AMENAZA EN LA SOMBRA: Explicación

Antes de empezar quiero decir que este vídeo esta pensado para personas que hayan visto la película, si no es tu caso te recomiendo que no sigas con el visionado ya que vamos a destripar la obra completamente.
Explicar esta película es meterse en muchos vericuetos ya que la obra en sí, abre un montón de puertas y ni siquiera cierra ninguna, toda la película es un segundo acto enorme donde la resolución a los conflictos lo tenemos que averiguar nosotros con las pistas que nos ha ido dando el film.
Lo primero que vamos hacer es analizar los acontecimientos.
Estamos en Venecia pero en la temporada baja, sin turistas, donde todo se cierra y entra en una especie de letargo hasta el nuevo inicio de temporada, es en esas fechas donde se repara y se acicalan los monumentos a la espera de la llegada de los viajeros. Pero está ocurriendo algo terrorífico y es que un asesino en serie está actuando en la ciudad de los canales.
Nuestro protagonista John Baxter es un restaurador con un sexto sentido, tiene visiones y presentimientos de las cosas malas que le van a pasar a él. Ya predijo la muerte de su hija y en Venecia su camino se cruza constantemente con las victimas que va dejando el asesino, pero su mente analítica le hace descreer de sus propios presentimientos, esta falta de fe la comprobamos con sus continuos conflictos morales no solo con las hermanas videntes si no con su propio jefe, el cardenal católico que le ha contratado para la restauración de una capilla.
Laura Baxter su mujer, debido al shock causado por la muerte de su pequeña, necesita abrazar la fe, eso se ve cuando besa el anillo del cardenal sin ser católica pero además da por ciertas las afirmaciones que la vidente ciega le da sobre su hija.
Este primer contraste es fundamental para la trama ya que tenemos a alguien con un poder especial que no quiere usar y la mujer que sin tenerlo tiene la suficiente certeza y mente abierta que la hace intuir que algo malo pasa.
La historia comienza realmente cuando la vidente le dice a la mujer que la pequeña hija muerta está avisando a sus padres de un peligro inminente, Laura entiende que ese aviso de ultra tumba es tan cierto que deben de dejar Venecia de inmediato, Pero John no piensa igual y cree que las videntes son unas charlatanas y que no va a dejar su trabajo para huir solo por que dos viejas escocesas locas se lo digan.
Pero que partido toma el film en si mismo, lo mágico o lo mundano... Pues Nicolas Roeg toma partido por los temas esotéricos, ya desde el principio es una declaración de intenciones, vamos al primer plano.
La película empieza con la visión de una ventana donde se filtra un canal veneciano, es el mismo plano que veremos más adelante, este sistema de Flashback y Flashforward lo va a usar continuamente el director para explicarnos que el equivocado es John al no creer en las intuiciones que tiene la vidente y que Laura quiere que siga.
Las visiones indican que John esta en peligro mortal y si no hace caso a los avisos venidos del más allá va a ser otra victima más del asesino en serie que está sembrando Venecia de cadáveres.
La escena final con la enana asesina indican que la negación a creer de John le ha hecho perder la vida a pesar de todos los avisos.
Mucho he oido decir que la relación que hace Nicolas Roeg director del film con el agua en esta película es soberbia, pero ver estamos locos, claro que hay una relación con el agua pero el merito es de Daphne Du Maurier que lo narra en el relato en el que se basa la película, la relación del agua está muy atada al espiritismo, se dice que allí donde hay un flujo de agua constante es más fácil el contacto con lo sobrenatural, no es de extrañar entonces que nuestra película dado que la escritora se documentó bien se traslade a un mundo rodeado del líquido elemento, Venecia, el lago. Pero por favor al cesar lo que es del cesar y en esto Roeg no tiene nada que decir, sigue la obra en la que se basa.
Y el final a mi me parece maravilloso, por fin John decide marcharse, hacer caso a regañadientes a su mujer, pero una visión nitida del futuro que el cree que esta pasando en el presente hace ver que su mujer está en Venecia aún, esa visión es la de su propio funeral, él equivocado se queda en Venecia buscando a su mujer y esa visión del futuro resulta ser fatal ya que al final es victima de la enana asesina y muere.
Cuando he hablado de este film con amigos siempre me dicen que John muere por su falta de fe, por ser un descreido por hacer oidos sordos a todos los avisos que le llegan.
Pero yo tengo otra explicación y permitirme que os la ilustre con una fabula.
Esta fábula cuenta que el criado del sultan entro temblando y le pidió el caballo más veloz, el Sultan no sabiendo por que necesitaba el caballo ni la premura le pregunto por qué.
Magestad dijo el criado, en sus jardines he visto a la muerte y su mirada me ha aterrorizado, le pido el caballo para huir a Damasco y así la muerte no me puede encontrar.
El Sultan le dio su caballo más veloz y salio a pedir explicaciones a la muerte.
Muerte como te atreves a asustar a un criado en mi palacio... La muerte se excuso, perdón mi noble señor no era mi intención asustar a su criado, solo me sorprendió verle aquí cuando le tengo que recoger en Damasco.
Pues eso mismo, yo creo que es irremediable que John muriera y que sus visiones y actos le llevaron a un final ya predestinado que nadie ni nada puede evitar.
Espero haberte resuelto todas las dudas que la obra deja en el aire, si no es así te recomiendo que leas el relato en el que se basa esta película No mires ahora, que está mejor desarrollada la historia.
Por cierto parece que últimamente al reseñar una película aconsejo leer un libro, bueno sea como sea son dos buenos consejos.

AMENAZA EN LA SOMBRA: El destino como parte de la trama

Los 70 tuvieron un par de denominadores comunes, el cine de terror basado en lo paranormal y metafísico y Donald Sutherland que parecía estar en todas las películas y como no podía ser de otra forma esta obra de 1973 aúna las dos coincidencias.
Antes de avanzar en la reseña vamos a la trama, la obra está basada en un relato de Daphne Du Maurier, una novelista que ha sido una fuente incesante de adaptaciones cinematográficas que han dado gloria y prestigio a sus directores pero que parece que han eclipsado la figura de la autora, Rebeca, los pájaros, Mi prima Raquel o Jamaica Inn son muy buenos ejemplos y esta obra es otra apropiación más del cine de uno de los trabajos de esta autora.
La historia nos cuenta la vida del matrimonio Baxter que sufren un accidente terrible el ahogamiento de su hija pequeña, esta desgracia marca al matrimonio de una manera atroz. El trabajo de restaurador de John lleva al matrimonio a Venecia donde intentan sobrellevar el trauma causado por dicho accidente, alejandose de su hogar, todo va pasando con la monotonía que da la rutina hasta que en un restaurante veneciano una mujer ciega dice ver a su hija muerta entre ellos, ese será el detonante de una historia que mezcla el pasado y el futuro en una Venecia muy alejada de la visión romántica de las postales.

La película es una obra fallida, que dista mucho de la calidad del relato original de No mires ahora, pero que tiene esa cosa extraña que a pesar de ser un desastre de película atrapa y trapa mucho por que es una de las obras fílmicas que más odio y amor han generado en el público especializado y es que a pesar de tener errores garrafales en el planteamiento del ritmo, a pesar del nulo amor por el detalle de Nicolas Roeg, tiene aciertos indudables, una creación de atmósfera digno del mejor Mario Bava una fotografía digna de un retrato gótico y una veracidad de acción inusual en películas de este género, esto hace que tengas sentimientos intermitentes durante toda la obra.

¿Que es lo mejor del film? Lo mejor es donde el director inglés se siente más cómodo como es la puesta en escena y la fotografía, esto es natural ya que Roeg viene de ser director de foto de películas tan importantes como Lawrence de Arábia o Dr. Zhivago, así que el retrato de una Venecia oscura y terrorifica muy alejada de las postales que conocemos es simplemente magistral.
Otro acierto es el casting ya que los cuatro personajes donde se sustenta toda la trama no puede estar mejor escogido con una pareja protagonista en estado de gracia y esto hace que los sucesivos cambios de registro interpretativos por los que pasan Sutherland y Christie sean totalmente verosimiles. ¿Pero y las cosas malas? pues aquí hay un tropel y es por estas cosas por las que Amenaza en la sombra no ha pasado del reducto más cinefilo de los aficionados al terror. Nicolas Roeg es un mal director con un nulo amor por el detalle y eso lo podemos ver en planos donde los secundarios y figurantes miran a cámara, no sabe usar los efectos narrativos como debe y esto hace que una escena intrascendente como es la caída de los platos de una mesa se metan 4 o 5 efectos de lente con tres tomas diferentes para mostrar que se han caído los espagueti, pero si hay algo que odio es el nulo criterio al usar las lentes, es una muestra de como no hacerlo, usa lentes  con poca profundidad de campo en planos medios donde el personaje durante toda la toma está desenfocado, aperturas angulares absurdas que dan un sensación de vértigo al espectador en labores cotidianas, pero que luego se le olvida usar cuando el personaje está al borde del precipicio.
Todos esos fallos se suman a una incomprensible complejidad narrativa, ya la obra de por sí es bastante criptica y compleja y si además Roeg con esa estúpida mentalidad de no dárselo mascado al espectador lo complica más, tenemos un puzzle a medio montar en la todo el mundo se pierde irremediablemente y es que es justo en estas obras donde se tiene que ayudar al espectador a comprender que está pasando y no al revés.

Y después de todo esto tu pregunta sería ¿Me aconsejas verla o no? pues no te lo vas a creer, pero sí, es una película que aconsejo a todo el mundo que quiera ver cine de terror, por que tiene algo que engancha, tiene esas cosas mágicas del cine que la convierten en un indispensable si te gustan las películas de género y si además estás planteándote trabajar en la industria, es de visionado y análisis obligatorio, con esta obra aprenderás más de cine que en todo un año en la Escuela de cinematografía y es que en 110 minutos vas a ver como se deben hacer las cosas y como no.
Ah por cierto, la obra guarda secretos para su comprensión por lo que haré un vídeo contando todo lo que guarda este fabuloso relato.

¿Quién es Harvey Weinstein? La caída del capo

Bueno ya estamos en el capitulo 50 del canal y para celebrar este medio centenar de reseñas de cine donde hemos hablado de lo mejor y lo peor de este arte pero siempre desde un punto de vista alejado de lo más comercial, vamos ha hablar de la figura más importante que ha tenido el cine independiente a nivel mundial y como pasó de ser Caballero de la Legión de Honor o Comendador de la Orden del Imperio Britanico a un apestado por la sociedad.
Como todos ya sabéis vamos hablar de Harvey Westein.
Harvey Westein condenado de momento a 23 años de cárcel por violación y agresión sexual, fue la figura mas imponente y temida en la industria del cine mundial. Él era capaz de alzarse con el Oscar a mejor película aunque sus rivales tuvieran un mejor film alabado por crítica y público y es que Westein sabía tocar las teclas adecuadas en unos premios carentes de cualquier principio moral y ético, siempre votando a favor de corriente y jamás premiando la obra artística en si misma. Pero esta figura tiene un comienzo y este se dio en Nueva York donde con su hermano Bob crearan una productora de cine independiente llamada Miramax.
La carrera de los Wenstein empezó produciendo pequeños conciertos de Rock por Búfalo la segunda ciudad más grande del Estado de nueva York, aunque siempre con un objetivo claro, meterse en la industria del cine y con la ganancia que consiguieron con la producción de esos conciertos en 1979 Bob y Harvey Westein montan MIRAMAX. Debido a su conocimiento de producción musical y nulo conocimiento del séptimo arte sus primeras producciones fueron la de la gira del ex Beatle,  Paul McCartney's Rockshow, con pocos recursos pero sabiendo lo que vende dentro de la industria por aquel entonces musical se  encontraron con un producto que les permitiría introducirse en el cine sin dejar de lado su vertiente musical y que sería la primera piedra de la faraonica pirámide que llegó a ser MIRAMAX y esté producto fue The Secret Policeman´s Other Ball.
En 1982 el productor y humorista inglés Martin Lewis contactó con varios comediantes y músicos británicos para hacer en el Teatro Real de Londres unas actuaciones mixtas de comedia y concierto a favor de Amnistía Internacional, para sacar más fondos decidieron grabar las actuaciones teatrales y montarlas en dos películas que se venderían en video domestico y se distribuirían por pequeñas salas de cine, entre los actuantes tenemos desde comediantes como los Mony Pyton o Rowan Atkinson hasta músicos de talla mundial como Sting o Eric Clapton.
Los hermanos Westein vieron en ese producto una piedra de toque genial, ya que podían con poco dinero producir una película bajo el sello de algo tan reconocible como Amnistía Internacional, dando un halo no solo más serio a su producción si no que se aprovecharon de una sensación falsamente altruista, ya que las ganancias generadas iban directamente a Miramax Para hacer más rentable el film de la dos películas se redujo mediante cortes a un único film dejando así solamente los actores más reconocibles en EE.UU.
Nadie conocía quien era MIRAMAX pero el señuelo de un organismo internacional tan importante y reconocible hicieron de esta producción todo un éxito.
Este sistema de comprar películas producidas y estrenadas en otros países y reeditarlas para que funcione en el circuito americano se convirtió en su modus operandi que les funcionó hasta bien entrados los noventa. Un buen ejemplo es la película Irlandesa The Crying Game o la española Atamé! de Pedro Almodóvar.
Su buen ojo a la hora de buscar productos internacionales para un público estadounidense cansado de las películas Mainstream empezaron a forjar el logo de MIRAMAX como sello de calidad en las películas independientes, dando a Bob y Harvey Westein un poder dentro de la industria B de Hollywood.
En los 90 van dejando a un lado la distribución de películas ya producidas a la producción pura Clerks en el 94 y Smoke en el 95 son dos buenos ejemplos del tipo de obras que producían, baratas pero con un target muy definido que les daba ganancia y prestigio a partes iguales, pero a Harvey el poder poner en marcha la máquina de los sueños le dio otro poder menos benévolo y era la sensación de impunidad ante el acoso sexual a actrices que empezaban.
En 1993 Producen la película La noche que nunca tuvimos de Warren Leight, esta obra le dio la posibilidad de contactar con Annabella  Sciorra actriz que co-protagonizaba el film. Aprovechando una fiesta de producción  Harvey la acompañó a su casa donde la forzó y violó según narra ella.
El la amenazó con que no volvería a trabajar si el escándalo salía a la luz, no quiero imaginarme la sensación de asco de la actriz cuando cuatro años después tuvo que volver a trabajar con él en Copland.
Miramax crecía, su doble vertiente de productora y distribuidora la estaba haciendo un gigante en la industria, El peligro para las Major era tal que la Disney que ya tenía su departamento de imagen real Buena vista Ent. Compró en 1993 a MIRAMAX para que dejara de ser un estudio independiente, MIRAMAX tenía total independencia y mantendría oficinas separadas de su gigantesca anfitriona, esto es algo inaudito en la industria ya que cuando absorbes una productora pequeña la libertad de está se reduce drásticamente pero este no fue el caso en MIRAMAX, todo lo contrario, Auspiciado por la compañia del ratón MIRAMAX se convirtió en un gigantes con pies de acero, disponía de todos los privilegios de pertenecer a una megacorporación y la libertad de producir sus películas.
Este poder en manos de alguien con tan pocos escrúpulos atemorizaron a la competencia.
Hollywood se rindió ante MIRAMAX o mejor dicho ante los Westein.
La relación de Tarantino con la productora era tan solida que todas sus películas pasaban por la producción y distribución de MIRAMAX, el chico malo de Hollywood tenía de jefe a un verdadero depredador, no solo en lo sexual si no con el resto de productoras, Harvey no conocía la ética a la hora de competir contra el resto de películas nominadas a los Oscar y de hecho muchos de los pucherazos más sonados se han dado con películas en las que participó Miramax, El Paciente Ingles, Chicago, Sakespeare enamorado o No es país para viejos son un buen ejemplo de ello.
Nadie podía tocar a los Westein y eso convirtió en un depredador sexual a Harvey, podía campar a sus anchas, agredir sexualmente a la actriz que quería o arruinar la carrera de la que le diera problemas, Harvey había pasado de ser un productor a un magnate de la industria y nada ni nadie podía tocarlos sin salir dañado.
Pero aparece una persona de la que nadie habla y es el desencadenante de todo y ese es Robert Allen Iger o más conocido como Bob Iger.
En el 2005 hay un cambio de CEO en Disney Bob Iger era el Jefer de Operaciones de la compañía y era consciente del poder e influencia de los Westein pero también sabía de las artimañas que los hermanos hacían y de los enemigos que se estaban creando, esto era un peligro para una de las más grandes corporaciones de la historia, asi que nada más ser ascendido a CEO se deshizo en tiempo record de los Weinstein, Iger toma el mando en Febrero, en marzo se anuncia la expulsión y en Septiembre los hermanos Weinstein dejan Miramax, no sé que presiones sometió Iger a Harvey y Bob Westein, pero estos abandonaron la compañía que llevaba el nombre de sus padres, aunque no lo sé me imagino que serían bastante contundentes.
Los hermanos fuera del paraguas de la Disney montaron su propia productora la Weinstein  Company, que empezó a dar frutos de inmediato, pero aunque no eran conscientes los pies de acero del gigante se habían convertido en barro sin el amparo de tan enorme corporación.
Los enemigos estaban al acecho y se habían creado unos cuantos, un detalle a tener en cuenta es que és ahora cuando curiosamente empiezan a caerle demandas.
La primera fue la de Sam Moore integrante del dúo Sam & Dave, que vio plagio de su trayectoria en la película Soul Men en el 2009 y en el 2011 por temas económicos Michael Moore.
Ahora van a empezar los problemas de verdad para Harvey y el que crea que fue el movimiento Me Too es que es demasiado inocente.
Cuando solo los hermanos Weinstein abandonaron Miramax no empezaron los rumores sobre la afición poco sana de Harvey por las mujeres, al principio fue algo tranquilo, callado, no muy escandaloso, un comentario en la alfombra roja, un chiste en un Latenight, los rumores se empezaban a filtrar a los presentadores más irónicos y esto empezó a minar la figura del magnate. ¿Quién filtraba esa información? es la pregunta que jamás sabremos.
En los Oscar empezó a ocurrir cosas que antes no pasaban, películas favoritas  a mejor película producidas por ellos perdían, Malditos Bastardos, El Lector, El lado bueno de las cosas. Solo fueron capaces de llevárselo The Artist donde era una co-producción y la Weinstein Company solo actuó como distribuidora y con el Discurso del Rey en la que también fue una co-produccion.
En el 2013 ocurre algo que solo se le ocurre a un guionista de cine, Wenstein era el capo en las ceremonia de los Oscar, era su casa, su feudo, capaz de quitar premios sonados como Salvar al Soldado Ryan a Steven Spielberg, pues bien el presentador de la gala Set McFarline cuando anuncia las nominadas a mejor actriz dice esto.
https://www.elperiodico.com/es/videos/tele/los-oscar-a-mejor-actriz-del-2013/4189749.shtml
Enhorabuena a las nominadas, ya no tienen por que sentirse atraídas por Harvey Weinstein.
Esa acción sibilina es una declaración de guerra frontal, en la casa del que se creía intocable, ya nadie tiene que temerle, la industria le ha dado de lado.
Aunque tubo poder para neutralizar las primeras denuncias ya el resto es historia, las primeras denuncias, el me Too, las continuas declaraciones de las agredidas en los programas de TV.
Aplastaron al que se creyó rey de la industria del cine, que actuó con soberbia y se gestó tanto enemigos que al final con 68 y 23 de condena podemos asegurar que terminará sus días en la cárcel en otro final feliz de la industria Hollywodiense

47 RONIN Una leyenda japonesa hecha cine

Hoy es el momento de disfrutar de eso que llamamos cine de entretenimiento pero de calidad, por que 47 Ronin es una joya del cine de acción, no confundir con la patochada que se hizo en el 2013 con Keanu Reeves, esa porquería en mi canal no entra.
No, hablamos de la obra dirigida por Iroshi Inagaki en 1962, que aunque es un remake de la fabulosa película dirigida en el 41, es para a mi parecer más al gusto actual, aunque sin desmerecer la obra de Kinji Mizoguchi.
La película es perfecta y el director sabe como contar una historia del Japón Feudal ya que es el autor de la trilogía SAMURAI una obra que es considerada todo un clásico en el país Nipón.
La historia que nos narra esta película es una obra de venganza y honor pero es tan compleja que ambas películas la del 41 y esta del 62 pasan de los 200 minutos, pero no te asustes por que es tan divertida que se te pasarán volando, hay cortos que se me han hecho más lentos.
Todo empieza con la enemistad de dos casa feudales, la casa de Kira que es un hombre sibilino que ha sabido ascender con malas tretas y la casa de Asano un joven y honorable señor.
Kira deseoso de quedarse con las tierras de Asano le tiende una trampa en la que el noble señor cae y esto trae la desgracia a su casa. Obligado por el bushido (reglas de honor por las que se rigen los samurais) Asano se tiene que hacer y se hace el seppuku o arakiri. Y es aquí donde empieza la historia, el resto de Samurais de la casa deciden preparar una venganza de honor y para ello deben de perder el suyo, simular ser ronin deshonrosos para llegado el momento acudir a la llamada y cumplir la venganza de su querido señor Asano.

La película tiene de todo, pero sobretodo tiene épica y tú como espectador te sumerges en el japón feudal de tal forma que te olvidas que esos que estás viendo son actores, creyendo absolutamente todo lo que está pasando como si fueras un espectador de algo que está pasando en la vida real y es que la forma de dirigir de Inagaki es perfecta, la ambientación, la puesta en escena, la luz todo es perfecto pero si hay que destacar algo es el trabajo de dirección de actores, es que no puedes imaginar que lo que está pasando no está pasando realmente.
Yo no sé como de aficionado eres al cine japonés, pero aunque jamás te haya atraído el mundo del Sol Naciente esta película te va a gustar.
Así que hazme caso, pide sushi a domicilio, saca una botellita de sake y pasa 200 minutos maravillosos con 47 ronin, Ah por supuesto tiene nuestro 10

LA INVASIÓN DE LOS ULTRA CUERPOS: Un buen remake

Philip Kaufman nos adentra en el mundo del genero que mezcla terror y ciencia ficción con este remake de la película del 56 La invasión de los ladrones de cuerpos que se basa en un relato de Jack Finney y que ha sido fuente de pesadillas nocturnas para varias generaciones en su infancia.
La película sin ser un remake necesario ya que la obra de Don Siegel sigue funcionando, es una obra eficaz que le da una pátina de barniz y consigue durante unos momentos hacernos olvidar de su antecesora y tratándose de un clásico no es poca cosa.
Kaufman director bastante mejorable firma con esta obra la mejor película de toda su carrera muy por encima de su siguiente obra más destacada, elegidos para la gloria.
En ella nos cuenta la lucha de Matthew y Elizabeth contra una especie de esporas espaciales que están cambiando el carácter a la gente del pueblo.
La historia ha sido fuente recurrente a lo largo de la historia partiendo desde el original de de Siegel en el 56, por esta de Kaufman en el 78 la de Abel Ferrara en el 93 y la última versión de Oliver Hirschbiegel del 2007 y cada vez que se hacía una nueva versión ésta perdía fuerza hasta convertirse en algo inútil y que nos hace añorar la antigua versión del 56.
Pero en este caso no pasa, es una magnifica opción para ver en lugar del original o para verlas juntas por que Kauffman consigue que parezca otra película, de hecho no tienes sensación de ver una copia si no que tiene entidad propia.
Si quieres pasar una noche de miedo con altas dosis de ciencia ficción, ponte esta película que no te va a defraudar, por cierto no te duermas cerca de esa planta que tienes. ¿no crees que tiene una forma algo inquietante?

MISHIMA, UNA VIDA EN CUATRO CAPÍTULOS, una película de samurais en pleno siglo XX

Este vídeo lo dividiré en tres partes, la primera hablaremos de Paul Schrader su director y guionista, la segunda nos centraremos en la película y la tercera hablaremos de Yukio Mishima por que esta película está basada en hechos reales y si no sabes nada de Mishima y quieres ver la película te aconsejo que omitas la parte final del vídeo.
PAUL SCHERADER:
Estamos ante uno de los mejores guionistas y directores de la historia del cine que por supuesto no ha ganado un Oscar o mejor dicho, los Oscar no se han merecido un Scherader.  Y decimos esto por que  los guiones escritos por el de Michigan están entre lo más granado de la historia del cine ya que suyos son los guiones de Taxi Driver, Toro salvaje o La última tentación de cristo entre otras muchas y como director no se queda atrás ya que Hardcore, American Gigoló, Affliction o la película que nos ocupa Mishima, Una vida en cuatro capítulos son obras que destacan entre lo más florido de la cinematografía mundial.
Ganador en Cannes a la mejor contribución artística por esta película en 1985 es un cineasta de lo más particular ya que su férrea educación calvinista le impidió ver una película hasta los 18 años, tras ese periodo de abstinencia se enamoró del séptimo arte, tanto que estudió cinematografía en la Universidad de California en Los Ángeles o como se la conoce popularmente la UCLA. Tras sus estudios fue crítico de cine y después guionista para terminar dirigiendo sus propias películas.
 Schrader a demostrado estar muy influenciado por la cultura japonesa, su primer guión fue Yakuza en 1975 y que dirigiría Sydney Pollack en un thriller que nos cuenta mucho más de lo que parece ya que toca temas como la negación de un país a perder su identidad, tema que vuelve a rescatar en la película que reseñamos hoy, Tras ese primer guión escribiría en 1976 Taxi Driver y lo demás ya es historia del cine.
MISHIMA, UNA VIDA EN CUATRO CAPÍTULOS
Mishima es su quita película como director y se atreve quizá con lo que és la trama más compleja de toda su filmografía y probablemente con una de las películas más difíciles de dirigir de toda la historia del cine y es que el personaje que toma como hilo conductor Yukio Mishima es de una singularidad tal que parece imposible condensarla en los 120 minutos que dura el film.
Mishima, Una vida en cuatro capítulos nos narra la vida de Kamitake Hiraoka, más conocido como Mishima, uno de los escritores más influyentes de Japón con una visión política nacionalista y tradicionalista que busca volver al Japón anterior a la derrota en la Segunda Gran Guerra y restaurar al Emperador como jefe de estado, su plan es dar un golpe de estado contra el actual sistema por lo que crea un ejercito privado llamado La sociedad del Escudo.
Para darnos una visión total del personaje,, Schrader mezcla su vida actual, su vida pasada y sus ideas plasmadas en su obra literaria más importante, la tetralogía de El Mar de la Felicidad, estos cuatro libros sirven a Schader como punto de partida para mostrar toda la visión de tan enrevesado y polifacético personaje.
Realmente la historia es narrada en un único día, pero viajamos en los recuerdos del personaje para entender su visión del mundo y el por que de sus acciones, aunque realmente es en la recreación de los fragmentos de sus obras literarias donde mejor se dibuja al personaje, su sexualidad, su linaje de antiguo samurai, su negación a claudicar frente al invasor y el sueño de retornar al antiguo imperio del Sol naciente.
La película es perfecta, no solo su trama y la forma de contarla, es que la fotografía usando el color, el blanco y negro, la puesta en escena realista y onírica para llevar de la mano al espectador sin perderse entre las idas y venidas temporales de la obra son simplemente magistrales y como colofón a una de las películas mas bellas jamás rodada tenemos  la banda sonora original compuesta por un Philip Glass en estado de grácia.
YUNKIO MISHIMA
El personaje que toma Schrader como protagonista  es quizá el más complejo de la historia, sus multiples caras, sus incongruencias vitales y sus principios morales y sociales es una trampa en sí misma para cualquier guionista, excepto para Shrader.
Mishima en los años 60 y 70 era un personaje popular en las revistas y tabloides, esta popularidad la consiguió gracias a  su estilo de escritura, hoy en día es considerado el padre de la literatura moderna japonesa, nominado a los premios Novel dos veces antes de los 45 años hablan de lo inconmensurable de su figura, una figura bastante controvertida, militante de la extrema derecha y nacionalista japones, su estirpe de samurais le marcó desde su infancia, el estallido de la guerra hizo querer cumplir con su deber y alistarse como piloto kamikaze, pero una tuberculosis le negó al placer de morir como mártir por su país, este hecho le marcaría de por vida teniendo una relación con la muerte y el suicidio muy particular.
En el momento más álgido de su carrera, cuando más dinero, poder e influencia tenía con la sociedad japonesa, crea un ejercito privado (Hay que reseñar que Japón tras su derrota tenía prohibido tener ejercito y lo que suplía el mismo era una fuerza de autodefensa) este ejercito que se llamó Tatenokai o Sociedad del Escudo, tenía como principio fundacional el restaurar al emperador como jefe de estado y romper con las limitaciones que EE.UU. y Occidente imponían al país del Sol naciente.
Con la connivencia de las Fuerzas de Autodefensas Mishima entrenó a su ejercito privado en las instalaciones y cuarteles de las mismas, llegado un día Mishima cree estar preparado para el momento final, dar un golpe de estado, eliminar a los mandatarios acomodados y levantar a la sociedad civil en armas, para ello cuenta con que los soldados de las fuerzas de autodefensa se le unan, aprovechándose de la influencia y reconocimiento que tiene, él y cuatro cadetes de su ejercito particular secuestran al general del Cuartel General de Tokio, para su liberación solo pide una cosa, hablar a los soldados para unirlos a su causa nacionalista y levantar en armas al país. Así que subido al techo del cuartel y con todas las tropas formadas da un discurso que es recogido con burlas y abucheos, Mishima no se dió cuenta que el Japón que tenía en su mente era solo un reducto del pasado y que los japoneses actuales habían olvidado su antigua identidad feudal y habían abrazado el capitalismo occidental como método de vida.
Tras su fracaso, Mishima y su segundo Morita se hicieron el Seppuku o harakiri, suicidio ritual que conlleva el desentrañamiento y decapitación del suicida.
Este hecho conmocionó a todo un país y quedó en el recuerdo de uno de los más grandes literatos no solo de la historia de Japón si no de la literatura mundial.

MATAR O NO MATAR, ESE ES EL PROBLEMA: Maravillosa película de Price

Es por películas como estas por lo que Vincent Price es uno de mis actores favoritos, capaz de no rechazar ningún papel siempre que le pueda sacar el lado perverso al personaje.
Matar o no Matar, este es el problema, es una película imperfecta a veces deficiente y frecuentemente rozando el desastre, pero como el boxeador que se niega a ser noqueado siempre remonta para dejarte pasmado con el siguiente plano, la siguiente toma o el siguiente final de escena y es que a pesar de  que hay comedias mejor hechas, con un reparto más equilibrado y un presupuesto más elevado. Esta tiene eso que llamamos magia que la hace insuperable, que la recordamos de por vida y que secuencias de la obra se conectan de tal manera a los recuerdos que pasen los años que pasen siempre te sacan una sonrisa y es que no puede ser mas loca.
La película nos cuenta la vida de Edward Lionheard , si Eduardo Corazón de León y no es el primo lejano de Rey Ricardo I de Inglaterra, si no un actor de cierto renombre que siempre, siempre siempre interpreta papeles de las obras de Sakespeare, un día El Circulo de Críticos de Londres deciden entregar su galardón anual a otro actor por lo que Edward Lionheard lo toma como una afrenta personal y decide vengarse de todos los críticos asesinándolos uno a uno pero con un ligero matiz todas las muertes representan un asesinato escrito en alguna obra Sakesperiana.
La historia que tiene esta película detrás de bambalinas es de lo más insólito que he visto en la historia del cine. Resulta que Stanley Mann guionista del Ojo de la aguja o El coleccionista por la que ganó un Oscar de la academia, tiene la idea de la película y hace un tratamiento sobre ella, pero al estar enfrascado en el guión de lo que sería después La ruleta rusa, el guión se lo dan a Anthony Greville-Bell un oficial del ejercito de Australia que había combatido en la Segunda Guerra mundial y que tres años antes se había estrenado como guionista en Cincuenta millones y una mujer.
Entre la idea de Mann y la elegancia en la escritura de Greville-Bell montan una de las más negras comedias que ha dado el séptimo arte y es que te vas a sorprender riéndote de como matan a una persona y eso solo se puede conseguir siendo un guionista loco de remate pero eficaz a la hora de manejar los sentimientos del espectador.
Douglas Hickox se atreve a dirigir tal disparate simplemente por que no tenía nada que perder, en 13 años de carrera solo había dirigido 3 filmes, por lo que peor no le podía ir, lo que es un verdadero milagro es como pudieron levantar el presupuesto para hacerla, la verdad es que se hizo con muy poco presupuesto y el poco dinero lo que consiguieron de Harbour Production una productora de televisión canadiense fundada por Raymond Burr, si el mismo que hace de asesino en la ventana indiscreta y que luego fue distribuida por la United Artist el por que la United distribuyó tal film venía de los problemas económicos que empezaba a tener la compañía a la que Cimino le dio la puntilla 7 años después.
Douglas Hickox saca oro de cada libra invertida haciendo un trabajo de puesta en escena digno de los más grandes directores, un autentico esteta que vierte todo su talento en esta obra, el problema es la falta de continuidad como cineasta y se le nota con el ritmo que imprime a la obra, siendo excesivamente denso en algunas partes en las que estas al borde del bostezo pero que luego te sorprende con un plano de ritmo descomunal o un colofón tan loco que te vuelve a meter en la película, a la media hora ya le has pillado el punto a tan singular tempo y sabes que después de 10 minutos aciagos viene la recompensa, así que le perdonas esos pequeños defectos.
El reparto, plagados de secundarios británicos está fenomenalmente escogido yo no sé que tienen los actores ingleses que no hay uno malo y más cuando se trata de reírse de si mismo, el problema es que exceptuando al gran Vincent Price no hay ningún nombre que ayudara a vender la película, pero todos, absolutamente todos dan la replica al gigante de Misuri.
Mi corazón le daría un 10 a esta comedia pero he de ser justo y valorar con la cabeza y más de un 7 no se merece, pero os lo juro que le daría un 10, es de esas películas que cuando abro el cajón donde la guardo y me acuerdo que la tengo, pongo el DVD y paso una hora y media larga de cine sin complejos. Por eso si has llegado hasta aquí la mejor recompensa es que la busques y te la pongas. Por cierto tiene un error garrafal y es el título en español. Simplemente lamentable, que pena que no hayan traducido literalmente y lo hubieran dejado como Teatro Sangriento... en fin nadie es perfecto.

THE SQUARE: Una película sueca con mucho Arte

Llevaba tiempo queriendo reseñar esta película sueca, de director que yo francamente desconocía pero que ha resultado ser un verdadero genio hablando de cosas tan etéreas e incomprendidas como el arte moderno, aunque el bueno de Ruben Östlund que también es el guionista de esta obra, usa el Arte como señuelo ya que de lo que realmente va a hablar es del postureo constantes de las élites progresistas que tienen cargo de conciencia por pertenecer a ese sector de la sociedad que forman la nueva aristocracia.
Para ello nos adentra en la vida de Christian manager de un museo de árte contemporaneo muy comprometido con el actual clima de la negación de clases, trata a sus subordinados como amigos y jamás impone su criterio pos ser simplemente el jefe.
Pero el robo de su móvil y cartera hará que esa fachada de buenismo se caiga como un castillo de naipes mientras monta una exposición que se basa en el altruismo, los valores sociales y que fomenta el humanismo, usando las más bajas estrategias de mercadotecnia, para vender la obra. (Por cierto el anuncio que hacen los publicistas para vender la obra es de vergüenza ajena, solo por verlo merece la pena poner esta película)
El film es catalogado como comedia y francamente lo es, pero no pienses que te vas a reir ni un solo momento ya que Ruben Östlund lo que crea es un espejo que ridiculiza la sociedad actual y en gran parte a nosotros mismos.
Es una obra genial, divertida con una trama muy elaborada que aunque no es perfecta, tiene momentos gloriosos.
Lo peor que tiene la película es el poster y la escena del hombre mono que puede llevar a engaños, ya que esa secuencia poco o nada aporta a la historia y por la fuerza visual que tiene es la imagen más explotada, esta incongruencia del engaño hace que tanto el director como la productora los metamos en el saco que ellos mismos critican.
Se que puede parecer una película densa y compleja, pero nada de eso, es entretenidisima te tiene enganchado a las aventuras detestivescas y de romances sin compromisos de Christian, personaje que es al final un reflejo de nosotros mismos.
Si creeis en mi criterio no dejéis escapar este film, es muy sano ver como somos.

BLUE RUIN: La vuelta del cine Polar

Hay veces que se nos olvida que no todo es Hollywood y sus enormes dosis de testosterona cuando de cine de acción se trata, que Europa y más concretamente Francia tomó el genero como suyo, creando en los 70 y 80 el cine Polar, una manera diferente de contar las típicas historias de cine negro o detectives centrandose en la parte canalla de la historia, personajes siempre con un motivo equivocado o directamente criminal que se ensalzan a la categoría de protagonistas.
Su ritmo y cadencia muy alejada de las prisas de su hermano mayor hollywoodiense, nos da la oportunidad de pensar y recapacitar sobre la vida, obras y circustancias del personaje protagonista y eso es lo que hace Jeremy Saulnier director Virginiano que da la espalda a la forma de hacer cine de de su país y toma como propia la forma europea de contarla.
Blue Ruin, segunda película del director y para mi la mejor de su filmografia, es una historia de venganza pero que esconde tras la premisa el verdadero género de la misma que es la de construcción de un personaje que al principio es un lienzo en blanco que poco a poco se va dibujando para mostrar un hombre corriente metido en una vorágine de violencia que le supera.
Esta premisa es su mejor acierto pero también su penitencia, ya que una vez que el personaje es completado el resto de la trama carece de interés, dando un bajón considerable en la ultima parte del film que aún así resuelve bastante bien.
Sobre la película prefiero no contar mucho ya que el placer de ir descubriendola poco a poco es uno de los alicientes de la obra y narrar en exceso la trama os robaría ese placer, por eso solo decir que Dwaight es un vagabundo trentañero que un hecho acaecido en su pasado vuelve para trastocar el mundo del joven y silencioso mendigo.
Esta película independiente logró hacerse con el premio John Cassavetes en 2015, lo que otorgó cierta fama al director para que Nic Pizzolato se fijara en él y formar parte del elenco de directores que dirigirían la tercera temporada de True Detective.
Mi recomendación es que lleguéis a esta obra con la menor información posible y que disfrutéis de este maravilloso thriller, más cercano Al Amigo Americano de Wenders que a Yo soy la justicia de Michael Winner.
Así que sin más os dejo en compañía de tan barbudo y silencioso amigo.

VIDEODROME: La película más personal de Cronenberg

Esta reseña es por la petición de José un suscriptor del canal que me ha puesto en una difícil tesitura, es lo que tiene hacer vídeos para gente inteligente como vosotros, que corro el riesgo de que me pongáis en verdaderos apuros, como es el caso.
Y es que Videodrome es una película difícil de reseñar en todos los aspectos, era la primera vez que Cronenberg se encontraba con un gran presupuesto y una cierta libertad creativa ya que la Universal y el resto de coproductoras metieron casi 6 millones de dólares en la película, lo que era una cantidad importante para la época. Esto ocurrió por el rotundo éxito que tuvo con su anterior film La Zona Muerta basado en la novela de Stephen King.
Pero la cosa se complica en varios puntos que desgranaré después, pero que eran los siguientes.
Obra Escrita y dirigida por él sin una obra literaria detrás que la sustente, usa a cantantes como actrices y se centra en algo tan cambiante y en continua evolución como la tecnología que es la base de su obra.
El resultado y respaldo en taquilla sin ser una debacle si resulto ser un fracaso, en la que se perdió más del doble de lo que se recaudó en las salas... pero esta obra da para mucho más ya que gracias al vídeo domestico se convirtió en una obra de culto casi instantánea, haciendo de este film una obra más que rentable.
Lo que nos cuenta Croenenberg en este film es algo que hoy en día esta muy de moda y creo que siempre a estado ahí, como los poderes y las corporaciones intentan controlar nuestras mentes mediante la pantalla de casa intentando que por ejemplo te gastes más de lo que tienes en un aparato electrónico que no necesitas, solo por que lleva el dibujo de una manzana mordida.
Pues esa es la premisa, que en la actualidad estamos cansados de oírlas pero que en 1983 resultó ser toda una revolución.
La historia nos cuenta la vida de Max Renn, un directivo de una pequeña televisión local que en la búsqueda de conseguir más audiencia y a la vez más dinero recurre a lo que el público reclama, en este caso sexo, es por eso que su cadena se centra en la pornografía para conseguir más audiencia, pero esta insaciable siempre pide más, por lo que Renn empieza a buscar cada vez cosas más fuertes, un día se encuentra ante una proyección pirata en la que se ve una ejecución en directo en lo que sería una película Snaff, la búsqueda de saber quién esta haciendo esas retransmisiones le llevarán a un mundo que transcurre entre la realidad y las alucinaciones.
Personalmente es una película que me impactó de joven y que en la actualidad están entre mis verdaderas obras de culto, con algunos errores y muchos aciertos y es ahora donde voy a desgranar los puntos que dejamos en el aire.
En está película vuelve a cometer el error de guionizarla él y es que por mucho que se empeñe Crononberg no es un buen guionista, esto hace de sus películas cuando las guioniza un verdadero galimatías que necesitas varios visionados para ordenar la obra, el primer acto del film es espantoso... si no sabes de que va la trama, te enteras a los 20 minutos que está haciendo ese tió con las cintas porno, esta obra es tan buena por la idea de Cronenberg pero es tan mala por no confiar su escritura a un guionista experto.
En el reparto incorpora a Deborah Harry cantante del grupo Blondie y no sé que me pasa con los cantantes cuando se meten a actuar que siempre me gustan, Sting en Dune o Quadrophenia, Mick Jagger en Ned Kelly o Iggy Pop en el Western español con tintes futuristas Atolladero y aquí Harry me encanta, me la creo totalmente y da un valor a la obra impensable en una persona tan ajena al cine como es una cantante.
Pero el que a Cronenberg le encanta andar por el filo de la navaja lo encontramos en la premisa del film "La tecnología" si hay algo que no para de avanzar desde los 50 hasta nuestros días son los avances técnicos, con lo que de un año para otro lo nuevo y actual se queda obsoleto, pero la obra es tan autentica que a pesar de que todo lo que vemos en los 80 parecen artilugios de los cromañones sigue teniendo vigencia y quizá más hoy en el siglo 21 que en el momento que se rodó, por que llevar lo que nos cuenta a las redes sociales y a su influencia sobre la gente da a esta obra de Cronenberg un aire profético que da más miedo ahora sabiendo lo que sabemos que en los felices 80 cuando no se vivía en el mundo virtual.
La película se la recomiendo a todo el mundo, pero voy a daros un par de pautas para verla sin que te explote la cabeza.
1 Nedd es el CEO de una televisión que busca porno.
2 Todo lo que te parecen visiones, lo son.. no hay más el tío va flipado y su realidad se vuelve confusa, es su alucinación no la tuya, dale la explicación más lógica por que es la real.
3 No te quedes en un único visionado, a no ser que te haya aburrido sobremanera, si tienes la sensación que se te ha escapado algo... es por que se te ha escapado algo, mírala otra vez y ya tendrás la respuesta por que el film está totalmente desordenado.
y 4 si te encanta la obra no te sientas un bicho raro, somos legión los que adoramos esta obra imperfecta de Cronenberg y mucho más por sus múltiples errores. Prefiero mil veces estas películas que las franquicias super perfectas que evitan molestar a nadie por la imagen de la empresa que los auspicia.

Las 3 desconocidas de Hitchcock CAP3 : RECUERDA

Ya hemos llegado al final del monográfico de las películas menos recordadas de Hitchcock y en este caso y para cerrar vengo con una obra no solo no es conocida por el gran público si no que hay aficionados al director inglés que tampoco saben de su existencia y que por supuesto jamás verás en una lista ni ranking. Se trata de RECUERDA película rodada en 1945 cuando el director ya tenía una fama a nivel mundial.
 Para el elenco artístico contó con dos verdaderos pesos pesados como eran Gregory Peck e Ingrid Bregman, la acogida del público fue excepcional siendo nominada a 6 Oscar de Hollywood y en la que Milos Rodza ganó la estatuilla dorada por la mejor banda sonora.
Basada en la novela de Francis Beeding, el film nos narra el cambio de director de un hospital psiquiátrico, donde el joven Dr. Edwards va a tomar el relevo del viejo Dr Murchison, allí Edwuards conoce a la Dra Petersen con la que pronto comenzará un romance, pero hay algo extraño en el joven doctor que convertirá ese relevo en una cacería al hombre.
La película no es ni mucho menos la mejor de Hitchcock pero tiene suficientes alicientes como para que su olvido sea una gran injusticia, la obra peca de un primer acto aciago y con demasiadas incongruencias narrativas que convierten la primera media hora de película en un acto de valentía y de fe en el director, un buen ejemplo es ver como doctores en Psiquiatria se meten en un quirofano a operar o como una mujer fría y distante como Constance, cae rendida a los encantos de Peck en 3 minutos, además de no pasar absolutamente nada de interés en todo ese tiempo en el que parece más un pastiche de genero romántico empalagoso que una obra de misterio. Pero una vez que pasamos esa tediosa media hora tenemos por delante 80 minutos del mejor Hitchcock, en donde la Psique forma una pieza importante en el desarrollo de la trama y en la que el director contrató a Dalí para dar forma a los relatos oníricos, planos rodados en estudio que hacen la delicia 75 años después y que merecerían ser más recordados por lo artísticos y singulares en una película comercial.
Tras ese segundo acto maravilloso y del que soy un fan empedernido nos plantamos en la parte final de la película donde vamos a atar todos los cabos que el misterio de la trama ha dejado abierto y que aunque bastante previsible no puedo evitar sorprenderme con el plano final que por respeto a vosotros y a no destripar la obra tengo que guardar para mi.
Es una obra muy al gusto de la época, demasiado pomposa para el gran público actual, aunque muy recomendable si eres un seguidor de Hitchcock o si te apetece ver un clasicazo en esas noches de mantita... por cierto, hay veces que la película me recuerda a la novela LOS RENGLONES TORCIDOS DE DIÓS de Torcuato Luca de Tena. una novela de misterio que si que recomiendo su lectura hasta al más exigente de vosotros, amigos de la psique.

Las 3 desconocidas de Hitchcock CAP2 : TOPAZ

Continuamos con las películas de Alfred Hitchcock que son injustamente ninguneadas a la hora de hablar de su filmografía, en este caso no solo no comprendo el olvido si no que me parece una de sus cinco mejores obras.
La premisa no puede ser más interesante, un alto mandatario soviético se fuga a EE.UU. en medio de la crísis de los misiles de Cuba, ante la imposibilidad de que un agente norteamericano se infiltre en el país caribeño, piden al espía francés André Deveraux que recoja información de primera mano, este se encontrará con varios conflictos morales y familiares, una mujer cansada del trabajo de su marido y al deber que tiene con su país de informar de lo hallado en Cuba.

La película es para mi el mejor 007 que se ha hecho jamás pero sin chulerias, fantasmadas y con una dosis de veracidad que ya le gustaría al bueno de Ian Fleming crear una trama semejante para sú agente con licencia para matar.
El film es un alarde de estilo, Hitchcock crea en esta obra la muerte más bella jamás rodada, donde un vestido morado hace las veces de un precioso charco de sangre al expandirse.
Por lo demás está película está a años luz de cortina rasgada por poner un ejemplo similar en el tiempo y en la temática, pero carece de la fama de ésta, yo creo que los factores son varios, que no hay Primeras estrellas en el reparto, que es un francés el que salva la cara al servicio de inteligencia estadounidense y que en la historia hay varias infidelidades y no solo del esposo, por lo que a la sociedad del 69 ver a una mujer madura casada con el protagonista tener un affair con otro, pues no sería de lo mejor visto en el cine.

Créanme si les digo que es la película más aconsejable si te apetece ver una trama de espionaje con el toque del genial Hitchcock, si se animan a verla no se van a arrepentir

Las 3 desconocidas de Hitchcock CAP1 : FRENESÍ

Alfred Hitchcock director que en la actualidad es considerado como uno de los dioses de este arte, aunque hay que recordar que no siempre fue así, es sin duda un director recurrente cuando hablamos del cine de suspense o thriller, es habitual encontrar varias de sus películas en todas las listas de las mejores películas de todos los tiempos, pero hay algo bastante particular y es la repetición de las mismas constantemente, Psicosis, los pájaros, vértigo, encadenados o la muerte en los talones, son películas que siempre salen cuando hablamos del orondo director.
Si escarbamos un poco en su filmografía nos encontramos con obras menos recordadas pero aún reconocidas, La trama, cortina rasgada, falso culpable, el hombre que sabía demasiado o Marnie la ladrona, entre otras son un buen ejemplo de estas.
Pero aunque parezca mentira en un director tan popular, aún quedan películas casi desconocidas para la mayoría de seguidores de Hitchcock y esto se debe entre otros factores a la espectacularidad de algunas obras que eclipsan otras, no por malas si no por que no llegan a la misma altura o por no incorporar en su reparto estrellas de relumbrón que venden la película con su nombre en medio mundo.
Así que vamos a quitar el polvo de alguna de esas cintas, para ser exactos en tres de esas películas para darle el puesto que se merecen y quizá así en un futuro alguna aparezca en las listas ya que pienso que muchas de estas obras desconocidas es mejor incluso que alguna de sus obras más comerciales.
Por cierto mi película favorita de Hichcock es La soga, aunque comete el error de grabarlo en plano secuencia con lo que el efecto entierra a la película en sí que tiene bajo mi punto de vista el mejor plano final de toda la filmografía del director inglés.
Sin más dilación presentamos FRENESÍ de Alfred Hichcock.
Esta obra es por muchos motivos una película a tener en cuenta, es la vuelta del director a rodar en Reino Unido después de 21 años seguidos haciéndolo  en EE.UU. y además es la última obra rodada en este país, ya que 4 años después en 1980 Hitchcock moriría.
La obra basada en la novela de Arthur La Bern, es una trama 100% marca de la casa, donde un estrangulador en serie está haciendo de las suyas en la ciudad de Londres, la única pista que tienen los investigadores es la corbata que usa para la estrangulación y la que da nombre a las fechorías del criminal "El asesino de la corbata". Tras esta premisa Hitchcock desarrolla con un ritmo magistral un juego del gato y el ratón que nos tendrá sujetos al sofá los 116 minutos que dura la película.
Con un elenco casi desconocido para el gran público pero de una calidad extraordinaria monta un reparto perfecto con Jon Finch un actor que venía de hacer cine de terror con la Hammer y el Mackbeth de Roman Polansky, Barry Foster que ya había trabajado con Standley Donen y David Lean en la Hija de Ryan y Alec McCowen que había intervenido en una de mis películas Inglesas favoritas de todos los tiempos, La soledad del corredor de fondo. Este trio actoral son los que llevan en volandas la película que ahora nos recuerda a obras de serial killers actuales y es que ha servido de inspiración a infinidad de cineastas.
Disfruten de esta obra por que sin ser la más conocida de Hitchcock quizá sea de las mejores.

CAPITAN CONAN: Una memorable película de la Primera Gran Guerra

Me cuesta explicar lo que supuso para mi este film, Bretrand Tavernier director de la obra que jamás había sido santo de mi devoción, es más sus películas me aburrían considerablemente, tanto las malas como la Hija de Dartagnan o las buenas como Carnaza, así que cuando supe de está obra que dura algo más de dos horas no me plantee ni siquiera su visionado pero hubo algo que me hizo cambiar de opinión y fue la mención especial del jurado del festival de cine de San Sebastian, festival al que sí otorgo una cierta calidad en sus decisiones y a este cambio de opinión le estaré siempre agradecido por que me hizo disfrutar de una obra enorme y de una calidad sin igual.
La historia narra la vida de un oficial Conan que se ha ganado los galones a base de cuchillo en el grupo de élite francés "los cazadores alpinos" y de su mejor amigo que hace las veces de narrador de la película el teniente Norbert. Juntos nos llevan a un viaje donde vemos como hay hombres que se adaptan a la crudeza de la guerra por su simplicidad, matar o morir, pero no pueden entender después la vida en periodo de paz, mucho mas dura, mas cruel y más compleja.
Creo que con este film caí rendido desde el primer minuto, Tavernier tiene una manera de contar la guerra totalmente alejada de la visión hiperhormonada de Hollywood donde la línea de buenos y malos se difumina hasta mostrarnos la naturaleza cruel de los hombres.
El guión me parece magistral, bastante inspirado en gran parte de la obra en senderos de gloria, pero llevándonos hasta el final del viaje, donde disfrutamos de las batallas de la guerra, los avatares de los periodos entre guerras para culminar la obra con el reencuentro de ambos oficiales muchos años después de haber terminado el conflicto, de esa forma Tavernier nos da una vuelta de 360º dondé nadie regresa de la misma forma que volvió.
Este film se lo aconsejo a los entusiastas admiradores de las películas bélicas que tan de moda están, pienso en Dunkerque o en 1917 ambas obras de una magnifica calidad y así tendrán el contrapunto de otra forma de hacer cine, más orgánico, más real.

La bella y la Bestia; La mejor opción de todas las versiones

La película que os traemos hoy es el archiconocido cuento fantástico La Bella y la Bestia.
Pero no la aberración en imagen real de la Disney que elimina cualquier credibilidad artística de los últimos años de la factoría del ratón.
Tampoco la versión animada de 1991 que es la que todo el mundo recuerda y muchos erroneamente toman por el original.
Tampoco queridos cinefilos de la versión que los entendidos estáis pensando, la adaptación Checa de 1978. He de decir que tuve deseos de reseñarla, más por lo estético que por lo narrativo,pero no, vamos a hablar de la versión que hizo un director Bisexual, aficionado al ocultísmo y con una fuerte adicción al opio, si queridos amigos, hablamos de la primera adaptación al cine de esta obra, La Bella y la Bestia de Jean Cocteau un autentico artista del renacimiento, poeta, novelista, ensallista, dramaturgo, pintor, diseñador, crítico de arte, cineasta y escapista, si  escapista por que siendo como era un hombre afectado de mil y una enfermedades, siendo como era un adicto a las drogas supo dar esquinazo a la muerte y llegar hasta los 74 años.
La obra sacada de un cuento de hadas francés de autor desconocido pero basado en cierta forma en la fabula de Apuleyo, Cupido y Pshique. que nos narra las desventuras de una joven maltratada por sus dos hermanas, egoístamente atada a su hermano y a su padre y cortejada por el mejor amigo del hermano,  por  imprudencia del padre es llevada como sacrificio mortal a un misterioso castillo donde una extraña bestia dicta con severidad el destino de la joven.
 La Bella y la Bestia de Cocteau es una película imperfecta llena de errores técnicos que la hacen aún mas atractiva e interesante  pero con una fuerza visual y estética que Cocteau supo imprimir en este film, no sin problemas debido a que es  rodado en plena posguerra ya que hacía menos de un año que Francia había sido liberada de los nazis.
El rodaje tiene un  triangulo sentimental de lo más curioso ya que Jean Marais y Jossete Day habían sido matrimonio aunque en el film ya estaban separados, Marais era el novio oficial del director Jean Cocteau, imagino que por este hecho la obra se centra más en la Bestia que en Bella.
Hay que recalcar que el film rodado por Disney en el 91 fusila la obra de Cocteau de una forma casi delictiva pero quitandole cualquier atisbo de  oscuridad gótica que el francés supo imprimir en la obra y simplificando dulcificando en exceso la obra hasta hacer subir la diabetes de cualquier espectador con una visión crítica y global de la obra.
Por si todo esto fuera poco para adentrarse y sumergirse en el visionado de este film, Cocteau publico un cuaderno de rodaje que junto al Cine según Hitchckok y Esculpir en el tiempo forman la santisima trinidad de los manuales para cineastas.

Así que sin más, aqui queda mi sugerencia de cine familiar que huye de maniqueismos y moralinas que tan de moda están, dejando la educación de nuestros infantes en manos de cineastas por madres preocupadas más en lo que aprende de moralidad con las películas sus tiernos retoños que de la adquisición de autentica cultura, que es aveces trasgresora, ofensiva y salvaje, viva el arte y viva el cine.

La historia del John Cazale EL MEJOR ACTOR DEL MUNDO

John Cazale es un nombre que quizá os pase desapercibido, también es posible que sus papeles interpretativos, pero si decimos que este actor es el único en la historia en que todas las películas en las que participó fueron nominadas a un Oscar a mejor película o que en 5 trabajos consiguió 15 Oscar, espero que sea suficientemente atractivo como para lanzaros a ver esta biografía del canal.