STALKER como entender la película

Cuando las críticas de medio mundo tratan a Stalker de críptica, compleja, de dificil visionado o simplemente incomprensible me pregunto dos cosas, ¿Que película han visto? y segundo ¿Que puñetas saben de Tarkovsky? por que si sabes algo del director ruso, esta película es de lo más comprensible, ni es críptica ni es una fantasía de ciencia ficción como el Alphaville de Godard y mucho menos es subrealista.
Pero vamos al principio, voy a explicar la película para que todo el mundo la entienda sin hablar ni siquiera del film ni de su trama y así querido amigo del canal, podrás ver la película entendiendo absolutamente todo ya que el film es de lo más convencional, pero tiene truco y si quieres saberlo tendrás que esperar un poco y seguir leyendo.
Antes vamos a hablar un poco de Tarkovsky, director ruso que lamentablemente nos dejó en 1986 cuando tenía solo 54 años por culpa de un cáncer de pulmón.
Personalmente es del director que más he aprendido de cine, su libro que es un autentica clase magistral de como enfrentarse a una producción y como entender este arte. Es y será mi libro de cabecera por que ESCULPIR EN EL TIEMPO que así se llama,  es el mejor regalo que un director de cine puede dar, que es en definitiva desnudar su método de creación en todo los sentidos.
Y en el libro Tarkovsky cuenta de una manera meridiana como crea una adaptación cinematográfica de una obra literaria y aquí esta el meollo del asunto.
El entiende que el cine no es un arte de sustitución, que una película no debe de entenderse como el sustituto de una novela por lo tanto, el film que usa de base una obra literaria debe de expandir el universo, ampliar su narrativa pero nunca sustituir la obra, por que entonces estaríamos apropiándonos del trabajo del escritor y enterrando el libro en el que se basa.
Esta declaración de principios simplemente me parece de una honradez enorme y que pena que la industria cinematográfica haya tomado otro rumbo, mucho más rentable pero menos honesto.
Así que si tú, querido seguidor espectador quieres ver Solaris o Stalker has de leer si o si la novela tanto de Stanislav Lem para Solaris o a los hermanos Strugastkiy en el caso que nos ocupa. por que en el caso de Solaris la película termina 2 capítulos antes de que termine el libro por que la misión de la película es recrear la esencia de la obra de Lem y en Stalker lo que hace es expandir la novela de Boris y Arkady Strugastkiy dando por hecho que te has leído el libro, por que si no que haces viendo Stalker.
Aunque con Solaris si que es imprescindible la lectura en Stalker no hace falta, por que todo empieza con uno de los personajes de la novela, pero o entiendes el mundo en el que se desarrolla la trama o no vas a entender nada así que querido amigo lo que voy es a contarte el mundo de la novela que es el universo de Stalker y así verás que ni es críptica ni subrealista ni difícil de ver, ah! por cierto tampoco voy a destripar la novela, de la trama no pienso contaros nada, además de ser francamente buena y que aconsejo su lectura.
Picnic al borde del camino o Picnic extraterrestre que es como se conoce la novela, nos adentra en el mundo actual y cotidiano pero que ha sufrido seis impactos extraterrestres  de origen desconocido, estos impactos o mejor dicho zonas de impacto tienen dos peculiaridades la primera que no se sabe nada de los habitantes de la zona, no es que hayan muerto, es que simplemente no están, así que no hay nadie que pueda contar lo sucedido y segundo es que los objetos cotidianos en esa zona tienen ahora particularidades extrañas, por ejemplo una zapatilla puede contener más energía que una pila de uranio o el simple roce de una sábana te puede matar.
Debido a lo peculiar del asunto se montan laboratorios de investigación y se fortifican las entradas a esas zonas por el peligro que significa que alguien sacara algo sin saber las repercusiones que tendría.
Pero que ocurre con el resto de países que no son afectados por "esas zonas" a ellos también les interesa el estudio de los objetos de las zonas de impacto, por lo que se crea un mercado negro.
Son pocos los que son capaces de entrar y salir de la zona con vida y a esos pocos se les llama Stalkers, personas con poco que perder que han aprendido a moverse en un mundo lleno de peligros que arriesgan su vida por el mejor postor.
Y este es el universo en el que se desarrolla  la película, de la vida de un Stalker al que le ofrecen dinero por llevar a un grupo de personas al interior de la zona.
Esta maravillosa obra de 160 minutos dividida en dos actos es una película lenta, no es apta para todo el mundo ni para cualquier momento, es una película que te tiene que apetecer ver, por que es una obra intimista, donde los más importante pasa en el interior de las personas, las motivaciones de unos y de otros y el por que se arriesgan a adentrarse en un mundo que les puede matar, pero tengo que decir que igual que no es para todos si eres una persona que le gustan las tramas lentas cocinadas con tiempo, recreándose en la esencia del plano y el camino, este film se va a convertir de inmediato en una de tus películas favoritas.
A esta película le doy un 10, no solo por la obra que es maravillosa, si no por que con ella Tarkovsky nos da una lección de humanidad y sacrificio casi bíblico pero desde el punto de vista de un cineasta soviético, podría decir lo buena que es durante horas, de la forma de tratar ambos mundos, pero para qué si puedes ver la película y como siempre encantado de recibir comentarios y por que no, críticas a mis críticas que por algo esto es un espacio de libertad.

LA MUJER DE ROJO: Una excusa para hablar de Gene Wilder

Estoy cogiendo la fea costumbre de escudarme en una película para hablar de su director, espero que vuestra indulgencia perdone este defecto mio.
La mujer de rojo es una comedia muy al gusto de la época, mas cercana a un vodevil de teatro que a una comedia cinematográfica al uso, pienso por ejemplo en Ser o no Ser de Lubitsch, pero permitanme que antes de hablar de la película en sí, hable no solo de su actor principal si no de su director Gene Wilder. Por que sí el Sr Wilder es también director y esta es una de sus películas.
Gene Wilder es el actor que representa como ningún otro al hombre heterosexual entrado en los 40 de la época moderna, con un único pensamiento vital y es echar un polvo, ya sea dentro o fuera del matrimonio y de lo cutres y ridículos que somos en cuestiones de cortejo otoñal.
Jerome Silberman que es como realmente su nombre, nació en Milwaukee en 1933 estudió interpretación en la universidad de Iowa y fue un reputado espadachín, cualidad está que le hizo sobrevivir como maestro de esgrima en sus años de juventud que alternaba como conductor de limusinas y actor en algunas obras de teatro. Su primer trabajo en la gran pantalla vino de la mano de Arthur Penn en la película Bonnie and Clyde de  1967 tras ese inicio ya no pararía de hacer cine hasta casi la entrado del nuevo milenio, pero el Alzeimer primero y su muerte en 2016 nos privaron de seguir disfrutando del talento innato de un comediante con letras mayúsculas.
Películas como Los Productores, el Jovencito Frankenstein (donde también fue guionista), Willy Wonka y la fábrica de chocolate o el Expresso de Chicago fueron solo algunas de las obras en las que podemos disfrutar de su talento y que forman parte de nuestros mejores y más entrañables recuerdos de juventud.
Tras una larga carrera como actor en 1975 decide adentrarse en la dirección con una película que escribió y protagonizo que se llamó El hermano más listo de Sherlok Holmes y que tuvo como siempre en su carrera un gran respaldo del público y una indiferencia casi total de la crítica, esta primera película no es un dechado de virtudes, pero entretiene que es de lo que se trata en las comedias, además de esta dirigió, El mejor amante del mundo, Los seductores, La mujer de rojo y Terrorifica luna de miel, con la que cerró en 1986 su etapa como director.
Hay que remarcar el tamden que hizo con Richard Pryor en una media docena de películas y que ataría para siempre el nombre de uno y de otro en un cóctel que aseguraba diversión.
La academia de cine Norteamericana siempre injusta con los comediantes no le otorgó jamás un Oscar por ninguno de sus trabajos, ni como actor ni director ni guionista, aunque estuvo dos veces nominado.
Los que sí limpiaron su cara fueron los Emmy que le otorgaron a Wilder en el 2003 un premio como mejor actor invitado, es curioso como un actor referente de la comedia en tres décadas  no haya sido más laureado, pero es el estigma de intentar hacer reír en las salas de cine.
La mujer de rojo, película que me ha servido de muleta para hablar de Wilder es una de sus mejores obras tanto como actor y  director, escenas míticas como la del aparcamiento son por derecho propio parte de la iconografia del cine.
Su forma de dirigir ya depurada tras la experiencia de las tres películas anteriores hizo que imprimiera un ritmo perfecto, una anticipación al chiste soberbia y un final apoteósico. Si a esto le sumamos a Stevie Wonder que se encargo de meter un puñado de fantásticas canciones a la obra tenemos una de las mejores y más disparatadas comedias de la historia.
Aunque si buscáis críticas y ranking de este film os sorprenderéis de lo injustamente tratada que es la cinta hoy en día, quizá por que sea una comedia y el director un comediante, quizá por la incultura técnica de muchos de los críticos, por que señores si vamos a la técnica y la narrativa esta obra es perfecta, con planos complejos como los de la cornisa, con tiros de cámara absolutamente magistrales como la escena de la calle donde le destrozan el coche o con una puesta en escena magistral, como la escena del parking o el momento del despacho, del uso de contraste narrativo dibujando a dos tipos de mujer totalmente alejada una de otra en su vida y en su deseo y sobretodo de la audaz y veraz forma de retratar al hombre, quizá sea eso lo que escuece a los críticos el verse representados en Gene Wilder y no en Brad Pit.
Si estás aburrido o aburrida en casa y no sabes que ver, créame querido amigo o amiga esta película no te va a defraudar, si no la has visto me lo agradecerás de por vida el consejo, si la has visto ya sabes de lo que hablo.

Dune la mejor peor película de la historia

Hablar de Dune es hablar de una obra eterna, de un pasado, de un presente y en el año en el que estamos 2020 de un futuro, por que para comentar esta película nos tenemos que ir a mediados de los años 60, una época de cambios sociales a nivel mundial y en este marco temporal Frank Herbert escribió Dune en 1965, al principio se planteo la historia como una trilogía pero que con el éxito cosechado la alargaron hasta casi llegar a nuestros días.
La obra se convirtió en un Best Seller casi de inmediato por que supo conectar con él público, ya que  hablaba de Ecología, Mesianismo, Genética, Economía y sobretodo de poder político, algo que interesaba  sobremanera a la generación X.
Esta obra junto al Señor de los Anillos de Tolkien se transformó en el libro de cabecera de la juventud de muchas generaciones, creando casi una militancia cultural por ambas obras.
Aprovechando el seguimiento de la obra,en 1971 Arthur P. Jacobs, productor de la primera saga del Planeta de los simios o Dr. Doolitle, adquirió los derechos con la intención de llevarla a la gran pantalla, pero su muerte en 1973 hizo que no se pudiera realizar.
Con los derechos en el aire y con una sociedad aún interesada en las consignas que Herbert plasmó en su obra, el productor francés Michel Seidux se hizo con los derechos de la misma y empezó lo que ahora conocemos como el Dune de Alejandro Jodorowsky.
Esta obra no realizada es una rara excepción del séptimo arte ya que para muchos es considerada la mejor obra de ciencia ficción aunque no se llegara a filmar, esta pasión desmedida de la obra viene de la preproducción de la misma.
Jodorowsky realizador chileno multidisciplinar había realizado el Topo, una obra con la que tuvo bastante relevancia dentro del mundo undergroud de los 70, su halo de misticismo conectó a la perfección con la subcultura lisérgica del momento.
Tras ese éxito, se unió a Fernado Arrabal y Roland Topor en el denominado grupo pánico, esta unión del chileno con Arrabal y Topor le hizo tener una relevancia a nivel mundial y se embarcó en su siguiente obra La Montaña Sagrada obra de la que consiguió una más que notable financiación al meter como productor a John Lenon y como actor a George Harrison, aunque este al final declinara protagonizar el film debido a un lavado anal que aparece en la obra.
Con Jodorowsky en lo más alto de su fama recibió el encargo de Sidux de dirigir Dune y así empieza a gestarse la obra reclutando el chileno a lo más granado del movimiento artístico de los años 70, como director de arte contrató a Moebius, Dan Obanon como director de efectos visuales, H.R. Giger para diseño de interiores y atrezzo, para matte paintigs al gran artista Chris Foss y para la banda sonora a Pink Floyd.
Durante el trabajo de preproducción Jodorowsky y Moebius crearon un dossier con mas de 3000 ilustraciones de como sería la obra, parte de este trabajo se puede ver en el Incal comic que ambos realizaran años después.
Para el elenco artístico la cosa no podía ser más peculiar, como actor principal Jodorowsky pensó en su hijo Brontis además de Mick Jagger, David Carradine, Udo Kier, Orson Welles y Salvador Dalí.
Con el dossier de ventas preparado, empezaron a buscar inversores entre las productoras cinematográficas pero aunque la obra tenía interés el que la dirigiera Jodorowsky hacía que la tiraran para a tras y es que no veían en Jodorowsky un director de cine.
Sin financiación la película fue abandonada por Sidoux y ese es el principio de la leyenda de "la mejor película de ciencia ficción jamas realizada".
Mi opinión personal es que este acto de fe por parte de los seguidores de este proyecto está totalmente infundado.
Tanto el Topo como la montaña sagrada son dos obra densas, llenas de errores de dirección, de una continuidad visual y narrativas realmente desastrosas que se convirtieron en moda más por quién las hizo que por si mismas, de hecho es que Jodorowsky siguió haciendo cine Tusk, Santa Sangre, El ladrón del arcoiris, entre otras y ninguna a tenido la repercusión muldial que le otorgan al Dune de Jodorowsky, por que meter a un batiburrillo de artistas del momento  en una coctelera donde muchas cosas no tenían sentido, no hacen un buen film ni siquiera un buen proyecto.
Así que mi opinión sobre el Dune de Jodorowsky es que disfruta de la duda de las obras inconclusas pero si vamos a los datos y a la objetividad, esa obra habría sido un film de minorías o un autentico desastre.
Así que en 1976 Rafella de Laurentis hija del gran Dino de Laurentis se interesó por los derechos y convenció a su padre para adquirirlos. Así empezaba los que conocemos como el Dune de David Lynch.
Dino de Laurentis era un productor venerado en la industria desde los años 50 donde produjo verdaderas obras maestras como La Strada o Guerra y Paz. A demás de ser un productor que alternaba con autentica maestría obras serias como Barrabás o Waterloo con películas encaminadas al publico juvenil como la adaptación de de King Kong del 76 o Conan el Bárbaro.
La adquisición de la obra por parte de la productora Dino de Laurentis empezó a sonar bien al público, se empezó a a crear una expectación sobre la obra que el resto de productoras evitaban meterse en el generó de la ciencia ficción intuyendo el desastre que sería que la compararan con Dune, a diferencia de Sidoux, Dino hizo las cosas de un modo más convencional buscando un director afamado con cierto prestigio y que ya hubiera realizado obras de cierta envergadura y para ellos contrató a Ridley Scott, que aún estaba terminando Alien el Octavo pasajero.
Pero la muerte del hermano mayor de Scott de cáncer hizo que este se sumiera en una gran depresión, su única salida era trabajar de inmediato y el proyecto de Dino aún estaba muy verde por lo que tomó la película Blade Runner que le permitía empezar de inmediato. Este revés supuso para Dino y Raphaella la necesidad de buscar un director de cine capaz de dar vida a la compleja obra de Herbert y pensaron en Lynch, director aclamado por el hombre elefante y que sería el encargado de rodar lo que para muchos intuían la mejor obra de ciencia ficción de la historia.
Mucho se ha hablado del rodaje de Dune en Mexico, que si problemas de producción que si despidos y avandonos o que el guión era un desastre. Pero nada de eso, si vamos a las fuentes, José López Rodero productor del film explicó tiempo después "que por su puesto fue una producción complicada pero que entraba dentro de lo normal en una superproducción de ese calibre" así que sin quitar ni poner méritos la profesionalidad del equipo, terminó una obra con grandes complicaciones en cuanto a lo visual y narrativo de la obra.
Con la película terminada, Lynch empezó el montaje de la misma, la idea primitiva y heredada de Scott era una obra de 5 horas dividida en dos películas, así que el primer montaje de David Lynch duraba 7 horas y media.
Pero Raphaella y Dino pensaron que era muy arriesgado hacer un film de dos partes si el primero fracasara, así que encargaron a Lynch compactar la obra en un solo film.
Esto a Lynch no le gustó por que dejaba parte de la trama fuera y en una obra que tocaba tantos aspectos era poco menos que mutilar la obra, aún así lo hizo y entregó a Padre e hija una película de 5 horas de duración, ahora pordemos pensar en la locura que podía ser estar 5 horas en el cine pero en los 70 y 80 era de lo más habitual los cines de sesión doble y sesión continua, por lo que aunque larga no era descabellada. Aún así le volvieron a obligar a recortar.
Lynch muy joven en la época y sin el prestigio necesario se plegó y a regañadientes les entregó una obra totalmente sesgada de casi tres horas, pero que volvió a encontrarse con el férreo muro de los Laurentis que le volvieron a reclamar que la recortara más.
Lynch estaba desesperado, cada vez la obra era más escueta, inútil e incomprensible, no podía desarrollar el arco narrativo de los personajes y ya sentía que esa película era más de Raphaella que suya.
Al final entregó una obra de 137 minutos que fue lo que vimos en pantalla.
No hace falta ser un adivino para acertar con el pronostico del éxito en taquilla, como dice el dicho taurino, tarde de expectación noche de decepción y así fue. La obra decepcionó a todo el mundo, los que conocían la novela por todo lo que dejaba la película fuera y los que no conocían la novela por que no la entendían, aunque con el tiempo se ha convertido en una obra odiada y venerada a partes iguales yo tengo mi opinión.
La película no es buena, pero tiene unos momentos de genialidad que no he visto aún en ninguna obra de ciencia ficción, el diseño de vestuario, la narrativa de Lynch, las actuaciones del reparto son excepcionales, los efectos especiales y la atmósfera en los 80 impactaron y hoy en día aguantan bastante bien, lo único malo es la narrativa del fil, tienes la sensación de perderte cosas... pero es que te las pierdes de verdad. Si los Laurentis no la hubieran mutilado Dune sería hoy un referente.
Hay veces que se le ha pedido que retome su obra primitiva la de 5 horas, pero Lynch reniega de su obra.
Pasó el tiempo y después de series de Tv. hechas con mayor o peor acierto, el proyecto Dune sigue vivo y el futuro pasa por el Dune de Dennis Villeneuve. Personalmente  que el director candiense se haga cargo de la adaptación me ha vuelto a ilusionar, el saber que será una obra larga dividida en dos largometrajes creo que por fin tendremos una obra digna de lo que hubiera sido la obra de Lynch.
Así que como a mi no me gustan los vaticinios os emplazo a final de este año para ver si he tenido buena intuición y Dune por fin tiene una adaptación a su altura.

Blade Runner: como se hizo CAP 4

Con esté cuarto episodio terminamos un monográfico que espero que os haya gustado sobre una de mis películas de ciencia ficción favoritas.

Scott empieza a rodar, hay que decir para el que no lo sepa que Ridley hizo carrera en la publicidad donde el producto era esencial, eso le convierte en un director obsesivo con los acabados y las atmósferas, pidiendo cosas inverosímiles como fluctuaciones de luz a los personajes que vienen de la nada o un especial detalle por la forma del atrezzo, un ejemplo es la taza de café del primer Blade Runner, se dice que tuvieron que cambiar 50 veces de taza hasta que dieron con una que le gustaba a Scott en plano, esta perfección casi obsesiva exasperaba al equipo, pero al que más irritaba era a Harryson Ford, el acostumbrado a trabajar con directores que tenían muy en cuenta la opinión del actor como Copolla o Spielberg, se encontraba perdido en el rodaje sin saber que hacer y retrasando su plano una y otra vez Ridley Scott y sin contar para nada con la opinión de Ford.
Poco a poco el ambiente se fue enrareciendo entre el equipo, los actores y el director pero lo peor de todo era el retraso que se empezaba a acumular.
Aun así la película sigue adelante, los actores hacen su trabajo y el equipo técnico asume las estridencias de Scott para crear las puestas en escena, a pesar de que el ambiente no es el idóneo la cosa fluye, pero hay algo que va a romper ese equilibrio de fuerzas, los productores televisivos Perichio y Yorkin, hay que explicar que Yorkin era director de algunas series de TV  y del Show de Andy Williams, se presentan en el set de rodaje con el fin de ver que es lo que causa los retrasos, tras ver trabajar a Scott y verle repetir tomas una y otra vez, los productores creen que Scott es el problema.
Éstos empiezan a ir cada vez más a los rodajes y comienzan a meter prisas a Scott que les trata con total desdén, cosa que los productores televisivos no toleran.
La verdad es que la película se estaba retrasando pero lo normal en cualquier producción tan compleja como lo era Blade Runner, tras las presiones de Perichio y Yorking, Ladd Jr se pasó por el rodaje y le comentó que la película se tenía que terminar, Scott entendió las presiones a la que Perichio y Yorkin estaban sometiendo a Ladd y Deeley y si el propio Ladd le decía eso era por que algo escondían los productores televisivos, así que los últimos días se rodó con urgencias, no se pudo dar la perfección que Scott imprimía a toda la película incluso dejando errores garrafales que manchaban la obra como el plano en el que Zhora rompe los cristales y se nota la peluca del doble.
Aún así terminan el rodaje, Scott se dio unos días de descanso antes de empezar a montar la película, en principio había terminado lo peor, pero como siempre en esta película hay algo o alguien que lo vuelve a liar, resulta que aprovechando que Ridley estaba en Inglaterra, Perichio y Yorking junto a sus abogados preparan una carta de despido a Scott por sus retrasos, esta carta llega al resto de los socios, Ladd y Deeley, esta fue la gota que colmo el baso de la paciencia de Ladd Jr y se presento ante los productores y les dijo que él y la Warner han pagado por una película de Ridley Scott y que el despido no se haría efectivo.
Yorking que era el que había movido todo para dirigirla él todavía guardaba un as en la manga.
Scott llegó y empezó el montaje, el primer visionado no gustó pero el siguiente es una maravilla de sutilezas, de conceptos, donde dejan claro que Decard es un replicante, cuando en un momento sueña con un Unicornio, un sueño que nadie puede saber pero que al despertar Gaff ha dejado un unicornio de papel.
Perichio y Yorkin no entendieron nada, le pidieron a Scott una voz en off que narrara los pensamientos de Deckard pero este se negó.
Cuando por fin terminó el montaje con la magnifica música de Vangelis y presentó la obra que duraba más de 2 horas de duración, Yorkin y Perichio saltaron con una clausula del contrato en el que decía claramente que si la obra duraba más de dos horas ellos podían editarla, así que con la película terminada y que hoy se puede ver en parte como BLADE RUNNER DIRECTOR´S CUT, Yorkin remontó la obra, metió la voz en off que personalmente odio y creó un Happy End que rompía con toda la estética que Scott había creado y lo peor de todo, sin criterio, durante todo el film vemos coches voladores y al final un coche rodando por una carretera. Un sin sentido que hasta 20 años después no se pudo tocar por los derechos que tenían Yorkin y Perchio sobre la obra.
Aún así era una buena película, el primer día de estreno fue prometedor, pero al día siguiente las críticas fueron demoledoras, tanto que acabó siendo un desastre en taquilla, pero un desastre relativo, era cierto que el gran público le dio la espalda pero en los cines de reestreno se mantenía año tras año, se empezaron a crear club de fans del film, algo que solo se había conseguido con Star Trek y Star Wars.
Podemos decir que fueron los aficionados los que salvaron la película y Blade Runner vive y existe por esos aficionados que supieron ver donde los críticos cinematográficos  cerraron sus ojos

Blade Runner: como se hizo CAP3

La película avanzaba no sin sobresaltos como hemos visto en los capítulos anteriores.
Ahora llegaba el momento de crear un universo, uno que tenía como objetivo el emular las viñetas de Moebius un dibujante por el que Scott tenía especial predilección.
Debido a la técnica existente en aquel momento todo los exteriores se hicieron en estudio fabricando a mano las fachadas y elementos que daban vida a la tierra del 2019 desde la mirada de un Scott en los años 80. Para ello contrataron a Syd Mead un dibujante extraordinario y un magnifico ingeniero que creó uno concept impresionantes, el problema era que cada vez que dibujaba eso se traducía en miles de dólares, así que para baratar costes Scott le comentó que usara las fachadas existentes ya en el estudio y que creara añadidos futuristas, esa limitación creo que jugo a favor del film, dando un aire desordenado y ecléctico que forma parte de nuestro imaginario colectivo.
Como diseñador artístico contrataron a Lawrence Paul que con el presupuesto limitado y con la fecha de inicio de rodaje acercándose tuvo que trabajar a destajo.
Por mucho que el equipo de aristas avanzara y eso de avanzar era mucho decir ya que Scott era sumamente quisquilloso y estaba muy encima del proceso, los continuos problemas técnicos hacían que se acumularan retrasos.
Ya la fecha de rodaje era inminente y aún quedaban infinidad de elementos por construir, parecía todo perdido,  pero el destino volvió a jugar a su favor. En agosto del 1980 el sindicato de actores y la federación americana de radio y televisión (AFTRA) empezaron una huelga por la mejora salarial, esa huelga que duró dos meses hasta el 25 de octubre, permitió al equipo técnico terminar los decorados principales para que empezara el rodaje, sin esa huelga no hubieran llegado y seguramente por la falta de liquidez que tenían habría terminado con la película.
Todo estaba previsto para empezar, ya no había nada que pudiera entorpecer el rodaje pero como el destino es caprichoso, hizo que la productora principal de la película Filmway entrara en banca rota, no había dinero para pagar a nadie y los decorados aún por terminar. La cosa pintaba mal, así que empezaron a buscar inversores, los primeros en contactar fueron la MGM y la UA que declinaron meterse en el proyecto, recordar que entonces la película más esperada en el género era Dune, de la que se suponía que iba a ser otro rompe taquillas como Star Wars. Nadie quería enfrentarse a ella, así que recurrieron a Alan Ladd Jr. por aquel entonces manager de la Warner, Ladd ni se lo pensó... preguntó sobre la película y puso 7 millones de dólares sobre la mesa, solo cubría la mitad pero les permitía pagar facturas y seguir adelante. El resto del dinero lo pusieron dos productores televisivos que se quedaron con la tajada de las televisiones y el cine doméstico y esos productores fueron Perenchio y Yorkin.
Tras todos esos avatares del destino por fin estuvieron terminados los set de rodajes que a tantos impactaron cuando vieron la obra.
Una anécdota, muchos de los interiores fueron rodados en la casa Ennis una estaña mansión de los Ángeles y esta casa tiene el privilegio de ser la autentica mansión encantada en House on haunted hill que protagonizara el grandisimo Vincent Price.
Y con esto cerramos el capitulo de hoy y os hacemos una pregunta ¿Creéis que le puede pasar algo más a la producción de este film de culto?
Os espero en el próximo capítulo para que desveléis el misterio

Blade Runner: como se hizo CAP2

Parecía imposible como os comentamos en el capitulo anterior que Blade Runner llegara hasta aquí, con un guionista principiante, un productor que no creía en un principio en la historia y con un director con otros proyectos, pero el destino siempre caprichoso había hecho que la historia salvara todas las dificultades.

Ya con Scott en el proyecto se tenía que buscar un reparto a la altura de la película. 

Hampton había escrito el guión poniendo a Deckard el especto y la presencia de Robert Mitchum, el actor lo tenía todo, presencia, corpulencia y socarronería que necesitaba el personaje, de hecho es que Mitchum ya había repetido infinidad de veces el papel de detective y siempre había sido espectacular su interpretación, pero era demasiado mayor para el papel que requería de un rostro más joven, así que se hizo una lista con los actores que daban el perfil deseado, Burt Reynols, Nick Nolte, Al Pacino, Peter Falk pero se destacó, aunque ahora nos pueda parecer extraño Dustin Hoffman. 

Scott viajó a Nueva York para entrevistarse con el actor y parecía que había sintonía, tanta que los primero Story Boards se hicieron con la cara de Hoffman.

Pero pasaba el tiempo y en vez de acercarse el Director y el actor, empezaron a alejarse hasta tal punto que volvieron a buscar un rostro para Deckard.

Alguien sugirió a Harrison Ford, acababa de terminar su papel de Indiana Jones con Steven Spielberg y pidieron consejo a éste, Spielberg se deshizo en elogios con Ford, así que prepararon una entrevista y le presentaron el proyecto, curiosamente Ford huía de la ciencia ficción recordemos que estaba metido en la saga Star Wars con lo que intentaba que no se le encasillara, pero el aspecto de cine negro fue lo que desniveló la balanza para que aceptara el papel.

Para el villano la cosa no podría haber sido más rápida, Batty era el siguiente rostro a dibujar y por mediación de Katerine Haber se presentó a una entrevista con Scott, Rutger Hauer. 

Era un tipo imponente, de casi dos metros de altura, vestía un traje de vinilo adornado por una gafas de flores a lo Elton John, en ese momento Scott sabía que tenían a su chico malo.

Para el papel de Rachael la cosa se complicaba por que buscaban un rostro totalmente desconocido y eso llevó a interminables casting y pruebas de cámaras, para hacer de Deckard en esas pruebas contrataron a Morgan Paul que tenía que interpretar a Harrison Ford, hay que decir que el trabajo de Paul fue tan bueno que le podemos ver en el film como el primer Blade Runner.

Tras varias pruebas con actrices la duda estaba entre Nina Axelrod que era una grandisima actriz o Sean Young que realmente no estaba a la altura interpretativa que se requería, pero tras verla en cámara Scott apostó por ella, el problema es que no era buena actriz, así que Katerine Haber tuvo que volcarse en ella para que estuviera a la altura.

El resto del reparto Daryl Hannah como Pris, Joanna Cassidy como Zhora, Brion James como León o el magistral papel que hizo Edward James Olmos como Gaff que junto a su habilidad para los origamis cerraron un universo perfecto de personajes  que sin sus actuaciones, Blade Runner jamás haría sido lo que es ahora.

En el siguiente episodio os hablaremos de como empezó el rodaje, que fue de aguas mansas a verdaderas tempestades, pero eso como diría Conan el Barbaro, esa, es otra historia.

Blade Runner: como se hizo CAP1

Si preguntáramos a aficionados al cine que nos dijeran 5 películas de ciencia ficción, no sé cual quedaría primero, pero si que podría asegurar que entre las 5 todos dirían Blade Runner ya que es una obra que ha trascendido al tiempo y se ha grabado por merito propio en el Olimpo del séptimo arte.
Lo que muchos no sabrán es que esta película fue un autentico milagro que viera la luz ya que se dieron tal cúmulo de casualidades para que se llevara a cabo y el mismo número de desdichas por lo que la película siempre estuvo al borde del precipicio y su producción fue tal caos que
En este ciclo monográfico de la película narraremos como se consiguió hacer, la que para muchos de los aficionados es la mejor película de ciencia ficción.

Pongan sus asientos en posición vertical, abróchense los cinturones por que este vuelo empieza aquí,.

Toda historia tiene un comienzo y está empezó en 1975 cuando Hampton Fancher un actor que había hecho carrera en la televisión recibió un dinero para escribir un guión con total libertad, hasta entonces no había escrito nada profesionalmente por lo que se tomó el encargo como un reto más personal que profesional, pasaban los días y no salía nada bueno. Un día hablando del asunto con su amigo Jim Maxwell le dijo si conocía una novela llamada ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K Dick, Fancher contestó que no  y Maxwell le dejó el libro.
Tras leerlo a Fracher no le gusto la novela, no veía nada interesante en el argumento excepto la visión de un burócrata que cazador de androides, eso le dio pie para empezar a escribir un borrador. Su principal idea del asunto era sacar dinero.
Con el borrador terminado Fancher buscó a Brian Kelly un amigo de la industria que tenía contactos con un productor cinematográfico llamado Michael Deeley.
Michael Deeley quiso primero leerse la novela antes de juzgar si se compraba el guión o no, así que tras su lectura Deeley no vio ninguna película en ella con lo que perdió todo el interés, pero Kelly insistió en que diera una oportunidad a Fancher como guionista y Deeley aceptó.
Unos días después Fancher entrego un borrador de la historia, que era un compendio de diálogos en que la trama transcurría de habitación en habitación mas cercana a una obra de bajo presupuesto que a una película de ciencia ficción y además el final del film terminaba con el suicidio de Rachel
Tras leer eso Deeley le dijo que era una mierda y se olvidó del asunto.
Hampton volvió a retomar la historia desde cero, no ya desde el punto de vista de los personajes si no de el mundo que K Dick dibuja en su novela, un mundo en el que el ser humano está terminando con la vida en el planeta, donde los animales se han extinguido, haciendo patente la carga naturalista de la novela. Tras esa re-escritura se lo volvieron a llevar a Deeley que esta vez si compró el guión y se puso en marcha la película.
Deeley era amigo de uno de los directivos de Filmways y consiguió que se metiera la productora con 2 millones de dólares.
Se pusieron con la reescritura de la obra, su primer título fue Mecanismo una idea de Fancher, le encantaba la sonoridad que tenía y la fuerza, pero a Kelly no le convenció así que le cambiaron el título por Días Peligrosos, este título no convencía en absoluto a Fancher pero lo dejó pasar pensando que ya lo cambiaría más adelante.
Deeley lo leyó y decidió cambiar el título por Blade Runner, este título se lo tomó "prestado" de una novela de William Burroughs que tenia el mismo nombre
Con el guión y la financiación solo necesitaban un director,  todos pensaban en Ridley Scott para que lo dirigiera, sobretodo después de haber conseguido un éxito notable con Alien el octavo pasajero.
Tras concertar una cita con el director éste rechazó el proyecto, el principal motivo era que ya tenía apalabrado con Dino De Laurentis dirigir la película más esperada de la Ciencia Ficción una película que sería un referente del género y marcaría un antes y un después en el séptimo arte, DUNE.
Así que aquella historia de de Fancher se guardó en un cajón.
Pasó el tiempo y una fatídica desgracia hizo que Blade Runner se reactivara, estamos en 1980 y el hermano mayor de Ridley, Frank, muere de cancer, esto sumió a Ridley Scott en una profunda depresión, su estado anímicose resentía y el no trabajar en ningún proyecto por que Dune se retrasaba hacía de su vida una autentica tortura, así que llamó a Deeley y le dijo que si todavía estaban interesados él dirigiría Blade Runner con la condición de empezar de inmediato.
Y hasta aquí el capitulo de hoy, en la próxima entrega hablaremos de la producción y como esta se convirtió en una autentica pesadilla.

Frankenstein 1994; LA MEJOR ADAPTACIÓN DE LA NOVELA

Vamos a poner las cosas claras desde un principio por que no quiero que se me mal entienda, no estoy hablando de la mejor película de terror, ni siquiera de la mejor película sobre el monstruo de Frankenstein, ni tan si quiera digo que sea una gran película. Es la mejor adaptación de la novela.
Antes de continuar quiero que te hagas a ti mismo una pregunta. ¿Te has leído la obra de Mary Shelley,  Frankenstein o el moderno Prometeo? Si tu respuesta es si, ya sabrás lo que quiero decir con la entradilla, si tu respuesta es no y solo tienes el concepto del "Frankenstein" creado por la Universal en 1931 es entonces donde tengo que aclarar algunas cosas.
La novela original en la que se inspiran, es un autentico ladrillo, personalmente he leído las tres versiones que existen, la obra publicada en 1818 y que está modificada por el editor, la versión de la escritora sin modificar y una revisión que hizo la propia Shelley ya anciana de su obra y todas son de difícil lectura haciéndose bastante tediosa sobretodo en el segundo acto, pero con una carga humanística, naturalista y moral que hace que ese esfuerzo merezca la pena .
Es por eso, por lo que digo que si la adaptación de la novela es casi perfecta en una película ésta reflejará todas sus virtudes, pero también acarreará lamentablemente todos sus defectos.
La película dirigida por Kenneth Branagh titulada Frankenstein de Mary Shelley no engaña es una obra fielmente basada en la novela, el productor de la misma, Coppola ya había probado las mieles del éxito con la versión fiel a la novela de Drácula , pero esta fidelidad al relato que escribió la Sr Shelley no le libró de las malísimas críticas que tuvo en su momento la película y que la convirtieron en un autentico fiasco comercial y el mayor problema que tiene la película es que es una obra que todo el mundo cree conocer pero pocos la han leído, creandose una visión distorsionada y naif de la novela, algo que choca con el romanticismo de la misma y de la dosis de moralidad que incluye entre sus líneas.
Así que este artículo intentará hacer justicia a la película y darle una segunda vida a una obra mal tratada por la incultura de masas.
La obra recrea como pocas la época decimonónica y romántica donde se sitúa la película y esto fue gracias a los más de 45 millones de dólares invirtió Coppola en el film.  Su reparto no podía estar mejor buscado, De Niro hace un papel magistral como monstruo, John Cleese como profesor Waldman y Helena Boham Carter, Branagh como Victor hace un gran papel, aunque creo y es una opinión personal que necesitaba de un rostro más juvenil e ingenuo y un joven Eduard Norton en el 94 daría perfectamente para el film.
La historia nos narra la vida de Frankenstein, de su genialidad en medicina, de sus presiones sociales y de clase y de su alter ego el profesor Waldman el autentico villano del film.
La ambición desmedida hace que creerse Diós y esto le trairá mil y un quebraderos de cabeza que costará la vida a varias personajes de la película.
Como ven el monstruo no tiene más peso en la trama que ser a la vez penitencia y castigo para el desdichado Victor.
La película al igual que la novela adolece de un segundo acto bastante farragoso y lento en el que el espectador ha de hacer un trabajo ímprobo por no dormirse, pero créanme que  ver la película en su conjunto es una experiencia que vale la pena.
Si no has leído la novela, esta es una gran adaptación y sin ser una gran película y bastante más aburrida que las predecesoras con su toque de subcultura pop, una opción más que recomendable.
Para el lector que caminó por los renglones torcidos de Mary Shelley ver la novela en la pantalla no tiene desperdicio

7:35 DE LA MAÑANA cortometraje nominado al Oscar

Hoy os tengo preparada un par de sorpresas, la primera y más evidente por que vamos ha comentar un cortometraje, esas películas que no reciben mucha atención en los medios pero que hay oro puro dentro del género y la segunda sorpresa es que os dejo el enlace para que veáis la película enterita.
Tenéis el enlace en la descripción del vídeo.
El cortometraje está escrito, dirigido e interpretado por Nacho Vigalondo, autor por el que profeso un amor/odio a parte iguales mientras sus cortometrajes me chiflan sus largos me dejan un poco frío pero lo que os traigo hoy es una grandísima obra cinematográfica en formato mini.
Nacho Vigalondo le debe mucho a este film, creo que su carrera tuvo un antes y un después tras ser nominado a los Oscar de Hollywood.
La obra de la que prefiero no desvelar nada es un musical oscuro y negro como le hubiera gustado le que quedara al Sr Burton, Sweeney Todd.
En ella Vigalondo llena la pantalla de humor negro negrisimo en una película que transita lo racional y lo irracional por partes iguales, haciendo dudar al espectador hasta el redoble de tambores final.

Tras ese corto Nacho Vigalondo pudo realizar su largometraje  Los cronocrímenes que no está nada mal y sus películas con de alto presupuesto que me dejan bastante frío como Colossal u Open de Window.

Un director que sabe su oficio del que aún estoy esperando su gran película.
Pero mientras tanto, sientaté en tu sofá favorito y disfruta de esta maravillosa obra que dura exactamente 7 minutos y 35 segundos como cabía de esperar.

IL DIVO: la mejor película del siglo XXI

Hoy el canal se viste de gala con un film que tras su proyección en Cannes el público la ovacionó durante 10 minutos y que se llevó el premio especial del jurado y debió de llevarse la palma de oro pero el chovinismo francés se lo regaló a  Entr les Murs película francesa que el tiempo ha puesto en su sitio, en el más absoluto olvido, por que si es cierto que los premios lo dan los humanos o en este caso los franceses, la eternidad solo es otorgada a las obras sobresalientes y este es el caso.
No se puede entender como una película llega a ser un culmen del cine si no es explicando los tres pilares básicos de todo film. Un director magistral, un reparto a la altura y una historia sorprendente y en este caso, los tres pilares de una buena historia son sobrepasados y de que manera.
Antes de hablar de la película en sí, hablaremos primero de su director y guionista Don Paolo Sorrentino, el más grande director del siglo XXI el único que podemos decir que ha creado un estilo propio dentro del séptimo Arte y que está en el olimpo de los grandes directores de todos los tiempos.
Sorrentino tiene una manera especial de montar su puesta en escena, creando una danza entre la cámara, el escenario, los actores y el sonido. Usa como nadie la música electrónica para crear sentimientos ancestrales y trata el silencio como ningún director en la actualidad.
Si eso fuera poco, tiene una aguda visión para localizar a personajes especiales en la vida cotidiana, como es el caso del film que nos ocupa, en donde encuentra en un político italiano la epopeya de un superviviente, el antiguo presidente de la república de Italiana Giulio Andreotti.
Y no sería nada esta película sin la peculiar vida de nuestro protagonista, un Andreotti acostumbrado a sobrevivir en todos los momentos de su vida, un vividor de lo público ya que siempre vivió de la política manejando como quiso el partido Democristiano, llegando a ser 7 veces jefe del gobierno y siendo juzgado 2 veces en su vida, una por corrupción económica y otra por connivencia con la mafia y como buen superviviente salió indemne de ambas, a pesar de que su culpabilidad era más que manifiesta.

Supo ser un dirigente manipulado por la mafia  y supo sobrevivir a esta, algo que no es nada fácil.
Y para completar el circulo de una obra maestra tenemos que mencionar a Toni Servillo un magnifico actor que se convierte en gigante siempre que lo dirige Sorrentino, no me duelen prendas al decir que es el mejor actor vivo siempre que actúa bajo sus órdenes y lo ha hecho en varias ocasiones. El hombre de más, las consecuencias del amor, la gran belleza, Loro y esta que nos ocupa Il Divo.
La historia nos narra los últimos años de la vida política de Andreotti sus asuntos con la cossa nostra, sus chanchullos políticos y su instinto de supervivencia, todo esto bajo la aparente fragilidad de lo que se torna eterno.
Una maravillosa obra moderna de un clásico que podría contar Platón o Plutarco por que no puede ser más moderno que revisitar los orígenes de nuestra civilización, una obra que podrían los senadores llevar toga en vez de corbata, por que lo que nos narra es el poder y la corrupción algo que no pasa de moda. Una obra que se merece un 10 y que sé que al espectador más exigente colmará hasta extremos impensables.

Las 6 peores películas de la historia

Sabemos que el arte es muy subjetivo y que una cosa que te puede gustar a ti a mi me puede espantar, pero hay veces que de lo que estamos hablando es de autentica morralla y que a no ser que seas familia del director, la crítica va de mala a muy mala.
Y así sin más dilación vamos a por las 6 películas peores que he visto en mi vida.

Con el Nº6
SOÑÉ CON ÁFRICA de Hugh Hudson
Esta película fue una de mis mayores decepciones. Hugh Hudson director de obras tan importantes como, Carros de fuego o Greystock, la leyenda de Tarzán empezaba el 2000 con una nueva película, Soñé con África, el reparto de lujo en el que encontramos a Kim Basinger que después de L.A Confidential se había vuelto a poner en el candelero demostrando lo magnifica actriz que siempre había sido y Vincent Perez que nos dejó maravillados con la Reina Margot, en una película que intuíamos que iba a ser la nueva Memorias de África y que nos encontramos con una pesadilla que no tiene ni calidad de telefilm de sobremesa.
El guión es lamentable, esta basado en una novela que por supuesto tras ver la película no me he acercado al libro ni a 100 metros de distancia. Intenta ser un Dramón de esos de llorar y ¿que hacen los guionistas para conseguir la lagrimita?. Darle todo tipo de calamidades al pobre personaje protagonista.
Kuki, que así se llama el personaje de la Sra Basinger, es una mujer que tiene un accidente de coche que solo sobrevive ella, tras eso se enamora de Paolo y este la convence para que se vaya ella y su hijo a África y allí la pasa de todo, a Paolo le embiste un ñu, al niño le pica una serpiente, se enfrenta a cazadores furtivos, vamos que le ocurren tantas desgracias que en vez de conmovernos nos crea un hastío ante lo increíble de la situación, todo esto, mal llevado, fatal fotografiado y mira que es difícil no sacar planos impactantes en África y con una actuación que parece más una lectura de guión que una actuación pulida.
Un film malo de solemnidad.

Con el Nº5 BEN HUR de Timur Bekmanbetov
Hay que tener lo huevos como el amianto para hacer una revisión de todo un clásico del cine como es el Ben-Hur de William Wyler y más cuando tu anterior acercamiento al cine de romanos había sido Gladiadoras, una obra infumable en la que parece que son los interludios de una película porno.
Tras éxitos como Los guardianes de la noche, película de vampiros que tiene su gracia y pastiches como Wanted o Abraham Lincoln: Cazador de vampiros el bueno de Bekmanbetov se ve capacitado a enmendarle la plana a William Wyler y recoger el testigo de hacer una nueva versión de no solo un clásico del cine si no de dos, por que la primera versión de 1925 dirigida por Fred Niblo es otra obra cumbre de este arte. Y como es de prever no es que la película esté a la altura de ninguna de sus predecesoras, es que es una mierda de dimensiones bíblicas y aún así no es la peor del bueno de Timur que las tiene peores que esta, pero enfrentarte a todo un referente del cine mundial sin tener la calidad de los directores predecesores es de ser un autentico descerebrado.

Con el Nº4 UNA DE ZOMBIS de Miguel Angel la Mata
Opera prima del director de Isi Disi y Los Futbolisimos que comienza con mal pie en el cine y que tras cinco películas siento decir que no ha remontado en ninguna, pero esta no solo es la primera si no que es la peor, no da miedo, no da risa y no da asco, el resultado de una de zombis sin esos tres efectos es que es una película aburrida hasta la desesperación.

Con el Nº3 STREET FIGHTER LA ÚLTIMA BATALLA de Steve de Sousa
Esta es la puñetera película con la que cierra su filmografía mi admirado Raúl Juliá ya que ese mismo año 1994 murió y no pudo tener peor cierre, por que la película es un desproposito increible, malos actores, peor trama y efectos especiales chuscos y no es por que sea una de Van Damme por que las tiene entretenidillas, ni por que sea una película basada en videojuegos que la verdad sea dicha no recuerdo una buena, si no por que el Sr Sousa no sabe dirigir, carece de ritmo, de puesta en escena de intención lumínica, es de lo más amateur que he visto con actores de renombre y con actores de renombre me refiero a Juliá y no a Van Damme.
Y fue tan mala que aquí termino la carrera como director de cine del Sr Sousa, que volvió a la pequeña pantalla para volver a fracasar con Poseído.

Con el N2º ZOMBIE NATION de Ulli Lommel
Es más que curioso como alguien dentro de la industria del cine como Ulli Lommel sea capaz de hacer semejante basura y es que este tipo ha trabajado en varias películas con Fassbinder director de El matrimonio de Maria Braun, Lily Marlen o Berlín Alexanderplatz, vamos que sabe lo que es un rodaje, por lo menos como actor. Pero cuando decidió empezar su etapa como director, decir que su carrera es nefasta es quedarse corto, en 27 rodajes que dirigió por que me niego a llamarlo películas, su nivel va de malo, a vergüenza ajena y si han escuchado bien dirigió 27 películas de mierda con lo que creo que el método ensayo/error no vale de nada sin un mínimo de talento.
Zombie Nation destaca entre la basura por ser aún más mala que el resto, un sinsentido que carece de cualquier técnica cinematográfica y por si fuera poco, con título engañoso ya que el que espere escenas con 30 zombis caminando por la calle va listo, en todo el film no vas a ver más de dos actores en pantalla en escenarios rodados al lado de su casa en plan rodaje guerrilla. Basura impropia de un género que se presta a la clase B como ningún otro el de zombis, genero tan agradecido que ha permitido a muchos directores a financiar su película por cuatro duros y al que con un poco de talento se le saca oro puro y puede un film de bajo presupuesto ser una obra de culto como No profanarás el sueño de los muertos. Por lo que decir que hizo Zombi Nation con cuatro euros no le exime de la culpa de ser un autentico paquete como director y por que paró de hacer cine, básicamente por que murió en 2017. Si alguien piensa que puede soportar 15 minutos de esta película que pruebe y que luego me diga. Yo en un gesto masoquista que no me honra me la vi entera, básicamente para que nadie me dijera cuando la pusiera a parir que no me la había visto, que a partir de la hora mejora. No, es una mierda de principio a fin.

Con el Nº1 MI HONOR SE LLAMA LEALTAD de Alessandro Pepe
Uff, tras ver Zombie Nation pensé que jamás una película me daría tal vergüenza ajena que la superara. Pues otra vez me equivoqué cuando el ser humano te sorprende para mal, siempre llega otro después que te sorprende para peor, Esto es la mayor mierda que he visto en mi vida, no se le puede llamar cine ni película, es basura y basura que enmarca actitudes de mierda dentro del cine. La película narra la Segunda Guerra mundial pero en los ojos de un soldado nazi, bueno no son muchas las películas que tomen ese prisma, cruz de hierro o Stalingrado son dos buenos ejemplos, así que abro Netflix por que esta mierda estuvo en Netflix España y le doy a play y lo primero que me encuentro es una larga cita firmada por Alessandro Pepe, La madre que lo parió... no va a tener 2 horas para dejar su mensaje si no que se autocita al principio del film, pero con quién a empatado este tipo para autocitarse. El resto del metraje aunque no lo crean va a peor, no tiene estructura narrativa de ningún tipo, no tiene continuidad de planos, los diálogos están hechos por una cuadrilla de chimpancés borrachos o no me lo explico, a la media hora de metraje no sabes ni donde estas, ni quien es el protagonista ni cual es la trama, no entiendes que hacen, los saltos de un punto a otro los entiendes 15 minutos después con un Ah! que ahora estamos con este personaje, por que está tan mal rodado que no entiendes absolutamente nada. Sobre la batalla de tanques habría que hacer una capitulo aparte ya que es el recurso más chapucero que he visto en mi vida. A ver Pepe una lección gratis de cine, si no tienes capacidad económica de recrear una batalla de la segunda guerra mundial, ve a los archivos originales e insertalos que será por recursos filmicos de la época, no me metas una recreación amateur de esas que hacen a los turistas cuatro tíos disfrazados que no puede ser más lamentable.
La película transita entre la mierda soez y la completa basura y todo esto bañados con dosis autoegolatras de un "director" que no sabe absolutamente nada de su oficio. Algo para olvidar

Y con esto me despido deseando que esta vez no veáis ninguna de las obras que os he nombrado

La hora del lobo; Te la explicamos.

El film de Ingman Bergman La hora del lobo es una película críptica donde las haya, a pesar que todos los datos los tiene el espectador desde el principio del film, lo intangible de la trama hace que sea una obra de difícil comprensión.
Vamos a empezar por el principio y explicar toda la película por lo que si aún no la has visto este es el mejor momento de parar ya que irremediablemente se harán espoiler de la obra.

El film nos cuenta la desaparición  Johan Borg o mejor dicho, nos lo cuenta su mujer Alma. De momento ya la película nos cuenta el final al principio de la misma y ¿Quién es Johan Borg? esa pregunta es la clave de todo, es un artista, en este caso un pintor.
Este pintor y su mujer se mudan a una isla en la que viven los personajes que completan el reparto.
Al principio la pareja vive momentos felices, él dibuja a Alma sentada al sol, es un retrato familiar, sin más pretensión, es el principio de todo artista, crear por el placer de crear.
Pronto empieza su trabajo y coincide con Verónica Vogler, mujer con la que mantuvo una relación hace años y aquí esta el quit de la cuestión. ¿Quién es esa tal Veronica?. Básicamente es la musa del pintor.
Johan la busca con todas sus fuerzas pero como musa que es apenas se le presenta, tras un breve encuentro con ella, empiezan a surgirle los miedos del artista representados en pesadillas, él temeroso intenta huir de sus propios miedos de una forma infantil, evitando dormir por las noches, algo demasiado tosco que marca la cobardía del personaje ante sus miedos interiores.
El resto de los habitantes, Un archivero, un mecenas, un crítico de arte y varios coleccionistas completan junto con su mujer el resto de personajes de la historia. Por que ya os habréis dado cuenta de que lo que estamos hablando, es de una película que narra los fantasmas interiores de un artista y aquí tenemos de todo.
La coleccionista que le prostituye
El mecenas que le ridiculiza
El crítico, que tiene celos de él ya que Borg es un creador y este no sabe que hacer con la musa.
También hay un niño que mata, es él mismo, su pasado, cuando habla de sus maltratos infantiles y quiere ahogarlos, pero al final ese trauma lo sumerge a él.
Quizá la única persona junto a su mujer que le respeta es el archivero, que es el retrato del admirador y que él trata con desprecio, el artista endiosado que no ve su debacle y que dispara a su mujer con la intención de matar todo lo que le ata a lo terrenal y quiere ir con su musa con su arte y va en busca de ella.

Al final la encuentra, pero esta se ríe de él junto con el resto del mundo artístico, con lo que el Borg desaparece ahogado en sus propios miedos.

Como veis es una historia clara que están todos los datos ahí, pero con una trama etérea contando lo in-tangencial como  tangencial por lo que puede llevar a confusión.
¿Pero que pasa si cambiamos el prisma a algo más terrenal y menos espiritual? Pues no pasa nada, por que al final la película es un maravilloso palíndromo, también podemos enfocarla como una película de terror gótico y funciona igualmente, los monstruos que viven en la isla se pagan su venganza por matar al niño que es miembro del clan.

Personalmente me parece una obra maravillosa, no sé que hubiera pasado si hubiera conseguido la pasta y nos hace una obra de tres horas, personalmente pienso que seria un tostón, creo que los 88 minutos que dura son perfectos, da para contar la historia y cerrarla, incluso al ser una "obra breve" se presta nuevos visionados en busca de mensajes, para mi La hora del lobo junto con Fany y Alexander, Fresas salvajes y el Septimo sello es lo mejor de Bergman un autor que curiosamente me sigue sorprendiendo a medida que revisiono su obra.
Espero que os haya convencido mi explicación pero si no estás de acuerdo conmigo puedes dejar tú visión de la trama aquí abajo.

LA HORA DEL LOBO, Bergman enseña a Lynch

Somos muchos los que vemos en el surrealismo oscuro y críptico la firma de David Lynch, pero hay que poner algunas cosas en su sitio y es que han sido muchos los directores que previamente han recorrido ese sendero y entre ellos Ingman Bergman director de obras cumbres del cine que volcó toda su oscuridad en la película que os presentamos a continuación y que notaréis lo cerca que está esta cinta de obras rodadas por el director de Montana, en la que sugiere una más que notable inspiración en en su obra de este film sueco.

La hora del lobo, film rodado en el 68 es una rara avis en la obra del director sueco, ya que se adentra en el genero del terror vampírico, si me siguen habitualmente sabrán mi especial predilección por esas curiosas criaturas, pero estamos ante una obra no apta para todo el mundo, de una trama compleja y con varias lecturas dependiendo del prisma con que se mire el film.
La película cuenta la desaparición de Johan Borg, un afamado pintor que se muda a una isla con su mujer. en ella viven curiosos personajes y entre ellos Veronica Vogler una mujer con la que mantuvo un romance tiempo atrás.
Borg comienza a repudiar a su mujer Alma sin que esta entienda muy bien lo que esta pasando pero una fiesta en casa del Barón Von Merken nos pondrá sobre la pista de algo que quizá no debió de ser descubierto.
Esta película es especial en Bergman no por que se adentre en el mundo del terror gótico si no por que es la culminación de una idea que guardó largo tiempo en un cajón, el primer guión lo escribió Bergman catorce años antes de ser rodado, basado en los cuentos de E.T.A. Hoffman con la idea de hacer una producción cara y de largo metraje, pero los problemas de financiación dejaron a La hora del lobo casi olvidada, hasta que por fin y gracias a Lars Owe Carlberg pudieron arrancar con el film aunque de una manera más modesta.
Para ello se desplazaron hasta la reserva natural de Hovs Allar para adentrarnos en los parajes de la Isla de Baltrum y para los interiores usaron los estudios de Svenk Filmindustri.
Bergman muy influenciado por Fellini, crea una fotografía agobiante rodada en blanco y negro con puestas en escena que alternan lo recargado y lo exiguo de una manera magistral.
En la obra se elude a la pareja y a la infidelidad, a los monstruos interiores y al vampirismo no solo físico si no también existencial.
La obra es compleja y críptica, por ello hemos pensado hacer una explicación de la película en un vídeo posterior.
Si se encuentran con ganas no veo mejor ocasión para ver La hora del lobo y yo no encuentro mejor película para hacer mi homenaje particular al grande entre los grandes que nos ha dejado a todos un poco huérfanos Max Von Sydow

  

Senderos de Gloria, no es la mejor de Kirk Douglas

Permitanme que me salte un poco mis normas y es que en este caso no voy hablar ni de una película independiente, ni desconocida ni siquiera la mejor de su director o actor, pero es que Senderos de gloria es la mejor manera de comprender la estupidez que es una guerra, ya que el objetivo de la misma es convencer a dos personas que ni se conocen, ni se han cruzado en su vida quieran matarse, pero más absurdo es cuando al que tienes que matar es el compañero que has tenido a tu lado y que su único delito es el mismo que cualquier persona sensata haría y es intentar sobrevivir a toda costa.
Y es que Senderos de gloria de lo que trata realmente es del chivo expiatorio, de esa cabeza de turco que se usa para intentar disimular la incompetencia propia en carne ajena.
Y es que no puede ser más cruel y más veraz que la historia que nos narra la novela de Humphrey Cobb.

La historia nos sitúa en medio de la primera Gran Guerra donde  el General Mireau recibe la orden del estado mayor de tomar una colina que resulta ser un infierno.
El regimiento decide retirarse hacia las trincheras, actitud que desde el despacho no entiende dicho general por lo que pide fusilar a parte de dicho regimiento.

Esta película no es la mejor de Kubrick ni de Kirk Douglas y quizá tampoco sea la mejor sobre la 1ª Guerra Mundial pero es un retrato perfecto de la tozudez de los estúpidos, de los valientes de salón y del asombro absoluto de los sensatos ante la locura de los necios.
Y es que es de necios de los que trata esta película, más que de guerras y generales, es de necios con poder, incapaces de hacer nada a derechas y que pagan su frustración en carne ajena y de como otros miembros poderosos buscan el mal menor solamente para no herir los sentimientos del necio, convirtiéndose así mismos en cómplices.

Y sin ser la mejor película de Kubrick ni de Douglas, es el mejor retrato del ser humano, estúpido por naturaleza.
Quizá algunos dirigentes se vean retratados en este film, aunque seguro que bajo el retrato del Coronel Dax pero que en la realidad son el torpe General Mireau y es que la estupidez humana es asombrosa