NOSFERATU 2024

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, verán permitanme que les cuente una cosa, las comparaciones son odiosas y siempre suelo huír de ellas, pero en este caso y cómo entenderán todos, son inevitables y es que si te metes a realizar una nueva versión de un clásico del cine, casi prodríamos decir una obra fundacional de este arte como es Nosferatu pues entendrán que se tenga la obligación de comparar con el original y con su predecesora ya que había dos obras previas antes que el Nosferatu de Robert Eggers, por cierto hay una más pero de eso nos encargaremos al final de la reseña, de momento dejemoslo en 2 obras previas.

Y vamos a quitarnos de en medio esta comparativa ya. verán el original de Murneo en 1922 y el remake de Herzog con Klaus KInski en el 79 son netamente superiores, la primera, el original es una obra sublime, su textura, su narrativa y su mítica la hace a todas luces la mejor versión, tras ella el remake setentero con imagenes impagables como el desembarco de las ratas en el puerto que es una de esas imagenes que jamás se te borrarán de la cabeza y que no voy a desgranar ya que creamos un videoconsejo en su momento, por cierto, al final de esta reseña os dejaré un enlace para que puedas verla si es que te apetece mi opinión, una obra maestra a todas luces y por último esta revisión actual del mito que sale perdedora en la comparativa, ¿Pero es una mala pelicula? Ni mucho menos, es una gran obra cinematografica, un film realizado con estilo clásico que es de agradecer en estos tiempos que corren por uno de esos directores que los amantes del cine de terror podemos decir que es de los nuestros por que el responsable de esta obra, tanto de la adaptación del guión como director Robert Eggers se muebe como pez en el agua en tramas oscuras como esta.

Así que sin más dilación comencemos con esta reseña y si consejo de cine de la versión de Nosferatu del 2024.

Verán Studio 8 se hizo con los derechos de Nosferatu allá por 2015, Eggers se había estrenado en el largometraje con su film de Folk Horror La bruja en el 2015 con un éxito bastante notable y que le sirvió para recibir la oferta del estudio para la dirección de la película. Pero Eggers no se sintió preparado, había comenzado su carrera y realizar una versión de un clasico incontestable se le hacía una montaña dificil de subir. Y en cierta forma tenía razón. Tras la bruja vino El faro, film de terror psicológico que se convirtió en foco de controversia entre los amantes y los que la odiaban con toda sus fuerzas y es tras ese film cuando Eggers deció empenzar con la versión de NOSFERATU, el trabajo de reescritura de guión se alargó y decidió dirigir  y coescribir, el Hombre del norte y ahora si, tras este útimo film, su siguiente película sería Nosferatu.

Y ahora creo que es el momento ideal de contaros de que va esta nueva versión del mítico vampiro, pero como ya saben los más veteranos en el canal sin espoiler, un principio que jamás nos lo saltamos así que esta tranquilo con esta reseña.

Hellen es una joven atormentada por pesadillas de su pasado, cuando era niña vivió unas visiones tan vívidas que la marcó el resto de su vida hasta que llegá el joven Thomas Huttler, un empleado de un gestor inmoviliario con un brillante futuro, tras la boda el matrimonio Hutler está de Enhorabuena ya que el jefe de thomas le entrega un suculento negocio, ir a cerrar la venta de un viejo castillo al remoto pueblo donde vive el conde Orlok a cambio no sólo tendrá una gran comisión si no que además será socio de la empresa. Esta gran noticia y felicidad contrasta con la petición de su joven esposa para que no vaya, un sueño la a advertido que un grave peligro le acecha en ese viaje. El se lo toma como un viejo resquicio de su locura infantil y la hace entrar en razón, empezando así su viaje a los carpatos, viaje que le resultará ser bastante pintoresco por las antiguas costumbres de los lugaremos y por el extraño comportamiento del conde Orlok y hasta aquí te voy a contar el resto de la película tienes que verla y disfrutarla tu.

La obra original que iba a ser titulada Drácula no pudo llevarse a la pantalla con ese nombre debido a una desabenencia con los herederos de Stoker por el dinero a recibir por parte de la productora que iba a realizar el film con Murnau a la cabeza, pero estos decidieron saltarse cualquier derecho de autor y realizar el film cambiando los nombres de los personajes y un poco la trama, vamos algo que hoy en día le habría costado una sentencia firme por plagio, pero eran otros tiempos y pudimos disfrutar de aquel Nosferatu, es por eso por la similitud total con la obra de Stoker. Robert Eggers decide ser fiel al film original aunque es más que patente la influencia de la versión setentera de Erzog, en muchos detalles es más ese remake que el original de Murnau, hasta la imagen de Lily Rose Deep es casi un calco de la de Isabelle Adjani en aquel film con Hugo Ganz y Klaus kinski en su reparto.

En este caso el trabajo de adaptación por parte del director es eficaz y los efectos y trama enganchan, lo único que se me queda flojo es Orlok, tanto en el film de Murnau y sobretodo en el de Herzoj el vampiro es casi una bestia, un ser temible y de aspecto imponente, mientras que en esta versión no consigue llenar el hueco que han dejado estas actuaciones anteiores con actores que son leyenda y claro Bill Skarsgard no consigue empatar, no es lo que esperas y creo que el bigote tampoco ayuda, es más terrenal y menos fantasmagorico por mucho que se empeñe el director en mostrar que es una criatura de la noche.

Arruina la película, pues no, por que lily Rose Deep está magnifica y junto a ella el actor que hace del alter ego de Johnatahn Harker, Thomas. Encarnado por Nicholas Hoult que lo borda, otro personaje que aún estando bastante bien te saca por el histrionismo que imprime a su personaje es el de William Dafoe, tampoco está redondo, pero es que cómo digo, estamos comparandolo con dos joyas del cine.

Y bueno es para ti o no? Pues yo creo que si, la obra es de terror gótico, un terror bastante suave que se podría ver en familia si no fuera por un par de desnudos sutiles, tampoco es macabra y juega más con la tensión creada que con la casquería, así que es un film que aunque no seas mucho de las películas de terror te puede gustar, si eres fan del género, hay que entender que la comparativa es dificil y tenemos que dejarle un margen frente a esas obras maestras. Pero creo que tambien te va a gustar a no ser que seas muy exigente con el género, el film cumple pero no da miedo, para mi gusto 2 horas y 10 minutos es muchisimo, la de Herzog superaba por poco los 100 minutos y se recreaba en la trama, así que aquí para mi gusto se estira demasiado un chicle que no da más de si y llegas empachado al maravilloso postre que es el final de esta película que por razones obvias no te voy a contar, no te diré si toma partido por la de Murnau o por la de Herzog ya que son totalmente diferentes. Aquí si que es cononico con uno de los dos, te dejo con la duda si no has visto este film.

Y bueno, ya vamos a llegar al final de esta reseña y te había dicho que había tres Nosferatu y no dos y es que David Lee Fisher un director bisoño a más no poder y que sólo tiene dos largometrajes que son El gabinete del Dr. Caligari del 2005 y Su nosferatu del 2023 un año antes que el film que nos ocupa, el caso es que es más un fan film que un largometraje profesional, ambas películas recrean o intentan la esencia de los clásicos, usando para ello cromas y rodaje en digital que se pasa al blanco y negro por edición, nada que ver con este film, pero ahí está y quería dejarlo claro.

Y ya hemos llegado al final de este consejo de cine, que si te ha gustado, regalame un like, si te gusta el canal y quieres dar soporte, gratuito, no te apueres que tras las fiestas navideñas estan las economías temblando, pues me puedes regalar un Hype, a mi me ayuda y a ti te sale gratis, creo que es un buen trato para ambos y si no estás suscrito, pues hazlo, creo que no te arrepentirás.

Y nada más, sólo desearte un feliz 2026, que seas inmensamente feliz o luches por ello y como no puede ser de otra forma que vivas el cine 

El alucinante mundo de los Ashby

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, Hoy volvemos a dar sentido otra vez al canal aconsejando una de esas películas poco populares, una de esas obras que muchos aficionados al género ni conocen, un film tan extraño y a la vez tan maravilloso que aconsejamos a todo el aficionado al buen cine a que se meta de lleno a ver Paranoiac, título original del film y que es conocido por lo menos en España por el poco atractivo título El alucinante mundo de los Ashby y es que hay que decir que pocos titulos son tan poco atrayentes y desacertados como este. 

Pero ese no es el problema de que no sea tan recocible como otras obras inferiores del género del terror y el thriller, el problema es más profundo, verán si hablamos de la Hammer Film, pues nos llega a la cabeza los monstruos clásicos de la universal pasados al color, el Dracula de Lugosi en Blanco y Negro al Dracula de Lee a color, del frankenstein de Karloff y Colin Clive, al Frankenstein en color de Cushing y Lee, lo mismo con la momia o el hombre Lobo, Luego la Hammer tiró por alargar tramas creando historias propias de vampiros y demás criaturas de la noche, siempre en color y con decorados clásicos de la productora en temática de horrores gótico.

Pero es que este film se aleja muchísimo de lo que puedes esperar de la Hammer y es de la Hammer.

Verán, aquí no hay horrores clásicos, este film no es tampoco una obra de terror Psocilógico de la Amicus Films o de la Rank Corporation , no este film podemos enmarcarlo como thriller o suspense, un filmmás propio de Elstree Studios que de la Hammer.

 Tambien es un film en Blanco y negro, casi una heregía dentro de la productora que apostó fuerte por el color y que la llevó a ser tan reconocible por su excesivo color rojo sangre que incluso para los no alineados dentro de las filas que formamos los fanaticos del género, sabén distiguir una obra de la productora británica.

Y por si todo esto fuera poco, tambien fue dirigida por uno de esos directores que no es un referente dentro de la Hammer si no en su copetidora directa Amicus Films. Y es que el glorioso director de fotografía Freddy Francis es el responsable de esta obra.

Francis se extrenaba aquí en la Hammer film casi al principio de su carrera como director de cine y que le llevó a encumbrarse con dos películas más dentro de la productora, La maldad de Frankenstein y el abismo del miedo, hasta que recayó en la Amicus Films en su ya mítica, la maldición de la calavera y que aunque siguió rodando algunos films para la Hammer siempre será recordado el bueno de Francis por ser uno de los santo y señas de aquellos terrores capitulares que gustaba realizar a la Amicus.

Y es que creo que es eso, el no enmarcar la obra dentro de un conjunto cinematográfico, el ser una rareza dentro de la insigne productora británica, ha sido enterrada por otras obras más canonicas dentro del estilo Hammer.

Pero aunque no es Terror, aunque no es en color y su director no es Terence Fisher, esta obra es una de las mejores películas de la Hammer film. 

Y es Paranoiac es una de esas películas que si aún no conoces tienes que ponerle remedio cuanto antes y de ahí que vayamos hacer este consejo de cine para daros ese empujoncito que os falta para ir de lleno a su búsqueda y disfrutar de lo lindo la casi hora y media que dura el film.

Y ahora y antes de contaros de que va, como siempre sin spoiler, no te preocupes por ese lado, nosotros hacemos las reseñas sin destriparos nada de la película, un principio del canal que jamás nos saltamos ya que lo que buscamos es que veas la película y no ser un sucedaneo de la misma. Dejame que te pida que te suscribas, que si te gusta el cine, que si quieres ampliar horizontes y descubrir obras nuevas, que te digamos por que esa película es un referente o un film que tienes que tener en cuenta y que te descubramos si esa obra es para ti o no. Que mejor que suscribirte, así pasaremos un rato agradable juntos, hablando de cine y compartiendo nuestra pasión juntos, estaremos encantado de volverte a ver y que mejor que suscribirte, darle al botón y a la campanita para que youtube te avise cuando subamos una nueva reseña al canal.

Pues nada sin más dilación vamos de lleno a reseñar El alucinante mundo de los Ashby o como me gusta a mi llamarla Paranoiac. 

El film es de esos que engancha la trama a los 10 minutos, que se crea un misterio eficaz que hace que dudes realmente de lo que estás viendo, que no sabes por que lado tomar partido y es que no en bano toma de base la novela de la maravillosa escritora Joshephin Tey sobrenombre que ocultaba a Elizabeth Makintossh.

Jymmy Sangster guionista mítico de la Hammer realiza aquí una adaptación bastante libre de la novela Brat Farrat en el que logra mantener el misterio que la novela guarda en su interior.

Veréis la película comienza con unas misas de difuntos, la que la familia Ashby está dedicando al matrimonio John and Mary y a su hijo Tony 11 años despues de su muerte. La familia la componen la tía, la hija pequeña del matrimonio y el hijo mediano Simon.

El duelo de la familia es diferente en cada uno de los miembros, La tía intenta mantener las apariencias y el buen nombre de los adinerados Ashby, la hija pequeña está perturbada desde el fallecimiento de sus padres y la pérdida del hermano y por último Simon al que parece que el pasado le importa más bien poco y su único pensamiento está en que en tres semanas va a heredar la fortuna de sus padres.  

El fallecimiento no ocurre a la vez, ya que los padres mueren en un accidente de avión y el hijo mayor de 15 años no lo supera y se arroja al acantilado en un suicidio que resulta un golpe mortal a la cordura de la hermana que desde ese momento intenta salir a flote medicada y con una enfermera a su cargo.

Todo pasaría como cualquiera de las misas anteriores si no fuera por la llegada de un joven que misteriosamente se parce muchísimo a Tony. Esto hace despertar de su depresión a la hermana y poner en guardia a la tía y al hermano mediano. A pesar de su parecido físico éstos piensan que es un impostor e intentan desenmascararlo, pero parece que sabe todas las respuestas o no?.  ¿Es Tony realmente él y viene a tomar posesión de su legitima herencia o es un impostor?.

Esta duda recorre la atmosfera todo el tiempo, haciendote dudar constantemente de que no es él o tener la certeza de que efectivamente es tony, con uno de esos finales míticos a la altura de muy pocas películas, por que si disfrutas del camino, si no quieres que termine una vez metido en el drama, cuando termina la obra es simplemente un espectaculo de fuegos artificiales una de esas obras redondas dentro del cine.

El film se rodó en el momento más algido de la Hammer cuando estaba creando películas que estrenaban normalmente en sesiones dobles en estados unidos con tres de los mayores estudios cinematograficos de la época, este film fue distribuido por La Universal, este estreno en sesión doble de esta película la hizo no brillar con luz propia, luz que tiene en todos los aspectos, desde su fotografía gloriosa en blanco y negro en el portentoso formato del cinemascope, que la hace más épica si puede esta cinta.

Y es que todo, es perfecto, no sólo la interpretación de un jovencisimo Oliver Reed que está descomunal, si no por la maravillosa y sutil interpretación de la dulce Eleanor que da vida Jannete Scott, de el trabajo sobervio de Harriet a cargo de Sheila Burret y del trabajo sensacional del misterioso hombre que dice ser Tony a cargo de Alexander Davion.

Todos hacen una interpretación de muchísimos quilates que acompañado de la banda sonora realizada por Elizabeth Lutyens una de las pocas directoras de orquesta y compositora de bandas sonoras de cine de la época y que hace un trabajo descomunal y que al final es una figura que hay que rescatar, ya que ella si que fue una pionera en un mundo de hombres.

Y bueno os voy a contar una historia más o menos personal con este film, tengo una curiosidad con ella que se repite constantemente, muchas veces aconsejo a conocidos ver este film o hay películas que me recuerdan esta obra y hablo de ella y la mayoría de personas no la conocen, pero siempre hay alguien que me dice, ¿Cómo has dicho que se llama? la vi de joven en la tele y he querido saber siempre cual era el título para volver a verla. Y es que es de esas películas que una vez la has visto, se queda en la memoria y aunque no te acuerdes con el tiempo el título ni la trama completamente, si que recuerdas la sensación de misterio que crea y es que te aseguro que vas a sufrir por los personajes y te vas a involucrar tanto que vas a pasarlo realmente mal a ratos, esa sensación que en cintas de suspense nos encanta.

Y bueno, si me haces caso y la ves pues podrás dar tu valoración que me gustaría que me la contaras y si te ha gustado la reseña, hazmelo saber con un Like y si te apetece y quieres un Hype ayuda mucho a dar más repercusión al canal.

Pero bueno, sea lo sea, hagas lo que hagas me voy a despedir de vosotros con un deseo enorme, que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y como no puede ser de otra forma que vivas el cine 

Sin perdón

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, verán el cine no son caballos o galgos en el que se pueda decir cual es mejor, cual es más rápido, el cine es tan variable como son los ojos que lo ven, pero si me preguntas por un buen western, una de esas películas que una vez vistas no vas a olvidar jamás, ese es el film dirigido por Clint Eastwood Sin perdón. Así que no sé si es el mejor western, la mejor pelicula de los noventa o el mejor film de Eastwood, eso depende de vuestros ojos. Pero lo que no me cabe la menor duda es que este western de los noventa es bueno de verdad.

Veréis esta película esta escrita por un guionista de leyenda, David Webb Peoples y cuando digo leyenda no es por exagerar, veréis David Webb es el coguionista de Blade Runner, tambien coguionista de Lady Halcón o 12 monos.  Y esta historia nace mucho tiempo antes de convertirse en esa gran figura de la escritura en el cine que llegó a ser ya que sin Perdón o su primer tratamiento data de 1976 mucho tiempo antes de que se hiciera pelicula, el primer interesado en el film fue Francis Ford Coppola, pero este no consiguió levantar la financiación. Tras eso se lo hizo llegar a Eastwood y su productora Malpaso, pero Eastwood aún no se sentía preparado para abarcar una película como esta y debieron pasar 16 para que en 1992 con la dirección del propio Estwood realiza el rodaje de SIN PERDÓN pelicula ganadora de 4 Oscar de Hollywood y dos globos de oro.

Bien, creo que llegado este momento que mejor que contaros de que va la película. Veréis en el pueblo de Big Wisky, Skinny Dubois tiene un local digamos de ocio, se puede beber y pagar por divertirse con chicas, allí un par de jornaleros de ganado se divierten hasta que uno de ellos ofendido por la risa de la porbre desdichada, decide que es una buena idea rajarle la cara con un cuchillo. Skinny le detiene y llaman al Sheriff, un tipo duro llamado Littlel Bill, éste decide ponerles una multa y dejarles marchar. Pero el resto de compañeras no ven justo lo realizado por el Sheriff así que ponen precio a la cabeza del que la rajó la cara y el que la sujetaba.

La noticia de que han puesto precio por la cabeza de los ganaderos llega a oidos del Sheriff que teme la llegada de pistoleros a su pueblo y el fin de la tranquilidad, así que decide ser bastante expeditivo con todos aquellos que osen entrar armados al pueblo. El problema radica cuando Bill Munny el más despiadado asesino y ladrón es uno de los que han decidido cobrar la recompensa y hasta aquí te voy a contar, el resto de la historia vas a tener que disfrutarla tu.

La película que podríamos encajarla en un Western crepuscular, no tanto por la época en la que se supone que pasan los acontecimientos si no por que vemos la trama a traves de los ancianos ojos de un pistolero retirado y su antiguo compañero de aventuras, mostrando como al final el tiempo aplaca el impetu de la juventud. Esta visión anciana y crepuscular dibujan la figura de un Eastwood anciano y es que esta es la obra que cierra el ciclo de madurez de los papeles del actor para entrar de lleno en papeles de anciano ya que su anterior película rodada 2 años antes era el principiante donde aún su perfil era el típico de un hombre de acción.

La obra se aleja de maniqueismos de buenos y de malos y simplemente somos testigos de la crudeza de aquellos años, veréis el villano de la historia que sería el Sheriff, es simplemente un hombre de ley que usa la violencia para intentar mantener la paz, mientras que la del Heroe es la de un pistolero que va a matar a unos tipos por dinero y despues matar por venganza, visto así podríamos decir que los papeles de heroe y villano están cruzados y así es y es que un buen ejemplo de la fuerza de la narrativa está en este maravilloso guión, en la que a base de técnica nos hace empatizar con personajes que no son limpios del todo.

Por otro lado, los responsables del suceso, sobretodo el que no rajó la cara a la chica está abergonzado de lo que hizo e intenta reparar como puede el daño creado y encuentra un no extricto de las víctimas que sólo les vale su cabeza.

Esta joya de la narrativa y esa maestría propia de Eastwood al rodar, hacen que este film se convirtiera en un rompe taquillas ya que en manos menos expertas el film se caería como un castillo de naipes y es que el film fue la sensación del momento, no por su trio de actores principales, Hackman, Freeman y Eastwood, si no por todo el elenco que sacan en cada plano una verdad increible con su actuación.

El film que costó 14 millones de dólares de la época, recaudó la friolera de más de 150 millones de dólares siendo uno de esos éxitos rotundos de uno de los films que hoy por hoy son leyenda.

¿Y por que tienes que ver un western? o mejor dicho, ¿Por que tienes que ver este Western? Pues por que es una película sublime, no sólo nos muestra una edad despiadad como eran la del lejano Oeste, si no que te cuenta una historia humana, de como el paso del tiempo aplaca al hombre pero no del todo, como hasta el más dorado de los sentimientos como es la justicia, si no se obra con la ley, se convierte en otro mal o mejor dicho el peor mal de todos y cómo hasta el final, la vida te da una opción de redimirte.

Una joya del cine, un film imprescindible que tiene que ser rescatado para las nuevas generaciones, en definitiva una obra maestra.

Y bueno, ya voy a dar por terminada la reseña de Sin perdón esperando que tengas ahora ganas de verla, pero me van a permitir que os pida, si es que no sois suscriptores que le deis al botón y a la campanita y formes parte de nuestra familia de cinefilos, aquí en este canal, sólo hablamos de cine para empujarte a ver películas, sin más objetivo que ser una guia de visionado que te haga adentrarte en el cine por todos los géneros y épocas. Que si te ha gustado la reseña, me regales un Like y si quieres y puedes un Hype para ver si conseguimos más repercusión en esto de Youtube.

Y nada más, esperando que seas muy feliz o que luches por ello, no hay mejor lucha que esa, me despido pero no sin antes decirte que vivas el cine

FRANKENSTEIN de del Toro

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, dejenme que les cuente una cosa. Es curioso como hay veces que una mentira repetida cien veces se hace tan verdad que la verdad se transforma mentira. En este caso no es un mentira si no una adaptación que de tan gloriosa que fue, ha enterrado al original.

Muchos de vosotros sabéis mi pasión por la novela de Mary Shelley y por su puesto de la versión que se hizo de una obra teatral por parte de la Universal de 1931. Me he cansado y seguramente aburrido a alguno de los más veteranos, diciendo lo alejada que estaba de aquella literaria la adaptacion del 31.

Y me veo en la obligación de volver a incidir, pero en este caso cómo diría Sabina, me sobran los motivos.

Una de las mayores críticas que ha recibido esta película es por el aspecto hermoso del personaje creado a base de cadáveres que Victor Frankenstein da vida grácias a la electricidad.

 Y es que iba a decir la mayoría pero no, todos los que han criticado ese aspecto, no han leído ni un parrafo de la novela y tienen en su visión la imagen arquetipica de Karloff, que replicó de en esencia Christopher Lee, David Prose e incluso De Niro,.

Siempre con ese arquetipo creado por la Universal.

Guillermo del Toro es un verdadero amante de la novela y se nota. Cuando ves la película y su adaptación alejada del original tanto, que es una gran representación de la esencia de aquella obra que terminaba con el Gótico y daba el comienzo al romanticismo, aquella obra densa, filosófica y maravillosa en la que el hombre no paga las consecuencias de querer ser dios si no de serlo. 

Notas que no sólo es un lector del original, si no que se la sabe de memoria. Y aún leo o escucho a cualquier personaje sin más conocimiento de la obra que el que sólo ha visto las películas enmendarle la plana y me retuerzo, de verdad.

Y es que no es necesario leerse la novela para opinar si te gusta o no una película, pero si vas a criticar la esencia del personaje, caramba, leete aunque sólo sea el parrafo donde se describe.

Y es que Shelley habla de la dualidad del personaje, por un lado hermoso y por otro temible.

Si has oido bien hermoso. Dejame que te narre sólo el parrafo en donde Shelley le describe.

 Sus miembros estaban bien proporcionados, y yo había descrito sus rasgos como hermosos.

 ¡Hermosos! ¡Gran Dios!. Su piel amarillenta apenas cubría el entramado de músculos y arterias que había debajo; su cabello era de un negro brillante y abundante; sus dientes, de un blanco perlado. Pero estos rasgos solo formaban un contraste más horrendo con sus ojos acuosos, que parecían casi del mismo color que las cuencas blanquecinas en las que estaban hundidos, con su tez arrugada y sus labios rectos y negros.

 Cómo ves habla de unos rasgos que se podrían considerar hermosos, pero que contrastan con la levedad de la piel y sobretodo de sus ojos y el aspecto de su mirada. Es una descripción que se adapta como un guante al monstruo creado por Del Toro.

Pero bueno, sé que seguiré leyendo y escuchando lo poco fiel que es el Monstruo de esta versión. Que se le va hacer, vivimos en la era de la opinion en 30 carácteres. Pero por lo menos sé que tú querido amigo por lo menos estarás informado.

Y ya con esto quitado de enmedio vamos  la reseña de la película.

Guillermo del Toro realiza la primera obra maestra del terror de este milenio, así sin más, una joya del cine, hermosa, quebrada, triste, melancolica y que sin ser una copia literal de la novela guarda toda la esencia de la misma.

Y ahora dejame que te cuente de que va esta adaptación milenial del monstruo de frankenstein, ya sabéis en este canal jamás hacemos Spoiler, así que tranquilo que puedes ver esta obra de principio a fin con nuestra reseña.

La obra comienza con un prologo en el polo norte, donde un rompehielos ruso está barado y su tripulación intenta sacarlo del hielo, allí el capitan del navío escucha una explosión y se dirigen al lugar encontrando a Victor Frankenstein mal herido que es perseguido por un monstruo implacable. El capitán decide darle protección y repeler el ataque del monstruo. Allí en la seguridad del camarote del oficial ruso Victor Frankenstein cuenta la historia de por que esa bestia le persigue.

y bueno, hasta aquí te voy a contar, el resto tienes casi la obligación de ver en cine si tienes la oportunidad y quieres. Si no, pues puedes verlo en Netflix que es donde está esta película.

Y bueno, ahora dejame que te hable de por que mi pasión por esta película. La primera por que es una adaptación, la obra tal cual está escrita no puede funcionar en el cine y es que es compleja y densa como ella sóla. Pero Del Toro sabe cual es el lenguaje del cine y toma la novela o mejor dicho la esencia y te la lleva a la pantalla, cierto es que crea historias de amor o ternura que no existen en la novela y que cambia relaciones e incluso cambia el foco de la historia. pero esos cambios hacen bajar el relato lo suficiente como para poder llevar esta obra literaria al cine y a un cine apto para todos los publicos.

Cierto es que el director y guionista no es fiel y eso hace que se respete la obra. Una obra filosófica, de  amor, de locura, de destrucción del padre y de respeto por su legado y de perdón, esa palabra que redime.

La interpretación de los actores y actriz es simplemente descomunal, la relación entre victor y la criatura sólo puede funcionar con dos actores a la altura Oscar Isaac uno de los mejores interpretes de la actualidad es una apuesta segura, pero la duda estaba con el Australiano Jacob Elordi y tengo que decir que me ha conquistado. No se puede tener un papel más complejo que este, el de un recien nacido adulto y con una fuerza descomunal. Por otro lado el trio de secundarios Felix Camerer que hace de hermano de Victor que tiene el regalo de una frase de esas que hacen historia, veréis esa frase es narrada tras los sucesos de la boda, no voy a contarte cual es para no desvelar la trama, pero atentos a ese momentazo. Al siempre impactante Christof Waltz haciendo de mecenas y que da un impulso a un personaje que camina entre la bodad y el egoismo con una elegancia sólo a su altura y a otro de esos descubrimientos la actriz Mia Goth, que talento tiene la muchacha. que papel más bonito, hermoso y dificil le ha entregado Guillermo del Toro.

Pero esta película tiene una falta, un desliz de esos que se llevan críticas bien merecidas, se vende como una película de terror y no lo es. No es terror, vamos a dejarlo claro, es romanticismo puro, es amor, amor en su mayor expresión de la palabra y es que ni el cartel ni el trailer dan un reflejo de lo que vas a ver, así que vamos a prepararte para que no te pille con el pie cambiado.

La obra está más cercana a Jane Eire que a Sotcker, el film habla de pasiones aunque no románticas, si no de odios, envidias, superación, rencores, venganza. Todo eso es Romanticismo puro.

Por otro lado que vaya directa a plataformas, se ha podido ver en unos cuantos festivales, en España creo recordar que estuvo en Sitges, un estreno limitadisimo en salas y de ahí ha Netflix, una verdadera pena, cierto es que esta película funciona para ver en casa, pero ver en pantalla grande la magestuosidad de escenarios es un lujo que espero que algún día reestrenen como es debido.

Así que nada, ya sabes que bajo mi criterio tienes que verla, que no es de terror, que el monstruo tiene cierta hemosura por un motivo de fidelidad a la obra y que es impactante como pocas obras.

Un film con el que me he emocionado como pocas películas actuales lo han conseguido.

Y no quiero alargar más y repetirme, así que voy a dar por terminada esta reseña, eso si, os pido que si os gusta nuestros consejos de cine os suscribáis, me sirve de mucho ver como vamos creciendo, que si quieres dar más repercusion al canal me regales un like y si puedes un Hype.

Y para despedirme dejeme que cambie mi despedida habitual, por que quiero empezar dando las gracias a Guillermo del Toro, director y guionista. Gracias por este regalo maestro. Y ahora si, intentar ser felices o luchar por ello, que no hay mejor lucha que esa y como no puede ser de otra manera. que vivas el cine 

 

EL HOMBRE DE LONDRES

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, dejenme que les cuente una cosa ,verán haciendo recuento de las obras reseñadas y de los autores que aparecen en las mismas me di cuenta que me faltaba una figura clave para entender el cine de autor de las últimas  décadas, el director Hungaro Bela Tar y esa mancha en el canal la vamos a solventar de inmediato.

Véreis, podría buscar la obra más llevadera para tódo el mundo como es Armonía de Werkmeister, mucho más llevadera y con un metraje de dos horas y media que es poco metraje para el autor.

Por el contrario podría buscar su obra referente y por la que casi todo el mundo le conoce Satantango film que dura 7 horas que deja al Novecento de Bertolucci con sus 5 horas y media en una película rapidita.

Pero no, no voy a ser ni bueno ni malo, me voy a mantener en esa especie de personaje gris que tanto le gusta a Tar y voy a reseñar, que no recomendaros El hombre de Londres, que la veas o no depende de ti y para que sepas donde te metes, si te metes. estate atento a esta reseña donde te mostraré si es un film para ti o no.

Así que sin más rodeos empecemos con la reseña del film El hombre de Londres, dirigido por Bela Tar y su mujer Agnes Ranistki. de el 2007

Pues bien, empecemos por comentar el tipo de cine que hace Tar y así ponemos las cartas sobre la mesa, veréis Bela Tar es uno de los mayores exponentes del Slow Cinema y si hablamos de directores vivos creo que no exagero si digo que el mayor. El Slow Cinema es un género que huye de la acción en el cine, de la predominancia de la trama y se centra en la observación, Sentimiento y reflexión.

Por lo que olvidaros de el estilo actual de cine, aquí no se da tregua al gusto general del publico, ese que quiere que pasen cosas cuanto más mejor y cuanto antes mejor, así que si nunca has visto obras de este género  decirte que te va cómo poco a chocar.

Y bueno hablemos de El hombre de londres, veréis esta película es una de las más hardcore del estilo, aunque el metraje es moderado algo más de 2 horas, es una obra que hasta algunos seguidores de Tar les ha resultado durilla en el estilo y otros en los que me sumo han disfrutado sobremanera.

La película se basa libremente en una novela de George Simenon a la que vuelve a convertir en guión el escritor de cabecera de Tar, Laslo Krasnahorkai. La trama nos lleva a la torre de vigilancia del ferrocarril que da servicio al puerto, allí Maloin el vigilante de la estación es testigo de un curioso incidente, dos hombre arrojan una maleta por el barco y salen de incognito a la parte más oculta del puerto, allí tras una pelea uno de ellos cae al mar junto a la maleta, mientras que el otro huye al bar del puerto. Maloin decide ir a rescatar la maleta y ver su contenido que no es otro que el botín de un robo de más de 60 mil libras. Tras quedarse el dinero éste le trastocara su vida para siempre.

Bueno, en principio la trama sería la de cualquier Noir, pero realmente la obra no va de eso, veréis, TAR que si estilo visual se vasa en movimientos lentos de cámara, en donde poco a poco se muestra un cuadro completo de la escena, del concepto de la luz y de la ausencia de dialogo siempre que puede y es que el dialogo en las obras de Tar es ese mal necesario, los personajes a penas se comunican con el resto, como mucho uno habla y el otro escucha ya que simplemente usa el dialogo anagnorico o lo que es lo mismo revela conceptos importantes que deben ser escuchados por el espectador y es que la obra se centra en la contemplación y la atmosfera.

Aquí con un blanco y negro glorioso, cargado de textura realizado por el maestro Fred Kelemen, crea un mundo opresivo, deprimente donde los personajes viven en una jaula sin barrotes, la tristeza y soledad es el sentimiento más común en esta película y es realmente de lo que va el film, de un retrato de un mundo que se desmorona, carente de moralidad y sobretodo felicidad.

Junto con la imagen está el sonido de ese mundo, que taladra el silencio, machaca cualquier reflexión en un ejercicio maravilloso de diseño de sonido, tan exagerado como moderadas son las interpretaciones, a veces los dialogo son eclipsados por los golpes, viento y sonids mecánicos de la escena, mostrando otra vez que lo importante no es precisamente lo que dicen.

Obra dificil de ver como pocas, que estuvo nominada a la palma de Oro de Canes pero que pasó directamente a los circuitos más asiduos de Tar ya que no es un film para el gran publico.

Y ahora te dire si puede ser para ti esta película o no.

Si buscas un film para pasar el rato, olvidate, no, las dos horas de duración te van a parecer siglos y seguramente terminarás quitandola.

Pero si eres estudiante de arte o te gusta el arte y las nuevas visiones, si piensas ser algun día director o escritor o simplemente buscas abrir horizontes dentro del cine. Este film es para ti. 

Es una joya, su forma, su textura, la manera de mover la camara en planos larguisimos son por si mismos una leccion de cine, la manera que tiene de enganchar la atención del espectador en puntos concretos de la pantalla, llevandose a lugares insospechados la acción es una epifanía para muchos autores más estandares en este cine y es que Tar, más que director que lo es, es un maestro, es uno de esos genios con visión unica que si ves su obra, enseguida empieza a volar tu imaginación.

Y bueno, ya voy a dar por terminada esta reseña quitandome la mancha del canal de no tener a Tar en nuestro catalogo.

Y hablando del canal. ¿Te ha gustado este vídeo y crees que debemos tener más repercusión en yutube?, pues regalanos un Like y un Hype al parecer lo tiene en cuenta la plataforma para dar más repercusión, aunque no se yo.

Que has caido por casualidad en este vídeo, pues decirte que desde aquí aconsejamos cine sin hacer spoiler, empujandote a ver la película sin destrozarte la experiencia por lo que si te gusta nuestra forma de hacer las reseñas, suscribete y dale a la campanita para que te avise cuando subimos una nueva reseña al canal

Y para no hacer más largo esto, dejenme que me despida con dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y por último y como no puede ser de otra forma, que vivas el cine 

 

El maestro Jardinero

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, dejenme que les cuente una cosa, prometo ser breve y conciso os lo prometo. El cine, ¿que es el cine? se preguntó Bazin en su maravilloso libro sin respuesta a ello y es que el cine es muchas cosas, es entretenimiento, denuncia, posicionamiento ante la vida y pasiones ocultas, el cine es todo eso, va desde lo simple a lo complejo, de lo enorme a lo minusculo y es que el cine es tan humano como nuestra especie misma, es facil encontrar obras que encajan con nosotros y otras que no y todo esto os lo cuento por que el Maestro Jardinero puede ser una obra que no te puedo aconsejar, es compleja como pocas dentro de una aparente sencillez, es maravillosa y efimera como de esas flores que Schreder nos habla en esta película.

Encontrar la gloria a este film no es facil, de hecho se tiene que tener el paladar cinefilo muy fino y acostumbrado para que esta obra no se convierta en un suplicio y es que al fin y al cabo, El maestro Jardinero es una obra de otra época. Si es para ti, perfecto, vas a disfrutarla sobre manera y si no es para ti, no te preocupes, simplemente no es tu momento de verla o cómo he dicho al principio quizá simplemente no encaje con tus gustos, no le des más vueltas.

Pero para que entres o no a ver esta película sabiendo que es lo que te vas a encontrar, quedate en esta reseña y valora por ti mismo si merece dedicarle las casi dos horas que dura el film o dedicarselo a otro menester.

Veréis, El maestro Jardinero es la penultima obra de Paul Schreader, si el mismo que escribió el guión de Taxi driver, toro salvaje o la última tentación de cristo, pero su carrera cómo director no se queda atrás, ya son varios los títulos que hemos reseñado en este canal, Hardcore, American Gigoló, Mishima o este Maestro Jardinero que creo que dejan patente mi predilección por este peculiar autor.

Schreader no camina en linea recta en ninguna de sus obras, cosa que el tiempo en el que vivimos es imperdonable, tampoco la historia se completa con la propia película si no que se tiene que leer entre lineas mensajes que complementan el visionado y no tiene prisa por narrarte la historia, quizá su mayor pecado, plantea un viaje tranquilo en todas sus películas, un viaje en el que vas a descubrir paisajes humanos únicos, algo imperdonable en la era de la inmediated.

La película no es lenta, no quiero que nadie se quivoque, lo que no es,es  acelerada, hoy en día es lo que se pide por la mayoría de los espectadores, obras de facil consumo de esfuerzo ligero por parte del espectador, con mucho entretenimiento visual y por eso triunfa en la taquilla la énesima entrega de grupos superheroicos de la Marvel y Schereader no fabrica sus historias así.

Veréis, en esta película hay un jardinero, protagonista de nuestra historia y que descubriremos plano a plano, hay una aprendiz de la que también descubriremos su pasado en la cadencia natural del paso del metraje. Pero tambien está la dueña del jardín Norma, ese personaje que siempre nos regala Schereader,  ese Sprot el proxeneta de Taxi Driver que se enfrenta a Travis Bikle, ese personaje desdibujado que tienes que unir los puntos que nos regala el guión y la actuación para entender al personaje en su inmensidad, no es casualidad que sea la gran Sigurney Weaver la encargada de realizar ese encargo tan complejo.

Ahora voy a hacer un alto en el camino para comentarte de que va esta película, como siempre sin spoiler para que disfrutes de ella si es que así lo decides.

Narvel Roth es el maestro jardinero de la mansión de Norma Haverhill, el jardín es un espectaculo local, su día grande se acerca, la exposición anual de los jardines locales donde siempre destaca el de Norma. 

La dueña de la casa avisa a su jardinero para comentarle lo importante de que el jardín destaque ese año y tambien para que le haga un favor personal, que tome bajo su tutela a su sobrina nieta que ha quedado huerfana.

Narvel toma el encargo y empieza su docencia a la joven, pero la vida desordenada de ella llevará a que salgan a la luz partes de la vida que el maestro jardinero prefiere mantener ocultas y hasta aquí lo que puedo contar, el resto de la película será una decisión tuya el adentrarte o no  y para ello vamos a seguir con la reseña del film.

Cómo digo la historia comienza poco a poco, nos hace un retrato actual que mediante flashback vamos conociendo al protagonista de la historia, ese es el jardinero increiblemente interpretado por Joel Edgerton, el australiano hace una interpretación basada en la contención, en la presencia y en su mundo interior, un regalo envenenado para cualquier actor que aquí sale triunfal, como contrapunto y detonante de la historia Schreader quería a Zendaya, pero la Californiana y el director no llegaron a un acuerdo economico por lo que tuvo que mirar su plan b Quinesa Swindell que se encuentra aquí ante su papel más importante de su carrera, complejo como pocos en que tambien sale bastante airosa, mostrando que tenemos una joven actriz con mucho futuro y por último cómo conté antes el personaje más complejo, el verdadero villano de la historia, el antagonista de la trama de Schreader Norma.

Pero quien es Norma?, dejame que te haga unas preguntas para que tu, cuando termines de ver la película te contestes. ¿Por que tiene a Narvel bajo su protectorado?, ¿Por que desprecia a su sobrina nieta?. ¿Por que la hija de su hermana busca que quiera a su hija?. ¿Por que realmente entra en ira?.

Nada de esas preguntas están narradas directamente, si no que hay que leer entre lineas y para ello Schreader busca a una actriz a la altura, la gran Sigurney Weaver que simplemente hace un trabajo para romperte las manos aplaudiendola.

No podemos estar ante una película que vaya más a contra tiempo, si hablamos de thriller actual hablamos de una película de acción sin límites y no, no va por ahí así que si es lo que te gusta y vas a decidir ponerte esta película para ver una ensalada de tiros, mejor ve a una de las entregas actuales de Misión Imposible, tampoco es una obra cómoda, no hay un caballero andante con una dulcinea que proteger, aquí son todos los personajes humanos, grises, perversos, adictos, con secretos inconfesables, donde sólo el amor los redime y es que Schreader parece ser el último romantico, otro punto en su contra que en tiempos actuales levanta urticaria por que parece ser que las normas del amor se han costreñido a la edad de los enamorados, a la raza de los mismos o la vista coercitiva del espectador con sus fobias que reflejan con alegres críticas negativas respecto a este elemento final, sin entender que las circustancias del amor no entienden de normas politicamente correctas y creanme que ese punto para mi, es un punto a favor, viva la irreverencia.

La película que fue estrenada en sección no competitiva en el festival de venecia y tambien en la Semici, pero no tuvo una respuesta adecuada en taquilla, de hecho es que tras un presupuesto que rondaba los 4 millones de dólares sólo recaudó millón y medio, siendo carne de plataformas, ese reducto que nos queda a los cinefilos de disfrutar de estas obras que transitan fuera de su tiempo.

Y es que lo que peor le ha venido a esta película es haber sido estrenada en el 2022, película con aire setentero hasta la médula.

Así que si la ves, será bajo tu responsabilidad y ahora llega el momento de promociones y auto bombo, diculpenme por ello.

Sómos un canal pequeño de cine, no os voy a engañar, hacemos reseñas de cine independiente y clásico de forma semanal para darte a conocer o recordar películas que considero que tienen valor cinefilo, si crees que es para ti, suscribeté estaremos encantados de voverte a ver en la proxima reseña. Si ya eres suscriptor y nos quieres apoyar, regalame un like y un Hipe, según dice youtube sirve para dar mayor representación al canal, aunque no se yo, pero hagas lo que hagas o decidas lo que decidas te deseo dos cosas.

La primera que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y segundo y no menos importante que vivas el cine 

Smile 2022

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA veréis ¿hay algo más bonito en el mundo que una sonrisa, hay algo que de más alegría y te hace sentir cómodo que te reciban con una sonrisa de oreja a oreja, en el trabajo, en la cafetería, en tu casa... pero esperemos un momento, hay algo que de más miedo que una sonrisa a destiempo?

Y no hace falta que me contestes ya lo hago yo por ti, efectivamente es maravilloso que te reciban con una sonrisa y tambien aterrador dependiendo de el concepto y la situación en la que ocurra y es que Smile, la película dirigida por Parker J. Finn es una de esas joyitas del terror que dan mucho, pero que mucho miedo, una obra realizada en el 2022 pero que viene de mucho antes.

Veréis esta obra, esta primera película nace de un cortometraje que el propio director rodó en el 2020 y que tuvo una gran acogida en festivales, fue gracias a esa repercusión que la Paramount fichó al director para que completara la historia, en principio el film iba a ser una obra de serie B para su plataforma Paramount +, pero luego tras ver el resultado y el éxito tras las primeras proyecciones de pruebas decidieron hacer un lanzamiento mundial en cines, pero de esa parte nos ocuparemos luego, ahora si os parece bien vamos a contar de que va la película, ya sabéis los más beteranos del canal que como siempre sin Spoiler, una norma que jamás nos saltamos, así que no te preocupes si quieres verla que sólo te vamos a contar aquí lo imprescindible para que tu valores si es para ti o no.

Pues creo que en este caso, lo mejor que puedo hacer es contaros el corto en el que se basa por que funciona a forma de prólogo, a ver no es necesario ver este corto para disfrutar de esta película en todo su explendor pero si puedes verlo mejor que mejor, aunque tampoco te lo voy a destripar, si que vas a recoger el hilo de lo que va, el titulo es Laura Han´s Sleep o lo que es lo mismo Laura no ha podido dormir.

Aquel corto narraba la historia de Laura Weaver una joven que tiene pesadillas, estás son tan aterradoras que tiene miedo a dormirse, el caso es que siempre ve a personas con una extraña sonrisa en la cara.

Bien, no sigo contandote el corto para que lo puedas disfrutar tambien.

El caso es que esa chica aparece en la consulta de Rose una terapeuta y psiquiatra que tiene un oscuro pasado, la muerte de su madre alcoholica en la que ella fue testigo.

Ahora adulta está intentando cerrar ese episodio de su vida pero aún sigue teniendo pesadillas con lo ocurrido, aunque es capaz de llevar una vida normal, todo el mundo conoce lo que pasó de niña.

El caso que mientras Laura Weaver le está contando sus pesadillas a Rose esta cambia su rostro a una gran sonrisa, una sonrisa que hiela la sangre y delante de ella con un pedazo de jarrón se suicida rajandose el cuello.

A partir de ese momento Rose empieza a tener un declive mental donde la suicida se la aparece constantemente, no sólo eso, si no que empieza a tener visiones y a vivir en un mundo en el que no sabe lo que hace ni que le pasa.

Y hasta aquí te voy a contar el resto de película o mejor dicho si te apetece, corto y película tienes que verlas tu, por cierto la Paramount al final dejó el corto como contenido extra para el DVD pero aún puedes verlo en Daylimotión donde está alojado aunque no sé por cuanto tiempo.

Pues bien, la película sigue la ola de terror del nuevo milenio, intenta llamar la atención desde el primer momento, dándolo todo ya desde los primeros minutos del film con el objetivo de enganchar a la audiencia más dispersa, esa que cambia la película en la plataforma si en 10 minutos no han ocurrido cosas, hay que recordar que esta obra iba derechita a Paramount PLUS y no le va del todo bien y es que estas obras de terror psicológico funcionan mejor si cocinas la trama a fuego lento, Rose Mary Baby o el Exorcista son un buen ejemplo de ello. Cómo digo aquí en este film no deja nada a la imaginación y en 10 minutos ya sabes todo lo ocurrido y todo lo que va a ocurrir, no hay increscendo por los motivos obvios que te he contado pero el film mantiene muy buen el tipo sobretodo gracias a un giro narrativo en la parte final del film que sabe cambiar el compás y mantenerte en la incertidumbre hasta el final.

La película se proyectó en algunas salas escogidas por la Paramount para ver su potencial y lo curioso del asunto es que empezó a cosechar muy buenos datos por lo que se pensó en hacer un lanzamiento en cine y que luego pasara a plataformas, no quiero deciros si fue un éxito, prefiero daros los datos.

Veréis la película incluyendo promoción costó 17 millones de dólares, sólo el fin de semana de su estreno en los Estados Unidos recaudó 22 millones y medio para terminar con una recaudación mundial de más de 217 millones de dólares, esto hizo a esta película ser una de las mejores óperas primas de la historia en cuanto a rentabilidad ya que Parker Finn se estrenaba aquí con el largo.

Obviamente y con este éxito en taquilla empezó una franquicia que continuó con Smile 2 en 2024 tambien dirigida por Finn y se está preparando una tercera parte en la que tambien continua el director.

¿Es para ti esta película?

A ver, original en el film no hay mucho, si eres fan del género seguro que le encuentras parecido a varias películas, una de ellas japonesa que no quiero decir su titulo aquí para que no sepas por donde van los tiros, los sustos que los hay, son muchos pero están bien situados, mira que me gusta el género y suelo intuir por donde llegan y alguno me lo llevé, así que en ese aspecto muy bien.

No se hace larga tampoco, merito de ese giro final en el tercer acto que levanta la película eso ya os lo digo yo, por lo que aunque sigue la moda de películas de dos horas estas pasan de una forma amena.

Si eres fan del género y te has tragado bodrios increibles, esta película es de las que te reconcilian con el terror, si no lo eres te vas a encontrar una obra divertida, por lo que creo que gusta a todos, pero más a los aficionados al género de lo fantástico donde sabemos lo dificil que es encontrar una buena pelí de terror últimamente y no tanto para alguien no habituado que si compara con buenas y grandes películas que se hacen ahora mismo, pues esta no deja de ser una más, es por eso que aunque no tiene unas puntuaciones deslumbrantes, suele rondar el 6 sobre 10. Es de lo poco bueno que se ha hecho de terror en esta década. así que a no ser que seas muy miedoso o miedosa esta pelí es para ti

Y bueno, ya vamos a dar por terminada esta reseña deseando que pases una velada terrorifica que de eso se trata cuando vemos una de este maravilloso género y ya sólo me queda despedirme, primero pidiendoté que si has caido por casualidad valores suscribirte, nosotros somos un canal de consejos de cine, te damos a conocer películas o a recordarlas y comentartelas para que puedas valorar si son para tí sin destrozarte la experiencia de visionado, por otro lado quizá quieras apoyar al canal, no te preocupes que no te pido dinero, sólo que si crees que nos lo merecemos nos regales un like y a ser posible un Hype, esto nos ayuda muchísimo para dar repercusión al canal.

Y nada más, sólo desearte que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y como no puede ser de otra forma que vivas el cine. 

La carrera de la muerte 1970

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA. Verán, este canal se nutre de consejos de cine, de esas películas que si o si han de ser vistas por el espectador, ya bien por que sean un referente del cine o simplemente por que son entretenidas como pocas. Pues bien, en este caso no es así La carrera de la muerte, film rodado por Gordon Hessler en 1970 ni es una cosa ni es otra. La película es mala, mal rodada, peor montada y con una trama que como poco te saca una sonrisa. Un film de esos que podrían estar en el festival de cine cutre que se hace en mi ciudad el Cutrecon.

Entonces, muchos os preguntaréis. ¿Que hace aquí un film tan malo?. Bueno el primer motivo y el más sensato de todos, por que es la primera película que reune en la pantalla a los tres titanes del terror, Peter Cushing, Christopher Lee y Vincent Price y segundo y menos sensato, por que es un placer culposo, esta película me encanta, me divierte, me rio aunque no sea pretendido y me lo paso bien con ella y aunque no puede ser un consejo, es más te recomiendo que no la veas, no puedo dejar de hacer esta reseña con una sonrisa en la cara.

Veréis tras el éxito inesperado por parte de la International American Pictures con la caja oblonga de Hessler, que es ademas nuestra anterior reseña. La AIP se centró en explotar el filón de terrores rodados en reino unido, este hecho llevó a repetir aquel reparto original de la caja oblonga con Christopher Lee y Price y meter en el reparto al otro rostro del terror, el gran Peter Cushing en un guión sacado de un relato de Peter Saxon que no me he leido pero que intuyo que es mucho mejor que la película y para transportar ese relato a guión se contó con uno de los guionistas de la caja Oblonga Christopher Wicking que aquí no tiene su mejor día, eso ya os lo aseguro yo.

Y creo que con todos estos precedentes vamos a deciros de que va la película, a ver como me apaño yo para no hacerla mejor de lo que es por que la premisa promete mucho y luego todo se cae, por lo que vamos allá, eso sí lo haré sin spoiler por si bajo tu criterio la buscas y la ves.

Estamos en un presente, recordar que es de 1970, así que el presente es aquellos años setenteros. 

La trama transcurre en dos paises, el primero reinounido y el segundo una especie de Alemania del Este que intentan alejarse de conflictos politicos sin nombrarlo pero es patente la insipiración con esa parte del otro lado del muro de Berlin.

Pues bien ya que os he situado en los dos escenarios en los que se asientan los acontecimiento vamos a lo que ocurre. Un corredor hace running por las calles londinenses hasta que un infarto o mejor dicho amago de infarto da con sus huesos en el hospital, allí una vez despertado ve con espanto que le han amputado una pierna.

Por otro lado un miembro del gobierno de ese presunto estado dictatorial entra en conflicto con un superior desenmascarando este una peculiar habilidad, asesinar con sólo presionar el cuello de su victima.

Y para terminar la terna de tramas, todas se narran al unisono, Una mujer es hallada muerta en un parque de londres en lo que parece ser un crimen sexual.

Pronto la investigación de este crimen enlazará las tres historias donde se ve involucrado el pais dictatorial, un doctor en medicina y un miembro del gobierno que no son otros que Price, Lee y Cushing

Y bueno creo que no hace falta que os cuente nada más, que el que quiera que se adentre, que si eres muy fan del género lo vas a disfrutar y si no lo eres ya te comenté que no te lo aconsejo.

Bueno la película se nutre de estos tres rostros míticos pero no penséis que en papeles principales, la historia sobre la que orbita toda la trama es la del asesino de mujeres y de los investigadores que le siguen, mientras que Price y lee interpretan a personajes de reparto y cushing hace poco menos que un cameo en la película y es que al final esta obra es lo que es, un film de explotación donde quisieron seguir aprovechando la racha de aquel maravilloso film la Caja oblonga.

Aquí, aunque casi todo el equipo técnico repetía a excepción de la fotografía de Roeg pero que calló en manos de otro director de foto mitico como era Coquilon, director de foto de Perros de paja, al final de la escalera o la cruz de hierro, el trabajo del director y del guionista dan al traste con lo que podría haber sido un gran film.

Veréis, la obra está devalazada no desmontada, si no más bien revuelta en un batiburrillo de acontecimientos inconexos que el director pretende que al final confluya en un punto en común y que no lo consigue y es que no te puedes tomar en serio la cinta cuando no existe tensión en la trama y las cosas ocurren por que sí y ese desastre llega desde un pobre guión sin ninguna profundidaz en ninguno de los personajes, no vas a sentir empatía por ninguno eso ya te lo aseguro yo. A una incapacidad por parte del director de poner un minimo de sentido y armonía en los acontecimientos que narra, la sensación es más la de una obra realizada por encargo donde los creadores se la quieren sacar de encima y creo que es eso lo que ocurrió, realizando al final un film de misterio y terror que causa más carcajadas que gritos de espanto en la sala.

Que al final la AIP sacó provecho de ella al casi cuadruplicar el presupuesto de 350 mil dólares que se tradujo en algo cercano al millon trescientomil dólares de la época, pero que al final es un subproducto olvidable si no fuera por la coincidencia de los tres míticos actores en la cinta.

Y ya no vamos a dar más recorrido a la película que sirve para cerrar este ciclo de terror y que si te gusta nuestro contenido, pedirte que te suscribas, que le des like e incluso si quieres que este tipo de canales tengan más repercusión en Youtube, me regales tu Hype.

Y para cerrar esta reseña me van a permitir que me despida como es debido, primero deseandote que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y segundo y como no puede ser de otra forma que vivas el cine

La caja oblonga 1969

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, verán estas reseñas pasadas hemos hablado de una pareja mítica en el terror como era la formada por Christopher Lee y Peter Cushing y quizá lo más obvio sería continuar este ciclo  de terrores clásicos por otra de las fabulosas obras realizadas por ambos, pero he decidido mostrar otra vertiente con otro de esos actores de leyenda, el formado por Christopher Lee y el majestuoso Vincent Price, así que colóquense en sus asientos, tomen su bebida favorita y acompáñenme en este consejo de la fabulosa La caja oblonga de 1969.

A ver, este film también conocido como el Ataúd fue una producción británica, pero no a cargo de la Hammer o de Amicus si no de la productora estadounidense American International Pictures y sus obras basadas en la bibliografía de Edgar Allan Poe y como no podía ser de otra forma, aunque el reparto era mayoritariamente británico así como los técnicos, fue Vincent Price, actor de la factoría el encargado de protagonizar este film, dándose el caso de coincidir con otro de los actores míticos del terror como fue Christopher lee.

En aquellos años de rodajes desenfrenados en la serie B de terror, coincidió que la AIP estaba terminando de rodar Cuando Arden las brujas en 1968, film en el que estaban involucrados varios de los actores y actrices que luego encarnarían personajes en esta película, Price, Hylary Dwayer o Rupert Davis son un buen ejemplo de ello. Con un guión adaptado de la novela de POE por Lawrence Hunginton, se contrató a Christopher Wiking para dar mayor dinamismo a los dialogos, creando así una de las más gloriosas versiones que se hicieron de la obra de Edgar Allan Poe, empatando con mítos del cine como lA CAIDA DE LA CASA USER O la maravillosa La máscara de la muerte roja.

Y es que el Ataud como se conocío popularmente esta película es de esas obras filmicas que hoy en día siguen funcionando. Pero esta película como casi en todas las obras no estuvo carente de problemas, la AIP quería que Michael Reeves director de Cuando arden las brujas tomara el timón de esta nueva película, pero una enfermedad hizo que la productora norteamericana se quedara sin director y el tiempo apremiaba.  Es entonces cuando se contrató a Gordon Hessler para hacer realizar este film. Hessler quiso enfatizar un problema racial contra la población negra, esto a principio de los 70 con el problema que tenía estados unidos con los movimientos sociales llevó a estar prohibida su exivición en el estado de texas.

Pero da igual las prohibiciones, esta obra es una magistral adaptación que cuenta en su apartado tecnico a un director y director de fotografía que amo, el maestro Nicolas Roeg, roeg hacé aquí un trabajo de foto simplemente perfecto y es que no en bano es el director de foto de grandes producciónes como Lawrence de arabia o Faranheid 451 pero la versión de truffaut del 66 no os equivoqueis y por supuesto como director ya que suya es uno de mis films de terror favoritos como es Amenaza en la sombra.

Y bueno, creo que ha llegado el momento de contarte de que va este film, ya sabeis los más veteranos al canal que como siempre sin spoiler, nosotros aconsejamos cine que esperemos que os empuje a ver la obra que os mostramos y no queremos destrozaros la experiencia, así que estate tranquilo en CINEFILIA en nuestras reseñas no hacemos spoilers.

Pues bien. 

Estamos en africa, donde el terrateniente Julian busca a su hermano Sir Edward, este está siendo objeto de un sacrificio de un rito ancestral africano, tras rescatar a su hermano y volver a Londres buscan una forma de revertir los efectos del ritual al que ha malformado spiquica y fisicamente.

Julian que está apunto de casarse con su prometida intenta mantener en secreto el mal que asola a su hermano, convirtiendose este en un hermitaño del que todo el mundo habla y uqe hace que la familia de su amada rompa el matrimonio. 

Pero Edward tiene otro plan diferente para si mismo, gracias a su amigo y abogado Trench han traido a un hechicero desde africa que prepara una medicina que tomará Edward en secreto.

Esta medicina hace que parezca muerto, Julian cree su fallecimiento y  lo encierra en un ataud con un plan para ocultar la maldición, robar un cuerpo de un hombre joven y presentar a este cómo su hermano, mientras que Trench se las ingenia para rescatar del ataud a Sir Edward.

Pero todo se va a torcer cuando un médico londinense que utiliza cadaveres para sus estudios se haga con el cuerpo de Sir Edward.

Tras el teatro del velatorio y tras dar una suculenta herencia al pueblo y a la iglesia en nombre de su hermano, Julian recupera su buena reputación y a su amada y Edward su libertad gracias al error cometido por el doctor, así que oculto tras una máscara roja espera que el brujo termine su trabajo y vuelva a la normalidad, pero nada va a salir como lo planeado debido a la furia homicida de Sr.Edward.

Y hasta aquí te voy a contar el resto de la trama tienes que verla tu en un film plagado de intriga, asesinatos y brujería.

Y es que la película tiene todo lo que puedes pedir a un film de estas caracteristicas, es divertido, con su dosis de sangre de mentira que hace que hoy en día te saque una sonrisa pero que causaba furor en su momento y unos platós míticos que has visto una y otra vez en la pantalla en producciones similares, pero te siguen pareciendo maravillosos 

La caja Oblonga resultó ser un exito total recaudando en taquilla casi 10 veces que el coste de la película consiguiendo más de 1.200.000 sólo en los EE.UU.

Este éxito animó a la AIP a realizar más films de terror entre ellas la irregular pero maravillosa La carrera de la muerte realizada un año despues que esta y que será el cierre de estos terrorres góticos y victorianos  que os hemos traido, en ella y como cierre final a forma de redoble de tambor veremos en la pantalla juntos a Vincent Price, Christopher Lee y Peter Cushing. Creo que por solo eso debes de no perdertela.

Por cierto,¿ no estás suscrito? No. pues te voy a dar un par de razones por lo que deberías estarlo. CINEFILIA te da a conocer obras clásicas de todos los generos, siempre indagando en obras clásicas e indeèndientes que harán que te enamores del cine. Te recordaremos esas películas inmortales y te contaremos todos sus secretos. Así que si te gusta el cine creo que son unas razones de peso para suscribirte.

Y bueno, si te ha gustado el vídeo hazmelo saber con un Like, si crees que el canal se merece más repercusión dale al botón de Hype, os estaré eternamente agradecido y para terminar  dejenme que me marche con un par de deseos, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine

LA LEYENDA DE VANDORF

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, verán hay películas que en su momento no fueron entendidas o que no encajaron con el gusto de aquellos espectadores y con el tiempo toman ese nuevo aire entre los amantes del género y se convierte en una obra de culto y esto es lo que ocurrió a este maravilloso film de la HAMMER títulado La leyenda de Vandorf de 1964. Antes de empezar quiero aclarar una cosa  sobre el título que puede ser que tambien la conozcas cómo el castillos de la Gorgona.

 A ver originalmente se titula de The Gorgon y lo normal es que se tradujera a La Gorgona que es cómo muchas personas la conocen hoy en día, el caso es que no se podía titular así ya que en 1942 ya se estrenó una Gorgona un film italiano de corte historico romántico que podía llevar al equivoco debido a la coincidencia del título. Así que explicando este cambio empezamos con la reseña de este fabuloso film.

Y es que si te digo, Terence Fisher, Perter Cushing, Christopher Lee y la Hammer ya sabes que aburrido el film no puede ser y no lo es, esta película tiene todo lo que puedes pedir a un film de terror gótico.

Esta película nace de un fan acerrimo de las películas de la Hammer que escribe un tratamiento de una historia y se lo hace llegar al productor Anthony Nelson que vió en la trama del fan canadiende Lliwenly Divine un gión para otra película de la Hammer, Nelson se lo muestra al director John Gilling para reafirmar su pálpito y con el visto bueno de este empieza la producción de este film.

Ahora antes de seguir con la producción de esta maravillosa obra dejame que te cuente de que va este film, ya sabes que sin spoiler por lo que si aún no la has visto, puedes estar tranquilo, es una norma del canal que jamás nos la saltamos.

Pues bien el pueblo de Vandrof tiene un viejo castillo como en todos ellos habitan en el imaginario colectivo viejas leyendas de espiritus y monstruos, y como no puede ser menos los ciudadanos de Vandrof tienen en el una especie de silencio ante su leyenda de su maldición. El caso es que desde hace unos años están ocurriendo asesinatos bastante extraños en los que las víctimas se transforman en piedra, el Inspector Kanof y el Dr. Namaroff tienen un pacto de silencio, donde mintiendo al pueblo dan una explicación falsa para evitar que la leyenda aterrorice a los ciudadanos.

Pero el plan se va a complicar cuando el pintor Bruno Heys y su futura esposa aparecen muertos en el bosque, ella petrificada y él ahorcado. Siguiendo con el plan establecido el Médico del pueblo y el jefe de policía ocultan lo misterioso del crímen y culpan al pobre difunto del asesinato de la chica, pero Bruno es el hijo mayor del Profesor Hays que tras llegar al pueblo empieza a investigar por su cuenta, encontrando una posible explicación, la maldición de una gorgona capaz de convertir en piedra a todo el que mire su rostro. Pero el pueblo se revela contra el profesor Hays, así que hace llamar a su hijo Paul y su profesor Karl Meister irán a Vandorf para desenmarañar todo este asunto.

Pues hasta aquí te voy a contar, el resto de película tienes que verla tu y disfrutarla.

Y bien la historia de aquel fan fue convertida a guión por la mano del propio John Gilling y prepararon toda la artillería pesada de la Hammer para sacar este film que sería distribuido por la Columbia Pictures. 

El film iba directamente a segunda obra de las sesiones dobles acompañando el estreno de La maldición de la momia. La película como digo no fue entendida en su momento, el corte más romantico de la trama y menos tenebroso no enganchó a los espectadores del momento y es que lo que se esperaba de la Hammer no era una historia de romance que realmente es lo que es, que tampoco se buscaba una trama enrevesada con giros de guión que es lo que es esta película, en donde se olvida de la trama directa y se mete a narrar una trama con giros argumentales maravillosos y más compleja que el resto de las obras del momento de la Hammer.

Y aunque no fue un fracaso en taquilla, este film costó sólo 150 mil libras que se consiguió reaprobechando escenarios de todas las obras anteriores de la productora, en donde vemos escenarios de Drácula, de Frankenstein etcetera y de tirar de profesionales de la casa, pero no por barata la producción no deja de tener encanto por lo que aunque no fue un éxito no fue ni de lejos un fracaso, donde si se vió la distancia entre el publico y la película fue con las críticas que recibió en su momento, claramente injustas y el tiempo ha dado la razón a todos los que apostaron por ella. Hoy en día es considerada como una de las mejores películas de la Hammer, muy por encima de otras que si que fueron un éxito y aunque no ha trascendido al publico en general si que dentro de los aficionado al terror y lo fantástico esta obra es Junto con el capitán Cronos, por cierto tambien tienes la reseña en el canal. Son de esas que marcan la diferencia entre aficionado y fanatico del terror de la Hammer, así que para que puedas adentrarte en la categoria de oro de el cine de terror sesentero te hago esta reseña con la esperanza que te guste tanto como a mi.

Y bueno, ya voy a ir dando por terminada esta reseña, no sin antes pedirte que si te ha gustado el consejo, me des un like, quiero además agradecer a todos los que nos regaláis un Hype, me hace muy feliz ver que cada vez sois más los que dais al Hype por lo que gracias de corazón y por último si no estás suscrito y te gustaría conocer o recordar películas de esas indispensables en la historia del cine, a veces tan ocultas para el gran publico como esta, dale al botón y a la campanita y forma parte de cinefilia.

Y nada más, esperando veros en unos pocos días me marcho, deseando que seas inmensamente feliz o luches por ello, que no hay mejor lucha que esa. Y como no puede ser de otra forma que vivas el cine 

 

 

KAGEMUSHA LA SOMBRA DEL GUERRERO

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA. Veréis en 1980 La twenty century fox, Geroge Lucas y Francis Ford Coppola se unieron para aportar el presupuesto definitivo para que el gran Akira Kurosawa realizara una película de samuráis a cambio de la explotación de la cinta en occidente y ese film no es otro que la ya mítica Kagemusha.

Kaguemusha nace de la idea de Kuroshawa de vover a trabajar con uno de sus actores de cabecera Takashi Shimura que ya era una persona de 75 años, para ello crea un guión pensado para él pero la edad y las enfermedades del actor le impedían vover al exigente trabajo con Kurosawa, por lo que su presencia quedó en un cameo, el del sirviente del misionero católico y médico que aparece brevemente en la historia y que por desgracia no se pudo ver en occidente ya que la versión del montaje que se hizo para el lanzamiento occidental borraba de las pantallas la que a la postre sería la última aparición del mítico actor, ya que sólo dos años despues fallecería, hay que decir que existe un montaje actual que si se ha incorporado ese momento, así que depende de la versión que has visto o vas a ver, podrás disfrutar de este grandisimo actor o no, depende de la versión.

El caso es que al final se contó con Shintaro Katsu, un actor, músico y cineasta de aquellos entonces, su aura de estrella confrontó con el carácter que tenía Akira Kurosawa y fue tan repentino el choque que quedó fuera de la producción tras un día de trabajo, aún no se sabe si por abandono de él o por que le obligaron a abandonar, el caso es que Katsu llegó el primer día de rodaje con su propio equipo de filmación, esto lo hizo para grabar cómo dirigía Kurosawa al que no sentó nada bien que quisiera documentar su forma de trabajar sin pedir permiso.

Por cierto a forma de comentario al margen, si alguien quiere ver cómo dirigía Kurosawa, en 1985 Chris Maker si el mismo director que el de la Jetee, realizó un documental de un día de rodaje con Kurosawa en su obra RAN. si tenéis la oportunidad, verla, es cómo estar allí, Maker elimina cualquier artificio para documentar la realidad una joya del cine dentro del cine.

Pues lo dicho, Tras echar o empujar a Katsu a su abandono, se tenía que buscar a otro actor que le remplazara siendo el elegido Tatsuya Nakadai otro actor de confianza del cineasta con el que ya había trabajado en el Infierno del Odio o Sanjuro y del que quedó tan gratamente satisfecho que le acompañó en su todopoderosa Ran, por cierto la reseña que daba el pistoletazo de salida a este ciclo que le estamos dedicando al director y que si te apetece, puedes ver en nuestro canal.

Y ahora que os parece que hablemos de que va esta maravillosa película, como ya sabéis los más veteranos del canal, como siempre sin spoiler, es una norma que nunca nos saltamos en nuestras reseñas.

Pues bien, vamos allá.

Antes de nada empecemos por decir que significa Kagemusa, la palabra se refiere al doble de un mandatario que sirve para hacer creer que este está en un lado, por ejemplo en el frente de batalla pero realmente está en un lugar seguro y es que la película se centra en una época convulsa del japón medieval. allí los Soogunes se han enfrentado entre sí para unificar bajo su mandato todo el país, tres de ellos tienen una lucha encarnizada, El más cercano ha conseguir la victoria es Shingen Takeda. éste tiene ya a un doble su hermano nobukado pero viajando encuentra a un ladron de poca monta que va a ser ajusticiado y decide salvarle la vida por su parecido con el Soogun Shingen Takeda. Todo se complica cuando el autentico mandatario muere en un viaje en dirección a Kioto, la única ciudad que le queda por conquistar para unificar todo el Japón. La idea del clan es mantener la mentira de que sigue vivo haciendo creer que Shingen Takeda sigue vivo durante tres años, el problema viene cuando el Kagemusha de Takeda descubre su muerte y por lo tanto su destino.

Y hasta aquí te voy a contar el resto de la película tienes que verla y disfrutarla tu, con una trama compleja como pocas y con una de las mas bellas imágenes que nos ha regalado el séptimo arte el maestro Kurosawa. 

La película pasó por varios problemas incluido el despido del actor principal con lo que el p`resupuesto que tenía la SOHO para este film quedó totalmente exprimido, por lo que se buscó financiación en el exterior y una de las interesadas era el gran estudio cinematográfico la Twenty Century fox, pero esta no quería o podía asumir en solitario el sobrecoste de la película por lo que necesitó de dos cineastas que tenían suficiente musculo financiero como para hacer frente a esa inversión siendo estos Francis Ford Coppla y George Lucas por separado, quiero decir esto por que hacía unos años George Lucas abandonó la productora que tenían a medias Coppola y el, llamada American Zootrope. 

El caso es que Kurosawa creo una epopella tan mítica como las grandes producciones de hollywood, con un metraje de 180 minutos y llegando a tener 5000 extras en pantalla, este film resultó ser todo un revulsivo del cine Japones en el mundo y es que con un coste de 7 millones y medio de la época, consiguió recaudar más de 33 millones sin contar el vídeo domestico que ya era otra fuente importante de ventas en los 80, por lo que fue una de las obras más rentables del director, el film fue la película japonesa con mayor recaudación en la taquilla y en cuanto a premios tampoco le fue mal, dos nominaciones al Oscar de Hollywood, La palma de oro de Cannes un premio Cesar de la academia de cine francés, un donatello italiano y una nominación a los globos de oro.

Una obra cumbre de un diréctor mitico para mi la gran epopeya del cine japonés un film que si aún no has visto tienes que ponerte manos a la obra, un disfrute para los sentidos con una iluminación, musica y vestuario simplemente magestuosos pero sobretodo con esa estética que sólo sabia dar el Maestro Kurosawa y que cierra nuestro ciclo del gran director japonés.

Y ya sólo me queda despedirme de todos vosotros, pero antes dejenmé que les pida que si os ha gustado nuestra reseña nos regales un Like, si crees que el canal tiene que tener más relevancia le des al botón de Hype y si no estás suscrito. ¿A ver, te gusta el cine y no estás suscrito? ponle remedio ya, dale al bóton y a la campanita y forma parte de este nuestro pequeño canal de consejos de cine.

Y con todo esto me marcho, deseandote primero que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y segundo y no menos importante que vivas el cine. 

Rashomon

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, hay películas que marcan tanto que inspiran a otras obras duerante años incluso décadas y esta obra que vamos a reseñar hoy Rashomon de Akira Kurosawa es una de ellas. Una obra maestra sin rival, una joya del cine que navega entre las historias de samurais y de las tramas judiciales en un film que si no lo has visto, no te va a dejar indiferente.

Veréis esta película sobre el japón medieval era la primera despues de un largo parentesis de 5 años donde Kurosawa se sintió más atraido de contar historias actuales y es que desde el mediometraje Los hombres que caminan sobre la cola del tigre no había contado ninguna historia de samurais hasta este rashomon y es que Kurosawa no lo tuvo nada facil empezar con esta producción, lo peculiar de la historia hacía que ningún estudio se atreviera a rodar la pelicula, siendo desplazada por otras obras del director.

Hasta que Daiei Film dio su visto bueno pero con un presupuesto bajísimo que hizo que Kurosawa tuviera que apretarse el cinturón y narrar la obra sabiendo lo ajustado del presupuesto.

Kurosawa intentó rodar toda la cinta en exteriores pero no pudo ser, al final las ruinas de Rashomon fueron creadas en estudio, lo que permitía gernerar la tormenta que acompaña a todo el film de una forma más controlada. 

La película parte de una original propuesta del director mezclando dos novelas "En el bosque" y "Rashomon" en ella toma la atmosfera de una y la premisa narrativa de la otra donde cada personaje habla de su visión sobre un acontecimiento luctuoso. Pero creo que mejor te cuento de que va la historia y así entenderás por que ninguna productora quería rodar esta película.

Por cierto si no la has visto y piensas que te puedo hacer spoiler, no te apures, en este canal, da igual la antigueadad de la obra, jamás destripamos la trama por que son muchas las nuevas generaciones que no han tenido tiempo de verla, así que no te preocupes que no voy a contarte nada más que lo imprescindible para que sepas de que va este film.

Un hombre se refugia en las ruinas de rashomon de una tormenta, allí se encuentra a un monje y a un leñador que están impresionados por lo que acaban de vivir, ambos han sido testigos en un juicio donde se culpabiliza a un famoso ladrón Tajomaru del asesinato de un samurai y de la violación de su mujer. El monje y el leñador le cuentan al desconocido las visiones de todos los implicados en el juicio, cómo cada uno cuenta una historia diferente y contrastan estas historias con lo que han vivido ellos, sabiendo que todos mienten decubrimos una verdad más absoluta, como són cada uno de los implicados y ya no te voy a contar nada más, el resto de la historia tienes que verla y disfrutarla tu.

Kurosawa hace en este film una lección de estilo narrativo única en su momento, donde no se narra un acontecimiento del que somos testigo el espectador, si no que somos testigos de las diferentes narraciones de cada uno de los implicados, poniendonos Kurosawa en el papel del Juez, juez que jamas aparece por que al fin y al cabo somos nosotros los que debemos decidir a quien creer e impartir la justicia, una premisa tan impactante que ha sido infinidad de veces repetida y tomada como inspiración, desde Valerie o El año pasado en Mariendbad, a más actuales como Reservoir dogs o sospechosos habituales, pero si hay una obra totalmente influenciada que incluso toma los acontecimientos de la obra de Kurosawa ese es el ultimo duelo de Ritley Scott donde dos caballeros y una dama se ven envueltos ante la violación a la mujer en un juicio donde cada uno cuenta una versión opuesta ala del otro.

Y es que Rashomon ha sido el patrón para infinidad de obras y el inicio del movimiento de la nueva ola en Japón, pero lejos de ser recibida como la gran obra que era, los espectadores japoneses del momento la recibieron con tibieza y no fue hasta que triunfó en venencia siendo la primera película japonesa que conseguia el leon de oro y el Oscar como mejor película extranjera que no fue valorada y es que Kurosawa siempre ha sido más valorado en el resto del mundo que en su país como ya os contamos en la reseña anterior de Ran.

Y bueno, poco más que deciros sobre esta peculiar película, que es simplemente un film imprescindible, que no estuvo alejado de polemicas sobretodo con su banda sonora en la que parece que suena el bolero de ravell y se la atacó como plagio, este momento tan controvertido hizo que no llegara a cannes donde se situaba como la gran favorita del año para llevarse el triunfo, pero el tiempo ha sabido dictar sentencia y aunque el parecido es real, ya me contará lo que te parece a ti, la película queda libre de cualquier mancha.

Y con este momento de chismes creo que ya ha llegado el momento de terminar la reseña, esperando que te adentres en este film, que te haya gustado nuestro vídeo, si es así dale like y si te apetece regalrnos un Hype estare muy contento de recibirlo y por otro lado si no estás suscrito y no te quieres perder consejos de obras tan grandes como esta que mejor que darle al botón y a la campanita.

Y bueno ya con esto sólo me queda despedirme con dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello y el segundo que vivas el cine.

El monstruo 1971

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, verán la literatura gótica tuvo un nuevo aire tras su cierre oficial con Melmoth el errabundo  gracias a autores como Edgar Allan Poe y de Robert Luis Stevenson que fusionaron la literatura victoriana con el gótico para crear personajes únicos en la historia de la literatura como la del Dr. Jekill y Mr Hide obra mil veces adaptada tanto en el teatro, como en la televisión y sobretodo en el cine y aquí me quiero detener ya que El monstruo film dirigido por Stephen Weeks en 1971 es una adaptación de aquella obra de Stevenson.

Muchas han sido las adaptaciones que en aquella época se hicieron con producción británica, de las versiones de la Hammer, la más canónica como las dos caras del Dr. Jekyl o la más disparatada como la El doctor Jekill y su hermana Hyde. la otra productora británica que era  la competencia directa de la Hammer, la tambien maravillosa Amicus Films tambien. se apuntó a esta guerra de versinones con su El monstruo de 1971 y es que es a este film al que le vamos a dedicar los siguientes minutos del canal.

Veréis Stephen Weeks el director que hizo la primera versión del caballero verde allá por 1984, hacía aquí su debut en el largometraje gracias a Amicus Film que le permitió este film. La historia estaba escrita por el guionista de cabecera de la productora Milton Subosky que ya había realizado obras míticas del terror capitular que tan de moda estaba en aquellos años como La maldición de la calavera y Dr. Terror para la Amicus, por cierto películas que ya hemos reseñado en el canal. 

Tomaba aquí la novela de Robert Luis Stevenson para modificarla a su gusto pero a la misma vez siendo fiel a su esencia, quizá en una de las mejores adaptaciones o mejor dicho más fieles adaptaciones de esta novela llevada al cine, aunque sólo en su esencia ya que el bueno de Subovsky cambia hasta los nombres de los personajes.

La historia rodada casi en su integridad en platós y escenarios tenía el atractivo de contar con una pareja mítica no sólo de aquellos años si no de el cine de terror universal como eran Christopher Lee y por supuesto su eterno enemigo en la pantalla Peter Cushing que dan un caché más elevado a lo que en principio sería normal en esta película y si os parece ahora ha llegado el momento de contaros de que va este film, ya sabéis los amigos del canal que como siempre sin spoiler para que puedas disfrutar de la película conozcas o no la cinta.

Pero antes dejame que te pida dos cosas, la primera es que si aún no estás suscrito que lo hagas, te prometo no que vas a arrepentir por que te voy a dar conocer películas de todos los tiempos y generos con un encanto especial como esta obra de terror vistoriano, así que dale al botón y a la campanita y forma parte de nuestra familia cinefila y segundo y no menos importante que nos regales un like si te gusta el vídeo y si ademas quieres que este formato de consejos de cine quieres que tenga mas presencia en Youtube, pues regalame un Hype.

Pues vamos allá. El Dr. en psiquiatria Charles Marllow es intimo amigo de Frederic Utersson, un día en el club de caballeros al que pertenecen una conversación se encuentra ante un dilema, la maldad del hombre es intrinseca a él o por el contrario es efecto de la sociedad, así que conociendo sus capacidades, le trasladan esta pregunta al Dr. Marlow que habla de la dualidad del hombre muy en consonancia con las nuevas ciencias traidas por Froid.

El caso es que Marlow ha diseñado una droga que elimina las ataduras morales y sociales a sus pacientes, pero sólo prueba en ellos una sola vez, siendo con esta única sesión suficiente como para marcar una terapia. ¿Pero que ocurriría si experimentara más veces la droga con el mismo individuo? Así que el doctor decide ser el su propia cobaya y comienza a tomar varias dosis creando un personaje que ralla la maldad absoluta, su cambio no es sólo psicológico ya que tambien la maldad le transforma en un ser uraño y feo muy alejado de la presencia de Marlow por lo que decide llamarlo Blake, tras sus andanzas como este personaje vuelve a convertirse en el afable doctor pero la presencia de Blake cada vez está robandole más la presencia al buen doctor, solo su amigo Utterson puede sacarle de ese embrollo y hasta aquí te voy a contar el resto de la película debes de verla tu, en un film de metraje clásico de 75 minutos.

La película está lejos de las mejores obras de la Hammer y tampoco se acerca a los grandes títulos de Amicus, pero sin embargo sabe mantener bien la tensión y la presencia de Lee que es el autentico protagonista de esta historia. La mano del novato director se nota y tambien se nota que no era la primera opción del estudio ya que su idea era que la dirigiera Peter Duffel, pero este declinó la invitación y el estudio dejó que se estrenara Weeks, pero esto no es precisamente malo, veréis más alla de algunos cortes bruscos en la narrativa, el director sabe sacar planos frescos e impresionantes, mostrando una calidad en el encuadre sobresaliente, tambien el uso del plató como escenario se le saca todo el jugo , siendo esta película una de esas obras referentes por su estética y es que la fotografía corría de la mano de el maestro de la Hammer Moray Grant que cuenta entre sus itos ser el director de fotografía de las cicatrices de Drácula, obrá mítica del estudio de referencia del terror británico.

Y bueno. ¿Cómo le fue a este film en taquilla? Pues no muy bien, amicus no tenía el tirón de la hammer y mucho menos de la Universal, pero si su pareja protagonista que salvó bastante la cara a este film y le abrió ventas internacionales sobretodo para segunda película de las sesiones dobles y es que la linea editorial de Amicus de mostrar poca violencia y sangre y centrarse más en el tensión psicológica no era lo que el publico demandaba en aquellos años, siendo más proclive a los litros de sangre ficticia que ofrecia su rival la Hammer film. Pero aún así el tiempo ha cuidado a esta cinta que incluso se creo una versión extendida para su reestreno de 81 minutos, que tampoco aporta mucho más por lo que veas cual veas está bien. Y creeme que a ojos de un espectador de hoy en día no le va a desagradar y ya no te digo si eres fan de estas joyas góticas del cine.

Y bueno, ya lo vamos a dejar aquí, no sin antes desearte que seas inmensamente feliz o luches por ello que no hay mejor lucha que esa y por supuesto y como no puede ser de otra forma que vivas el cine

 

RAN

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, verán hablar de William Shakespeare es hablar de uno de los escritores más grandes de toda la historia y también cómo no de uno de los más adaptados al cine. Pero no todos por igual, si Otello, Mackbeth y sobretodo Hamlet son prolíficos en adaptaciones tanto cinemátograficas como televisivas, no ocurre igual con otras obras del escritor y una de ellas es el Rey Lear.

Ahora puede ser que te preguntes por que en una película del japonés Akira Kurosawa estámos hablando de la obra del Shakespeare. Pues por que RAN obra estrenada en 1985 es no sólo una adaptación de el Rey Lear si no que es la mejor adaptación que se ha llevado al cine de la tragedia escrita en el siglo 17.

Ran que significa en japonés Caos es una obra nacida de la pasión que tenía Akira Kurosawa de la obra del escritor Inglés, donde en 1957 toco el cielo gracias a Trono de sangre una de las películas referentes del maestro Kurosawa, pero aunque pueda parecer raro Ran no empieza como una adaptación directa, veréis en 1970 el director Japonés estuvo escribiendo una historia donde 3 hernamos se convierten en enemigos de su padre, la historia inicial venía del caso de Motonari un caudillo que tenía tres hijos totalmente leales y pensó en que ocurriría si no lo fueran.

 El tiempo y los proyectos se acumulaban y la historia se iba dejando de lado, primero para narrar la vida de un explorador junto al ejecito sovietico en Dersu Uzala y posteriomente el drama bélico Kagemusa, siendo RAN trasladado en fechas una y otra vez, pero por fin consiguió junto con los escritores Ideo Oguni y Masato Ide empezar con el proyecto y es en ese momento cuando Kurosawa tomó la novela de el Rey Lear como base de su historia.

Y bueno, que os parece que ahora hagamos un parentesis en la producción para contaros de que va la película, ya sabéis los más veteranos al canal que nunca hacemos spoiler para que disfrutes del visionado de principio a fin. Pero claro este aviso lo hacemos para que si has caido por casualidad no temas con el posible destripe de la trama.

 Y por cierto, ¿no estás suscrito al canal?, pues tomaté tu tiempo y valora al final del video si quieres seguir nuestros consejos de cine. si es así, dale al botón y a la campanita, estaremos encantados de verte de nuevo por aquí.

Pues vamos allá, pero antes comentarte un poco sobre el tono de la película ya que como film de Kurosawa es lenta, pero no por falta de acontecimientos si no por que vamos viendo como se va formando la tormenta poco a poco, el tono balnco no se convierte en negro si no que va pasando por toda la escala de grises de una forma progresiva y uno de los mejores ejemplos es este film. 

Veréis, estamos en la casa Ichimonji, su caudillo ya anciano prepara una partida de caza donde dos de sus señores, jefes menores que él, quieren presentar a sus hijas para ser la esposa del primogenito.

El segundo hijo está ya casado y el pequeño no es más que un arrogante deslenguado, así que ambos señores pugnan por tener al futuro lider del caln como yerno.

El caso es que tras una pesadilla el caudillo decide claudicar a favor de su hijo mayor pero guardando el título de patriarca y señor del clan. Al mediano esta decisión la acata sin protestar pero el hijo pequeño se encara con su padre, le dice que esa decisión va a romper a la familia y que está loco si hace semejante acto, de su lado se coloca el consejero del padre y este destierra a su hijo pequeño y a su consejero.

Pero todo esto lo ha visto uno de los señores que iban a casar a su hija con el mayor y decide apostar por el benjamín del clan. 

Pronto el caudillo se da cuenta del error que ha cometido y de la verdad que guardaban las palabras de su hijo desterrado, cuando el nuevo señor incumpliendo su palabra envenenado por su esposa, despoja a su padre de todo privilegío siendo obligado a firmar un juramento de obediencia. Tras ser obligado a vagar con su pequeño ejercito leal, se encontrará frente a frente con todas las atrocidades cometidas por el en las guerras de unificación.

Y hasta ahí te voy a contar, el resto de la película tienes que disfrutarla y lo digo con mayusculas tu, ya que este film es como el buen vino, se ha de disfrutar a sorbos cortos, paladeando no sólo todos los aspectos técnicos que son gloriosos, no en bano los Oscar de la academia nominaros a todos, Estuvo nominado Kurawa como director y tambien la fotografía de Takao Saito, Asakazu Nakai y Masaharu Ueda que es una delicia, La dirección artística y el vestuario siendo este último el que se llevó la estatuilla. 

La obra era precedida por el exito comercial de forma internacional de Kagemusha y el proyecto nace por una coproducción de Kurosawa con francia de la mano del productor francés Sergei Silbemar debido a que en Japón pensaba que el director contaba historias anticuadas con lo que pasó dificultades para rodar con producción japonesa, pero sin embargo en el resto del mundo sus obras eran recogidas con los brazos abiertos. Así que a la dificultad de rodar en su pais, hay que recordar que Kurosawa tuvo un intento de suicidio por culpa de no poder rodar, se encontro a finales de los 70 con la facilidad de conseguir financiación extranjera, a veces con dinero y producción sovietica con Dersu Uzala y con el dinero frances como es el caso que nos ocupa.

Por cierto, os voy a dar un truco para poder seguir la trama sin problemas, el ejercito del padre lleva estandartes azules con líneas amarillas. Y el de los hijos os tenéis que fijar en el color de los kimonos del principio. Amarillo el hermanos mayor, rojo el mediano y azul el del pequeño, esos colores son los estandartes de los ejercitos de cada uno. 

Durante el rodaje que empezó en el 83, Kurosawa no sólo estaba habaldo de una tragedia familiar si no que puso en la pantalla la atrocidad del avance humano para matarse de una manera más eficiente, recordemos las bombas atomicas que sufrió el pueblo japonés y que Kurosawa fue testigo, aquí la bomba atomica, el arma revolucionaria es el arcabuz.

La película es simplemente una joya, un film de los pocos en la historia que podríamos decir que son redondos, el vestuario, los decorados, la fotografía el guión la dirección y las actuaciones por cierto esta es de esas películas de Kurosawa en la que no está Mifune, pero aun así la película no decrece, se alza como un film portentoso con una crudeza y una belleza simplemente única.

Hoy no sólo es un consejo de cine, es casi una obligación de visionado para cualquier amante del buen cine, la obra de Kurosawa es una obra maestra, un film mítico de esos que una vez visto no se olvida.

Y con este consejo de cine,  vamos a dejaros por hoy, esperando que si te ha gustado este consejo de cine que abre cómo os podéis imaginar con un ciclo del gran cineasta Akira Kurosawa, nos lo hagas saber con un Like, que si quieres apoyar al canal y fomentarlo me regales un Hype es una nueva herramienta gratuita que nos da youtube y que con ese apoyo haces crecer al canal en repercusión, así que si tienes la oportunidad hazlo por favor y nada más, que nos vemos en unos días con otra maravillosa película del director japonés. 

Y para poder despedirme y cerrar este video como se debe, permitanme desearles dos cosas, la primera que seas inmensamente feliz o luches por ello y segundo y no menos importante, que vivas el cine 

 

 

El Expreso de media noche

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, hoy traemos una de esas películas que por un lado fue una joya del cine y por otro lado una  obra controvertida como pocas, un film con guión de Oliver Stone y con dirección de Alan Parker titulado El Expreso de medianoche.

Veréis en la década de los 70 desenbarcaron dos directores británicos que venían del mundo de la publicidad, uno era Ritley Scott y el otro Allan Parker, su primera incursión en el largometraje fue con un film de producción británica que narraba una historia de Gansters pero bajo el punto de vista de los niños, aquella extraña película se tituló Bugsy Malone y tras ella pudo rodar un film de producción norteamericana, este Expreso de medianoche de 1978.

La historia se basaba en el libro de memorias de Billy Hayes y su experiencia como preso en turquia, para llevar aquel libro a la pantalla la Columbia Pictures contrató a Oliver Stone, por aquellos momentos Stone era un total desconocido, había escrito y dirigido un primer largometraje titulado "De infarto" que pasó sin pena ni gloria, pero le sirvió para que le encargaran la adaptación de la novela. Este film fue el que hizo despuntar tanto la carrera del director Allan Parker como la de su Guionista Oliver Stone siendo el film un antes y un despues despues de su estreno.

Ahora que os parece que vayamos directamente a contaros de que va la trama de este film, ya sabéis los suscriptores del canal que como siempre sin spoilers para que puedas disfrutar de la película sin destrozarte la experiencia, es una norma del canal que nunca nos saltamos.

En 1970 un turista americano llamado Billy Hayes prepara un trasporte de Hachis de turquía a estados unidos, En el aeropuerto un control debido a los atentados de guerrilleros y secuestros de aviones hace que el alijo de droga que lleva Hayes en su cuerpo sea detectado y llevado a prisión tras un primer contacto con la carcel turca se da cuenta de la dureza de la vida en la prisión y su mundo se tambalea cuando es condenado a 4 años, cuatro años que serán un infierno si no consigue tomar el expreso de media noche que es como llaman a la fuga en prisión.

Allí billy conocera la amistad y el terror en un film desasogante y atractivo como pocos con unas interpretaciones míticas de la mano de Brad Davis pero sobretodo de el enorme actor Paul L Smith que realiza el papel de Hamidu, el torturador de la carcel y villano del film.

La película que se basa como hemos dicho en la novela biografica del autentico Hayes, es un drama carcelario que engancha de principio a fin, una extraña joya que atrae y repele por partes iguales.

El film que fue un mito desde el mismo momento de su estreno, es una de esas joyas del cine atemporales que vista hoy en día sigue aguantando perfectamente, una historia de perdedores y como uno pisa la cabeza al otro, como todos en su miseria se hacen la vida imposible siendo esta una tortura que no tiene fin, en ella no sólo conoceremos a Hayes y al torturador si no que tambien seremos testigos de la historia de Max llamado el inglés, es extranjero que lleva más tiempo en esa prisión de Jymmy Bouth otro preso norteamericano que sueña con tomar el expreso de media noche.

El film que es una maravilla no sólo de guión y de dirección se enriquece con una banda sonora mítica del gran Giorgio Moroder. 

La obra no pudo rodarse en turquia debido a que la obra literaria narraba la dureza de las carceles turcas y sabía el gobierno turco que no iban a salir muy bien parados, por eso se rodó en malta, pero para los planos de recursos donde se ve estambul camuflaron un equipo de filmación como si fueran a rodar un spot de cigarrillos, consiguiendo así los planos recursos de las calles de estambul.

Tras la película el gobierno de ancara protesto por el retrato distorsionado que hicieron de su pais, de su sistema judicial y de sus prisiones, pero apesar de las protestas el film se estrenó de forma internacional cosechando uno de los mayores éxitos del momento, para que os podáis hacer una idea, el film consiguió multiplicar por 15 su inversión alcanzando este film de poco más de 2 millones 35 millones en la taquilla.

En la ceremonia de los Oscar del 79 se cruzaron dos películas míticas este Expreso de Media Noche y el Cazador de Michael Cimmino, por cierto tienes la reseña de esta película en el canal por si te apetece conocer esta otra joya del cine. 

Al final el film de Parker cosiguió de las seis nominaciones al Oscar dos estatuillas a mejor banda sonora musical y mejor guión para Oliver Stone que le lanzó al estrellato junto al director de esta película.

Y es que aunque la pelícua es dura y cruda, engancha de tal manera que consigue mantenerte interesado de principio  a fin. 

Y bueno, ya vamos a dar por terminado este consejo de cine, una obra mítica como pocas y un film de esos irrepetibles que merece la pena ser visto, un drama carcelario y humano de mcuchisimos quilates.

Y nada, con esto voy a despedirme no sin antes pedirte que si te ha gustado la reseña me lo hagas saber con un Like, que si piensas que este canal tiene que tener más relevancia le des al botón de Hype y por supuesto si no estás suscrito hazlo ahora, dale al botón y a la campanita y así no te perderás ninguno de nuestros consejos de cine.

Y bueno, dejamé que me despida con dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y segunda y no menos importante que vivas el cine