Tom Jones 1963

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis hay veces en la historia del cine que tu mejor película no es la más laureada o dicho de otro modo la obra que más premios recibe no tiene por que ser la mejor del cineasta en cuestión y la reseña y sincero consejo de cine de hoy pues es un buen ejemplo de ello y es que TOM JONES película rodada en 1963 no es ni de lejos la mejor obra de su director Tony Richardson y aún así consiguió 10 nominaciones a los oscar llevandosé 4 estatuillas de las más importantes y es por eso que lo más importante a la hora de ganar premios no es ir con tu mejor película si no terminar en un año sin competencia que fue más o menos lo que le pasó a este film, aunque si os soy sincero, algún premio bajo mi opinión debería haber ido a otras manos, pero bueno de ese punto nos encargaremos al final de la reseña por que ahora toca empezar la videocritica de este fabuloso film que es TOM JONES pelicula estrenada en 1963 por Tony Richardson.

Veréis, tras su periplo en el free cinema donde realizaba dramas sociales cargados de desencanto, Richardson y su amigo Osborne decidieron dar un cambio de timón, el autor que era uno de los máximos exponentes de la New Wave británica sobretodo por su anterior film, la Soledad del corredor de fondo que fue con el que comenzamos este ciclo y decidieron romper con su inercia habitual y rodar una comedia de aventuras de época.

Este cambio, bajo mi punto de vista es demasiado abrupto como para que Richardson sacara todo su potencial y ya os digo que de todas las que vamos a reseñas de este autor quizá sea la menos gloriosa, pero aún así realizó un film dinámico y cargado de sentido del humor en una obra bastante bien acogida en su momento.

La película iba a ser otra vez coproducida por Woodfall, la productora que formaron Tony Richardson y John Osborne y Brynston films, está ultima estaba pasando el peor momento de su historia y estaban valorando realizar el film en blanco y negro para abaratar costes, mientras que avanzaba la producción Bryanton Films quebró y Richardson y Osborne tuvieron que buscar otra distribuidora que se hiciera cargo de la adaptación de la novela de Henry Filding titulada La historia de Tom Jones, un exposito.  

Y es en ese momento donde la UNITED ARTIST entra en la producción y con el dinero de esta pudieron Richardson y Osborne rodar su film en color, Richardson quiso rodar en autenticos parájes ingleses, uno de los mayores errores de la producción ya que el continuo mal tiempo y la cantidad de exteriores que tenía el film llevó a interminables días con solo unas horas de rodaje efectivo, ese infierno de producción se nota en la película con continuos cambios de luz que walter Lassaly el director de foto del film no pudo solventar. 

Y ahora que os parece que os cuente un poco de que va la película, ya sabeís los mas veteranos en el canal que aquí no hacemos spoiler y es que de que serviría daros a conocer una película si luego nosotros mismos os destrozamos la experiencia, pues eso, estate tranquilo que sólo te vamos a contar lo justo para que te animes a ver el film.

Veréis Tom Jones es el hijo bastardo de una criada y el barbero que traban en la mansión del generoso Alworthy, tras semejante afrenta y dejar abandonado en la cama del Señor al bebé, Alworthy decide expulsar a sus lacayos y criar al hijo como si fuera suyo, el nombre de este será Tom Jones.

El joven crece y su belleza y bondad le traen romances y problemas a partes iguales. Un día cuando la hija de su vecino regresa de francia Jones cae enamorado de ella y ella se rinde ante la gallardía de él, pero Squire Western el padre de  Sophie tiene otros planes para su hija, que se case con el sobrino de Alworthy y heredero de sus tierras, el joven Blifil. 

Ante semejante afrenta y debido a los multiples problemas con sus tutores y con Blifil Jones se ve forzado a abandonar su hogar viviendo mil aventuras y varios romances y hasta aquí te voy a contar el resto de la trama tienes que verla tu.

Veréis, la película a veces es comparada con Barry Lyndon y en cierta manera es normal el emparejamiento ya que la trama es bastante similar al film de Kubrick, lo que nunca se debe de hacer es compararla en calidad, ya que es aquí donde se hacen las mayores injusticias a este film, primero por que esta obra es un film independiente de 1 millón de dólares, mientras que Barry Lyndon es una superproducción de 11 millones y segundo, este film está rodado 12 años antes que el de Kubrick,a sí que no se pueden comparar en ese aspecto.

La película técnicamente como hemos dicho antes es bastante mediocre, pero a la vez se nota la maestría de Richardson, creando una verdad tras la cámara simplemente impactante, el uso de camara al hombro hace que este film obtenga una verdad inusual, los momentos claves como la cacería del ciervo o los momentos con las multitudes, parece que más que un film parezca un documental y esa verdad impacta al espectador con continuas interrupciones de los personajes rompiendo la cuarta pared.

El film arranca como si fuera cine mudo y termina siendo una obra costumbrista, teniendo varios estilos filmicos en la propia película que hacen de ella por un lado una rareza y por otro un film antológico, a ver en la actualidad estos recursos de Richardson han sido mil veces copiados y por lo tanto un espectador actual no sólo no se va a sorprender con ellos, pero es necesario para entender la repercusión de este film a nivel mundial que era Tony Richardson un pionero en alguno de los aspectos de este film y de ello la cantidad de nominaciones a los Oscar, de las 10 que consiguió se llevó 4, mejor película donde competía con America, America, Los lirios del Valle, Cleopatra y la conquista del Oeste y bueno que deciros, quizá tú prefieras otra película pero no me parece descabellado el premio a Tom Jones.

Al igual que el Oscar a mejor banda sonora para John Adisson que hace un gran trabajo, junto a él estaban las sintonias de las películas  55 días en Pekin, Cleopatra, el mundo está loco, loco, loco y La conquista del Oeste.

En cuanto a Guion adaptado que se llevó Osborne, competía con Capitán Newman, Sibila, Hud y Los lirios del valle y bueno como digo puedes pensar que te gusta otro pero no lo ves como una decisión desastrosa.

Pero en cuanto a mejor director que se lo llevó Richardson, aquí la cosa cambia, veréis competían Elia Kazan Por America, America, Preminger por el Cardenal, Martin Rit por Hud y Federico Fellini por 8 y medio y aquel oscar debió llevarselo el director italiano y es que la dirección de Felini en 8 y medio es insuperable en toda la historia del cine, por lo que creo que aquí y a pesar de mi devoción por el director se equivocó la academia de cine de los Oscar.

Y bueno, ¿que hizo en taquilla? pues consiguieron recaudar algo así como 22 millones de dólares en todo el mundo, puede parecer poco pero recordar que costó sólo 1 millon de dólares con lo que fue un éxito rotundo, por cierto en el film a demás de Abert Finey, actor que adoro y que se hizo aún más rico con este film al llevarse un 10% de las ganancias, aparece el que para mi es el mejor actor haciendo de villano de la historia, el inconmensurable e inigualable David Warner que encima es su primer papel en el cine, si tenías ya unos cuantos motivos para ver el film, aquí tienes otro más

Y nada más, ahora vamos a preparar el siguiente film a reseñar y la última pelicula que cierra el ciclo del director con una obra que marca un final de muchas cosas ya que supuso la ruptura de la pareja Osborne y Richardson tras 10 años de profunda amistad, pero bueno para eso tendréis que esperar un par de días ya que aún tenemos que cerrar este videoconsejo y como bien sabéis no lo puedo hacer sin dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello y el segundo y como no puede ser de otra forma. que vivas el cine

La soledad del corredor de fondo

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, veréis hay directores que tienen el lujo de la popularidad, esos que poca gente en el planeta no conoce, luego los hay totalmente desconocidos, pero el caso de Tony Richardson no pertenece ni a unos ni a otros, el gran público no le conoce y si ya tienes conocimiento de cine pues sabes de su obra y eso de estar en este limbo del conocimiento le hace carne de olvido y cómo cuando creé este canal uno de los objetivos era desenpolvar películas y directores olvidados, pues que mejor que hacer un ciclo a este titán del cine nacido en reino unido y ganador de un Oscar, el grande entre los grandes Tony Richardson.

Y la duda que teníamos era por donde empezar. Veréis, Richardson fue uno de los precursores del movimiento Free Cinema que perteneció al grupo de los Angry Young man que llevó a asociarse con el fundador del grupo John Osborne y que yá desde el principio de su carrera en el cine mostró un talento poco usual, al llevar al cine la obra de su compañero Osborne con el film Mirar hacia atrás con ira, creando una de las operás primas más impactantes del cine.

Pero curiosamente he decidido empezar justo por un final, el film que marca el final del ciclo filmico dentro del free cinema, quizá con la mejor película de todo el movimiento y esa no es otra que LA SOLEDAD DEL CORREDOR DE FONDO film estrenado en 1962.

Veréis pocas películas son más inspiradoras que este film de Richardson, la película que narra un momento cruel y agrio de un muchacho londinense, algo parecido al film de Nicholas Ray rebelde sin causa pero aderezado con la visión del free cinema, plantea varias preguntas y nos responde con certezas incómodas, el film narra la vida de un joven delincuente que curiosamente es más honesto que el resto de personas de bien que le rodean, esa dualidad, esa franja de escalas de grises en donde la decencia se mezcla con la legalidad en dos fuerzas opuestas entre sí. Crean una de esas atmosferas únicas en uno de los mayores films brítanicos de los años 60.

Y ahora que os parece que para adentrarnos de lleno en esta joya del cine hablemos un poco de la trama del film, antes de ello por si eres un nuevo espectador del canal decirte que puedes estar tranquilo ya que no vamos a desvelar la trama, para que puedas ver el film sin robarte ni el más mínimo momento del metráje y es que nuestro objetivo es que te adentres a ver el film y para ello que mejor que hacerlo sin spoiler.

Así que hecho este apunte vamos allá.

Colin Smith es un muchacho que va a ser internado en un reformatorio por el robo en una panadería, durante su estancia en prisión sus capacidades atleticas le llevan a formar parte del equipo de los corredores de fondo de la penitenciaría, durante las largas marchas en la soledad de su entrenamiento recordará momentos de su vida que muestran los motivos por los cuales acabó en prisión.

La reciente muerte del padre, la realción de su madre con su amante, el reciente noviazgo y la fraternal realción con su amigo otro ladronzuelo como él.

Todos los flashback nos darán una visión no solo del personaje si no de la sociedad del momento en un film generacional simplemente descomunal.

Allan Silitoe escribió un cuento que es el que toma Richardson para su versión cinematográfica y  adaptado el guión por el propio autor Allan Silitoe, Richardson que ya había despuntado con sus anteriores films, su opera prima Mirando hacía atras con ira, le siguió el Animador, Requiem por una mujer y la memorable sabor a miel, todas obras magestuosas del free cinema que tuvo como colofón este film titulado La soledad del corredor de fondo, la obra cumbre del autor, su mejor film aunque no el más laureado, aunque de eso nos ocuparemos más adelante.

La obra es cruda, poniendo el foco sobre un hecho incontestable, Colin es un ladron y cumple condena justamente, pero pronto vemos que aúnque culpable del echo su moralidad, su visión honesta de la vida le hacen estar por encima de todo lo que le rodea.

Su madre, reciente viuda del padre de Colin se gasta el dinero que le da la empresa por el fallecimiento del marido en abrigos de bison, juguetes para los hijos pequeños y una nueva televisión, por si fuera poco, al día siguiente del fallecimiento del marido, ésta mete al amante en su casa. Este detonante vital es el que hace de desconexión del muchacho con todos los acontecimientos que ocurrirán a continuación, la vida de un joven que ve que nada de lo que le rodea es honesto y su visión de la vida choca con esta realidad. En prisión su capacidad de correr largas distancias le llevan a tener dilemas morales donde si se pliega vivirá facilmente y si se mantiene en su sitio sufrirá las consecuencias y vé que la vida va de esto de plegarse, de no mirar y de seguir la corriente. ¿Que hará? esa duda es la que nos mantiene espectantes durante todo el metraje en una especie de thriller social perfectamente medido.

Y es que Richardson en ese momento ya había demostrado toda su valía como cineasta, su pulso tras la cámara venía dado de una carrera temprana, ya en la escuela participaba en el club de teatro que desenbocó en la sociedad dramática de la sociedad de Oxford, siempre dentro de la dramaturgia perteneció al club de teatro experimental que terminaría desenbocando en el cine  y televisión del momento.

La películas de Richardson muestran una perfección casi inusual en directores jovenes, el montaje, el uso del encuadre y el uso de elipsis temporales parecen fruto de un director con muchos más años de experiencia que las del joven Tony y es que era todo un virtuoso tras la cámara.

La película se adereza con un reparto que ralla la perfección, Tom Courney que es el protagonista de la historia hace aquí su primer papel en el cine y simplemente parece que había nacido para ser el ladronzuelo de esta historia, su verdad interpretativa hacen de esta historia creible, tambien se ensalza con la presencia de su suegro, si puede parecer que el actor está ahí por ser el padre de su mujer, pero es que resulta que su esposa fue Vanessa Regrave y su padre el imponente Michael Redgrave que hace aquí el papel del director de la institución.

Todos en el film están descomunales, pero el trabajo de la madre de Collin, la actriz Avis Bunagge es simplemente maravilloso, los pocos momentos que aparece en pantalla, muestra un poderío interpretativo que da el contrapunto a la visión que tiene el personaje de su hijo en pantalla.

La película consiguió un Bafta al director como mejor promesa del cine británico, una promesa que despuntaría en el siguiente film donde ganaría un Oscar de Hollywood.

Pero bueno no nos adelantemos por que ese film será la siguiente reseña del canal, así que si no te la quieres perder y aún no estás suscrito, a que esperas, dale al botón y a la campanita y youtube se encargará de avisarte cuando tengamos una nueva reseña.

Pues lo dicho, ahora toca el momento de darte pistas si este film es para ti o no.

Primero, si te gusta el cine, así, si eres un amante de este arte, este film es un imprescindible, no puedes dejarlo escapar.

Si te gusta la Nouvelle Bage, si eres fan del Neorealismo y te encantan los films italianos de este género, rocco y sus hermanos o el Ladron de bicicletas pues no puedes pasar ni un minuto más sin verlas.

Si te gusta el cine comprometido como el de Costa Gavras, pues adentraté en este film por que ya te aseguro que es para ti.

Pero, si lo dicho anteriormente no te llama y te gusta el cine de género más que el cine de autor, pues no pasa nada, no significas que tengas el gusto atrofiado ni nada por el estilo, simplemente que este género y seguramente este film no es para ti y si quieres adentrarte en su visionado eso será bajo tu responsabilidad, que oye que quizá te des cuenta de que este film en contra de todo los previsible se convierte de tus favoritos, por que si algo es común en el ser humano es nuestra incongruencia en nuestros gustos, así que oye, dale una oportunidad, si no te gusta sólo habrás perdido 90 minutos de tu vida.

Pues hecha esta sugerencia y consejo sincero de cine, vamos a marcharnos esperando que los que no conozcais a este autor os enganchéis al vagón de este ciclo que le vamos a dedicar y si ya lo conocias, sé que ya estás sentado en primera clase.

Así que sin más vamos a dejar la reseña y empezar la siguiente pero antes permitanme que me despida con un par de deseos, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello y el seguindo comono puede ser de otra forma que vivas el cine

A la caza 1980

 bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, antes de nada decir que con este film vamos a ir dando por cerrado este ciclo que le estámos dedicando al maravilloso director de cine William Friedkin con una película que aunque controvertida, sigue siendo uno de los mejores thrillers de los últimos estertores de la década de los 70. un film de esos que podríamos tachar como peculiar y no sólo por la trama si no por como se gestó y aquí quiero hacer un pequeño parentesis.

Veréis hay películas que nacen de una casualidad imposible, de esas que parece mentira que se de tales circustancias que den como fruto el film en cuestión y esta película es una de esas, así que si quieres saber todo lo referente a este film, ponte cómo por que vamos a empezar a reseñar Cruising o como se tituló en España A la Caza, film rodado en 1980 por William Friedkin

Cruising es un thriller basado en un asesino en serie como otro cualquiera de la época, bajo su estructura narrativa no hay nada de peculiar, pero el caso diferenciador es que los asesinatos ocurren en el ambiente más oscuro de la comunidad Gay Neoyorkina, siendo un film que camninaba por el filo de una cuchilla, ya que podría recibir críticas feroces de ambos lados de la sociedad.

Tanto era así que Friedkin cuando recibió la propuesta de Phillip Dantoni, productor con el que trabajó en French Connectión, le propuso llevar a la pantalla la novela en que se basa esta película, Friedkin dijo que no estaba interesado y todo quedaría ahí si no fuera por una casualidad de esas que sólo ocurren una vez cada un millón.

Veréis, pasa el tiempo y ocurre que se da el caso de un asesino en serie de homosexuales, algo parecido a lo narrado por el libro y uno de los investigados y probable ejecutor de los asesinatos era un tal Paul Bateson, el bueno de Batelson era un radiolo que había sido declarado culpable del asesinato de un periodista llamado Addisson Verril, hasta ahí no habría nada de particular si no fuera por dos motivos, primero y como he dicho antes que era el principal sospechoso de los asesinatos en serie de los homosexuales y por otro y aunque parezca mentira era el actor que hacía de radiologo en el Exorcista de Friedkin, si. Este hombre de aquí.

Cuando el productor de cine Jerry Bentraut volvió a ofrecerle el proyecto Friedkin cambió de opinión debido a los recientes sucesos realizados presuntamente por uno de sus actores, por lo que empezó así la producción de Cruising.

Ahora si os parece bien, os voy a contar de que va la película, como siempre sin spoiler para animarte a verla, claro está si eres mayor de edad ya que es un film sólo recomendado para mayores de 18 años, eso quiero dejarlo claro.

Pues bien, vamos allá. El Agente Steve Burns tiene una ambición personal, conseguir la placa dorada de detective, su oportunidad le llega gracias al capitan Edelson que ve en él al candidato ideal para introducirle en los ambientes más sordidos de la comunidad Gay de Nueva York, el caso es que su aspecto fisico, moreno de ojos negros y atletico cuadra a la perfección con el perfil de las víctimas de un asesino en serie y el bueno de Burns será introducido en dicho ambiente con el objetivo de dar caza al asesino.

Burns tiene que abandonar a su novia Nancy durante el tiempo que se encuentre como agente encubierto y adentrarse como gay en los antros más pervertidos de Nueva York. Esa perversión le causa problemas de pareja mientras que el asesino continua su tenebrosa labor sin que ni la policía ni el agente Burns consigan pistas de su paradero y hasta aquí te voy a contar, el resto de la trama tienes que verla tú, si tienes más de 18 años claro.

La obra iba a ser interpretada por Richard Gere que estaba bastante interesado en el papel, pero su Manager debido a la controversia que podría generarse declinó la invitación de encarnar al agente Burns siendo al final elegido Al Pacino, aunque Friedkin prefería a Gere por su aspecto mas androgino, al final Pacino realiza una de sus labores camaleonicas en otro de sus papeles memorables y es que hoy en día no puedes imaginarte a mejor actor que Pacino para este papel, el momento del espejo mientras se quita la espuma de afeitar es simplemente memorable, de una profundidad tal y de una cantidad de matices que sólo un actor a su altura puede dar.

El film empezó a tener problemas ya desde el rodaje, la novela de por si ya era un escandalo y saber que se estaba realizando una adaptación al cine hizo que tanto los más conservadores la rechazaran como la comunidad gay, los primeros por que consideraban un escandalo el mostrar contenido de alto voltaje de indolé homosexual  en las pantallas de cine, recordar que estamos a finales de los 70 y por otro lado la Comunidad Gay reprochava la forma en la que era retratada su comunidad, que aunque era cierto que existian ese tipo de antros no representaba al conjunto de los homosexuales y pensaban que daba una visión pervertida de ellos.

El caso es que cuando terminó el rodaje y se vió la película, esta controversia creció, por un lado los más conservadores consiguieron que la película fuera catalogada como X con lo que friedkin tuvo que luchar, recortando metraje conflictivo hasta conseguir que se rebajara a R, ya que si eso no ocurría el film no podría ser proyectado en salas de cine comunes y sólo podría ser vista en salas X. Y una vez solventado ese problema fue la Comunidad Gay la que se plantó frente a la película, a pesar del articulo escrito por el periodista y activista gay John Rechy a favor del film y de comentarios como el Pacino donde decía que al igual que en los films de la mafia no representan a toda la comunidad italoamericana, ese film no representaba a toda la comunidad Gay, no consiguieron rebajar los ánimos.

Aún así fue un éxito viendo como se pintaban las tornas, de los algo más de 10 millones que costó, se consigio recaudar sólo en los estados unidos algo menos de 20 millones de dólares a lo que habría que sumarle la taquilla de los paises donde se pudo exhibir que ya os digo que no fue en todos.

La película es sobervía en el montaje y la puesta en escena, Friedkin consigue sin mostrar nada ver la sordidez de los antros que frecuenta tanto el asesino como el policía, muestra con una maestría del encuadre momentos perturbadores del film que pasan mejor gracias a la belleza del plano, por otro lado la fotografía de James Contner que hacía aquí uno de sus primeros trabajos fue simplemente magistral, así como la banda sonora de Jack Nitche que vuelve a realizar una sintonía que se incorpora de una forma tan orgánica en el film que parece que no existiera y es que era todo un maestro.

Y bueno ahora me veo en la obligación de advertirte para que veas si este film es para ti o no.

La obra como digo al principio es un thriller al uso y daría igual que fuera sobre homosexuales o eterosexuales, el problema es el ambiente que se retrata, es sordido a más no poder, cada bar en los que entra el personaje del polícia es una orgia constante por lo que quizá puedas pasar un mal rato y quiero que eso lo tengas en cuenta. Tambien el retrato que hacen de la homosexualidad es poco menos que el de pervertidos por lo que puede ser que alguíen se ofenda con este film y tambien lo quiero dejar claro.

Pero si no te vas a ofender ni a pasar un mal rato, es una obra descomunal, un film con el pulso bien llevado y con una cacería al asesino realmente memorable.

Cómo os podéis imaginar los oscar ignoraron totalmente esta película y con toda la controversia fue pasto de los lamentables premios Razzy, si esos que se autodenominan anti oscar y que sólo se hacen autobombo. 

Y bueno con este film que no te puedo recomendar por lo comentado antes, pero que personalemte me encanta termino el ciclo de Friedkin Autor irregular como pocos pero que tengo en el olimpo de los directores por obras valientes como este A LA CAZA

¿Y que os tengo preparado para dentro un par de días? Pues para no perderdertelo, que mejor que suscribirte al canal y darle a la campanita así youtube te avisa de que tenemos nueva reseña y creeme que se avecinan cosas grandes al canal, un ciclo de uno de los directores que más me han enseñado cine y para que nos pongamos manos a la obra con ese ciclo antes tengo que terminar este y no lo puedo hacer si no es con dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello que no hay mejor lucha que esa y segundo y como no puede ser de otra forma que vivas el cine 

Carga Maldita 1977

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, verán si había en los 70 dos directores que se admiraban e incluso crearon una productora con Bogdanovich, estos eran Friedkin y copola dos directores que parecian andar por caminos gemelos, y es que verán William Friedkin tenía fama de irascible, tanto como Coppola, había arrancado los 70 arrasando con un oscar por French Connection como Coppola con su Padrino, reafirmandosé con una segunda película como estrella en la direccion del momento al igual que Coppola, por que si este último rodó el padrino parte 2, él no fue menos con el Exorcisra y si el bueno de Francis sufrio e hizo sufrir una pesadilla con su apocalypse Now, parece que nuestro Friedkin no quería quedarse atrás y creó este film titulado Sorcerer o como se conoció en español Carga Maldita, film rodado en 1977 por si, por el director al que le estamos dedicando este ciclo, el portentoso e irregular William Friedkin.

Veréis si estáis siguiendo el ciclo del director, recordaréis que Friedkin era todo un cinefilo, veía y consumia cine constantemente, era creador pero a la vez espectador de cine, amaba su oficio y disfrutaba del de sus colegas, su visión, quizá la más europea de todos los de su generación toma una especial repercusión con un mediometraje documental que es una joya y es que si en el 66 Trufaut entrevistó y publicó en forma de libro una entrevista con Hitchcock, Friedkin tomo el relevo de Truafaut y creo una de las mejores lecciones que un aspirante a cineasta puede recibir, ya que en 1975 realizó el mediometraje  Conversaciones con Fritz Lang.

En ese momento el director estaba preparando su film de ciencia ficción titulado The Devils Triangle, una pelicula que se enmarcaba en el misterio del triangulo de las bermudas y los avistamientos ovni y mientras preparaba ese proyecto se enbarcó en este film, una nueva versión de la obra maestra Francesa el Salario del miedo, en principio iba a ser un film barato de algo más de 2 millones de dólares, pero cuando estaba en medio de la producción Steven Spielber estrena encuentros en la tercera fase, film que se adelantaba a su film con una trama y premisa similar. Así que se centró en el film que estaba proyectando y pasó a ser una gran producción, Friedkin quiso a McQueen en el reparto, pero este no quería dejar a su reciente esposa Ali MacGraw en casa por lo que pidió que fuera contratada como asistente de producción, pero Friedkin no lo vio oportuno y se canceló su contratación, el elenco se completaría con Marcello Mastroiani y el gran Lino ventura, ambos mitos del cine europeo que conocía perfectamente y aunque en un principio aceptaron. Pero tras decir no a McQueen empezó el duro periplo de buscar rostros famosos dispuestos a viajar a honduras a rodar en medio de la selva y claro no fue facil, ni Estwood ni Jack Nicholson quisieron y al enterarse de los problemas con el actor principal, mastroiani y Ventura declinaron su participación. así que la producción estaba en el aire, ya que sin un rostro famoso, La paramont que era el estudio que se encargaba de la producción no pondría ni un dólar.

Es entonces cuando una de esas carambolas hizo que este film desencallara. Roy Scheider, recordar que ya había trabajado con Friedkin en French Connection estaba en un momento algido, tiburón de spielberg le había lanzado y con Maraton Man se había asentado en la cuspide de los actores en los años 70, al proponerle Friedkin ser el protagonista y este decir que sí, el estudio dio luz verde al proyecto completando el elenco con dos grandes actores europeos del momento, el francés Bruno Cremer que había obtenido fama mundial con su interpretación en el film de Costa Gavras La sombra de un hombre y del español Paco Rabal, si el actor que quisó desde un principio Friedkin para el papel de villano en French Connection.

Y ahora con todo planteado que os parece que cuente de que va esta película, como siempre sin spoiler norma del canal irrebocable ya que queremos que disfrutes de la película y no destrozarte la experiencia.

Pues lo dicho, vamos allá.

4 personajes confluyen en un pueblo de sudamerica frente a una planta petrolifera, Un Estafador, Un asesino a sueldo, Un terrorista y un atracador, todos huyen de algo y han encontrado refugio en una aldea asolada por la pobreza, para susbsitir trabajan por una miseria para la planta petrolifera pero un día uno de los pozos sufre un accidente incendiandose, la única forma de sofocar el incendio es volando el pozo con dinamita, esto no sería ningún problema si no fuera por que los explosivos que tienen almacenados a 300 kilometros no estubieran en mal estado, al no ser movidos con frecuencia los cartuchos han sudado y ahora son totalmente inestables, cualquier movimiento les puede hacer explotar y la única forma de transportarlos es con viejos camiones a través de la selva y sí, los conductores serán nuestros cuatro protagonistas y hasta aquí te voy a contar, el resto de la película tienes que verla y disfrutarla tu.

Y ahora continuamos con la producción de este film. Veréis la cosa no pudo ir peor en el rodaje, retrasos continuos, enfermedades del equipo que incluso casi termina con la vida del director al contraer malaria y todo por que friedkin quería la realidad de la jungla, no quería decorados y eso fue insufrible, si recordáis Friedkin tenia una visión muy de documental en sus obras y esta no iba a ser menos y más contando con el beneplacito de el maestro frances Clouzot que había realizado la primera adaptación de esta novela, el quería que todo fuera de verdad y a fé que lo consigue, se ve la fatiga de los actores, elhartazgo y que siempre están al limite del amotinamiento y es que eso fue lo que pasó tras las cámaras, dimisiones de técnicos y despidos del director, desesperación malas formas y un percance tras otro que hizo de este film una ruina total para la Paramount, los retrasos eran tales y los gastos tan cuantiosos que tuvieron que hacer un pacto con la Universal Pictures para poder sacar este film a delante y sólo un rotundo éxito podría hacer de este film algo parecido a una obra rentable y como alguno ya está intuyendo, pues no fue así.

Y es que con la película terminada, apunto de ser estrenada el editor Bud Smith fue a ver un film estrenado una semana antes que este Sorcerer que es como se titula originalmente y salió espantado de la sala, no por que lo que viera fuera un espanto, es que se dió cuenta que el cine familiar  había cambiado para siempre ya que la película en cuestión fue Star Wars de George Lucas.

Y es que aquel año del 77 la odisea espacial fue la sensación del momento y nada ni nadie le pudo hacer sombra, entre eso y el titulo, Sorcerer en inglés significa hechicero, hicieron que la película fuera un desastre.

A ver, hoy en día tenemos información al momento de cualquier obra, trailers, informes de prensa especializada a un click de distancia y demás medios que hace que sepas que vas a ver al momento, pero en el 77 esto no era así, ibas un poco o un mucho a ciegas y claro si te gustó el Exorcista y ahora venía el mismo director con un film titulado el Hechicero, pues la gente que vá buscaría un film con elementos paranormales y más con el poster del camión desvencijado pasando el puente. Y tras ir, encontrarse un film de aventuras de unos camioneros por la selva os podéis imaginar la decepción y es que entonces un buen o mal titulo marcaba la diferencia y no digo que con otro titulo esta película se salvara, pero por lo menos no fue el desastre que terminó siendo, de los 22 millones de dólares que costó, sólo recuperaron 14 millones y medio en todo el mundo, para que os hagáis una idea, soló con una cifra superior a los 60 millones de dólares habría tenido ganancias la productora.

¿Y bueno que es esta pelicula, como empata si puede con el film original del salario del miedo? Pues para mi es una de las mejores películas de acción y thriller de los años 70 y eso es decir que está entre las mejores de la historia, un film con tensión, con una historia que engancha y una actuaciones creibles a más no poder, todo en este film es perfecto, Para mi gusto un peldaño por debajo de la de Clouzot, pero es que el salario del miedo es una obra maestra y este film para mi es una obra de culto de imprescindible visionado para cualquier cinefilo que se precie y es que aunque sea un remake, la historia tanto la que cuenta como la que fue el rodaje son de esas que no puedas dejar escapar.

Friedkin quiso  marcar un ito usando una banda sonora musical bastante inusual en un film de aventuras y bajo mi punto de vista no está mal, pero no consigue el efecto buscado y es que de la partitura se hizo cargo los alemanes de música electronica Tangerine Dreams.

Por cierto mucha gente habla de esta sontonía como una continuación de el esquema usado en el Exorcista y tengo que aclarar un concepto, El Exorcista tiene una Banda sonora original realizada por el gran Jack Nitche que acompaña todo el film de una forma sobervia y el tema de Tubular Bells sólo aparece en un breve momento del film y aunque ha quedado como el elemento sonoro de El Exorcista es un falso recuerdo.

¿Y que ha pasado con este film en la actualidad?

Pues hoy en día se la ha vuelto a reseñar y si los criticos del momento la pusieron de mala a pesima, los de hoy la tratan de obra maestra y bueno como decía el sabio en el punto medio está la virtud y ni fue un desastre ni es una obra maestra, es una grandísima pelicula, uno de esos filmes con impronta propia sobre el original que merece la pena ser visto, que si no te has adentrado a ver ninguna te recomiendo que empieces por el film frances de Cluzot y luego veas este, estoy convencido de que ambas historias te van a gustar y bueno ya me voy a marchar, no sin antes pedirte un like si te ha gustado nuestro consejo y despedirme con dos deseos el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y el segundo y como no puede ser de otra forma que vivas el cine

The french connection

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis el director  chicago William Friedkin un año antes de rodar el film por el que siempre es recordado El Exorcista, rodó el que es para mi el policial más redondo de la historia, un film que marcó no sólo una época si no que era hijo de esta misma.

Cómo digo Friedkin con el paso del tiempo se le reconoció por el film de posesiones demoníacas, pero fue uno de los mejores directores de los 70 y decir eso es estar de inmediato en la élite cinematográfica en el momento más glorioso del cine Norteamericano. Friedkin era un director culto, marcado por el cine europeo, un cineasta con una visión filmica que rodaba y consumía cine y digo esto por que parece que últimamente está de moda decir que no se ven peliculas y que se es un autor con mirada única. En fin, corramos un tupido velo al asunto y quizá algún día haga algún vídeo al respecto, pero hoy no es el día por que hoy nuestros esfuerzos los vamos a dedicar a narrar The French Connection.

Pues bien, La National General Pictures se hizo con los derechos de la novela de Robin Moore con la idea de rodar un policial despues del éxito comercial y de público de Bullit, el caso es que llegado un momento la productora se encontró con el escollo de no poder financiarla y buscó una empresa que les comprara el proyecto y la elegida fue la Twenty Century Fox. El estudio compró los derechos y le otorgó al film un millon y medio de dólares, Para asegurarse el éxito del film se asoció con el productor Felipe Dantoni, productor de Bullit con lo que a la postre sería el productor de los dos policiales de referencia en el cine moderno.

La idea era contratar a Friedkin un director valiente y con una mirada de autor que iba con el gusto del momento, venía de rodar los chicos de la banda un film con narrativa homosexual que rompía con la moralidad del momento con un gusto muy europeo en su forma de rodar, así que cuando William Friedkin aceptó de inmediato pensó en uno de los films del polar frances más grande de la historia, Le samurai o como se tituló en español El silencio de un hombre, mientras avanzaba en la producción vió en el cine Z de Costa Gavras un film de aspecto documental que hablaba del asesinato de un diputado de la oposición en un regimen presuntamente democrático y Friedkin salió impresionado del film y pensó en imprimir la esencia de documental a The French connection  de la misma forma que lo hizo Gavras con Z.

Veréis William Friedkin había dirigido 4 documentales y conocía el proceso de filmación, siempre alerta sin saber lo que va a pasar en pantalla teniendo muchas veces que hacer movimientos bruscos o desincronizados para captar el momento y eso fue lo que hizo en French Connection, Planteo toda la narrativa del film como si la cámara no supiera lo que iba a pasar a continuación, esa aparente falta de sincronicidad que tiene French Connectios está medida al límite y por eso este film fue uno de los más copiados y nunca pudo ser igualado ya que para realizar la narrativa visual se tendría que conocer a fondo la técnica documental.

Ahora si os parece bien vamos hacer un alto en el camino para comentaros de que va el film, ya sabéis los más veteranos al canal que como siempre sin spoiler por que nuestro compromiso contigo es empujarte a ver la película original y no destrozarte la experiencia. Por cierto si no lo sabes es por que no eres miembro de cinefilia, pues no lo pienses más y dale al botón y a la campanita ahora mismo y forma parte de nuestra familia de cinefilos.

Estamos en Nueva york, allí la plaga de la heroina está haciendo estragos en los barrios  marginales, mientras que  en el otro lado del océano, en Marsella un antiguo estibador convertido en narcotraficante prepara un envío de medio millón de dólares oculto en un vehículo, el nombre de éste es Alain Charnier, y su escolta el asesino a sueldo Pierre Picolí.

El cuerpode policía hace lo que puede en las calles contra la droga en una guerra que están perdiendo, los agentes Popeye Doyle y Buddy Russo un día por casualidad encuentran un hilo de donde tirar al ver movimientos extraños de la mafia en un local de copas, esa investigación les llevará a enfrentarse con uno de los delincuentes más astutos, el marsellés Charnier y hasta aquí te voy a contar, el resto tienes que verlo tú y disfrutarlo.

Pues bien, el guión de la película y adaptación de la novela lo realizó un viejo amigo del canal Ernest Tidiman ya que suyas son las novelas del detective negro Shaft, obra cumbre del blaxplotation que ya reseñamos en su momento en el canal. La adaptación tenía un ritmo endiablado y daba mucho peso a la interpretación de los personajes y es que en este film parece que no existen los actores nos creemos en todo momento la historia que nos están contando y esto es gracias a los enfrentamientos entre policias, de odios y rencores, de hermandad y de personas dispuestas a todo por cumplir su misión sea esta convatir la droga o hacerse rico con ella.

Y para ello William Friedkin cuenta con un elenco insuperable, hoy en día no podemos pensar en mejores actores para este film, pero curiosamente este reparte se dió por ser el único que dijo que si o lo que es más sorprendente, por casualidad y ahora vamos a  ese apartado el del reparto.

Veréis el film tenía que tener una magia especial entre el villano de la película y el policia que le persigue, sin esa sinergia nada funcionaría, todo el acto final carecería de sentido y por eso Friedkin tenía muy claro sus referentes. A pesar que Gene Hackman se propuso al principio Friedkin no lo quería, a ver hay que ponerse en el momento de este film, antes de esta película Hackman solo era un actor de reparto con algún coprotagonista, tenía fama de un buen actor secundario pero no tenía ni un éxito como protagonista, así que Friedkin quería un actor más habituado al género como Paul Newman, pero la desorbitante cifra que pidió para interpretar a popeye Doyle le hicieron que se descartara al momento, el siguiente fue otro astro de la acción, esperando que la trama le hiciera bajar el caché Steve McQueen, pero este despues de Bullit no quería hacer más policiales, luego pensaron en Jacky Gleeson, el eterno gordo de minnessota de the Husler, pero su anterior película el film dirigido por Gene Kelly Gidot fue un desastre en taquilla por lo que los productores lo descartaron al momento, tras varios intentos de conseguir un actor protagonista y fracasar todos, es entonces cuando decidieron dar una oportunidad a ese secundario eterno que era Hackman.

Y si la contratación de Hackman os parece atropellada, esperar a conocer como se contrató a Fernando Rey. Veréis, como antes hemos comentado Friedkin era un apasionado del cine y le encantaban las obras de Luis Buñuel, en Viridiana del 61 quedó impactado por el actor principal del film y pidió que se le contratara, el caso es que en aquel film estaban Fernando Rey y Paco Rabal y la oficina de Friedkin contactó con Fernando Rey un actor que ya conocían por haber desarrollado varios films en EE.UU. pero curiosamente con el actor que quería trabajar era con Paco Rabal, tras interntar solventar el error se dieron cuenta de la dificultad que sería trabajar con Paco Raball al no hablar inglés ni francés por lo que Friedkin guardó ese contacto para trabajar con Paco más adelante y dio el visto bueno a Fernando Rey y lo demás es simplemente hacer historia.

La película si eres un espectador actual y no la has visto antes es demoledora, no hace prisioneros, es cruda y es real y si esperas ver una película de acción del tipo de Harry el sucio vete olvidandote por que este metraje es otra cosa totalmente diferente y seguro que tras terminar de ver el film te des cuenta que no has visto nada parecido.

Y es que es una rareza sobretodo en el cine de hollywood, no tanto en el Polar frances y es que si me digeras donde encajaría este film sería en el Polar junto con Le samurai, el circulo rojo o i de icaro.  

Y cómo os podéis imaginar aquel año La conexion Francesa arrasó en los oscar de Hollywood, 8 nominaciones y 5 estatuillas y atentos a estas. Mejor pelicula, Mejor director, mejor guión adaptado, mejor montaje y si Mejor actor protagonista para Gene Hackman y es que aquel actor secundario, demasiado mayor para ser protagonista se alzó como la autentica bestia interpretativa que era y ya desde ese momento a Hackman no le faltaron papeles protagonicos siendo el actor que llegó a ser y como me gusta recordarle, olvidado el lamentable final que tuvo y es que para mi Hackman siempre será esa estrella del celuloide duro como el que más y capaz de demostrar ternura siempre que el papel lo requiriera.

Y es que tras The French conexión vendría la Aventura del poseidon, si el film que reseñamos hace un par de días, la conversación y la maravillosa la noche se mueve, sólo por contar algunas de las más recientes en aquel momento.

Y friedkin no le fue a la zaga tras este film se puso a dirigir El Exorcista, quizá la mayor película de terror de toda la historia del cine que eclipsó las grandes obras que dirigiría despues y como ya reseñamos aquel film donde el padre Carras se las tenía duras con el mismisimo demonio, en este ciclo que le vamos a dedicar, vamos a centrarnos en esas otras obras que son simplemente míticas.

Y bueno ya voy a ir dando por terminada esta reseña, esperando que si os ha gustado nuestro vídeo nos reagales un like, que te haya despertado el interés para que te adentres en esta joya del cine que creeme que no te esperas y si te la he recordado ya sabes que ahora no vas a poder pasar ni un día más sin verla por que sabes de lo que hablo.

y como para continuar con este ciclo al director antes tengo que terminar esta reseña, permitanme que lo haga con dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y segundo y no menos importante que vivas el cine 

La aventura del poseidon 1972

 Bienvenidos bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, verán si son seguidores del canal sabrán mi gusto por encadenar películas de alguna forma, a veces como la anterior quizá de la forma más insospechada, pero en este caso los que ya me conocéis os imaginaríais que tras el Coloso en llamas y habiendo reseñado ya aeropuerto le tocaría el turno a esta película de catasrofes maritimas titulada la aventura del poseidón.

El film de la Twenty century fox nace a la estela del éxito insospechado de la película de George Seaton Aeropuerto de la Universal Pictures, que con un presupuesto de 10 millones de dólares consiguió sólo en norteamerica recaudar más de 100 millones, siendo esta película la sensación del momento, la partitura del film era clara. Un elenco lleno de estrellas en donde todos son protagonistas, una desgracia común en la que afecta de diferente modo a cada uno de los personajes y una superación del mismo y resolución de la historia que aunque triunfal deja el gusto de la perdida de alguno de ellos. Aquella extraña historia coral como pocas fue el germen de lo que hoy llamamos cine de catástrofes a diferencia del cine anterior con catástrofes en la que había protagonistas claros y una historia superior en la que sólo la desgracia del accidente era un potenciador más y no el elemento protagónico, San Francisco, Cuando ruge la marabunta o la desgracia maritima de la última noche en el titánic, todas peliculas con catastrofes anteriores a los 60.

Así que con la Universal frotandose las manos y preparando más películas sobre accidentes aereos, fue la twenty century fox la que se llevó el género a un crucero de lujo, abriendo así el abanico a nuevas tramas.

Para ello Irvin Allen pensó en una novela publicada 3 años antes por uno de los mejores escritores de su momento Paul Gallico, un escritor de cuentos de prestigio, suyo es ni más ni menos que La Gansa Blanca y además ya había prestado una historia suya para el cine llevandosé una nominación a los Oscar con el Orgullo de los Yankys. Por lo que La Aventura del Poseidón era casi una apuesta segura.

La historia va más allá de una narración de personajes frente a una desgracia, cada uno de los protagonistas tienen un trasfondo, verán aquí hay un policía retirado, como no puede ser menos, pero está casado con una antigua prostituta, hay tambien unos adorables abuelitos que viajan a ver a su nieto, pero estos lo hacen al reciente estado de Israel, tenemos un hombre de Fe, el reverendo Scott que viaja a Africa, pero no por gusto, es castigado por sus ideas revolucionarias que además siente una profunda crisis de fé.

Cómo pueden observar cada uno de los personajes de esta película tiene una historia por ser contada casi en otra película y es que esta riqueza narrativa fue un deseo concedido para el escritor que se encargó de hacer el guion Starling Siliphans, el mismo escritor Oscarizado por En el calor de la noche y que posteriormente se encargaría de la reseña pasada de El coloso en Llamas o como se conoció en hispanoamerica Infierno en la torre.

¿Que no has visto aún nuestra reseña de esa joya del cine? Pues eso es por que aún no te has suscrito, así que no lo dudes más, haz click al botón de suscribirte activa la campanita y así no te perderás nada de que subamos al canal, nosotros en cambio desde CINEFILIA os prometemos 2 reseñas semanales de cine clásico e independiente, películas que no nos atamos a ningún género, sea drama, terror, comedia, animación, western o como es el caso el cine de catastrofes. Y un plus extra, nunca, nunca, nunca hacemos spoiler de los consejos de cine, jamás desvelamos acontecimientos del film por que nuestro objetivo es empujarte a ver la película y no ser un sustituto o directamente destrozarte la experiencia.

Pues bien hecha esta última aclaración y estando tranquilos en ese aspecto dejáme que te cuente de que va la película.

Estamos en el crucero de lujo El poseidon, un barco increiblemente bello en una travesía muy especial ya que se hace en épocas navideñas, allí se está preparando la cena junto al capitán en la noche de fin de año por lo que todos los pasajeros están ansiosos por que llegue el momento.

Pero el capitán está bastante intranquilo, verán el dueño del barco pide que para ahorrar dinero en conbustible viajen a toda máquina soltando todo el lastre del barco, eso hace al navío más inestable, ¿Pero que podría pasar? Pues sin saberlo ellos un maremoto ha creado una gigantesca ola que se dirige directamente al poseidon y cuando llega a éste le hace girar y quedar flotando boca abajo.

Muchos de los pasajeros y la tripulación mueren en el primer impacto, pero otros los supervivientes tendrán que intentar salir a flote antes de que el crucero se hunda y es ahí donde sale la esencia de cada uno. Los hombres de fé con mentalidades opuestas, los pragmaticos, los abedientes, los reveldes, los agresivos, todo en un momento en el que una mala decisión te puede costar la vida y hasta aquí te voy a contar el resto de la historia tienes que disfrutarla tu.

Verán, la película ya lo adelanto, fue un exito monumental, con un presupuesto aproximado de 5 millones de dólares consiguieron recaudar solo en Canadá y EE.UU. casi 100 millones de dólares y eso se debió a un elenco bien cuidado y elegido, en este film disfrutaremos de las interpretaciones de Ernest Borgnine, de Gene Hackman, de Leslie nielsen antes de hacerse rey de la comedia disparatada, Shillie Winters y del secundario de Oro Arthur Oconell. 

La dirección a cargo del británico Ronald Neame es portentosa, no en vano era un director con amplia experiencia haciendo films de aventura tanto en su reino unido natal como en los EE.UU. tras esta joya Neame rodaría un film que le catapultaría al olimpo ya que  dos años despues dirigiría el film de espionaje Odessa.

A parte, una banda sonora original de todo un maestro como era y será John Williams y con unos efectos especiales demoledores de los que luego hablaremos.

Aquel año hay que recordar que fue uno de los más prodigiosos del cine, un momento mágico qeu confluyeron varias películas que hoy son obras maestras, verán a parte de esta Aventura del poseidon, fue el año de Cabaret de Bob Fosty, de Candilejas de Chapling, del cortometraje animado de Cuento de navidad, de el discreto encanto de la burguesía de Buñuel que se llevó el Oscar a mejor película de habla no inglesa (por cierto junto al film de buñuel estaba nominada al Oscar una de mis películas españolas favoritas de toda la historia del cine español como es Mi querida Señorita de Jaime de Armiñan), pero si ese año será recordado por un film ese es por El padrino de Coppola.

Aún con semejante competencia La aventura del poseidon tuvo 8 nominaciones y se llevó dos estatuillas, mejor canción y mejores efectos visuales y es que este apartado es brutal.

Verán, el crucero de Lujo Queen Mary estaba barado en un muelle seco, con lo que casi todos los interiores pudieron grabarlos allí sin problemas, pero claro el barco se daba la vuelta con lo que los atrecistas tuvieron que recrear los excenarios del Queen Mary pieza por pieza pero invertidos en escala real y a parte una recreación en miniatura para algunos momentos del film, esto da una sensación de realidad que hace que el film no envejezca en ese aspecto, siendo hoy en día una película que va a sorprender hasta a un espectador de la actualidad.

Como he dicho antes, este film es prodigioso por un simple motivo, tiene un gran guión y es que se hecha se menos en la actualidad algo más de literatura en las películas de hoy en día y menos politiqueos y zarandajas, por que cuando hay una gran historia en el fondo de una película está siempre gusta a los que nos gusta el cine.

y como podéis imaginaros tras semejante éxito pues no dejaron pasar el film sin más, si no que prepararon una secuela titulada más allá del poseidón tambien basada de la secuela de la novela de Gallico y por si fuera poco, tambien atesora un remake moderno titulado Poseidon del 2006, pero eso es otra historia.

Y bueno ya voy a ir dando por terminada esta videocritica y consejo sincero de cine, esperando que si no conoces este film te adentres en el viaje que nos propone el director en una aventura que la recordarás por siempre y si ya conoces este film, que te voy a contar que tu no sepas.

Pues nada, con esto terminamos, no sin antes desearte que seas inmensamente feliz o luches por ello que no hay mejor lucha que esa y como no puede ser de otra forma que vivas el cine

  

El coloso en llamas

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, verán si son asiduos al canal ya sabrán que con Shaft, el film que dio impulso al Blaxplotation terminábamos el ciclo en nuestra reseña anterior,y he de comentar que este portentoso film al que le vamos a dedicar hoy nuestro vídeo, se toca con Shaft de una manera directa y es que la tercera entrega del detective afro estaba dirigida por el británico John Guillermin y curiosamente El coloso en llamas que es como se titulo esta película en España o Infierno en la torre como se conoció en Hispanoamérica es también un film dirigido por el director de reino unido en 1974. 

Así que, que mejor que dedicarle los siguientes minutos a una de las joyas del cine de catástrofes que como rezaba el cartel publicitario contenía en su reparto más estrellas que el cielo y que por si fuera poco unió a dos estudios que competían directamente entre sí, a aunar fuerzas para sacar este film que se tituló originalmente The Towering Inferno y si quieres saber todos sus secretos toda las historias que esconde y si es para ti o no, ponte cómodo o cómoda por que empezamos con su reseña.

Veréis las películas de catastrofes consiguieron asentarse como género a principio de los 70 cuando Aeropuerto de la Universal Pictures consiguio un éxito comercial que dió pie a toda una saga y es que aunque siempre se han narrado catastrofes en el cine y como ejemplo está San Francisco de Van Dyke del 36, el cine del género de catastrofes tiene varios aspectos únicos que se diferencian de aquellas primitivas películas. El primero que la desgracia es el elemento principal de la trama y que la historia se centra en varios hilos narrativos de como diferentes personajes viven la misma desgracia, dando así pie a grandes elencos normalmente plagado de estrellas.

Tras Aeropuerto le llegó el momento a los cruceros de lujo con la aventura del poseidón de 1972 que le dió pingües beneficios a la Twenti Century Fox, con lo que la productora buscaba otra catastrofe para su serie de películas sobre el tema y encontraron una novela aún sin publicar sobre un incendio en un rascacielos titulada la Torre de Richard Martin Stern, el únco problema es que la Warner y la Columbia tambien querían la historia de Starn con lo que empezó una subasta, tras los primeros lances entre los tres estudios llegaron a una cifra inasumible por la Columbia retirandose de la puja, al final fue la Warner la que se hizo con los derechos del film por la desorbitante cifra de 390 mil dólares de los años 70, al cambio de hoy sería algo más de 3 millones de dólares. 

Con la Warner preparando el rodaje de la torre, la Twenty Century Fox se encontró con otra novela titulada Infierno de Cristal de Scortia y Robinson por algo menos de 400 mil dólares, preparando la producción del film por su parte.

Es entonces cuando Irvin Allen de la Twenty Century Fox pensó en que ambas películas se canibalizarían una a la otra, el caso aunque las tramas eran diferentes la desgracia que daba pie a la catastrofe era la misma, un incendio en las plantas altas de un rascacielos.

Irwin quedó con los productores ejecutivos de la Warner con una extraña propuesta, hacer juntos una película rescatando lo mejor de ambas novelas y avitar así hacerse daño mutuo con un estreno en mismas fechas de una historia similar y aunque pueda parecer mentira, la Warner Brothers accedió, se preparó un contrato en el que ambos estudios se repartían el 50% de los gastos y las ganancias por territorio de la siguiente manera, Para la Twenty century Fox EE.UU. y canadá y para la Warner el resto del mundo y bueno, vamos a desvelar el resultado ya, de los 14 millones que costó el film, 7 millones por estudio, la Twenty Century Fox se hizo con la escalofriante cifra de 116 millones y la Warner Brohers con 87, siendo al final un negocio redondo para ambos estudios.

Y ya si, creo que ha llegado el momento de comentaros de que va este film, aunque antes dejame que te diga una cosa, si has caido por casualidad en esta reseña de cine, nos encantaría que volvieras, que te quedaras y que te hicieras suscriptor dandolé al botón y a la campanita y así formarás parte de nuestra familia de Cinefilos. Por cierto nuestro canal tiene algo diferente a la mayoría de canales de cine de Youtube, ya que nunca hacemos spoiler de las películas que reseñamos, por lo que realmente lo que hacemos es darte a conocer cine para animarte a ver el film que aconsejamos.

Pues bien, vamos allá.

En san francisco va a inaugurar el mayor rascacielos del mundo, el dueño del edificio Jim Duncan ha preparado una gran fiesta de inauguración con lo más granado de la ciudad, junto a él se encuentra el arquitecto Dugh Rogers que ha decidido abandonar la profesión e irse a vivir al campo, preferiblemente con su novia Susan. Todo fluye con naturalidad hasta que un cortocircuito comienza un conato de incendio cuando la fiesta ha comenzado, las primeras sospechas recaen en el yerno del Sr. Duncan, el contratista Simmons.

La fiesta avanza y conocemos al senador Parker, al pícaro estafador Harlie Claiborn y a Dan Biguellow que ha decidido excusarse para pasar la noche junto a su secretaria. Pero el incendio crece, y ni el arquitecto ni el equipo de seguridad encabezado por Jernigan pueden con él, por lo que los bomberos tienen que hacer acto de presencia con el jefe Ohaloran a la cabeza y hasa aquí te puedo contar.

Aunque seamos sinceros, si es un film de catastrofes, bien, lo que se dice bien no lo vana a pasar.

Pues volviendo a la producción, la obra se alimentaba de tres rostros míticos del momento, William Holden, Paul Newman y Steve McQueen, el trió de galanes mítico era aderezado con veteranos como Fred Astaire que por cierto se llevó por su papel la única nominación al oscar de toda su carrera y rostros más nuevos, como el de un Jovencisimo Richard Chamberlain que nos ha dejado hace relativamente poco.

Por otro lado en el sector femenino uno de los rostros más contundentes de la pantalla Fay Dunaway.

La película se enriquecía de dos novelas, por lo que podían seleccionar las mejores tramas de ambas y de ello se encargó todo un especialista, el oscarizado por el Calor de la noche Starling Silliphan que ya había demostrado su poderío en los films de catastrofes con el guión de la aventura del poseidon y aquí demustra lo gran guionista que és y esque aunque irregular como pocos, hay que recordar que suyo es el guión de Shaft en Africa o los aristocrátas del crímen, ambos sendos fracasos en taquilla, pero que no eclipsan en absoluto su carrera gracias a guiones como este.

Así que con la descomunal música de John Williams que vuelve a demostrar por que es uno de los titantes de la música en el cine, nació esta película de catastrofes que pronto se convirtió en todo un clásico y es que como hemos dicho antes, este film fue uno de esos éxitos rotundos tanto en crítica como en público, no así con premios y no es que no se los mereciera, es que la mala suerte la hizo coincidir con el Padrino parte 2.

Y bueno que tengo que decirte al respecto de este film de los setenta para un espectador nuevo del 2020, hablo nuevo por que los veteranos que ya conocemos este film no hace falta decirnos nada para animarnos a ver esta película. Pues que no ha envejecido nada, los efectos visuales tanto de maquetas como de mattepainting son perfectos y siguen funcionando perfectamente hoy, y más con fuego real como se hacía entonces y no con fuego digital que se hace ahora. Y es que esta película emana realismo desde el primer momento, incluso la dedicatoria que hacen al cuerpo de bomberos es un ejemplo del realismo que quisieron imprimir a este film que como un famoso transanlantico insumergible pues este rascacielos no podía incendiarse y nada, espero que os animéis a ver el film, por que sinceramente es entretenido de principio a fin, quizá la mayor muestra del género y uno de esos films que si te gusta la aventura no puedes dejar escapar.

Y nada, ya vamos a ir dando por terminada esta reseña, deseando que la disfruteis de principio a fin y para ir terminandola antes tengo que despedirme con dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello, y segundo y no menos importante que vivas el cine 

SHAFT 1971

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, Veréis, os imagináis una película que salvara un estudio de cine, que creara una tendencia en moda masculina y que fuera el precursor de un género de cinematográfico. Pues si, os lo podéis imaginar por que existió y ese film se llamó SHAFT una película rodada en 1971 por Gordon Parks.

Si seguís el canal, sabréis que hoy cerramos el ciclo dedicado al Blaxploitation y que mejor que dejar para el cierre la película dio sentido al género, obra que fue precursora de lo que despues vendría y es que Shaft como veréis a continuación es una película que debes de tener muy en cuenta, ¿pero como pudo un estudio como la Metro Goldwing Mayer rodar un film de este tipo? pues ponte cómodo por que de esa y más preguntas, resolveremos a continuación en este vídeo de fin de ciclo.

Veréis a medidado de los 60 y más aún a final de la década, ya no había rastro de aquel titan del cine llamado Metro Goldwind Mayer, las superproducciones como el Viento se llevó o el Ben Hur del 59 eran un recuerdo del pasado, las deudas asolaban a la productora del león y gastaban sus exiguos recursos en producciones de bajo presupuesto, esperando que algúna les diera aire para seguir adelante ya que la bancarrota era más real que nunca. Tras intentarlo con la figura de Elvis Prestley y con algunas obras de directores de prestigio como Antonioni y fracasar, decidieron pescar en el vivero de la época como era el cine de detectives, Harper Investigador privado con Paul Newman como protagonista había sido todo un éxito o las películas de Gordon Douglas con Frank sinatra como Detective o La mujer de cemento no le iban a la zaga en cuanto rendimiento en taquilla.

Así que buscando pescar en el río de detectives privados se encontraron con una novela aún no publicada de Ernest Tidyman llamada Shaft, la histroia que orbitaba sobre un detective privado Negro. La metro compró los derechos con el fin de hacer su película de detectives al uso, cambiando simplemente la raza de Shaft a un personaje blanco. La historia que se basaba en sucesos ocurridos en Harlem pedía a un director que supiera lo que hacía, los años 70 en los EE.UU. vivian un conflicto racial muy serio por lo que no querían meter la pata en ese aspecto ya que sería el último clavo en el ataud de la metro.

Para ello barajaron a varios posibles directores, pero el que sonaba con fuerza era Gordon Parks, veréis Parks era un artista visual negro con gran prestigio en la industria de la época, cómo fotografo de la revista Life se encargo de mostrar la pobreza de algunos barrios de brasil de principios de los 60 que había tenido mucha repercusión y éxito en los EE.UU. y además ya había rodado un film racial con un exito moderado titulado The Learning Tree de 1969 

Cuando le propusieron dirigir la película Parks aceptó pero con la exigencia de volver al protagonista inicial que era un afroamericano y es así como pudo nacer esta película.

Buscando entre posibles actores se encontró con Richard Roundtree, un actor de anuncios de televisión que encajaba perfectamente con la fisonomía que el director veía para su personaje y con un presupuesto de algo menos de 400 mil dolares arrancó este film.

Y ahora antes de seguir hablando de la película creo que ha llegado el momento de contarte de que va el film, pero antes dejame decirte una cosa, puede ser que hayas caido por casualidad en este vídeo y no sepas que es cinefilia y a que se dedica el canal. Pues verás, somos un canal de cine que intentamos rescatar clásicos de todos los géneros para sacarlos a la superficie o a veces simplemente hablar de cine, por lo que si te gusta el séptimo arte quiza te interese suscribirte, si es así, dale al botón y a la campanita por que estaremos encantados de que vuelvas, nosotros que te damos a cambio, te hablámos de films sin destriparte la trama, comentandote los aspectos positivos y negativos de las películas pero teniendo especial cuidado de no destrozarte la experiencia, así que no lo dudes más y forma parte de nuestra familia de cinefilos.

Pues hecho este pequeño parentesis vamos allá.

John Shaft es un detective privado de la ciudad de nueva york, la realción con la policia local no es todo lo fluida que debería, aunque tiene en el teniente Androzzi algo parecido a un amigo, un día recibe la visita de el narcotraficante negro Bumpi un hombre al que desprecia ya que está plagando de droga el barrio de Harlem, a pesar de la antipatia que tiene Shaft sobre Bumpi decide tomar su encargo ya que no es otro que encontrar a su hija que ha sido raptada, en principio por un movimiento guerrillero afiliado al Blak Power y hasta aquí te puedo contar el resto de la trama tienes que verla y disfrutarla tu.

Y es que este film es una obra sublime del séptimo arte no os dejéis engañar por que sea un film de acción, no en vano esta en el registro nacional del congreso de los estados Unidos donde se guardan y amacenan obras de especial relevancia.

Veréis en cuanto a lo narrativo, Ernest Tidyman hace una histroria trepidante y llena de giros argumentales, pero que se ve el mimo del escritor al volcar en el guión una riqueza casi inaudita en simples personajes secundarios, un buen ejemplo es el limpiabotas que sale sólo unos minutos al principio del film, cuando describe a un personaje, habla de él y de su ropa de pasada, pero da todo lujo de detalles sobre sus zapatos, esa riqueza argumental de dotar de fondo a todos los personajes tengan estos el peso que tengan en la historia es un buen ejemplo de lo que te vas a encontrar, nada es forzado, todo en esta película fluye de una forma descomunal que te atrapa durante todo el metraje.

Por otro lado la música, Isac Hayes realiza una banda sonora sublime, su estilo Funky setentero encaja a la perfección con los acontecimientos que narra el film, y no es casualidad que fuera doblemente nominado, como mejor banda sonora y canción en los oscar de Hollywood, ganando la estatuilla a mejor canción original siendo así el primer compositor negro en conseguir ese hito.

Y para el final quiero dejar lo mejor, la dirección de Gordon Park, su maestría para el encuadre, para crear una coreografía de planos encadenados, está a la altura de muy pocos y es que su oficio de fotografo de reportajes sociales le hicieron ver la vida tras un objetivo y eso se nota. la belleza de cada plano, de cada toma es una lección de cine para el espectador que disfrute del gusto de las películas bien hechas, junto a la fotografia de Urs Fuller hacen de este film una obra de arte, cuidado y técnico hasta el extremo.

Perfecta, pues no, no es perfecta y es que se nota la inexperiencia del director en un par de secuencias, ambas románticas donde se vé que no sabe que hacer con ellas y parecen metidas con calzador y es que cuando el director deja de seguir a Shaft parece que no sabe que hacer con el resto de personajes, sobretodo femeninos, apenas sabemos nada de ellas y eso puede hacer que nos perdamos un poco, pero bueno, hay que recordar que este es su segundo largometraje, aún así sigue siendo una película realmente sobresaliente.

Y es que esta obra no sólo fue entendida y disfrutada, en un principio la Metro pensó en lanzarla para el publico negro, pensando que sólo ellos irían a verla, por lo que gastaron algo más de 100 mil dolares en una campaña pensada y dirigida para el sector afroamericano.

Pero no, este film no fue recibido por el sector negro del país si no por el país entero, bancos, negros, hispanos, todos fueron a las pantallas a disfrutar de las andanzas de este detective privado duro como el cemento, al final con un gasto total de 500 mil dolares consiguieron multiplicar por 30 la inversión superando en la taquilla mundial los 15 millones de dólares de la época que serían al cambio actual unos 120 millones de dólares. Eso hizo a la metro encontrar por fin su éxito de bajo presupuesto que le dió aire y consiguió que no entrara en banca rota. Tras eso la productora del león no dejó escapar al personaje, haciendo un año despues Shaft vuelve ha Harlem que consiguió unos meritorios 10 millones, con lo que acabaría en una trilogía con Shaft en africa en 1973 que fue un descalabro en taquilla cerrando para siempre el Shaft setentero en el cine, aunque tendría más versiones, una serie televisiba por el departamento de MGM televisión para la CBS y ya en nuestra época dos versiones más actuales Shaft el retorno del 2000 y Shaft del 2019 la primera con Samuel L Jackson como protagonista y la segunda con Jessy T User como J. sHAFT jUNIOR.

Pero que queréis que os diga, ninguna obra posterior a esta a conseguido la maestría y frescura de este primitivo film, así que os animamos a que disfrutéis de esta película original muy por encima de cualquier revisión posterior.

Y bueno, ya me voy a despedir, no sin antes recordarte que me regales un Like si te ha gustado, que en un par de días volveremos con un clasicazo de esos de los de toda la vida y que para ello antes me tengo que despedir, por lo que ya sabes que lo hago con dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello y como no puede ser de otra forma que vivas el cine