fuera de su entorno y que este personaje iba a ser Peter Sellers, estos de inmediato le dieran el visto bueno, más que nada con el contrato que tenían de distribución de sus películas con la United Artist.

Edwards con los hermanos Tom y Frank Walman escribieron un guión, bueno mejor dicho un tratamiento de guión por que sólo tenía 63 hojas, como el propio Blake Edwards decía fue el guión más corto de toda su carrera, el caso es que se contaba con la improvisación de Sellers un mago en ese aspecto, con lo que sólo indicaron las situaciones del personaje y dejaron al actor británico que hiciera lo que mejor sabía que era hacer comedia.

La primera idea del director y coguionista es que la obra fuera semi muda, como las películas de Jaques Tatti, la influencia iba a ser patente en la obra y pusieron muchos elementos representativos como el coche de Baksi similar al del cómico francés o la casa dómotica como la de Mi tío una de las mas reseñables películas de Tatti. El caso es que pronto se abandonó la idea ya que Sellers necesitaba hablar para desarollar al personaje, pero aún así dejaron esos guiños al gran cómico frances en la película.

El caso es que para realizar la obra necesitaban un tipo de casa futurista que no existía por lo que se construyó un decorado modular a forma de mansión en un solar de los ángeles, más precisamente en Robin Drive y se necesitaban un monton de operarios para dar vida a los artilugios dómoticos de la casa, siendo este apartado el que llevó a la producción de  tres millones de dólares de la época o lo que es lo mismo 30 millones actuales, una cifra bastante elevada para una comedia que ocurría todo en interiores. Aún así se admitió el presupuesto y empezó el rodaje de El guateque.

Bien, ahora vamos a contaros de que va la trama de este film, como bien saben los más veteranos en el canal como siempre sin spoiler ya que queremos empujaros a ver la película y no destriparos la experiencia contando más de la cuenta.

Pues bien Hundri V Backsi es un actor indú que está realizando un film belíco sobre la colonación inglesa, tras un par de errores que hacen repetir las tomas Hundri V Backshi tiene un accidente que no sólo arruina la toma si no la película. Esto lleva al director y productor apuntarle en una lista negra para nunca trabajar con él. Pero la secretaria por error apunta el nombre del torpe actor en la lista de invitados a una fiesta en la mansión de este. Allí se cruzará con lo mejor y lo peor de la industria, actores de acción rudos, productores y directores que intentan aprovecharse de jovencitas con el sueño de lanzar su carrera como actriz y ahí en esa situación esta la candida y joven Michell Monet, pronto se dan cuenta el invitado de más y ella que no deberían estar ahí y ya no te voy a contar nada más y nada menos.

El caso es que la película era una sorpresa total para todo el mundo, Sellers no sabía el aprieto al que los que el director le iba a someter y el resto no sabía lo que iba a improvisar Sellers, esto resulto ser por un lado una genialidad y por otro lado una dificultad ya que muchas veces los propios actores no podían contener la risa y Edward tenía que cortar la toma, quién peor lo pasó en ese aspecto fue la actriz Claudine Longuet que en muchos planos no pudo parar de reir, pero por otro lado esa magia creada en el estudio hizo que todo el elenco y técnicos se quedaran aunque no tuvieran que trabajar para maravillarse con las ocurrencias de los actores por que aquí quiero sumar al gran Steve Franken que hace de camarero y que junto con Sellers crean una dupla de improvisadores mítica, todos iban y se quedaban para ver el espectaculo que luego se montaría en una película, los momentos de pajarito Dum dum o el disparo con la pistola de juguete son simplemente míticos, pero si hay un momento demoledoramente cómico ese es el momento de la balada y aquí quiero hacer una pausa, la música era de Henri Mancini uno de los más grandes compositores de música para cine, en una entrevista le preguntaron cual era su melodía más bella de todas las compuestas en toda su carrera, Mancini bajó la mirada y comentó. Cree Nathing to loose, quizá la más delicada y tierna balada que jamás escribí, pero nadie la recordará por culpa de Sellers y no os voy a contar nada de ese plano, ni siquiera lo voy a montar en el vídeo para que disfrutes de lo que en pantalla ocurre cuando la actriz toma la guitarra y empieza a cantar la sintonía realizada por Mancini, lo que ahí ocurre es simplemente comedia.

Y es que el film es una joya se mire por donde se mire, algunos chistes os resultarán manidos, pero es que los inventaron ellos, ellos fueron los primeros, otros os van a parecer desternillantes eso os lo aseguro.

Y bueno, que decir de una película con la que me oriné de pequeño viendola y que hoy a forma de venganza mi familia no tiene en reparos en recordarmelo, pues que tiene que estar en este ciclo y bueno creo que ya vamos a dejar de narrar el film para que lo veas tú y lo que se nos avecina es todo lo contrario una obra de cine independiente donde me enamoré de la interpretación de su actriz, la mayor actriz americana que no tiene un oscar, la más rotunda y poderosa que fue injustamente ninguneada en los premios de Hollywood y si no te lo quieres perder, si quieres saber de quien se trata y aún no te has suscrito a que esperas, hazlo ahora mismo, y no sólo formaras parte de nuestra familia cinefila es que además no te perderas ningún film que reseñemos, dale al botón y a la campanita de suscripción.

Y nada con este personaje que a muchos les recordará al hermano antiguo y bueno de Mr. Bean me marcho pero no sin antes desearte dos cosas, la primera que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y segundo y como no puede ser de otra forma que vivas el cine 

¿Quién teme a Virgina Wolf?

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA. Verán hoy venimos a este canal de cine con una película de grandes quilates, una obra de esas que no te van a dejar indiferente, un drama familiar realizado por una pareja mítica como era Liz Taylor y Richard Burton, madre mía que par de actores que demuestran todo el poderío interpretativo que poseían en un film dirigido por Mike Nichols.

Y es que no es otra película que este descomunal drama de 1966 ¿Quién teme a virgina Wolf?.

Pero antes de empezar propiamente con la reseña o mejor dicho como prólogo de la misma, permitanme que les comente por que esta película forma parte de mis 10 obras predilectas y es que como bien saben los suscriptores del canal, estamos en un ciclo de películas a forma de Ranking del 10 al 1 obras que me han marcado en mi vida o simplemente esas que me llevaría a una isla desierta y deciros que el 1coincidirá con el vídeo 500 del canal, siendo esta la número 7 . Pues bien ¿Por que este film está entre mis 10 películas de mi vida? Verán como todo joven que empieza a ver cine, el drama es el que menos encajaba dentro de mis gustos, prefería la comedia, la acción, el thriller y por supuesto el terror. 

Para ver reestrenos sobretodo de terror clásico me saqué un bono para el cine Doré, una sala de corte modernista que es la sede en Madrid de la filmoteca nacional y por muy poco dinero puedes ver reposiciones de clásicos. Tras ir a ver el Drácula de Tod Browning vi con estupor que me confundí de día y en vez de Drácula emitían esta película de la que no tenía ni idea y menos mal que se me ocurrió entrar.

Su pulso, su tempo, su ritmo hizo que me enganchara de principio a fin, en un drama matrimonial de una pareja madura en horas bajas y ya está no hay más sólo eso. Tras el visionado y entregado a la película como el que descubre la pólvora me di cuenta que no me había contado nada. ¿Entonces por que me enganchó? Bueno pues para resolver esa pregunta antes os tengo que contar de que va el film.

Estamos en una noche de fiesta universitaria, pero no por parte de alumnos si no que la fiesta es del claustro de profesores, allí el matrimonio formado por Martha la hija del director de la Universidad y George su marido un profesor de historia regresan a casa borrachos, el caso es que Martha a invitado al nuevo profesor y a su joven esposa a tomar la última copa en su casa. 

Cuando llegan los invitados Nick el profesor de biología y la ingenua Honey se sorprenden al ver como se odia la pareja, como se insulta y se maltrata, un matrimonio totalmente tóxico que les hace sentir incómodos, a pesar de querer marcharse la buena educación les impide no tomarse la copa prometida hasta que ellos se ven inmiscuidos en la guerra matrimonial que mantienen el profesor de historia y la hija del director.

Y ya está no hay nada más en la cinta y nada menos. 

Pues vamos a respoder la pregunta que habíamos dejado colgando antes de explicar la trama. Verán a simple vista no me habían contado nada en los 130 minutos que dura el film, pero sólo a simple vista. La obra dentro de su estructura es una película de construcción de personajes. 

Verán al principio no sabemos quien es cada uno, son cuatro incógnitas, pronto descubrimos que la pareja de Burton y Liz Taylor tienen un odio mutuo por culpa de un acontecimiento que tienen en secreto, a medida que va pasando la trama como si fuera una obra de asesinatos de agatha Christie, empezamos a ir descubriendo los secretos más intimos y vamos minuto a minuto haciendonos un retrato completamente definido de quién es cada uno y cuales son los detonantes de su odio tras terminar la obra .

Verán  la potencia que tienen ese tipo de  películas son demoledoras. Pongo de ejemplo el Nadador o Danzad, danzad malditos. Obras que te enganchan al principio y no te dan un respiro hasta el final y es que si todos disfrutamos por ver como el agente 007 se escapa de ese rayo laser mortal, creanme que tambien disfrutamos de descubrir las miserias y traumas de los personajes que les hacen ser como son y tener los problemas que tienen.

Y esa sensación de descubrir que un drama puede ser tan apasionante como la obra de acción más trepidante, fue un recuerdo que se quedó en mi memoria y que me llevó a tener a este drama sentimental en blanco y negro como una de mis diez películas favoritas.

Y es que este film nace de una obra teatral estrenada en 1962 y escrita por del dramaturgo Edward Albee, la representación fue la sensación del momento en los escenarios con lo que era normal que un estudio se interesara por hacerse con el libreto y convertirlo en guión cinematográfico. Pero había un problema, la obra teatral era deslenguada, demoledora con la moralidad y cargada de sexualidad y promiscuidad, todos elementos que el Codigo Hays, código por el que se autocensuraban los estudios de cine, prohibía expresamente. El caso es que el Codigo de buena conducta que era el Codigo Hays sólo afectaba a las obras rodadas en EE.UU. no así con el cine que a partir de los 60 llegaba de italia y francia con los que la juventud del momento se sentían más atraidos para ir a ver su cine que el realizado en Hollywood dando así el pistoletazo de salida a la crisis de los grandes estudios, así que pronto las productoras abandonaron el código dejando de estar vigente sólo un par de años más tarde del estreno de este film. Y que estudio compró esta historia amoral, pues el gobernado con mano de hierro de Jack L Warner que se hizo con los derechos por parte de su productora la Waner Brothers.

Al principio se pensó en una pareja mítica dentro del cine, la formada por Betty Davis y el gran James Mason. Pero Warner veía un drama ideal para el matrimonio del momento Liz Taylor y Richard Burton que ya habían trabajado un año antes en Castillos de arena. 

A pesar de que el dramaturgo siempre vió a la pareja de Davis y Mason en la trama, el nuevo reparto llevó a cotas tan altas en lo interpretativo que hizo olvidar el deseo del elenco al escritor.

La Warner no quería una obra cinematográca al uso, si no que quería mantener la esencia teatral del film y buscó entre los directores de Brodway al director teatral de refernecia en ese momento, siendo sin lugar a dudas ese director que el bueno de Mike Nichols, Nichols con 35 años jamás había rodado un largometraje pero sabía perfectamente como dirigir en la escena con lo que comenzó un primer rodaje con la ópera prima más importante de la historia del cine junto a Ciudadano Kane.

Véreis este film tiene un extraño record en la ceremonia de los Oscar de su año, ya que fue nominada a todas las candidaturas posibles, 13 en total, todo su elenco fue nominado al Oscar llevandosé la estatuilla las dos actrices tanto Taylor como Sandy Dennis. Al final de la ceremonia se llevó 5 de las 13 candidaturas creando para siempre la leyenda del director que al año siguiente dirigiría el graduado.

Muchos hablan de este film como el mejor de Nichols y aunque las obras no son caballos que compiten para ver quien ganan yo tambien y bajo mi gusto personal, este film ¿Quien teme a virgina Wolf? tiene más carga de profundidad que la maravillosa el Graduado y es que este es uno de esos films que hacen que te enamores del drama, que te adentres más en este tipo de obras adultas, llenas de matices y por que no decirlo de taras físicas, mentales y morales. 

Y bueno, con esto último voy a despedirme de todos vosotros y cerrar esta reseña de una de las películas de mi vida, si no estás suscrito y estás valorando el hacerlo, espero que así sea ya que estaré encantado de verte de nuevo por aquí, si te gusta la reseña, que por cierto muchos me la habéis pedido hace mucho tiempo, espero que entiendan por que mi tardanza, quería meter este film en el ciclo de películas de mi vida. pues eso que si te gusta la reseña me lo hagas saber con un like y ya no me queda nada más que desearte dos cosas, la primera que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y la segunda como no puede ser de otra forma que vivas el cine

La momia 1959

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, veréis estamos metidos de lleno en un ciclo muy particular, desde el episodio 490 hasta el futuro episiodio 500 estoy reseñando las películas de mi vida y hoy vengo con una obra muy especial para mi ya que es la primera película de terror que me dejaron ver de pequeño y aunque por la suavidad de la trama y que es casi una película de aventuras y misterio más que de terror, he de confesar que me otrogó varias noches mágicas de pesadillas, pesadillas que por un lado me lo hacían pasar mal y por otro lado me lo hacían pasar bien despertando mi amor al género y es que no es otro film que la momia de 1959.

Veréis La Hammer siempre será recordada por el Dracula de Lee que ha pasado directamente a la cultura de masas, quizá entre los más adentrados al terror sabrán que el personaje referente de la Hammer fue El monstruo de frankenstein con el que empezó la productora y podríamos decir que tambien se cerró su época clásica. Algunos recordarán sus versiones del Hombre Lobo o de Sherlock Holmes que aunque con pocas producciones han trascendido en el tiempo y en el público. Pero lo que no todo el mundo sabe es que la Momia fue un monstruo referente en la productora británica con cuatro producciones míticas, la última del 71 con La sangre en la tumba de la momia, en el 67 con el sudario de la momia, en el 64 con la maldición de la momia y por supuesto en el 59 con el film que nos ocupa hoy La momia film rodado por Terence fisher para la Hamer con distribución de la Universal.

Por cierto antes de empezar con la reseña sólo un apunte, tal fue el poderío de la Hammer en su momento que los grandes estudios de Hollywood se pegaban por distribuir sus películas, siendo la productora inglesa el objeto del deseo de estas y trabajando libremente con tres de las más grandes del momento, La Columbia Pictures, La United Artist y por supuesto la fabrica de horrores góticos por excelencia LA UNIVERSAL y es que aquel terror de serie B que llegaba del viejo continente fue durante algo más de una década el  referente de este género a nivel mundial.

Y comentado esto que creo que puede ser de interés a las nuevas generaciones vamos con este maravilloso y exotico film de terror. La obra filmica se aprobechaba de los más granado en el estudio los actores Peter Cushing y Christoper Lee que se habían alzado como una de las grandes parejas del cine de terror de la época, el director Terence Fisher que con su batuta realizó los films más recordados del estudio y con el guionista Jimmy Sangter el mismo que lanzó al estrellato a la productora con su versión del primer drácula de la Hammer hoy conocido como El dracula 58 por la fecha de su estreno.

La cuadrupla de genios del terror se aderezaba con una de las actrices más bellas de la historia la francesa Yvonne Furneaux.

La historia era sencilla y directa, pues como todas las de la Hammer de aquella época, se huía de tramas complejas y se iba directamente a lo mollar del asunto como eran las aventuras y el terror, esta simplicidad de tramas permitian desarrollar todo el poderío de la historia en un metraje que rara vez superaba los 90 minutos y este film no era menos ya que en 88 minutos de metraje nos narraba una historia de terror completa conclusiva y maravillosa.

Bueno y antes de comenzar con la narración de la trama para que sepáis de que va el film, que ya sabéis los suscriptores más veteranos del canal que como siempre sin spoiler para que busques la película y disfrutes de esta como debe de ser, sorprendiendote con la trama que nos propone este film, dejenmé antes que os pida una cosa, creo que la más importante para un canal pequeño de cine como es el nuestro y no es otro que tu suscripción, a ver puede ser que estés dudando darle al botón y a la campanita, pero si te gusta el cine, si quieres conocer películas o recordarlas, esas que hacen de una tarde aburrida una velada fabulosa de cine, dale, no lo pienses más por que este canal es para eso, propuestas de visionado de cine en donde unas serán para ti, otras no y así en un vídeo que ronda los 10 minutos puedes adentrarte o no a ver la película que proponemos, así que no lo pienses más y hazlo, por que estaremos encantados de volverte a ver de nuevo por el canal.

pued dicho lo dicho vamos a la trama.

Veréis la obra de terror, terror no és, es más de aventuras que otra cosa, por lo que podríamos decir que este film es una buena iniciación en el terror para los más pequeños, no hay sangre algo raro en la hammer ni mujeres ligeras de ropa ni grandes sobresaltos, por lo que podemos verlos con los pequeños de la casa siempre y cuando no sean muy miedosos. El film arranca en Egipto, un egipto de cartón piedra maravilloso realizado en el estudio Bray Films donde la Hammer realizó sus mejores obras del 59 al 70.

Allí una pareja de arqueologos británicos que son padre he hijo Stephen y John Baning, están buscando la tumba de la reina Anaka, junto al hermano del padre y tió de john forman el trio de exploradores de la expedición arqueologica, cuando por fin descubren el lugar exacto del templo funerario John el hijo está postrado en la cama de la tienda debido a la rotura de huesos de su pierna, siendo los primeros en entrar los dos hermanos, cuando el tío va a llamar a John y dejando sólo al padre frente al sarcofago de Anaka, éste encuentra un pergamino que lee en voz alta.

Algo oscuro va a despertar, quizá el aviso que el Sr Memmet Bey les profirió antes de entrar al sepulcro.

Al llegar John se encuentra a su padre delirando siendo internado en un psiquiatrico, tras tres años del acontecimiento, John vuelve a londres con las reliquias de Anaka y coincide con la mejoría del padre que como una mala pesadilla recuerda lo sucedido y avisa de las fuerzas sobrenaturales que se ciernen sobre ellos.

Y no está equivocado ya que Memmet Bey el egipcio que previno de no profanar la tumba a llegado a Londres acompañado de una vieja momia la del sumo sacerdote Kharis y de un pergamino que le dara vida para que cumpla el cometido de su maldición.

Y hasta aquí te voy a contar, el resto de la película tienes que disfrutarla tú, una de las producciones más cuidadas de la Hammer, con una fotografía mítica del gran Jack Asher y una música compuesta por Franz Reizenstein que es parte de la historia del cine ya que murio con 57 años nueve años despues de rodar este film.

Quizá hoy para un espectador actual que se adentre queriendo ver un film de terror de la momia, pues va a quedar un poco desencantado, sin embargo si lo que buscas es un film clásico al más puro estilo de la Universal, no en bano se creo esta película para ellos, va a ser una delicia, un film con gusto gótico, donde se mezcla el pasado y aquel presente, donde no solo vemos los acontecimientos que le ocurren a los exploradores si no tambien el inicio de la maldición, siendo quizá esta parte mi favorita.

La trama mezclaba partes de las obras clasicas de la Universal donde Karloff nos aterrorizaba, siendo una mezcla de La momia del 32, La mano de la momia del 40, La tumba de la momia del 42 y con una parte final sacada directamente de el Fantasma de la momia del 44 y aunque está realizada a retales de lo mejor de cada uno de estos films La momia de la Hammer del 59 consiguió entidad propia, una entidad que le permitió como hemos dicho antes tres entregas más de este monstruo egipcio sacado directamente de un aontecimiento real como fue la muerte del explorador Lord Carnarvon poco despues de descubrir la tumba del faraón tutankamon y que crearon en el imaginario coletivo esta maldición de momias vivientes.

Y bueno, ya vamos a ir dando por terminada la reseña de esta película de mi vida, un film más que aconsejable, no muy conocido de la Hammer ya que es eclipsado por otros monstruos que son referentes de la productora, pero que merece muchisimo invertir el tiempo de 88 minutos que se te van a pasar como un suspiro, por cierto te ha gustado este vídeo, como ves me he esperado al final para que lo veas completamente, si es así regalame un Like que dudo que sirva de mucho para promocionar el canal, pero me hace ilusión saber que os ha gustado. Y bueno ya vamos a empezar con la siguiente reseña cambiando otra vez de tercio totalmente, pero para empezar con ella antes tengo que cerrar este vídeo y no lo puedo hacer sin antes desearte dos cosas, la primera que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y la segunda como no puede ser de otra forma, que vivas el cine