Dentro del laberinto 1986

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, quisiera hacerles una pregunta, ¿se imaginan que dos de los autores más peculiares del cine y la televisión se unieran para sacar una obra cinematográfica? ¿pueden pensar que dos de las empresas más punteras del Show Bissenes se unieran para dar forma a una locura? pues efectivamente la respuesta es si y es que Dentro del Laberinto como se llamó en españa o directamente Laberinto como se tituló en hispanoamerica es una obra de conjunción de talentos simplemente mítica, aunque de vez en cuando estos talentos y egos chocaran de forma constante y es que no vamos a reseñar otra obra que la maravillosa película dirigida por Jim Henson, Labyrint de 1986.

Para poder adentrarnos mejor en la reseña y consejo de esta película tenemos que volver unos años atras, tantos como 6. Veréis por aquellos entonces Henson era uno de los mayores empresarios de televisión gracias a la creación de marionetas y animatronicos para series míticas cómo Sesamo Street, The mappeds Show y como no, posteriormente con Fragel Rock.

Las capacidades tanto de él como del equipo que formaba su empresa les hacía capaces de crear cualquier personaje y además dotarles de vida y esto llevó a que otro genio, en este caso del cine que era la estrella del momento el grandisimo George Lucas que venía de triunfar con su Star Wars episodio IV una nueva esperanza, necesitara de las capacidades de Henson para su siguiente obra El imperio contraataca, dicha película aumentaba el imaginario de razas y especies del film e incluso necesitaban a un nuevo Jedi llamado Yoda, un ser viejo, sabio y diminuto que iba a ser el mentor de Luke Skywalker en aquella entrega y claro el único que podría crear dicho personaje y que pudiera dar la replica a un actor humano era Jim Henson.

Jim y Lucas se pusieron en contacto y aunque el bueno de Henson no se podía involucrar directamente por la carga de trabajo que tenía, le prestó a dos de sus mejores titiriteros, Kathelyn Mullen y por supuesto al grandisimo Frank Oz que además dió voz a tan representativo Jedi.

Esta ayuda granjeó a ambos una amistad que pronto se vió envuelta en un proyecto personal una historia de goblis, duendes, niños y princesas llamado Labyrinth.

El proyecto lo tenía en mente Henson desde que realizara cristal oscuro, película que ya hemos reseñado en el canal y que significó toda una nueva forma de representar los mundos de fantasía, pero esa película no dejó del todo satisfecho al bueno de Jim Henson ya que al final tuvo la sensación de que les quedó más oscura y terrorifica de lo que en un principio tenía en mente, por lo que pensó resarcirse con otro nuevo film ahora si cargado de magia y humor para toda la familia.

Para ello volvió a contar con el diseñador Brian Fround que desde el principio empezaron a perfilar la obra que querían narrar junto a Henson, una vez tuvieron claro lo que querían Fround empezó a dibujar a los personajes mientras que henson contrató al escritor Denis Lee para que escribiera una novela corta con las ideas de ambos.

Cuando el autor de libros infantiles Lee terminó de escribir la historia necesitaban a un autor que imprimiera gags y scketch graciosos para crear una comedia y que aliviara así la oscuridad de su anterior obra y es entonces cuando contrataron los servicios de un autentico especialista el Monty Pyton Tery Jones que venía de escribir la comedia Erik el vikingo. 

Jones se puso al trabajo y terminó el libreto, mientras tanto en la producción del film estaba participando George Lukas que se volcó de lleno en la creación de Labyrinth junto a su amigo Henson y tras una primera lectura se dieron cuenta que el guión de Terry Jones no era del todo redondo por lo que el propio Lucas y la maravillosa Elaine May amiga de Lucas y que venía de coescribir la comedia de gran éxito Tootsie, reescribieron el guión, para poder dejarlo redondo se tuvieron que hacer hasta 25 versiones del mismo que iba cambiando a medida que el elenco iba creciendo, por cierto ni May ni Lucas están acreditados en la película.

Y ahora si os parece creo que ha llegado el momento de comentaros de que va el film. 

Sarah es una adolescente que aún sueña con historias de princesas y hadas, aunque por edad ya le queda poco por vivir en ese mundo de fantasía, un día su padre y su madrastra se vana ir de cena por lo que le dejan al cuidado de su medio hermano, un bebé que ella ve más como un estorbo, llorón y que le quita sus peluches, así que cuando se queda sola recita un poema para que los goblis se lo lleven y aunque pueda parecer extraño, el conjuro surte efecto y el rey de los globins Jareth aparece para llevarselo.

Ella asustada intenta dar marcha a tras, a lo que Jareth se niega así que se hace una apuesta con la joven, si en trece horas llega al centro de su castillo y recoge al bebé, éste se lo devolvería, esta apuesta no tendría sentido si no fuera por que el castillo está rodeado de un laberinto lleno de trampas y hasta aquí te voy a contar, el resto lo tienes que ver tú y disfrutar ya que es una de las mejores películas de fantasía de todos los tiempos.

Veréis, la historia bebía de los clásico, Alicia en el pais de las maravillas, el mago de OZ y porsupuesto donde habitan los monstruos de Maurice Sendak, por cierto los abogados del escritor estuvieron apunto de denunciar por plagio a Henson por lo que el bueno de Jim se vió obligado a acreditar la obra de Sendak como inspiración de la película, aunque años despues dijo que sólo fue una inspiración más y no la principal, siendo sólo el robo del bebé por parte de los goblis la parte más inspiradora y que el resto de la inspiración llegaron junto a otras obras infantiles clásicas, pero prefirieron no tener problemas y acreditar la novela en el film.

Pero la película tiene otra historia en segundo nivel, el momento en el que ya dejamos de creer, ese instante donde los monstruos, goblins y demás seres fantasticos dejan de tener influencia sobre nosotros, pasando así a la edad adulta y es que la lucha de Sara no es más que la lucha consigo misma en una batalla que ya está perdida y a la vez ganada de antemano.

Esta forma de narrar ese momento, hacen de este film una obra para adultos que la pueden disfrutar los niños y no al reves, en todos los aspectos no es más que un film de transición en el que la fantasía da paso a la realidad en un metraje que dura algo más de 100 minutos y que es un alarde técnico en todos los sentidos.

El primero el de las marionetas, apenas pasan unos minutos y ya estás atrapado en la historia que te cuentan sin pensar que son muñecos y no actores y es que gracias a los titiriteros estos tienen alma, la complegidad de los animatronicos era tal que muchos necesitaban a más de 15 artistas para dar vida a todo el personaje.

Por otro el técnico, veréis el Buho que aparece al principio del film es el primer modelos realista de un animal 3d en el cine, siendo todo un hito que hoy en día soporta bastante bien el ojo acostumbrado a las maravillas del cgi del espectador actual y por último el de los malabaristas, veréis para el momento en el que Jareth juguetea con una bola de cristal, ese truco lo hace un malabarista profesional colocado tras Bowie haciendo todos los malabares a ciegas, según henson fue lo más mágico que vió en toda su vida

y es que no es de extrañar que el film hoy en día sea considerada una película de culto a lo que ayudó la incorporación de un artista tan inusual que David Bowie, pensar en Bowie sólo como cantante es un error casi imperdonable, David Bowie era un gran actor que encarnó a personajes míticos dentro del cine donde podemos destacar la maravillosa y cruel Feliz Navidad Mr Lawrence donde compartía pantalla con el grandíasimo Ryuichi Shakamoto o El ansia de Tony Scott, pero curiosamente no fue él único actor en ser contactado, Sing y Micke Jagger fueron otros artistas que se barajaron, aunque la elección de Bowie le dió un toque desenfadado a la cinta que se adereza con dos actuaciones del actor que recuerdan mucho a los números musicales propios de los Shows televisivos de Henson.

Una vez estrenada la película y contra todo pronostico funcionó peor que cristal oscuro, sólo al buen comportamiento de la cinta en el mercado internacional dieron ganancias sobre el coste de producción aunque pronto se convirtió en un blockbuster en los videoclubs de la época y auqnue rentable, el fracaso en el cine de la cinta fue un golpe duro de asimilar por parte de Jim Henson siendo esta la última película del gran titiritero, la culpa una neumonía que se le complicó acabando con su vida con apenas 50 años en 1990 cuatro años despues de estrenar este Labyrinth 

Y ya vamos a ir dando por terminado el ciclo de películas basadas en el cine de marionetas con esta obra maravillosa que el tiempo ha sabido poner en el sitio que le corresponde.

Y ahora vamos a empezar un ciclo muy diferente para empezar el años, películas basadas en novelas que fueron un referente en su momento como es El portero siempre llama dos veces del grandisimo Bob Rafelson, remake del film de 46 que llegó a eclipsar al mismo, gracias a unas actuaciones míticas que si no te quieres perder que mejor que estar suscrito al canal si es que aún no lo has hecho, tendrás dos películas semanales y más de 300 reseñas para encontrar esa película que hará de tu tarde aburrida una maravillosa velada de cine, pero hasta que llegue esta nueva reseña sólo me quedan dos deseos para ti, el primero que seas inmensamente feliz y el último como no puede ser menos que vivas el cine

La historia interminable

 Biemvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, está película que vamos a reseñar hoy, titulada Never ending story o cómo se conoció en España La Historia interminable o en latinoamerica La Historia sin fin fue uno de los mayores éxitos de 1984, un film que llevó en masa a la juventud del momento en adentrarse en la novela homonima de Michael Ende y que llenó de fantasía nuestros maravillosos años 80.

Veréis, en aquellos años parecía que las marionetas animatronicas serían el futuro de los seres mítologicos en el cine, mucho antes que irrumpieran los gráficos CGI en nuestro mundo del cinematografico, personajes como Yoda o E.T., películas como Cristal oscuro o monstruos infernales como el de la película Alien el octavo pasajero, era un buen ejemplo de su uso, el latex, la gomaespuma y las maquinarias en forma de exoesqueletos  hacian realidad  todo aquello que los guionistas plasmaban en sus papeles por muy descabellado que fuera eso. Y para ser justo hay que decir que aguantan bastante bien el paso del tiempo, aunque ahora los veamos con una sonrisa de displicencia en la cara.

Cristal Oscuro película que reseñamos hace un par de días, abrió un mundo nuevo en la técnica de los animatronics al ser toda la película interpretada por dichas maquinarias y no es de extrañar que un proyecto basado en la fantasía y que esta esta totalmente metida en la historia, fuera la técnica usada para recrear esos personajes sobrenaturales en el film que dirigiría Wolfgam Petersen.

Veréis la obra fue un proyecto personal del productor cinematográfico Bernd Eichinger, sus hijos estaban totalmente hipnotizados con el mundo que Ende plasmó en la novela y pidieron a su padre que hiciera realidad ese mundo de fantasía, tras la insistencia de sus hijos pasó a la lectura de la novela quedando totalmente embriagado, no sólo por el mundo que narraba si por el mensaje que daba a las nuevas generaciones. Por lo que puso en la mesa 50.000 dólares a Michael Ende y compró los derechos para una versión cinematográfica de la obra literaria.

Al principio el director iba a ser Helmunt Dielt pero este abandonó el proyecto por lo que Eichinger pensó en Wolfgam Petersen, la elección del director era sencilla por un lado ya se conocían de la película de 1977 La consecuencia, película dirigida por Petersen y producida por el propio Bernd Eichinger pero es que además Petersen venía de realizar uno de los mayores éxitos del cine Alemán que fue toda una sensación mundial El submarino de 1981.

El productor se puso en contacto con el autor del libro Michael Ende y se le contrató como asesor de guion y junto con Petersen empezaron a crear los mimbres de la historia, tras una escritura inicial, Petersen terminó de dar forma al guión junto con Herman Weigel.

Y ahora vamos a entrar en la sección de chismes que seamos sinceros nos encanta. El caso es que esa segunda escritura ya se hizo entre el director y el guionista dejando de lado al autor, como es normal, la lectura y el visionado de películas tienen normas narrativas diferentes y lo que funciona en un libro rara vez funciona en pantalla por lo que realmente hicieron Petersen y Weigel adaptaron el trabajo que hizo el director con Ende, cambiaron acciones, compactaron historias de personajes, redujeron trama, lo habítual en una adaptación de una obra literaria a un guión de cine, pero estos cambios no los entendió Ende, el escritor cuando se enteró quiso que volviera a su historia principal o que quitaran el título a la película, obviamente como tenía los derechos Bernd Eichinger de la novela, no cedió ni en una cosa ni en otra, Ende entonces pidió ser retirado de los créditos a lo que si que accedió el productor.

Con el tiempo y una vez estrenada la película el bueno de Ende no se bajó de su caballo y siguió criticando la película diciendo que habían pervertido su mensaje y que sólo se hizo una película para ganar dinero, además de reprochar que sólo le pagaron 50.000 dólares.

Si os parece voy a decir que me parece esta rabieta del escritor. Primero es infundada, la película mantiene la esencia de la obra literaria completamente, obviamente tiene diferencias pero estas no pervierten la trama.

Además el film se centra en la primera parte de la novela, el caso es que no se podría barcar una historia llena de matices y acontecimientos en un solo film y claro aunque falta la mitad del libro Petersen y Weigel supieron cerrar la historia manteniendo la esencia de la película intacta.

Y para terminar, por supuesto que Ende puede quejarse de recibir sólo 50.000 dólares por los derechos de explotación pero sólo a medias, la novela que estaba escrita desde 1979 fue un éxito en alemania, pero es que gracias a la película la novela fue un best seller mundial, muchos entre los que me incluyo tras ver la película quise leerme ese libro mágico lleno de fantasía, por lo que ganó varios millones gracias a la promoción que la película dió al libro, más que nada por que la obra fue un éxito mundial.

Y creo que ya ha llegado el momento de contaros de que va la película, ya sabes que en el canal nunca hacemos spoiler por lo que puedes estar tranquilo si es que no la has visto.

Bastian es un niño de 10 huérfano de madre que tiene que acostumbrarse a vivir sin la figura materna, su padre no puede dedicarle el tiempo que necesita y si todo esto fuera poco un grupo de matones de clase le hacen la vida imposible, un día escapando de estos se cuela en la librería del Sr Koreander donde está leyendo un libro que al parecer se mantiene en el lector más alla de la propia lectura, Bastian en un descuido de Koreander decide llevarselo prestado y en el desvan del colegio empezará la lectura.

En ella conocerá un extraño mundo llamado El reino de la fantasía, La emperatriz infantil está aquejada de una extraña enfermedad que la llevará a la muerte, esa enfermedad es la nada que ataca de la misma forma al reino como a la emperatriz pero, queda una oportunidad para salvar reino Fantasía, un joven guerrero llamado Atreyu que es llamado para encargarle la misión de terminar con la nada y hasta aquí te voy a contar, la historia es una delicia, una joya del séptimo arte que a los adultos nos devuelven a la niñez y a los niños les dispara su mundo de fantasía siendo como en la película una prolongación de la obra.

La película que fue rodada totalmente en los Bavaria Studios de Munich en un verano bastante singular ya que fue el verano más caluroso de la historia de Alemania con lo que las condiciones de trabajo dentro del plató fue bastante sacrificada y para los exteriores urbanos el rodaje se llevó a Vancouver Canadá y para la playa donde atreyu aterriza el rodaje se trasladó a Almería en España.

La película tiene un uso exquisito de los animatronicos y de los escenarios en plató creando un mundo que hoy en día sigue teniendo magia y es que al final este tipo de marionetas parece que soportan bastante bien el tiempo.

La maravillosa trama hizo que el film fuera todo un éxito en taquilla alcanzando los 100 millones de dólares de los años 80 y aunque fué la producción más cara de la historia en un film que no era norteamericano ya que se invirtieron 27 millones de dólares, resultó ser un éxito económico que llegó a las más altas cotas de popularidad incluyendo su canción principal interpretada por Lymal.

Para la versión norteamericana La warner pidió a Spielberg que revisara el montaje, haciendo una versión 7 minutos más corta mas encaminada a los estadounidenses, Petersen en agradecimiento le regaló a Spielberg el aútentico Auryn que aparece en el film siendo este uno de los tesoros que guarda con más cariño el director de tiburón.

Y nada ya vamos a ir dando por terminada esta segunda reseña de films rodados con animatronicos adelantandoos que la próxima película será otra obra maestra del cine de fantasía, ni más ni menos que Dentro del laberinto, film de Henson con una Jennifer Conely maravillosa y un David Bowie simplemente genial en una historia sacada de la pluma de uno de los creadores más excepcionales de la historia el grandisimo Terry Jones uno de los creadores de los Monty Phyton, pero de esa reseña y consejo de cine nos adentraremos en un par de días por lo que si no quieres perdertela y no estás suscrito a que esperas, dale al botón y a la campanita y disfruta de nuestros consejos de cine.

Y hasta que llegue ese día sólo me quedan dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine

Cristal Oscuro 1982

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, Me van a permitir que les cuente una cosa, Los años ochenta fueron de una creatividad tal que no había ningun género o estilo artistico imposible para ser la base creativa de una película, unos años en donde se podía realizar un film único en su especie y no sólo por uno, si no por dos motivos y es que Cristal Oscuro película de 1982 dirigida por Jim Henson y Frank Oz que es con el film que cerramos este triplete de cine para toda la familia, es una obra tan especial que simplemente es irrepetible.

Veréis esta película es una obra singular, por que aunque lo que aparece en pantalla sean muñecos esculpidos igual que en el stop motión, esta obra no entra dentro del apartado de la animación si no para todos los efectos es un film de imagen real igual que cualquier película estandar, esto es debido al sistema de rodaje, veréis para que una obra sea considerada de animación el sistema usado ha de ser de frame a frame o lo que es lo mismo, rodado en imagenes sueltas, en cuanto a la animación tradicional esto se hacía dibujando los cuadros que luego se fotografiaban con una cámara especial de cine, en el stop motion o tambien conocido como animación en plastilina (aunque este no sea el único material usado) se usan cámaras de cine que actuan cómo una cámara fotografica, captando instantaneas que se traducen posteriormente en una película y por último la animación digital o 3d donde el resultante del programa de animación es una secuencia de imagenes que posteriormente se transforma en película gracias a los programas de edición de video que transforman esa secuencia de archivos un un clip de video que puede ser exportado a formato de cine analógico o digital. Así que podemos decir que este es él único film de ficción que está totalmente interpretado por no humanos.

Pero si esto fuera poco, hasta la llegada del Rey León este film tuvo el honor de ser la única película de ficción en donde no aparecia ningun actor humano en pantalla. 

Así que podemos darnos cuenta de lo especial que es esta obra en la cinematografía universal.

Veréis Jim Henson es quizá el titiritero más famoso del mundo gracias entre otras creaciones por los Teleñecos que es como se llamó en españa pero internacionalmente conocidos como The Mappeds, sus actuaciones para Ed Sullivan, Saturday night live y porsupuesto Barrio Sesamo alzaron a sus creaciones a lo más alto de la popularidad televisiva con lo que era cuestión de tiempo que esos personajes de gomaespuma saltaran a la gran pantalla en 1979 gracias a la película de los Mupped, largometraje dirigido por James Frawley y que se convirtió en todo un éxito. Tras ese comienzo ayudó a Lucas a crear su saga de ciencia ficción la guerra de las galaxias donde crearon animatronicos y marionetas míticos y un personaje que se comvirtió en leyenda como fue el maestro Yoda siendo un éxito total, esto empujó al bueno de Henson a embarcarse el mismo a dirigir dos años después otra película con sus personajes, titulada el gran golpe de los teleñecos que volvió a funcionar bastante bien por lo que un día pensó en embarcarse en una de las películas más ambiciosas de la historia. La idea venia de sus propios hijos donde veía que les gustaban las historias de miedo y pensaba que esas sensaciones medidas para los niños daban nuevas emociones que disparaban su imaginación, algo parecido a lo que hacían los hermanos grimm con sus cuentos populares. Así que pensó en hacer una película familiar, para todo el mundo aunque enfocada en los más pequeños, donde no todo fuera armonía, donde la oscuridad formara parte de la trama y donde la vida se abriera paso junto a la muerte. Cuidando lo que se contaba pero sin tratar a los niños como imbeciles.

Para crear el imaginario de la historia de hadas que estaba escribiendo se basó en las ilustraciones que realizó Leonard B. Lubin para una edición de Alicia en el pais de las maravillas, esos grabados oscuros y terribles formaron parte inicial del proyecto escribiendo una trama de seres mitologicos en un planeta lejano. Cuando el proyecto estuvo más avanzado pensaron en realizar un dossier con el fin de conseguir fondos para realizar la película, así que contactaron con Brian Froud, sus ilustraciones de Hadas eran maravillosas con lo que se creo el tamdem ideal entre los dos artistas, la primera anecdota no tardó en llegar, preparando dicho dossier de ventas Froud le entregó el primer encargo que rea  una roca quebrada y un resto de la misma, Henson totalmente confuso le preguntó que era y el ilustrador le dijo. El Cristal oscuro, Henson no daba credito a lo dibujado ya que fue una confusión del dibujante ya que él realmente dijo La crisalida oscura, pero la nueva idea le pareció un arranque ideal para el film con lo que no solo lo incorporó a la historia si no que tomó el titulo de aquella confusión.

Y ahora si os parece bien, vamos a contaros un poco de que va la película, ya sabéis que sin spoiler de ningun tipo, parte fundamental del canal que nunca nos lo saltamos.

Estamos en un tiempo muy lejano donde el cristal oscuro se quebró y el mundo se dividió en dos, Los guardianes del mismo, viejos seres retorcidos y malvados llamados Skekses de los que solo quedan 10 y de los otros viejos seres, sabios y bondadosos llamados los Místicos de los que también sólo quedan 10, durante miles de años dicha dualidad se ha mantenido pero se acerca una profecía, según los escritos una conjunción de los tres soles traerá a un pequeño Gelfing que recompondrá el cristal acabando con el oscuro reinado de los Skenses, estos están tranquilos ya que saben que han aniquilado a todos los Gelfins del planeta, pero lo que no saben es que sobrevivió uno Jen que fue criado por los Misticos y que partirá para hacer realidad los viejos escritos y hasta aquí te voy a contar, el resto de la película tienes que disfrutarla tu y si es en compañía de los tuyos, tengan estos la edad que tengan casi que mejor.

La pelicula realizada en su totalidad por animatronicos y marionetas excepto por algunos pequeños planos donde un actor muestra algunos movimientos que no podrian realizarse mediante esta técnica es todo un alarde de ingeniería, su belleza, la creación de todo un mundo se pudo realizar gracias a los 15 millones de dólares que consiguió Henson para su película, esto vino de dos fuentes principales de financiación, la distribuidora Universal Pictures que tendría los derechos sobre la explotación en salas de cine y de la TIC Entertainment que se encargaría de la explotación en video domestico, por aquel entonces en manos de Lew Grade y que hicieron posible la creación de esta maravillosa obra.

Henson era consciente de donde se metía y la poca experiencia cinematográfica que poseía por lo que le pidió a Frank Oz, titiritero de su empresa que le ayudara a dirigir la película ya que tenía experiencia al haber trabajado en largometrajes como El imperio contraataca y un hombre lobo americano en Londres. Con lo que juntos dieron vida y magia al mundo que nos narra este cristal oscuro.

Al principio Henson pensó en un mundo completo donde los personajes hablaban un dialecto inventado que se traduciria con subtitulos al inglés, pero claro tras una proyecciones de prueba esto no funcionó ni con los niños ni con los adultos por lo que los primeros datos no eran nada halagüeños, pero ese no fue el golpe más duro que tuvo la producción, Lew Grade el dueño de TIC se vió obligado a vender la empresa a Robert Holmes, este en cuanto se hizo cargo de la productora pensó en recortar el presupuesto que tenía apalabrado con Henson para el estreno en los estados unidos, la idea de Holmes era hacer un estreno limitado y llevar la cinta de inmediato al vídeo doméstico, pero henson no estaba deacuerdo con lo que compró de vuelta los derechos del film haciendo una gran campaña publicitaria y estreno mundial.

La película no fue bien recibida al principio en los estados unidos, básicamente por que los padres no veían esa película tan oscura un buen ejemplo para sus hijos por lo que el rechazó fue de inmediato, pero junto con el boca a boca negativo sobre la oscuridad del film fue llamando a otro publico, más adulto y aficionado a la fantasía con lo que las siguientes semanas la película fue ganando dividendos colocándose al final como la decimocuarta mejor taquilla en aquellos lejanos años de 1982.

Pero en el resto del mundo le fue mejor, En francia y Japón fue la película más vista durante semanas al igual que en el resto de europa donde se convirtió de inmediato en un film de culto.

La película la pude ver de reestreno en 1986 en una sesión doble junto con EL RETORNO DEL JEDI, tendría unos 12 años y aún recuerdo la impresión de aquella noche de cine, era ir de un mundo mágico a otro, aunque oscura y en cierta forma aspera en la trama, recuerdo disfrutarla como un cuento maravilloso que hoy en día tengo en ambas películas dentro de mis fantasias infantiles que en cierta forma moldearon mi gusto por la ciencia ficción y la fantasía .

Y cómo nos dice esta propia obra el final de algo es sólo el principio de otra cosa y este film que marca el final del ciclo de cine para toda la familia, nos sirve para empezar un ciclo de cine de fantasía con animatronicos y marionetas que espero que os gusten tanto como a mi.

Y si no te lo quieres perder, si quieres disfrutar de estas reseñas que se avecinan, ¿por que no te suscribes? es rápido y gratuito y así poco a poco te iré descubriendo nuevos realizadores, películas y géneros o te las volveré a recordar, tambien poco a poco vamos creciendo en nuestros conocimientos cinefilos ya que en nuestra reseña le damos mucha importancia a la producción y al trabajo del director donde podemos adentrarnos en el por que de las películas su gestación y por que son importantes dejando la explicación de la trama en un segundo termino por que eso, puedes verlo por vosotros mismos.

Y nada ya me voy a despedir para empezar con la siguiente reseña, pero si te a gustado este vídeo y si has llegado hasta aquí  es por que te ha gustado no lo vamos a negar por favor, regalame un Like, me hace muy feliz y ayudas al canal. Y nada ya solo me quedan dos deseos, el primero darte las gracias y desearte que seas muy feliz y por último y no menos importante que vivas el cine

 

La vuelta al mundo en ochenta días 1956

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, hemos entrado de lleno en este ciclo de películas familiares, obras para todos los públicos que son leyenda del cine y si hace unos días reseñamos Vikingos de Fleisher hoy toca el momento de otra obra maestra del cine, película nominada a 8 premios Oscar, ganando entre otros premios mejor película y mejor guión. Pero que curiosamente este dato importante no es la mayor contribución al cine que nos regaló este film y es por eso que me gustaría alejarme un segundo de la reseña para hablar de la palabra Cameo, todo el mundo lo ha usado en algún momento de la vida ya que es una norma común en películas y series en la actualidad.

un cameo es cuando esa estrella popular del momento aparece como un personaje dentro del film pero con poco o ningún peso, el mayor impacto lo recibe el espectador al ver a alguien enormemente popular en pantalla durante un rato breve. Pues bien, esta nomenclatura a dicha acción se creó en este film de la mano de su productor Michael Tood y es que el film está plagado de rostros conocidos que ayudan a ese impacto coral que tiene todo el film, Buster Keaton que además tiene un homenaje a su gran película el maquinista de la general y que aquí hace de revisor de tren, Charles Boyer un vendedor de viaje y poseedor de un globo aerostatico, Fernandel haciendo de cochero parisino, Frank Sinatra como pianista del salón de San Francisco, Marlene dietrich y sus famosas piernas que aparece como dama en busca de caballero en el mismo salón de sanfrancisco, Peter Lorre que hace de camarero del barco que lleva a cantinflas a japón y Luis Miguel dominguín, el torero español que era famoso por aquellos entonces por su romance con Ava Gardner y que posteriormente sería el padre de Miguel Bosé.

Cómo podéis observar la cinta está plagada de ellos y eso que sólo he hablado de los más reconocibles hoy en día por que hay muchos, pero muchos más. Pero la palabra Cameo se creó en este film.

Ahora vamos a entrar de lleno en a producción y tambien un poco en la vida de su productor Michael Tood, Veréis Tood por aquel entonces era uno de los más prestigiosos showman de Brodway, su nombre no sólo era reconocible por sus sensacionales montajes si no tambien por su turbulenta vida, por aquel entonces había dejado a su segunda mujer para empezar una relación sentimental con una jovencisima Liz Taylor, os podéis imaginar con estos datos lo metido que estaba en el star sistem del momento y sin haber rodado ninguna película, pero con un deseo de cambiar el cine para siempre, el pensaba en dar al espectador un realismo total en las proyecciónes de cine por lo que se metió como socio en el sistema Cinerama una proyección cinematografica de gran anchura que se emitia en pantallas de cine curvas, pero tenía tantos problemas que se salío para investigar y montar su propio sistema el Tood AO que es como se rodó este film, una proyección en 70 milimetros que daban una definición nunca antes vista en pantalla.

Esta pasión por el cine la llevava teniendo desde hacía años, Tood había hablado con Orson Welles para que hicieran juntos este film de Julio Verne, pero el caso es que pasaban los años y nunca se ponían deacuerdo para empezar, así que le compró los derechos a Welles y con los guionistas Perelman y McClory crearon un libreto que lo dirigiría John Farrow.

Para su dupla de actores principales escogieron a David Niven que recrea a un Phineas Fogg simplemente perfecto, parece que la flema inglesa y su pomposidad le caen como anillo al dedo a este actor que recrea al personaje que luego sería el canon en el que tomaron como patron las siguientes versiónes de este film y esta novela, pero su papel es simplemente insuperable. Para el otro protagonista el productor pensó en Mario Moreno Cantinflas, ahora quiero hacer un parentésis, Veréis en aquellos años Cantinflas era una revolución en el cine de comedia, por un lado mezclaba la comedia física clásica de la que Charlot era su principal valedor, con la comedia de dialogos disparatados de los Hermanos Marx, Cantinflas era la mezcla perfecta de ambos géneros que crearon un personaje mítico, en los años 50 no había cómico más importante que este grandísimo actor Mexicano. Y realmente cuando ves a Picaporte que es el personaje que interpreta Mario Moreno, es Cantinflas y si la película llegó a ser lo que fue, es por que este actor de leyenda hace un trabajo perfecto.

Ahora dejenmé que les cuente un poco de que va la película, aunque está basada en una novela que casitodo el mundo conoce y ha tenido infinidad de versiones en el cine y la televisión que hace que la mayoría de amigos del canal lo hayan visto, puede ser que un chico joven se acerque por primera vez a la obra, por lo que voy a ser excrupulosamente intransigente con los spoiler en el canal, así que tranquilo que no te voy a desvelar nada que no debas saber.

Phineas Fogg es un caballero bastante especial, con unas normas tan estrictas que hace que su ayuda de cámara no le dure mucho, un día Picaporte un buscavidas con mil empleos que van desde desoyinador a trapecista ve la oportunidad ideal de encotrar trabajo con dicho personaje tan excentrico, así que es contratado por Fogg, cómo buen caballero inglés pertenece a un club de caballeros donde leen el periodico, beben wisky y juegan a las cartas, allí en los corrillos el tema del día es el atraco al banco de inglaterra donde la conversación deriva en cuanto se tardaría en dar la vuelta al mundo, mientras que todo el mundo cree que más de 90, Fogg asegura que el podría hacerlo en 80 y no sólo está convencido de ello si no que apuesta 20.000 libras a que lo consigue, la apuesta es aceptada y la aventura de nuestro caballero ingles y su nuevo ayuda de cámara comienza.

Y ya no te voy a contar nada más por que creeme que tampoco lo necesitas.

Veréis para poder recrear la belleza de los planos que este film a forma de documental nos cuenta, Michael Tood propone rodar la película en 70 mm con un ancho de pantalla de 2:20-1 mucho más panorámico que el cinemascope y que podría captar toda la belleza de dichos escenarios, pero claro, tuvieron que trasladar el rodaje a los entornos reales que narra el film, disparando la producción hasta los 6 millones de dólares de los años 50.

En su primera localización, en españa en la plaza de chinchon donde se recrea la corrida de toros donde Picaporte hace su show, Michael Tood quedó decepcionado con el resultado, la épica e impresión que narraba el guión no se representaba en los negativos que rodó John Farrow por lo que lo despidió de inmediato contratando a un novato Michael Anderson que sorprendentemente convierte cada plano en una epopeya, siendo este su mejor film de toda su historia como director.

Para el papel de Princesa Auda, crearon un casting nacional para descubrir un rostro que fuera la princesa india del libro y para ello contrataron a una desconocidisima actriz sin casi ningún papel en el cine, esa joven se llamaba Shirley McLane que consiguió con este film el impulso que la llevaría a ser una de las mejores actrices de todos los tiempos.

Y ahora me van a permitir que os comente una cosa, te gustan mis reseñas y consejos de cine, te gustan mis ciclos, te hago conocer a nuevos autores, pues por que no te suscribes, el canal tiene ya más de 300 películas y subimos dos obras semanales por lo que seguro que en esa tarde que no sabes que ver, te puedo dar una idea de cine que va a crear una velada fabulosa y sin sorpresas por que sabrás si el film es para ti o no.

La película tiene un ritmo brutal, es suficientemente divertida como para poderla ver con los más pequeños, además te adentra en una obra maestra de la literatura y la pareja tan dispar de Niven y Cantiflas te dará momentos maravillosos.

Si te gustan los film de época esta película es para ti, no sólo por que ves la inglaterra del diecinueve, si no ves que diferente era el mundo al actual.

La película tuvo un éxito brutal, como ya comentamos al principio de la reseña fue la película de aquellos premios oscar y el publico dio unas ganancias que multiplicaron por 5 el presupuesto del film por lo que podemos entender por que este film está en el imaginario colectivo. con el tiempo en el 2004 decidieron hacer un remake del film, pero aunque Steeve Coogan es un gran actor no está a la altura de Niven y Jacky Chan no es Mario Moreno, por lo que se creo un producto actual pero infinitamente inferior.

Y es por eso que te aconsejo si es que aún no has visto ninguna es que te adentres a esta obra de Verne con esta joya de los 50 que sigue siendo insuperable.

Y nada, ya voy a ir dando por terminada esta reseña para poder ponernos de inmediato con un film familiar que tendrás que descubrir en un par de días, pero hasta que llegue ese momento, sólo quiero desearte dos cosas, la primera que seas inmensamente feliz y la segunda como no puede ser de otra forma que vivas el cine

 fin

LOS VIKINGOS 1958

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, dejenme que les que cuente una cosa, verán Kirk Douglas actor, productor y artifice de esta obra cinematografíca. llevava más de 12 años como actor de cine, habiendo interpretado ya en aquel lejano año de 1958 que es cuando se extrenó el film que nos ocupa, la friolera de 28 peliculas, en aquel momento el actor era leyenda gracias a sus papeles como Duelo de titanes, senderos de gloria, Cautivos del mal o el gran carnaval dejandome fuera de los ejemplos varias obras maestras del cine.

 parece que llegaba en el momento más álgido de su carrera, pero es que el gran Kirck Douglas no sólo no estaba en los más alto, si no que aún le quedaba por interpretar papeles que le harían un actor irrepetible, Espartaco o Los valientes andan sólos por poner un par de ejemplos aún ni se habían proyectado y es que a diferencia de otros actores, Douglas con 40 años parecía más energico y joven que cualquier actor de su generación y es que el actor con un fñisico privilegiado, podía interpretar el papel de hijo de Hernest Bougnine siendo el bueno de Hernest dos meses más joven que él y es que en cierta forma un hombre que aún tiene sueños sigue siendo joven y esta Película Los Vikingos de 1958 era el sueño de Douglas que la hizo realidad Richard Fleisher.

La película que hoy en día es un clásico incontestable, parece que los más jóvenes la han dado la espalda, su aspecto de film made in Holliwood y su elenco plagado de las estrellas del momento, pueden llevar al équivoco de que estamos ante un subproducto de aventuras, una obra ligerita donde pasar un rato agradable y nada más.

pero nada más lejos de la realidad, el film es una lección de historia, es tan detallada y tan precisa que hoy en día sigue siendo un referente del género y si te van los vikingos y la familia Ragnar gracias a la serie de televisión, esta película se hizo casi 50 años antes y poco o nada tiene que envidiar en ambientación y trama que la familia de invasores nos regaló.

Aquí se habla de Nortumbría, de reyes y traciones reales, de monarcas títeres de los vikingos que existieron en realidad y de una precisión por el detalle que más de un quebradero de cabeza dió a su director, pero de todo eso me van a permitir que se lo narre despues de que os comente un poco de la trama, como siempre sin espoiler es una norma de la casa que nunca nos saltamos, pero que esta vez tiene un mayor peso por que quiero que todos los que desconocen este film se adentren en su maravillosa historia y se sorprendan con sus giros argumentales, por lo que podéis estar tranquilos todos aquellos que aún no la hayan visto, así que vamos con la trama.

Nos situamos en la alta edad media allá por el siglo noveno, época en la que los  hombres del norte o vikingos atacaban y saqueaban el norte de la actual inglaterra. allí un nuevo rey usurpador llamado Aella toma posesión del trono de Nortumbria, la antigua reina que fue forzada por el jefe vikingo Ragnar espera un hijo de éste, temiendo que el nuevo rey asesine al bebé lo envia al continente con un collar en el que tiene engarzado el pomo de la espada de rey por si llega a ser adulto, tome posesión del trono. 

El caso es que el barco es secuestrado por los vikingos y el bebé es tomado por esclavo por el propio rey ragnar, con el tiempo el conflicto con el esclavo bastardo del rey Erik y de su hijo legitimo  Einar llegará a su punto más alto por culpa del amor de la bella prometida del rey Aella llamada Morgana y hasta aquí te voy a leer.

El resto lo tienes que ver y disfrutar tú en un film mítico que va a hacer se sus 114 minutos de película toda una experiencia cinefila.

Y ahora regresamos a la producción de este film, veréis Kirk Douglas actor que ya se había metido a productor de cine tenía el sueño de niño de interpretar la vida de los vikingos y en los años 50 se pudo hacer realidad gracias a que Edison Marshall escribiera en 1951 su novela Viking, este libro sirvió para que el bueno de Douglas pudiera hacer verdad su película, así que con el apoyo de distribución de la United Artist, los escritores Calder Willingham y Dale Wasserman crearon un guion totalmente fiel a los aconteciemientos que narra la novela, pero permitiendose las libertades necesarias para trasladar el conflicto literario al ritmo y necesidades de una película de cine con una duración estandar de menos de dos horas.

Kirk Douglas quería huir de las adaptaciones que Hollywood hacía de la época medieval en el cine de su época y para ello pensó en un director bastante atipico, con una flexibilidad en los géneros total como era Richard Fleisher, Douglas le conocia de cuando trabajaron juntos en la adaptación de la novela de Verne 20000 leguas de viaje submarino y sabía la capacidad del autor de representar en pantalla ideas complejas con una maestría total. Fleisher acababa de terminar de rodar el film con Robert Mitchum Bandido, cuando Douglas le contrató para que en dos años se documentara de la vida real de aquellos ancestros nordicos.

Y Fleisher se lo tomo tan en serio que se llevó el rodaje del film a los parajes reales de noruega, veréis esto tenía algunos proos y era que el entorno natural era totalmente realista como no podía ser de otra forma, pero si un actor tenía que nadar en el agua o se caía al mar, la temperatura de dicha agua rondaban los 5 grados centigrados, por lo que los riesgos de hipotermina de los acotres era muy, muy alto, y que tuvo que sufrir en sus carnes el propio Tony Curtis que ya lo comentó en varias entrevistas, pero que el ambiente exterior poco subía de temperatura y la escasa ropa hizo del rodaje un verdadero infierno helado.

Pero las condiciones duras del rodaje no fueron problema para el elenco ni para el productor y acotor Douglas, si no los máximos problemas que Fleisher y Kirk tuvieron fueron por el perfeccionismo del actor, si Fleisher daba una toma por buena, Douglas protestaba y quería rodarla otra vez, ese conflicto entre ambos llegó a ser insoportable y aunque no creo enemistad el director no quiso volver a rodar con Douglas siendo esta la última colaboración juntos entre el actor y director.

durante la producción Fleisher daba muchisima importancia a la ambientanción, tomando de cuadros de la época la ropa y vestuario de los britanicos pero tambien de las embarcaciones vikingas, en el museo arqueologico de noruega se encontraba un barco rescatado del fondo del mar de la época vikinga por lo que pidió a los atrecistas que hicieran una réplica perfecta, para los extras buscaron a autenticos noruegos de las zonas en las que se rodaba, los caballos buscaron la raza autoctona del lugar, potros bajos y robustos cercanos a un pony y las costumbres y los dioses fielmente replicados, pero esa perfección pronto se convirtió en un problema. Fleiser flotó el barco con la tripulación vikinga en los parajes reales de Noruega, se dice que la impresión de todo el elenco fue tal que todos se emocionaron al ver navegar a unos vikingos reales en 10 siglos de historia, que ese momento mágico se rompió cuando dio la orden de cortar y pedir a los extras que remaran, entonces se dió cuenta Fleiser de un error que pasó por alto, los vikingos del siglo nueve eran infinitamente más bajos que los noruegos del siglo veinte y como el barco fue copiado pulgada por pulgada, los extras no podían remar, sus espaldas daban con las rodillas del remero de atrás con lo que tuvieron que hacer agujeros para que estos pudieran meter las piernas y así sacar el plano adelante.

El elenco tenía magia, Dougas y Curtis están simplemente magnificos, con lo que no es de extrañar que un par de años despues coincidieran en Espartaco, no sólo como compañero del gran Kirk si no que Curtis era capaz de ser su antagonista en pantalla, sus momentos juntos en este film son ya historia del cine y para el tercer hilo del conflicto la prometida del rey, Morgana se contrató a una maravillosa Janet Leight que era la esposa en la vida real de Curtis.

El film que rayó lo épico no sólo por las condiciones climatológicas si no tambien por las protesis y lentillas que por ejemplo obligaban a Douglas a parar cada rato por el dolor ocular que le causaba el ojo vacío.

La película que ahora puedes disfrutarla en catalogo tento en Filmin como en Moviestar plus para España o Quibit para Argentina y chile es un film referente del cine historico y de aventuras por lo que mi consejo en este caso es que te hagas con una copia en formato físico para poder disfrutar siempre de esta joya del cine, que si necesitas un empujoncito más es el film favorito de Jon Millius si el mismo que años despues rodara CONAN el Barbaro.

Y antes de dejaros con el final de esta reseña, permitanme que de las gracias a todos los suscriptores que haceis posible que este canal se mantenga, vuestro apoyo gracias a la suscripción, los likes, mensajes y compartiendo los videos en vustras redes sociales me permiten que siga al pie del cañon dando a conocer a las nuevas generaciones películas tan maravillosas como esta y recordando filmes a nuestros suscriptores más veteranos, por lo que si quieres pertenecer a nuestro club de cine, olvidaté de pagar cuotas ni patreon, aquí estamos abiertos a todo el mundo y totalmente gratis, sólo tenéis que dar al botón y a la campanita y vas a disfrutar de dos consejos de cine semanales para esos días que no sabes que ver y además conocerás autores y directores de todos los géneros y estilos.

Pues nada. Ya voy a terminar este videoconsejo de cine, esperando que os haya gustado y que os haya hecho pasar un rato agradable y si es así ya estoy pagado, así que sólo me queda por terminar este vídeo y este ciclo que le hemos dedicado a Fleisher y adelantaros que este es el final de un ciclo pero el primero de otro, devido a las fechas navideñas en las que nos encontramos vamos a empezar un ciclo de cine familiar donde este maravilloso film Los Vikingos es la primera y que dentro de un par de días volveremos con otra joya del cine para toda la familia, La vuelta al mundo en ochenta días de 1956, pero hasta que llegue ese momento dos deseos, el primero que seais inmensamente felices y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el CINE

El estrangulador de Rillington Place 1971

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, El estrangulador de Rillington Place fue una de las películas más comprometidas en lo social tanto por parte tanto de su elenco, cómo por parte de su director Richard Fleisher el autor al que le estamos dedicando este ciclo de cine en el canal que empezamos con la que para mi es una de sus mejores películas Soilend Green o como se llamó en español Cuando el destino nos alcance y cómo os digimos entonces, hoy queremos hablaros un poco de la figura de este director.

veréis ya desde antes de nacer parece que el futuro del joven Richard iba a ser el cine, pero no el de imagen real si no en el cine de animación ya que su padre era el cofundador de los Estudios Fleisher, Max Fleisher, ahora el estudio ha caido en el olvido pero en los años treinta era el estudio de animación de referencia muy por encima de Walt Disney Studios, personajes como Koko el Payaso, Popeye, Betty Bood o Superman hacían a los estudios del padre de Richard una institución que se merece por si misma un video del canal que un día tendremos que hacer, pero para no desviarnos mucho del tema que nos ocupa como es la figura de Richard Fleisher y de su película El Strangulador de Rillington Place vamos a centrarnos en la trayectoria cinematografica del hijo que se enfocó exclusivamente en la imagen real.

Desde el principio de su carrera siempre estuvo variando de estilos rodando películas de casitodos los generos, desde el drama como Sara de 1976 o  La muchcacha del Trapecio Rojo del 55, pero tambien comedias disparatadas como fue El Extravagante doctor Doolittle y el cine de acción y espada donde sobresalío con varias producciones como El principe y el mendigo, Los vikingos o Conan el destructor, pero si había un género donde se movía como pez en el agua era en el suspense y es que no en vano antes de adentrarse en esta producción ya había narrado la vida de otro asesino en seria como fue El estrangulador de Boston.

El caso es que el motivo de adentrarse en este film no fue sólamente por lo cinematográfico si no por un movimiento de conciencia social, en Reino Unido la pena de capital había sido abolida a medidaos de los 50 pero a finales de los 60 la sociedad empezaba a ver con buenos ojos la vuelta de la ejecución por la orca, así que Martin Ransonoff productor del film se hizo con los derechos de la novela que narraba los asesinatos de John Reginald Christie escrita por Ludovic Kennedy  y creo uno de los más interesantes repartos de la historia del cine, para encarnar al asesino en serie contactó con el magestuoso actor y director Richard Atemboroug, este no se sentía inclinado a encarnar a un asesino en pantalla pero en cuanto le cómentaron que era para luchar en contra de la pena capital, Atemboroug ni se lo pensó, sin leer el guión aceptó el papel y por otro lado un jovencisimo John Hurt que segun sus palabras interpretó en este film su mejor actuación de la historia y comparto su visión, Hurt está descomunal interpretando al desdichado Tim Evans.

Para poder continuar con la reseña dejenmé que les cuente, como siempre sin espoiler de que va el film.

Una pareja joven con una niña pequeña se muda a su nuevo apartamento, un apartamento humilde que permite a Tim sufragar los gastos a duras penas, un día todo parece torcerse cuando Beberlý la mujer de Tim cae embarazada, sin apenas recursos la noticia cae como un jarro de agua fría, ella consciente de lo precaria de su situación decide abortar y convence a su marido de que es lo mejor, más que nada  cuando su casero el Sr. John Christie promete ayudarlos.

Y hasta aquí te voy a contar el resto de la trama la tienes que ver tú y en este caso no voy a decir disfrutar.

Veréis esta obra a sido la que más angustia me ha generado en mi vida, a pesar de ser un gran aficionado al genero de terror, gore y Slash esta cinta ha sido de las más incomodas de ver.

El caso es que no estamos en un thriller al uso, veréis la película carece de cualquier efectismo, su austeridad en lo estético y en lo narrativo se acerca mucho al cine documental en muchos aspectos, por otro lado la obra es totalmente aseptica, aquí no hay grandes persecuciones ni investigadores dando caza al asesino, si no que nos narra la historia de un depredador sin que el film justifique en ningún momento sus actos, es una bestía y las personas que caen en su red sus víctimas. Esta forma tan cruda de narrar crea una incomodidad en el espectador que ralla lo extremo y es que el realismo interpretativo de sus tres elementos principales como son Attemboriugh, Hart y la jovencisima Judy Geeson dan un aura realista a una obra descarnada.

La producción nos muestra el exterior real donde se encontraba la guarida del asesino el 10 de Rillington Place que es el título original del film, una calle que quedó maldita y que fue demolida y cambiada de nombre, pero la sombra de lo allí ocurrido sigue estando muy vigente ya que los apartamentos que se levantaron en su lugar forman parte de las casas encantadas de la capital británica con casos paranormales que los que creen en ellos atestiguan que se dan.

La obra sirvió para que Hurt por aquel entonces un joven actor se alzara cómo la maravillosa estrella de la interpretación que era donde llegó a estar nominado cómo mejor actor secundario en los Bafta de aquel año.

La película que hoy en día sigue siendo una de las obras referentes en cuanto a la denuncia de la pena capital se ha convertido por meritos propios en una obra de culto de los que Fleisher parece que tiene colección 

Y ahora antes de adelantaros cual será el film con el que cerramos este ciclo del director nacido en broocking dejarme un segundo para recordaros que el canal va ya por su cuarto año de vida y que ya hemos reseñado más de 300 películas que tienes para esas tardes que no sabes que ver, donde te ayudamos a que descubras otro cine fuera del actual y que guarda las esencias de este arte y que mejor que suscribirte si es que aún no lo estás y si te ha gustado esta reseña y consejo cinematográfico por que no me regalas un like y si crees que es de interés lo compartas.

Y cómo te comenté antes, ¿cual será la película que cierre este ciclo de Fleisher? pues ni mas ni menos que la maravillosa vikingos un film de acción que va a ser la delicia de cualquier tarde de cine pero de eso nos encargaremos en un par de días, ahora sólo me queda por desearte dos deseos, el primero que seas o por lo menos lo intentes ser muy feliz y por último y no menos importante que vivas el cine.

CUANDO EL DESTINO NOS ALCANCE 1973

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, Veréis, la ciencia ficción tiene varias vertientes y géneros,  pero quizá el que más me ha impresionado de siempre es el que narra futuro distópico, obras que nos avisan de problemas futuros o realidades paralelas y si dentro de esas obras hay una que siempre me ha impactado y esta a ha sido Soylent Green o como se retitulo en español cuando el destino nos alcance.

La película basada libremente  en la novela de Harry Harryson titulada Hagan Sitio, hagan sitio, fue un superventas en su momento, en ella narraba el problema de la superpoblación del planeta y la explotación desmedida de los recursos naturales.

Esta obra es la elegida por La Metro Goldwind Mayer para llevarla al cine, el caso es que despues de la explosión del género gracias a que 5 años antes Kubrick rodara 2001 una odisea en el espacio, las grandes productoras miraban al género con interés debido a que el público demandaba dichas peliculas, pero tenía un problema la productora del Leon, como ya os comentamos en otros vídeos en los años 70 y debido a la política tan agresiva de control de presupuestos que ejercía James T. Aubrey, por ello se granjeo varios enememigos dentro de los directores y por supuesto de los autores, así que no es de extrañar que la compra de los derechos de Hagan sitio, hagan sitio se hiciera en secreto.

Por cierto la versión cinematografica, difiere muchísmo de la obra literaria original tanto que cuando preguntaron al autor si le gustaba la adaptación comentó que sólo al 50%.

Para que se hiciera cargo del proyecto pensaron en Richard Fleisher, un ya por entonces veterano autor acostumbrado a trabajar en la época de los grandes estudios de los 40 y 50 donde la presencia de la productora era omnipresente, algo a lo que regresó Aubrie con el fin de dar ganancias a la Metro y pensó que con el veterano director, la producción saldría en tiempo y sin sobrecostes, por otro lado Richard Fleisher era de los autores más versatiles de la industria teniendo grandes películas en casi todos los géneros, comedias como El  extravagante profesor Doolitle de 1967, de aventuras como 20000 leguas de viaje submarino del 54, Religiosas como Barrabás de 1961, historicas como Los vikingos de 1958 o de suspense como El estrangulador de Rollington Place de 1971. Además por si fuera poco el director carecía de ese aura de gran autor que le hacía bastante adsequible su contratación por lo que se convertía en el profesional perfecto para dirigir Soylent Green.

A ver, Fleisher siempre fue un hombre disciplinado abocado a realizar producciones por encargo en infinidad de paises, italia, reino unido y tambien estadounidenses, pero es un autor al que reclamar su buen hacer trás la cámara y por supuesto en este canal vamos a empezar un ciclo sobre tres de sus obras que personalmente me parecen películas cumbres de la cinematografía universal y que en la próxima reseña nos adentraremos un poco en su vida por que creerme que es impresionante.

Y volviendo a Cuando el destino nos alcance. 

La película nos situa en un mundo cruel, la clase media a desaparecido totalmente, teniendo una brecha abismal entre ricos y pobres, el desempleo que raya lo imposible hace que estos esten tan mal pagados que un policía se vea abocado a vivir de manera infima y que tenga que acudir a realizar pequeños hurtos y robos papara poder susbsistir.

En dicho mundo, el suelo fertil es tan escaso que se guarda como el bien más preciado y los productos agricolas son todo un lujo reservado solamente para los más favorecidos.

La explosión demografica es tan brutal que la unica forma de alimentar a la población es con alimentos manofacturados en forma de galletas, estos fabricados por la empresa Soylent tiene dos versiones el rojo y el amarillo, pero acaba de aparecer una nueva galleta de color verde, mucho más sana y nutritiva que las anteriores, realizada con placton del fondo marino. Esta galleta es la más cotizada y se acaba con rápidez dando pie a continuos tumultos tras su agotamiento, su nombre Soylent Green.

Ahora si me lo permiten vamos a realizar una pequeña sinopsis de la película como siempre sin spoiler, norma habitual del canal y que no nos vamos a saltar.

Al detective Thorn le han encargado la investigación del asesinato de un industrial millonario llamado William Simonson, junto con el analista de la polícia y compañero de piso el policía Sol Roth comienza una persecución al asesino que cuando está apunto de dar sus frutos el jefe Hatcher de la comisaría de policía le pide que cierre el caso de inmediato, dejando una investigación por orden de estamentos más elevados y hasta aquí te voy a contar el resto de la película tienes que verla tu y disfrutar de la película que simplemente es perfecta.

El film rodado en exclusiva en California y en los estudios de la metro que tienen allí nos representa una ciudad de Nueva York desolada donde los ricos viven en sus bunqueres de oro como si fueran viejos patricios, los lujos llegan a tal punto que dentro del moviliario a forma de esclava sexual tienen a jovenes dispuestas a todo para seguir viviendo dentro de esa burbuja. El mundo retratado por Fleisher en la película es desolador, llegando a la toxicidad del ambiente dentro de los suburbios más pobres de la ciudad.

El ritmo descomunal de la película no entra en conflicto con el desarrollo de la trama que es capaz de retratar el mundo donde ocurre la película y sobretodo de explicar el mensaje del film maravillosamente y es que Fleisher  es uno de los directores más eficaces en ese aspecto, sus obras directas, y sencillas muchas veces nos hablan de mensajes complejos y estos son adsequibles a todo el mundo.

La película tiene imagenes icónicas como los camiones con palas recogiendo a manifestantes o el momento donde Sol va al hogar donde escuchamos música clasica mientras que se vén paisajes bucólicos.

Este momento con un Edward G Robinson como siempre espectacular tiene una carga emotiva bastante alta ya que fue la última toma que rodó el actor, aquejado de un cancer terminal que terminó con el sólo dos meses despues de ser rodada, siendo esté un maravilloso epilogo de uno de los más grandes actores de todos los tiempos.

Charlton Heston quedó muy impactado cuando se enteró de las causas y el fallecimiento del actor, al que siempre destacó su profesionalidad incluso cuando estaba en sus últimos días, por cierto las actuaciones de estos dos genios de la interpretación son simplemente maravillosas, excepcionales de dos personajes míticos del cine.

Y nada ya voy a ir dando por terminada la reseña de hoy, con un film que no puedes perdértelo, si eres fan del género deberás tenerlo si o si en DVD o Blue Ray por que además de tener ediciones maravillosas y a bastante buen precio, es de esas películas imprescindibles para cualquier filmoteca personal que tenga una sección de ciencia ficción

Y quiero preguntarte una cosa, ¿Te gustan mis reseñas, quieres que te aconseje películas para esas tardes que no sabes que ver? pues si no estás suscrito a que esperas, dale al botón y a la campanita y no solo no te vas a perder ninguna de las reseñas que se avecinan, por cierto para que vayas preparandote en un par de días regresaremos con el Estrangulador de Rolington park no te digo nada más al respecto. si no que ya tienes más de 300 películas en el canal para ser vistas cuando quieras.

Y si además te ha gustado esta vídeoreseña de Soylent Green regalame un like y compartelo en tus redes sociales, me harás muy feliz y me ayudaras a que el canal llegue más lejos.

Y nada, hasta que lleguemos con la segunda película del ciclo de Fleisher me despido de vosotros no sin antes pedirte dos cosas, la primera que seas inmensamente feliz o luches por ello y segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine