vampiros de carpenter

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefila, si hay películas que siempre me han gustado esas son las obras de entretenimiento de acción, esas peliculas políticamente incorrectas, plagadas de tetosterona y sangre y realizadas para no pensar más que lo necesario, esas obras menores de autores consagrados que disfrutas en secreto alejadas de sus grandes películas, La trama de Hitchcock, After hores de Scorsese y por supuesto Vampiros de Carpenter y es que aunque alejada de su mejor película La cosa, este film con el que cerraba su producción noventera es de esas joyitas menores del género vampirico que siempre me apetece ver, una extraña mezcla de Western moderno y terror gótico que sólo puede dar vida el gran Jon Carpenter. Así que hoy le vamos a dedicar la reseña de hoy a este film rodado en 1998 titulado Vampiros de John Carpenter. Basada en una novela de John Stikli escrita 7 años antes, este Vampios se ensalza con la visión propia del director y de la fama de éste y por eso la autoría del título en cuestión, como para que no quede ninguna duda de lo que vamos a presenciar. Pero esto tiene trampa, veréis la película no nace de la cabeza del director si no de la productora Largo Entertainment que compró los derechos de la novela en 1992 sólo un año despues de su publicación , el primer director en ser considerado fue Rusell Mulcahi que tenía la dama por haber dirigido Los Inmortales y para el elenco se pensó en Dolf Loungren y William Dafoe. Mulcahi estaba adaptando el guión, uno de ellos ocurría integramente en el vaticano pero que al final fue descartado por llevarselo al futuro con vampiros y cazavampiros en un mundo en el que esto es normal, estos cambios tan erraticos de la trama llevó a los productores de Largo Entertainment a varios conflictos con el director hasta que al final este se marchó llevandose a Lungred con él para rodar Soldado con varias ideas surgidas del guión de Vampiros.

Es entonces cuando la productora pensó en contratar a otros directores en los que estaba Sam Raimi, Ron Underwood o Peter Jackson pero al final el elegiso fue Carpenter, el problema era que tras el rodaje de Rescate en Nueva York el director necesitaba un descanso. Aún así le hicieron llegar los dos guiones de vampir y tras leerlos Carpenter se unió pero con una condición, sería un Western a los Howar Howaks, Carpenter llevava tiempo queriendo mezclar el Western con el terror y Vamiros era el proyecto ideal y tras el si de la productora comenzó el rodaje de este film.

Ahora si os parece bien vamos ha contaros de que va esta película, como bien sabéis los más veteranos al canal, como siempre sin Spoilers, así que por ese lado podéis estar tranquilos.

El vaticano tiene una lucha secreta contra los vampiros, para ello determinados cardenales están al cargo de equipos de cazavampiros que trabajan bajo su mandato, en EE.UU. el encargado es el cardenal Alba que tiene a Jack Crow el mejor de los cazavampiros bajo su tutela. Un día tras un asalto a un nido de chupasangres, el jefe vampiro Valek aparece tras el rastro de Jack asesinando a casi todo su equipo sólo saliendo vivos el propio Jack Crow, Su fiel compañero Anthony Montoya y una prostituta que ha sido mordida por Valek y que será usada como enlace con el vampiro, la joven Katrina, empezando así una cacería que es simplemente una venganza contra Valek y hasta aquí te voy a contar el resto de la película tienes que verla y disfrutarla tu y creeme que esta película es disfrutona como pocas.

Carpenter, propuso a Kurt Rusell como protagonista despues de su buen desempeño en Rescate en Nueva York, pero este declinó la oferta con lo que al final fue James Wood el elegido, junto a él iba a estar Alec Balduin que llevaba tiempo queriendo rodar con el director pero al serle imposible propuso a su hermano Daniel y para cerrar el trió la actriz de moda en las series de misterio Sheryll Lee que había interpretado a Laura Pallmer en la serie y telefilms de David Lynch.

Los actores crean una terna maravillosa y creible que está aderezada por un actor mítico de los 70 el grandisimo Maximilian Shell que interpreta al cardenal Alba.

El presupuesto de 20 millones se fue en su mayoría en los efectos especiales, protesis y maquillaje ya que todo lo que se vé es real, en aquella época no existían los CGI y apesar de el gran coste de la película, en EE. UU. recuperó todo el dinero con algo más de 20 millones, y aunque no se tienen cifras del resto del mundo, si que se tienen los datos economicos de alquileres en videoclubs alcanzando los 43 millones sólo en vídeo domestico. Siendo este film un autentico éxito économico y curiosamente es la única película de los 90 de carpenter en dar beneficios he incluso podemos decir que fue su ultimo gran éxito economico del director.

Pelicula ganadora de tres premios Saturn es una de esas películas de entretenimiento que no te cansas de ver, uno de esos films más o menos tontorrones que te hacen pasar un buen rato, que si no conoces  este film decirte que si te gusta la acción y el terror, es un film imprescindible, si eres fan del western o de vampiros, pues no lo puedes dejar escapar y si no te gusta nada de eso, pues mejor huye de esta película como los vampiros del sol, por que es un film de género puro.

Y bueno ya vamos ir terminando este vídeo, y si eres suscriptor verás que nos quedan 10 vídeos para llegar a la cifra de 500 y que se va hacer. Pues estas 10 ultimas reseñas prepararé 10 películas de mi vida, 10 obras que amo de menos a más. Así que si quieres saber mi ranking de films, ha llegado el momento y si no eres suscriptor a que estás esperando, dale al botón y a la campanita y forma parte de nuestra familia y deja que youtube te avise cuando tenemos una nueva reseña

Y para poder empezar con este décalogo de films, vamos a dar por terminada esta reseña no sin antes desearte dos cosas, la primera es que seas inmensamente feliz o luches por ello, ya sabes que no hay mejor lucha que esa y segundo y no menos importante que vivas el cine

amadeus

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA. Dejenme que antes de empezar con la reseña de el film que nos ocupa, me vaya por un tema que creo necesario. verán las obras filmicas y más cuando son documentales o biográficas tendrían que poner alto y claro que todo lo que van a ver es una película, que nada es real, que hasta el documental más honesto es un trozo de la historia y no lo es todo y siempre hay un sesgo en el que se pone el punto de vista, tanto es así que se dice en el mundo del cine que no hay mayor ficción que un documental y es por eso que siempre, el espectador tiene que recordar que lo que está biendo es cine, sea este del género que sea y es ahora  que volviendo a la pelicula y empezando con la reseña, Amadeus es una obra de ficción totalmente, ninguno de los acontecimientos de los que vas  a asistir se acercan a la realidad, de hecho esta pelicula que está basada en una obra de teatro llamada Mozart y Salieri de 1830  que fue adaptada por Shapher en 1979 es descrita por el propio autor como una fantasía sobre un personaje real. Y es que a muchos espectadores de este film se les caerá un mito cuando sepan que no huvo una enemistad entre Mozart y Salieri, que simplemente se busco un conflicto buscando a dos compositores reales de la viena de la época, pero que nadie mató a nadie ya que Mozart murió por culpa de unas fiebres reumaticas.

Así que no es un biopic, no tomen esta película como un hecho o una lección de hitoria, como dijo su autor, es simplemente una fantasía y ahora con las cartas sobre la mesa, dejenmé que les recomiende esta maravillosa película, de amor, sacrificio y dondes divinos, pero tambien de odio, venganza y envidias o lo que es lo mismo, una película sobre lo mejor y lo peor del ser humano y muchas veces aunado en el mismo personaje. Por que si, la película que vamos a reseñar hoy es Amadeus pelicula rodada por Milos Forman en 1984.

Verán el director nacido en Checoslovaquia es uno de los titanes del cine gracias a su película Alguien voló sobre el nido del cuco. Obra maestra indiscutible, joya de este arte que le siguió otra gran obra como fue Hair y posteriormente Ragtime y con esos tres largometrajes llegaba el director a 1984 con ese aura de maestro para realizar esta fantasía sobre la vida del génio de la música Wofgam Amadeus Mozart.

y ahora, me van a permitir que hagamos una pausa en la producción del film para contaros de que va la película, tranquilo por que no se hacen spoiler en nuestro canal, así que por ese lado tranquilo. 

El anciano Antonio Salieri el excompositor de la corona tiene una extraña noche de pesadillas que le lleva a cercenarse el cuello mientras grita que el mató a Mozart. Sus criados le llevan al médico y este le encierra en un pabellón psiquiatrico. Tras la visita de un sacerdote Salieri narra los acontecimientos que le llevaron a matar a Mozart. Mientras que el necesitó de grandes sacrificios para llegar a la maestría musical, el Joven Mozart no parece digno del don divino que le ha llevado a tener fama en toda viena, esa aparente indisciplina y amoralidad lleva a Antonio Salieri a odiar al compositor e incluso reprocharselo a Dios por dar el don de la composición a un ser que para Salieri es indigno. Mientras tanto Mozart empieza a escalar en la corte y recibe el encargo de escribir una Opera en Alemán y mientras Mozart avanza Antonio salieri empieza a ser ninguneado y nada hasta aquí te voy a contar el resto de la trama, amores y traiciones tienes que disfrutarla tu.

Milos Forman tuvo en el disparadero a dos actores que por un motivo u otro fueron descartados para el papel de Mozart, el primero Kenneth Branah que en cuanto la producción creció y entró dinero norteamericano el actor británico cayó, por otro lado el actor que estaba realizando la obra de teatro en brodway Mark Hamill fue contratado como actor de audiciones y así crear el resto del elenco, pero Forman nunca contó con él debido a la sombra del personaje de Luke Skywalker ya que pensaba que nadie se lo tomaría en serio, así que al final optó por el actor de Michigan Tom Hulce. 

Murray Habrahm que encarna a Salieri en cierta forma es el protagonista de la historia y tanto fue así que ganó un oscar por su interpretación como actor principal, en un duelo maravilloso, por cierto Hulce tambien estaba nominado para el mismo premio perdiendo contra su compañero del film.

La película fue toda una revolución en su momento. las estatuillas en la ceremonia de los Oscar caían como nueces, nada más ni nada menos 8 oscar incluyendo los premios más grandes como actor, director, guion adaptado y película y es que el film es una joya, un extraño thriller en el mundo de los compositores musicales de la viena del siglo 18. La producción se rodó en localizaciones reales que llevaron a un presupuesto algo inferior a 18 millones de dólares pero que arrasó en la taquilla y más con el empujón de los oscar con más de 90 millones de dólares en todo el mundo.

Y ahora para terminar esta reseña, vamos a volver al principio, muchas críticas negativas vinieron por la falta de rigurosidad de la película con la vida y muerte de Mozart y de colgarle el sanbenito de asesino a un inocente como Salieri, pero el propio guionista y el director comentaron que en ningún momento estaban realizando un documental de la vida de Mozart y que Alexander Pushkin en su obra teatral de 1830 hablaba de la animosidad de Salieri y Mozart y simplemente ellos tomaron esa idea para crear un villano para la historia.

De hecho se cuenta que la realción entre Salieri y Mozart era cercana incluso de amigos, que aunque rivales en la escena del momento jamás se supo de ninguna afrenta entre ambos, de hecho Mozart y Salieri escribieron juntos una cantataPer la recuperata Saludo di Ofelia y por si todo esto no fuera poco, Salieri fue el profesor de música de los hijos de Mozart despues de la muerte de éste.

Aunque tambien y de hecho por eso en la obra teatral del 19 Salieri mata a Mozart venían por los rumores del momento y al hecho de la demencia del compositor al que le achacaban su locura al cargo de conciencia de matar a Mozart. Hecho totalmente falso al analizarse posteriormente la muerte de del compositor y llegar a la conclusión que fue una fiebre reumatica la que terminó con su vida.

Pero dicho esto. que mas dá que la película sea o no fiel a la realidad, el film es una obra descomunal, una película de época perfectamente realizada con un sentido del humor y un ritmo de los que solo Milos Forman sabía recrear y es que esta obra si no la has visto tienes que poner solución de inmediato y para que lo puedas hacer ya. vamos a despedirnos, primero con un deseo que no es otro de que intentes ser feliz o luches por ello y la segunda y no menos importante que vivas el cine 

La ultima seducción

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, verán si ahora nombrara a su director John Dall, a mucho de vosotros no os sonara nada y el caso no es por que no haya trabajado desde finales de los años 80 cuando rodo su opera prima La muerte golpea dos veces interpretado por Val Kilmer y es que si no es más conocido es simplemente por que llegado un momento abandonó el cine para adentrarse en las series de televisión donde el director pasa a un segundo o tercer plano, pero si piensas en una serie a partir del 2000 icónica seguro que él a dirigido algún episiodio y es que su carrera en ese aspecto da simplemente miedo, veréis, en su haber está, Batelstar Galactica, Dexter, Californication, True Blood, Breaking Bad, Cronicas Vampiricas, The Walking Dead, Homeland, Arrows, The Americans, Anibal, Outlander, Jesica Jones, The god Doctor o ManHunt son un buen ejemplo de ello, pero antes de esta gloriosa carrera televisiva rodó uno de los films independientes más importantes de los 90, la protentosa y maravillosa La última seducción.

Veréis la historia nace como un film noir de personaje femenino, algo parecido a Perdición o Fuego en el cuerpo, donde la doncella en apuros, ni es tan doncella y tampoco está en tales apuros y es que  la protagonista no es otra que la brutal linda fiorentino. Se dice, no se si es verdad que tras leer el guión condujo 6 horas para reunirse con Dall y decirle que no podía contratar a ninguna otra actriz para su película que no fuera ella y así pasó.

Ahora si os parece bien hablemos un poco de que va esta película. veréis el matrimonio gregorry es de todo menos usual, ella la gestora de ventas por telefono de monedas comemorativas que son una estafa y él un médico en apuros que vende cocaina médica para sacar dinero. Tras el último gran negocio de él y fruto de una discursión abofetea a su mujer y esta como respuesta a la bofetada, le roba todo el dinero y huye de Nueva York.

En su huída recala en un pueblo, de esos donde la gente te saluda y parece que nadie vive al margen del resto de las personas, justo el peor sitio para una mujer solitara que huye de su marido, allí conoce a Make Swale que se enamora locamente de ella, un hombre atrapado en el pueblo por culpa de un secreto y ve en la Sra Gregory su tabla de salvación, pero esta no va a dejar pasar la oportunidad y empezará a usar al desdichado enamorado para sus tenebrosos fines y hasta aquí te voy a contar el resto de película tienes que verla y disfrutarla tu.

Veréis el film es un noir típico del cine independiente americana, su atmosfera su música plagada de Jazz en un buen ejemplo de la manufactura del film y aunque en un principio su presupuesto era bastante bajo, no superó los 2 millones y medio de dólares, el reparto está plagado de buenos actores, la nombrada antes Linda Fiorentino, Bill Pullman que siempre hace un papel excepcional y Peter Berg al que siempre se le dieron bien estos papeles de hombre honesto del medio oeste y es que la película no solo es un conflicto entre el matrimonio y el dinero robado si no los miles de kilometros que separan las dos sociedades norteamericanas, la del urbanita solitario y arisco y el afable pueblerino y es que parece que ambas sociedades aunque pegadas unas a otras están separadas por millares de kilometros y todos los conflictos generados explotan perfectamente esta dualidad.

La trama como comentamos antes, es de esas de las que las Femmes fatales llevan la batuta en una especie de protagonistas villanas o las malas por las que sufrimos durante todo el film, no sabiendo si al igual que sus victimas tambian al final seremos nosotros burlados.

La obra inteligente y bien llevada no es del todo perfecta, quizá en su tramo intermedio se puede hacer un poco larga hasta que vuelve a tomar impulso nuevamente con el giro de guión del descubrimiento del secreto de Swale y aunque es previsible a más no poder, ya te imaginas como va a terminar desde el minuto 5 del film, sabe mantener el interés, no esperéis un final de esos de relumbrón, aquí como en la mayoría de esto films son para disfrutar del viaje, Dalh con guión de Steve Varanick no se complica y eso el espectador lo agradece, no hace que te pierdas, no busca efectismos más alla de los propios personajes y su carga animal, no busca darte nada nuevo, por que lo que te está dando ya lo has visto más veces y eso mismo es lo que tienes que buscar, pero la carencia de todos esos efectos dramaticos a veces pedantes, hace de este film una de esas peliculas inmortales, una obra por la que no han pasado los años y que sigue tan actual como en los 90 que fue cuando se rodó. No en bano ganó un Bafta y triunfó en los indepence Spirit Award, los premios de la industria norteamericana más importantes del panorama independiente.

El caso es que sin ser un exito de esos rotundos en la taquilla, si que saco buenos beficios duplicando solo en estados unidos su inversión inicial y buscando que se convirtiera en una franquicia, con La última seducción 2, que no está a la altura y aque apenas conserva el nombre ya que ni el director ni los actores están en este film, siendo un desastre innecesario y que no hizo otra cosa que enterrar en el olvido este sugerente y maravilloso film con el que damos por terminado este ciclo de cine.

Y por que ver esta curiosa obra de producción británica pero ambientada en los EE.UU. Pues por que es un film estretenido como pocos, con unas interpretaciones maravillosas y plagadas de realidad, por que fue el film que lanzó a Linda Fiorentino en el que su papel más importante lo había realizado en Jo que noche de scorsese pero que no fue hasta este film donde se encumbró como femme fatale y le dió pie a interpretar Jade solo un años despues, pasando desde entonces a la historia de este arte.

Y bueno ya vamos a ir dando por terminada esta reseña, esperando que si no conocías la película te adentres de inmediato, para eso hemos hecho este ciclo de cine tan personal, para animaros a disfrutar del otro cine independiente que tanta gloria a dado a este arte, por cierto si has caido por casualidad en el canal, quiza te interese que sigamos recomendandote cine, para eso que mejor que suscribirte y dar a la campanita, así no te perderas ninguna de nuestras reseñas.

y ahora toca empezar con otro ciclo por lo que antes tenemos que cerrar esta reseña y no lo puedo hacer sin antes desearte dos cosas, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello y el segundo como no puede ser de otra forma que vivas el cine

Too late 2015

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, esta reseña forma parte del cine independiente americano moderno y más actual no puede ser ya que este film es del 2015, la película una obra totalmente desconocida, de un autor totalmente desconocido es una de las joyas del cine moderno, mejor que la mayoría de films que se han rodado en esta última década, mejor que cualquier película que ha conseguido el número uno de la taquilla en estos últimos años. Un film demoledor, un Noir de esos que no se olvidan y una joya del cine que por no tener una campaña publicitaria salvaje detrás pues no ha tenido la oportunidad de verse en las pantallas de cine pero como este canal lo que busca es darte a conocer estas joyas del cine, hoy en CINEFILIA nos vamos a poner el uniforme de trabajo para que vosotros suscriptores del canal, tengáis el conocimiento de su existencia y valorar si es para ti o no y tener una oportunidad de visionado.

Por cierto, dudo que este vídeo lo promocione youtube, por lo que creo que será visto en exclusiva por los suscriptores del canal, así que si has caido por casualidad aquí y quieres ser de los afortunados que Youtube te avise cuando hay joyas del cine desconocida como esta, no lo dudes más, dale al boton de suscribirte y a la campanita para que la plataforma te avise, piensa que quizá nunca nos volvamos a cruzar en eso llamado sugerencias de Youtube y piensa cuantas joyas del cine como esta te vas a perder.

Por que señoras y señores, niños y niñas siempre y cuando tengan más de 18 años, que el film es para adultos, con todos ustedes TOO LATE de Dennis Hauck, film estrenaod en el 2015.

Si por lo que sea el nombre del director no te suena, no te apures, su carrera cinemátografica apenas consta de tres cortometrajes y su estreno en el largo con este film y es que la carrera de éste músico y cineasta es bastante reciente comenzándo en el mundo del corto en el 2008, siendo el thriller mafioso Sunday Punch rodado en 2010 el corto que precede a esta opera prima y que en cierta forma esta enlazado entre sí, gracias a la actriz australiana Dichen Lachman que protagoniza el corto haciendo Sunday Punch de una Ring Girl, que son esas chicas que anuncian los asaltos con un cartel y que aquí aunque sin tener un papel protagonico si que parece una continuación de la historia como si aquel corto rellenara un hueco temporal en este film y creo que ahora a llegado el momento de contaros de que va este film, como siempre digo, tranquilos por que aquí no se hacen spoiler de ningún tipo y vas a poder ver el film sin que os robemos la experiencia de visionado. así que tranquilo en ese aspecto.

La película narra una historia de los bajos fondos estadounidenses, más precisamente enmarcado en el mundo de las stripers de los Angeles, Dorothi es una bellisima joven que está metida en ese mundo y ha visto algo que no debía, así que busca ayuda con un viejo cliente del pasado, un hombre que aunque sólo vió una vez, se crearon lazos especiales, éste de profesión detective es Mel Sampson, al que desde un parque cercano le llama pidiendo ayuda, pero puede ser demasiado tarde ya que el asesino a sueldo Fontain ya ha dado con ella y ya no te voy a contar nada más, ¿conseguirá Mel salvar a Dorothi, cual es el motivo para que su cabeza tenga un precio? pues de todo eso tienes que encargarte tu viendo este fabuloso film.

Y bueno, hablemos un poco de la película, esta obra se narra en 5 planos secuencia que narran los acontecimientos  de una forma desordenada, el primer capitulo realmente es el segundo, siendo el segundo el cuarto, despues vendría el primero que se cuenta el tercero, tras ese capitulo vendría el cuarto que cuenta el final de la historia para terminar con el segundo en quinto lugar. Este desorden tiene un sentido y no es una forma de enredar la obra, el caso es que el personaje conoce cosas que para mayor impacto de la trama tiene que ser contada de una forma desordenada, ojo, no son flashback o racontos, si no desorden en el montaje y creerme que este efecto narrativo es perfecto, es magistral por que no se realiza para mostrar lo moderno que es el autor o para mostrar diferencia con el cine comercial, lo realiza por un motivo de estructura narrativa, un efecto que una vez terminas de ver todos los pedacitos de historia y los ordenas en tu cabeza, esta te vuela y te rindes antes el autor, otros efectos si que son para mostrar que es cine independiente como el que sean planos secuencia, muy bien gestionados y rodados con un tempo que al rato te olvidas que no hay cortes, otro elemento distintivo es rodar en 35 milimetros con película Kodac, algo que en el 2015 ya estaba demodé y más que nada por que no se trasladó el negativo a digital, siendo necesario proyectores de celuloide en las salas de cine que lastró mucho su distribución en salas al carecer de formato en DCP el formáto de cine digital que se usa ahora en cualquier sala de cine actual.

Por cierto el director que está rodado una nueva película parece que es fiel a sus principios ya que va a rodar su siguiente film en 70 milimetros, esperemos que por lo menos haga como tarantino y lo kinescopee a digital.

La película mantiene el gusto de los noir típicos, realmente es una vuelta al pasado, detectives, jefes de la mafia, mujeres en apuros y la muerte tras ellos en forma de asesino implacable, todo es canónico con una trama realizada a golpe de dialogos, no hay persecuciones y tampoco tienes luchas de acción si no que toda la historia se realiza con esos díalogos dignos de raimond chandler en el Sueño eterno, y es que el personaje protagonista Mel Samsom se presta a ello, el actor John Hawks tiene ese aire de antiheore muy a Bogard al que perder le sienta como un guante y es que el peso de la historia cae casi en exclusiva en este actor, en el que se le coloca la cámara detrás de él y ya no se separa hasta el final.

La pelicula como hemos dicho antes enmarcada dentro del cine independiente tiene por un lado aire clásico americano pero tambien ese gusto europeo que tan bien le sienta al género, su narración trepidante, de personajes con la fecha de caducidad caducada y con jovenes stripers que a pesar de no llegar a los 30 sus mejores años han pasado y es que la melancolía es siempre el aire que se respira en la cinta, aunque el objetivo se cumpla, siempre se consigue a base de una mueca de tristeza.

La música compuesta por Robert Alaire, es constantemente interpretada por el director en su faceta de músico en festivales de música y es que la parte musical del film tiene bastante peso, no en todas las partes del film pero si que en el conjunto de la historia, dejenme que no profundice más para mantener el misterio de la trama intacto, del mismo modo que hace nuestro detective.

Y bueno, ya vamos a ir dando por terminado este consejo de cine, una joya del noir moderno, un film de esos que tienes que ver si te gusta el cine, y soy así de rotundo por que esta opera prima que no se nos olvide es simplemente una joya.

Y ya sólo nos quedaría una película para terminar esta trilogía de films independientes poco conocidos, con otra joya del género que aún más famosa que esta, aún esta en ese cajón de las grandes obras desconocidas.

Y ya voy a terminar, aconsejandoos fuertemente su visionado y sólo puedo hacerlo con dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y el segundo no menos importante que vivas el cine

El halcón inglés 1999

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, verán la industria cinemátografica americana tiene dos caras al igual que una moneda, por un lado, la cara, la más visible es el cine conocido como made in Hollywood, películas realizadas por los grandes estudios, con grandes presupuestos y con campañas publicitarias que casi y que muchas veces superan el coste de producción de  la propia película.

Y también cohabita otro tipo de cine, a la sombra de este Madein Hollywood, el cine alejado de ese producto premium, que se acerca al cine europeo tanto en tramas como en calidad, que busca huír del imaginario colectivo que tenemos cuando decimos que es una producción estadounidense y es ni más ni menos que el cine independiente norteamericano, ese cine indi que mueve a legiones de fans, que aún alejado del cine de masas, consigue tener repercusión mundial dentro de los cinéfilos y como este canal es de cine y no hacemos asco a ningún género ni corriente, pues le a  tocado  el momento a un ciclo de tres películas independientes norteamericanas de esas que si no las conoces no las vas a olvidar en la vida.

Aúnque no quiero desvelar aún los titulos quiero comentaros mi dilema, veréis, los tres son policiales, pero más parecidos al cine polar francés que el cine de detectives clásico, una es de 1994, otra de 1999 y la última bastante reciente del 2015 y pensé hacer las reseñas por orden, pero me dige, dos de ellas rompen la linealidad del tiempo, así que desordenals tu tambien y eso es lo que he hecho, así que hoy tenemos el film rodado en 1999, le seguirá el del 2015 y terminaremos por el de 1994 y ya no os doy más pistas por que hay que empezar ya la crítica de este marvilloso y singular El halcón Inglés o como se llamó originalmente The limey film dirigido en 1999 por Steven Shoderberg.

A ver Soderberg fue un director que empezó duro, tras un par de cortometrajes se adentra en el Largo con Sexo mentiras y cintas de video, que ya estuvo nominada a un Oscar a mejor guión, tres globos de oro y ganó dos premios en Cannes el FIPRESCI y la palma de oro para su actor protagonista John Spaider y todo esto con 26 añitos, así que os podéis imaginar que la industria se plegó a él, pero sin embargo decidió seguir el camino del cine independiente hasta que en el 98 realizó ya un film de esos que podríamos llamar Hollywoodienses con Clooney y Jennifer Lopez titulado un romance muy peligroso, o por lo menos se llamó así en españa que bueno, sin ser un desastre si que podemos de catalogarlo como un pequeño paso a tras, por lo que un año despues decide vover al su casa, al cine independiente, donde tiene libertad de crear de volverse loco de olvidarse de cifras y de gustar a todo el mundo y rueda este fantástico El halcón Inglés que es para mi su mejor película,  luego vendría Erin Brockovich y saltaría al estrellato mundial, pero vamos a ir un momento a trás cuando rodó este singular noir.

Veréis la historia que nos cuenta esta película es bastante manida, de hecho es que era ya un género por si mismo con las películas de bronson dirigidas por Michael Winner las del justiciero al que han tocado a su familia y creerme si os digo que no hay nada nuevo bajo el sol, la  trama es la que es y transcurre de igual forma que cualquier película de venganza del bueno sobre los malos, pero y este pero es bastante importante, la película tiene magia no en lo que cuenta si no en cómo lo cuenta y ahí vamos a profundizar de inmediato, pero antes vamos a contaros de que va este film y veréis que valdría para Yo soy la justicia parte 5.

Wilson es un expresidiario ingés que viaja a los estados unidos, su misión es responder en persona al amigo de su hija que le envío la carta anunciandolé el accidente mortal que sufrió, pero hay tantos flecos en lo ocurrido que sospecha que realmente fue asesinada y el delito enmascarado como accidente de tráfico y ahí comienza una investigación que se chocará de bruces contra un magnate de la industria musical y hasta aquí toda la trama que ya os digo que es lo que os imagináis.

Por que la magia del asunto no está en lo que todos preveemos si no de como Shoderberg realiza magia con el montaje y es que en vez de descubrir el asesinato, la película se centra en que descubramos a Willson, es una película de construcción de personajes enmascarada bajo la falsa premisa de policial y es que ese señor serio e ingles interpretado como nadie por Terence Stamp es un total desconocido al principio de la cinta y tras el último fotograma, tras el punto final, conocemos absolutamente todo de él, en un viaje simplemente apasionante.

La obra como hemos dicho antes títulada Limey hace referencia a como los Norteamericanos se refieren a los ingléses y durante toda la cinta, si la escucháis en versión original, os daréis cuenta del marcado acento que tiene Willson y de la extraña jerga que usa rimando palabras, algo que se pierda si la escuchas doblada.

La obra que parece un polar frances de principio a fin tiene un montaje extraño, no es lineal, toda la película está en un ritmo sincopado en donde damos saltos en el tiempo a forma de flashbac a veces para contarnos acontecimientos pasados ocurridos y otras veces recuerdos dejando el sonido del presente con las imágenes del pasado. Aunque pueda parecer extraño, ese juego que nos plantéa el bueno de Shoderberg, no nos parece extraño, quizá los dos primeros minutos, pero una vez comprendido, la maestría del ritmo del director hace que nadie se pierda, que en ningún momento no sepamos donde nos encontramos, por cierto para contar la vida pasada se hizo con los derechos de Pobre Vaca, primer largometraje en el cine de ken Loach y que parece ser este film una continuación de aquella vieja película de ladrones.

La obra es divertida, sangrienta y con una cuadrupla increible Peter Fonda, el eterno Wyat de Easy Rider hace aquí de magnate cinematográfico con asuntos turvios, un cobarde que se esconde bajo el manto de su jefe de seguridad  Avery que lo encarna un siempre eficaz Barry Newman y por supesto el señor Wilson que como hemos comentado antes es Terence Stamp y que se completa con su fiel escudero el siempre genial Luis Guzman.

cómo digo un film para degustar tranquilamente, sin esperar de la trama nada más que una simple historia sin giros reseñables pero con una capacidad de enganche única, con un ritmo especial, innovador, rodada un año antes que memento, ahí dejo el dato para el que lo quiera y con un gusto totalmente alejado del made in hollywood

Así que si os apetece ver cómo en estados unidos hacen otro tipo de cine, la calidad de sus producciones independientes no podéis dejar escapar este film que no es para cinefilos, es una obra que gusta a cualquier espectador, cierto es que cuanto menos sepa de cine, más se va a quedar con las capas superficiales, pero oye a quien no le gusta una historia de un vengador contra los bajos fondos.

y ya me voy a despedir para ir de inmediato a realizar la segunda reseña de este ciclo que va a ser toda una sorpresa para muchos un film casi desconocido pero que es una joya sin igual en esta última década.

Por lo que si no te  lo quieres perder y aún no estás suscrito, hazlo, de esa manera Youtube te avisará cuando subamos una reseña nueva aúnque para eso tienes tambien que darle a la campanita, pero tu mismo.

Y ya no me queda mucho por decir, sólo desearte dos cosas, la primer que seas inmensamente feliz o luches por ello y la segunda mi despedida de siempre que no es otra de que vivas el cine

Eva al desnudo 1950

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, verán hablar de Eva al desnudo debería de ser una cuestión fácil. ¿has visto la película?, Si. pues ya está, pero no, por desgracia no es así y dejenme que me explique. Si ya tienes una determinada edad, has oido hablar de ella y seguramente has visto el film varias veces, si eres algo más joven, puede ser que sólo te suene o si eres un aficionado este arte pues has buscado este film por tus medios y ya le has visto, pero si eres joven y este es el caso que me ocupa, quizá ni hayas escuchado nada de este film o directamente te parezca una película rancia de otro tiempo y que no vas a disfrutar en absoluto ah y por si fuera poco, es en blanco y negro.

Pues quiero a mi audiencia más beterana, me den permiso para dirigirme a los más jovénes, esos que por la edad y el ritmo de estos tiempos no se han adentrado a ver este film.

Eva al desnudo es vuestra película y no lo sabéis, un film trepidante, lleno de humor, traiciones, romances y sarcasmo, toneladas de sarcasmo. Una obra que habla de ese amigo o amiga que no lo és, de esa persona que siempre lamentaste que se cruzara en tu vida o ese ser desagradecido que te arruinó varios meses de tu vida hasta que te diste cuenta que era mejor alejarla de ti. ¿A que todo esto te suena? ¿A que es actual como la vida misma?. ¿Pues que haces que todavía no te has puesto esta película para disfrutarla de principio a fin?. Necesitas más dados, un nuevo empujón. Bueno, entonces quedaté un rato más con nosotros por que vamos a dedicarle esta reseña a una de las películas de mi vida y me van a permitir empezar por el principio, la sinopsis de la película y como siempre recuerdo, tranquilos que no hay spoiler, recuerda que aquí os empujamos a ver el film y no os destrozamos la experiencia.

La joven Eva es la actriz del momento, su belleza, su cara angelical y una capacidad única para la interpretación la han hecho merecedora de uno de los premios más importantes del teatro de Brodway.

Todo el mundo ve como se alza con la estatuilla, productores, directores teatrales, escritores y la actriz veterana que ve como sus mejores años se le marchan y con ellos los papeles más interesantes. 

Entre los asistentes está un critico teatral Adison Dewitt que a modo de narrador nos va a contar como la maravillosa y joven actriz ha llegado a alcanzar tal prestigio y nos narra una historia que comienza sólo unos meses antes, cuando Eva era sólo la fan incondicional de la veterana actriz Margo Channing. 

Eva poco a poco se convierte en la mejor y más eficaz sirviente de la artista, su gentileza sólo es comparable con la admiración que la profesa y poco a poco va alzandosé como esa secretaria imprescindible, pero algo, un sexto sentido le recomienda a Margo Channing que la aleje de su vida y hasta aquí te voy a contar, el resto de la película tienes que disfrutarla y digo disfrutarla con letras mayusculas por que es más que una obra maestra, este film es una oda al film de entretenimiento, al género cruzado por que si no fuera por el sentido del humor que tiene, este film sería otra cosa, así que este film como digo más que una obra maestra es una obra de arte. 

Y ahora permitanme que profundice en esto último que acabo de comentar, el género del film,

Se la cataloga, erroneamente como Drama cuando es una comedia de principio a final, pero si no tuviera ese sentido del humor, estaríamos ante una película de terror o thriller, quizá un film de transposición de personajes como es por ejemplo la Invasión de los ladrones de cuerpos, aquel film en que unas bainas espaciales estaban clonando a los seres humanos y es que este film me recuerda muchísimo a esa película, pero tambien por ejemplo a thriller de alto voltaje como fue mujer blanca soltera busca y es que si te adentras en esta película te fijas que en un aura inferior, por debajo de todo el sarcasmo y humor, tiene todos los mimbres de una película terrorifica.

Verán la película nace de una historia que Manquivitz encuentra cuando estaba buscando una historia sobre una vieja actriz y lee en el cosmopolitan el cuento corto de Mary Orr por cierto no está acreditada.

Aquel cuento que está basado en vivencias reales que sufrió la actriz Elithabet Bergner, sirivió de base para que Manquievitz escribiera esta joya del cine y auqnue pueda parecer extraño los papeles que reayeron en Bette Davis y Ann Baxter no eran para ellas, es más nisiquiera eran las primeras opciones.

El papel de la beterana actriz iba a realizarlo Claudette Coldberg a la que se le hizo el contrato, Coldberg era la tercera opción tras Barbara Stanwich o Ingrid Bergman, el caso es que a la buena de Coldberg sufrió una lesión antes de empezar el rodaje y tuvieron que buscar a una actriz de urgencia y a quíen tenían allí, pues a Bette Davis que había abandonado la Warner Brothers tras 18 años por problemas con la productora, el contratarla era todo un reto sabiendo el carácter de la actriz, pero resultó ser el personaje ideal, de hecho Manquivitz que tenía en alta estima a la actriz rehizo el guión para que encajara en la actitud real de la actriz.

Y sobre Baxter pasó algo parecido, Ann Baxter está descomunal y no puede haber mejor Eva que ella, pero tampoco era la primera opción para el papel, éste estaba ya firmado y contratado para Jane Crane, pero esta quedó embarazada y se contrató a Baxter creandose una dupla protagonista única tan única que ambas estuvieron nominadas como mejor actriz protagonista a los oscar, algo parecido a lo que ocurrió en las actrices de reparto , siendo este el único film de la historia que tienen a 4 actrices nominadas para 2 estatuillas. Y es que este film es un alarde interpretativo no sólo por estas damas, George Sanders ganó el oscar por el cinico crítico teatral que interpreta en este film.

En aquella ceremonia Eva al desnudo consiguió 14 nominaciones y a demás de mejor actor de reparto se llevó Mejor película, mejor director, mejor guión, Mejor sonido y mejor diseño de vestuario acumulando 6 oscar en una ceremonia que fue combatida con otra obra maestra Sunset Boulevart de Billy Wilder, menudas dos películas.

Y si no tienes suficientes alicientes aún, aquí va otro, en la película sale una jovencisima Marylin Monrroe en el que se dice que no se lo puso especialmente fácil la Davis y que en la escena del Hall del teatro la hizo vomitar tras tener que repetir 40 veces la escena. Cosas de divas.

Y ya vamos a ir dando por terminada esta reseña esperando que de inmediato te pongas la película que se convertirá ipsofacto en una de tus favoritas y los suscriptores más veteranos del canal seguro que dan fé.

Por cierto hablando de suscriptores, aún no eres parte de nuestra familia a que esperas, dale ahora mismo al botón y a la campanita y se uno de nuestros ilustres miembros, si te ha gustado este vídeo dale like, no sé si vale de algo, pero me indica que os gustan la reseña y me hace estár más feliz.

Y bueno, para empezar ya con la siguiente reseña antes tengo que terminar esta por lo que voy a ir despidiendome con dos deseos, el primero es que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y segundo y no menos importante. que vivas el cine

El castañazo 1977

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA hay veces que la comedia más o menos disparatada se convierte en un fiel retrato de una sociedad del momento, mejor que cualquier documental o drama, la comedia se presta como pocos géneros a mostrarnos una verdad dura suavizada con ingenio y el Castañazo es un buen ejemplo de ello,

Veréis, podemos ver en la cinta en cuestión las peripecias de un equipo de Hokey Hielo con su violencia, sus personajes disparatados y sus romances furtivos tras los partidos o ver el retrato de una sociedad que se desmorona, un pais sumido en una crisis industrial y de valores que ven como su sueño americano se convierte en pesadilla y es que este film se rodó en 1977 justo dos años despues de la gran Recesión.

Y es que del 73 al 75 el mundo occidental se sumía en una crisis tras la edad dorada del capitalismo, el potente tegido industrial Estadounidense se resquebrajaba y cerraban fabricas y factorias llevando al desempleo a infinidad de familias, tanto fue así que la reserva federal en 1978 tuvo que reajustar la inflacción del país para hacer frente a dicha recesión y justo en ese momento de crisis se enmarca esta película que se tituló Slap Shot, que en Hispanoamerica fue conocida como Todo Vale y en españa como el Castañazo, film dirigido por George Roy Hill en 1977.

Y es que el bueno de Roy Hill era todo un maestro de la comedia mezclada con otro género, ya lo demostró en Dos hombres y un destino donde mezclaba el Western con dosis de comedia, El golpe donde mezclaba la mafia de los 30 con comedia y como no, este film donde mezcla el deporte con la crisis economica tambien con la comedia y es que Hill tenía ese ojo único para retratar momentos dramáticos para hacerte sotar una sonrisa.

A ver ahora una advertencia, este mensaje va dirigido a las nuevas generaciones que se adentren en este film, pueden notar un tufillo homofobo e incluso bastante machista, pero es que es un retrato fiel de aquella época, el mundo era así y no se puede juzgar la vida con los ojos actuales, así que si vas a ver este film y no has vivido esa época, intenta ir con la piel un poco más dura de lo normal. Ya me quitado ese disclaimer antes de empezar con la reseña propiamente dicha y ahora con los deberes hecho que os parece que hablemos un poco de que va este film, ya sabéis los más veteranos al canal que como siempre sin spoiler, intentamos desde aquí empujaros a ver la película que reseñamos y no destrozaros la experiencia, así que por ese lado estate tranquilo.

Regie Dunlop es un veteranos jugador de Hockey de un equipo que juega en las ligas menores de la ciudad de Charlestawn, el equipo es la filial deportiva de la mayor fabrica de la ciudad y como ésta el quipo no levanta cabeza, las perdidas de la empresa lleva al pronto cierre de la misma dejando a gran parte de la ciudad sin trabajo y obviamente a la descomposición del equipo. Así que Dunlop decide hacer una huida hacía adelante, usar la violencia y jugar al límite del reglamento para conseguir ganar partidos y encontrar así una salida honrosa mientras se inventa que el equipo será comprado por una corporación californiana, eso llevará al despegue en el cajetín de vistorias y del nuevo apoyo de sus seguidores necesitados de buenas noticias pero el jugador del equipo Ned Braden sabe que todo es mentira no queriendo jugar al juego de Dunlop y bueno, ¿Que pasará cuando todo se destape si es que se destapa? Pues esa pregunta te la vas a tener que ganar viendo los 122  minutos que dura el film y creeme que es toda una delicia.

Veréis EL Castañazo es quizá la menor de las películas grandes de George Roy Hill, no tiene el deslumbramiento de Dos hombres y un destino o de El golpe, pero aún así es de esos film memorables no sólo en la filmografía del director si no de la década de finales de los 70 y es que la obra nos narra la vida de hombres que se desmoronan que carentes de futuro se aferran al presente sabiendo que cada día que pasa todo irá a peor y esa materia prima tan descomunal para una historia viene de la mano de la guionista Nancy Down, Nancy narra un mundo que conoce, su hermano mayor era jugador de Hockey en un aquipo que terminó desapareciendo y habla de una verdad oculta, una de esas bastante incomoda, el uso de jugadores como muñecos rotos para maquillar resultados e incluso chanchullos empresariales, de la degradación de un deporte que se había transformado en violencia, violencia que movía a las masas de espectadores y cada vez les daban más y más y como al final el Hokey pasaba a un segundo termino. 

El guión potente como pocos iaba a caer en manos de uno de los pocos directores que le iban a sacar todo el jugo y no es de extrañar que grandes actores quisieran hacerse con el papel un ejemplo fue que Al Pacino pidió ser él el actor que interpretara a Regie Dunlop, pero Roy Hill prefirió a Paul Newman, actor con el que había cosechado sus mayores éxitos. Newman encaja con el personaje de tal manera que parece que haya sido jugador de Hochey toda la vida y es que no en vano había practicado el deporte de joven.

Pero si este film tiene una imagen icónica esa es la de los tres hermanos de pelo largo y gafas de pasta, los hermanos Hanson, la historia aunque pueda parecer extraña es que los personajes de ficción nace de 3 hermanos reales, los hermanos Carlson y si, los autenticos hermanos carlson iban a encarnar a sus homologos en la pantalla, aunque el fichaje de uno de los hermanos por un equipo de Hockey sólo permitió ver en pantalla a dos de los tres hermanos reales, Jeff y Steve, siendo al final el tercer hermano interpretado por el jugador de Hokey David Hanson. Y por cierto, el hermano de la guionista, la persona que dió pie a este guión tambien sale en pantalla, es el patinador más temido de las series Ogilthorpe.

Y bueno que tal es la película para un espectador actual. A ver, quizá como comedia no sería de las mejores, claro está que la violencia y acción hace que no te aburras en ningún momento, pero lo interesante de este film no es tan visible y quizá por ello su baja puntuación entre espectadores actuales, tienes que rascar un poco en la construcción de personajes que es simplemente magistral, aquí no hay buenos ni malos, el honesto en el juego y principios morales, es deshonesto con su mujer manteniendo una relación paralela, el mentiroso y tramposo en la cancha mantiene una decencia que intenta ocultar, como si ser honesto estuviera mal visto, esas dualidades, esas taras y pliegues de los personajes hacen que este film se eleve, viendo como unos perdedores ganan, pero a la vez siguen su camino de autodestrucción con una ingenuidad que sólo puede ocurrir justo en aquellos momentos de crisis.

Y bueno ya vamos a ir dando por terminada esta reseña, pero antes quiero contaros que hizo en la taquilla del momento, pues verán de los 6 millones que costó, sólo en los estados unidos y canadá consiguió casi quituplicar esa cifra, llegando a algo más de 28 millones de dólares siendo esta un rotundo éxito comercial.

Y si me preguntas si tuvo segunda parte, me gustaría decirte que no, pero no es así, en 2002 decidieron realizar una continuación titulada El castañazo 2 con Steve Balduin protagonizandolo y Steve Boyum en la dirección, pero que si te olvidas que existe no te pierdes nada.

Y bueno, esperando que te haya gustado nuestra reseña, si es así, regalame un like y si has caido por casualidad en este vídeo decirte que nos gustaría mucho que regresaras por lo que te invito a suscribirte en el botón y que pulses la campanita para que yuoutube te avise, pues dicho esto os vamos a dejar para empezar de inmediato con la siguiente reseña, pero no lo puedo hacer sin antes desearos dos cosas, la primera que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y segundo y comono puede ser de otra forma. Que vivas el cine

La ultima Carga 1968

Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, verán este film con el que cerramos la trilogía de Tony Richardson es el final de muchas cosas, es la que podemos considerar su última gran película en cuanto a medios y es también el inicio de su carrera alejado se su amigo intimo John Osborne, por lo que era normal que fuera tambien la última película de este ciclo que le hemos dedicado al director.

Y es que la película no es otra que La última carga o como tambien es conocida La carga de la brigada ligera del 68, film rodado en 1968 por, como no puede ser de otra forma Tony Richardson.

Verán la película narra los acontecimientos reales de la carga de la brigada ligera en la guerra de crimea, donde los británicos se enfrentaron a cuerpo libre contra la artillería rusa, causando a este unas terrorificas cifras de muertos.

El caso es que si hablamos de una película épica sobre este tema, nos tenemos que remontar a la obra del 36 titulado La carga de la brigada ligera de Michael Curtiz con Elrond Flind y Olivia de Haviland.

Por que este film viniendo de Tony Richardson os pordéis imaginar que es otra cosa y es que Richardson hace un retrato cruel y desalmado de los mandos británicos del momento, en un film que roza lo parodico si no fuera por que muchos de los acontecimientos como el de la Botella negra, si has visto el film sabrás a lo que me refiero, son absolutamente reales. Así que aunque plagado de luchas y batallas si no eres mucho de las películas bélicas este film es para ti.

Ahora dejame que te comente de que va la película, como ya saben los más beteranos en el canal, sin ningún tipo de spoiler ya que nuestro objetivo es que os animéis a ver el film y no destrozarte la experiencia.

El capitán Nolan regresa de la India para alistarse en la brigada ligera comandada por Lord Cardigan, allí se reencuentra con su amigo el Capitán Morris y a la prometida de este Clarise, pronto la vida en el cuartel se hace más enrevesado para Nolan al verse maltratado por venir de la India, teniendo enfrentamientos constantes con Lord Cardigan. Pronto veremos que los mandos militares no son los más aptos y más cuando se van a enfrentar con el imperio Zarista Ruso, tras eso veremos como la relación entre Nolan y Clarise se acerca a algo más que sincera amistad y hasta aquí te voy a contar el resto de la película tienes que disfrutarla tu.

Y ahora volviendo a la producción, el film nace del actor y productor cinematográfico Lawrence Harvie que se hace con los derechos del film, estos se los cede a Woodfall la productora de Richardson y Osborne con el compromiso de Richardson de darle un papel en pantalla, Richardson le da el del Principe Raziwill y mientras tanto Osborne se puso a realizar un guión lo más veráz que podía, para ello uso el estudio del acontecimiento que hizo Woodan Smith en el 53.

Tras el tratamiento de Osborne, el guión sería escrito por Charles Wood y hasta aquí lo normal de cualquier película, ahora vienen los desastres. Se había hablado y tenían en cartera al prodigioso actor británico Rex Harrison pero la falsa noticia de un periodico asegurando que el papel sería para Gerge C. Scott llevó a Harrison a dejar el proyecto, mientras que su amigo de toda la vida y socio Osborne, veía como se alejaba el guión de su visión casi documentalista y se estaba convirtiendo en una parodia, esta lucha terminó con la amistad de ambos, siendo este el último film donde colaboraron el tandem que hizo posible Mirar atras con ira, Sabor a Miel, Tom Jones o la inigualable La soledad del corredor de fondo, rompiendosé aquí una amistad de años. El film que pretendía ser un drama descarnado se convirtió de golpe en una pseudo comedia y bueno Osborne digamos que no se lo tomó muy bien y el que tampoco se lo tomó nada bien fue Lawrence Harvie que se recortaron todas las escenas donde aparecía, dejando sólo un plano en la Opera, con lo que se llevó una demanda por parte del actor.

En este film Richardson no hizo amigos, más bien se granjeó varias antipatías por parte del elenco, comenzando una carrera en solitario que al final fue simplemente una sombra de aquel fulgurante joven que era referente del free cinema y que ahora quería volar sólo y no solamente en el sector cinematográfico, verán el matrimonio con Vanesa Redgrave llegó a su final ya que el bueno de Richardson se divorció para empezar una relación con la actriz Jean Moreau. A pesar de su reciente separación, Vanesa Redgrave interpreta aquí a Clarise, la mujer poco fiel del amigo de Nolan.

La obra está lejos de sus mejores películas, el contar con centenares de extras y de un presupuesto de superproducción para ser un film británico, parece que le vino grande al bueno de Tony Richardson, ya que el film al final queda algo licuado para ser un film bélico, demasiado disparatado como para ser un biopic y sin gracia para ser una comedia, quedandose esta La última Carga en tierra de nadie.

Aún así este film es dinámico, entretenido y tiene momentos memorables como el castigo al sargento. De hecho es que está entre las favoritas de el maestro de cine Japonés Akira Kurosawa que la nombró entre las 100 mejores películas del cine.

Así que aunque es un film a todas luces fallido, no por lo que és si no por lo que pudo haber sido, me explico, esta película es una gran película, supera con creces a muchas películas actuales que gozan de más relevancia, el problema es que se esperaba mucho más de Richardson, recordar que cuatro años antes ganó varios Oscar con su película Tom Jones, por lo que las espectativas estaban muy altas y no se cumplieron todas.

Y bueno ahora llega el momento de recordarte que este canal vive y tiene sentido si tú lo ves, si te está gustando nuestra reseña y aún no estás suscrito valora hacerlo, darle al botón y a la campanita para que youtube te avise cuando tenemos una nueva reseña en el canal, nos encantaría volver a veros por aquí.

Pues nada dicho esto, decir que tras esta película Richardson no volvió a tener un éxito tan rotundo como su primera etapa, alternando el cine con la televisión hizo algunas obras reseñables como su versión televisiva del fantasma de la opera o su Hamlet donde aparece un jovencisimo Anthony Hopkins, pero tambien desastres como el western interpretado por Mick Jagger Ned Kelly.

Y bueno hasta aquí la reseña de hoy, ya vamos a dejar este vídeo esperando que te adentres en esta película ya que es una obra que si bien no está a la altura de sus mejores películas si que es una gran obra que da una visión un poco peculiar de los conflictos bélicos, donde el ego, la estupidez y la envidia forman parte de los conflictos, casi más que la épica.

Y ahora un último apunte, la película tiene unos cuantos cortos animados simplemente míticos, realizados por Richard Williams que da vida a las ilustraciones del momento. Son autenticas joyas de la animación de un Maestro de maestros y no es exageración Richard Williams escribió un manual para animadores llamado Animation Survival Kit, el libro de cabecera de una inmensa tropa de animadores que durante años aprendieron o usaron su manual de supervivencia del animador.

Y bueno ya sólo queda despedirme, creo que esta obra tiene suficiente interés como para dedicarle las dos horas y veinte que dura y para que te adentres de inmediato a ver el film, si es que quieres claro, me marcho deseandote dos cosas, la primera que seas inmensamente feliz que no hay mejor lucha que esa y la segunda y como no puede ser de otra forma que vivas el cine

Tom Jones 1963

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis hay veces en la historia del cine que tu mejor película no es la más laureada o dicho de otro modo la obra que más premios recibe no tiene por que ser la mejor del cineasta en cuestión y la reseña y sincero consejo de cine de hoy pues es un buen ejemplo de ello y es que TOM JONES película rodada en 1963 no es ni de lejos la mejor obra de su director Tony Richardson y aún así consiguió 10 nominaciones a los oscar llevandosé 4 estatuillas de las más importantes y es por eso que lo más importante a la hora de ganar premios no es ir con tu mejor película si no terminar en un año sin competencia que fue más o menos lo que le pasó a este film, aunque si os soy sincero, algún premio bajo mi opinión debería haber ido a otras manos, pero bueno de ese punto nos encargaremos al final de la reseña por que ahora toca empezar la videocritica de este fabuloso film que es TOM JONES pelicula estrenada en 1963 por Tony Richardson.

Veréis, tras su periplo en el free cinema donde realizaba dramas sociales cargados de desencanto, Richardson y su amigo Osborne decidieron dar un cambio de timón, el autor que era uno de los máximos exponentes de la New Wave británica sobretodo por su anterior film, la Soledad del corredor de fondo que fue con el que comenzamos este ciclo y decidieron romper con su inercia habitual y rodar una comedia de aventuras de época.

Este cambio, bajo mi punto de vista es demasiado abrupto como para que Richardson sacara todo su potencial y ya os digo que de todas las que vamos a reseñas de este autor quizá sea la menos gloriosa, pero aún así realizó un film dinámico y cargado de sentido del humor en una obra bastante bien acogida en su momento.

La película iba a ser otra vez coproducida por Woodfall, la productora que formaron Tony Richardson y John Osborne y Brynston films, está ultima estaba pasando el peor momento de su historia y estaban valorando realizar el film en blanco y negro para abaratar costes, mientras que avanzaba la producción Bryanton Films quebró y Richardson y Osborne tuvieron que buscar otra distribuidora que se hiciera cargo de la adaptación de la novela de Henry Filding titulada La historia de Tom Jones, un exposito.  

Y es en ese momento donde la UNITED ARTIST entra en la producción y con el dinero de esta pudieron Richardson y Osborne rodar su film en color, Richardson quiso rodar en autenticos parájes ingleses, uno de los mayores errores de la producción ya que el continuo mal tiempo y la cantidad de exteriores que tenía el film llevó a interminables días con solo unas horas de rodaje efectivo, ese infierno de producción se nota en la película con continuos cambios de luz que walter Lassaly el director de foto del film no pudo solventar. 

Y ahora que os parece que os cuente un poco de que va la película, ya sabeís los mas veteranos en el canal que aquí no hacemos spoiler y es que de que serviría daros a conocer una película si luego nosotros mismos os destrozamos la experiencia, pues eso, estate tranquilo que sólo te vamos a contar lo justo para que te animes a ver el film.

Veréis Tom Jones es el hijo bastardo de una criada y el barbero que traban en la mansión del generoso Alworthy, tras semejante afrenta y dejar abandonado en la cama del Señor al bebé, Alworthy decide expulsar a sus lacayos y criar al hijo como si fuera suyo, el nombre de este será Tom Jones.

El joven crece y su belleza y bondad le traen romances y problemas a partes iguales. Un día cuando la hija de su vecino regresa de francia Jones cae enamorado de ella y ella se rinde ante la gallardía de él, pero Squire Western el padre de  Sophie tiene otros planes para su hija, que se case con el sobrino de Alworthy y heredero de sus tierras, el joven Blifil. 

Ante semejante afrenta y debido a los multiples problemas con sus tutores y con Blifil Jones se ve forzado a abandonar su hogar viviendo mil aventuras y varios romances y hasta aquí te voy a contar el resto de la trama tienes que verla tu.

Veréis, la película a veces es comparada con Barry Lyndon y en cierta manera es normal el emparejamiento ya que la trama es bastante similar al film de Kubrick, lo que nunca se debe de hacer es compararla en calidad, ya que es aquí donde se hacen las mayores injusticias a este film, primero por que esta obra es un film independiente de 1 millón de dólares, mientras que Barry Lyndon es una superproducción de 11 millones y segundo, este film está rodado 12 años antes que el de Kubrick,a sí que no se pueden comparar en ese aspecto.

La película técnicamente como hemos dicho antes es bastante mediocre, pero a la vez se nota la maestría de Richardson, creando una verdad tras la cámara simplemente impactante, el uso de camara al hombro hace que este film obtenga una verdad inusual, los momentos claves como la cacería del ciervo o los momentos con las multitudes, parece que más que un film parezca un documental y esa verdad impacta al espectador con continuas interrupciones de los personajes rompiendo la cuarta pared.

El film arranca como si fuera cine mudo y termina siendo una obra costumbrista, teniendo varios estilos filmicos en la propia película que hacen de ella por un lado una rareza y por otro un film antológico, a ver en la actualidad estos recursos de Richardson han sido mil veces copiados y por lo tanto un espectador actual no sólo no se va a sorprender con ellos, pero es necesario para entender la repercusión de este film a nivel mundial que era Tony Richardson un pionero en alguno de los aspectos de este film y de ello la cantidad de nominaciones a los Oscar, de las 10 que consiguió se llevó 4, mejor película donde competía con America, America, Los lirios del Valle, Cleopatra y la conquista del Oeste y bueno que deciros, quizá tú prefieras otra película pero no me parece descabellado el premio a Tom Jones.

Al igual que el Oscar a mejor banda sonora para John Adisson que hace un gran trabajo, junto a él estaban las sintonias de las películas  55 días en Pekin, Cleopatra, el mundo está loco, loco, loco y La conquista del Oeste.

En cuanto a Guion adaptado que se llevó Osborne, competía con Capitán Newman, Sibila, Hud y Los lirios del valle y bueno como digo puedes pensar que te gusta otro pero no lo ves como una decisión desastrosa.

Pero en cuanto a mejor director que se lo llevó Richardson, aquí la cosa cambia, veréis competían Elia Kazan Por America, America, Preminger por el Cardenal, Martin Rit por Hud y Federico Fellini por 8 y medio y aquel oscar debió llevarselo el director italiano y es que la dirección de Felini en 8 y medio es insuperable en toda la historia del cine, por lo que creo que aquí y a pesar de mi devoción por el director se equivocó la academia de cine de los Oscar.

Y bueno, ¿que hizo en taquilla? pues consiguieron recaudar algo así como 22 millones de dólares en todo el mundo, puede parecer poco pero recordar que costó sólo 1 millon de dólares con lo que fue un éxito rotundo, por cierto en el film a demás de Abert Finey, actor que adoro y que se hizo aún más rico con este film al llevarse un 10% de las ganancias, aparece el que para mi es el mejor actor haciendo de villano de la historia, el inconmensurable e inigualable David Warner que encima es su primer papel en el cine, si tenías ya unos cuantos motivos para ver el film, aquí tienes otro más

Y nada más, ahora vamos a preparar el siguiente film a reseñar y la última pelicula que cierra el ciclo del director con una obra que marca un final de muchas cosas ya que supuso la ruptura de la pareja Osborne y Richardson tras 10 años de profunda amistad, pero bueno para eso tendréis que esperar un par de días ya que aún tenemos que cerrar este videoconsejo y como bien sabéis no lo puedo hacer sin dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello y el segundo y como no puede ser de otra forma. que vivas el cine

La soledad del corredor de fondo

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de Cinefilia, veréis hay directores que tienen el lujo de la popularidad, esos que poca gente en el planeta no conoce, luego los hay totalmente desconocidos, pero el caso de Tony Richardson no pertenece ni a unos ni a otros, el gran público no le conoce y si ya tienes conocimiento de cine pues sabes de su obra y eso de estar en este limbo del conocimiento le hace carne de olvido y cómo cuando creé este canal uno de los objetivos era desenpolvar películas y directores olvidados, pues que mejor que hacer un ciclo a este titán del cine nacido en reino unido y ganador de un Oscar, el grande entre los grandes Tony Richardson.

Y la duda que teníamos era por donde empezar. Veréis, Richardson fue uno de los precursores del movimiento Free Cinema que perteneció al grupo de los Angry Young man que llevó a asociarse con el fundador del grupo John Osborne y que yá desde el principio de su carrera en el cine mostró un talento poco usual, al llevar al cine la obra de su compañero Osborne con el film Mirar hacia atrás con ira, creando una de las operás primas más impactantes del cine.

Pero curiosamente he decidido empezar justo por un final, el film que marca el final del ciclo filmico dentro del free cinema, quizá con la mejor película de todo el movimiento y esa no es otra que LA SOLEDAD DEL CORREDOR DE FONDO film estrenado en 1962.

Veréis pocas películas son más inspiradoras que este film de Richardson, la película que narra un momento cruel y agrio de un muchacho londinense, algo parecido al film de Nicholas Ray rebelde sin causa pero aderezado con la visión del free cinema, plantea varias preguntas y nos responde con certezas incómodas, el film narra la vida de un joven delincuente que curiosamente es más honesto que el resto de personas de bien que le rodean, esa dualidad, esa franja de escalas de grises en donde la decencia se mezcla con la legalidad en dos fuerzas opuestas entre sí. Crean una de esas atmosferas únicas en uno de los mayores films brítanicos de los años 60.

Y ahora que os parece que para adentrarnos de lleno en esta joya del cine hablemos un poco de la trama del film, antes de ello por si eres un nuevo espectador del canal decirte que puedes estar tranquilo ya que no vamos a desvelar la trama, para que puedas ver el film sin robarte ni el más mínimo momento del metráje y es que nuestro objetivo es que te adentres a ver el film y para ello que mejor que hacerlo sin spoiler.

Así que hecho este apunte vamos allá.

Colin Smith es un muchacho que va a ser internado en un reformatorio por el robo en una panadería, durante su estancia en prisión sus capacidades atleticas le llevan a formar parte del equipo de los corredores de fondo de la penitenciaría, durante las largas marchas en la soledad de su entrenamiento recordará momentos de su vida que muestran los motivos por los cuales acabó en prisión.

La reciente muerte del padre, la realción de su madre con su amante, el reciente noviazgo y la fraternal realción con su amigo otro ladronzuelo como él.

Todos los flashback nos darán una visión no solo del personaje si no de la sociedad del momento en un film generacional simplemente descomunal.

Allan Silitoe escribió un cuento que es el que toma Richardson para su versión cinematográfica y  adaptado el guión por el propio autor Allan Silitoe, Richardson que ya había despuntado con sus anteriores films, su opera prima Mirando hacía atras con ira, le siguió el Animador, Requiem por una mujer y la memorable sabor a miel, todas obras magestuosas del free cinema que tuvo como colofón este film titulado La soledad del corredor de fondo, la obra cumbre del autor, su mejor film aunque no el más laureado, aunque de eso nos ocuparemos más adelante.

La obra es cruda, poniendo el foco sobre un hecho incontestable, Colin es un ladron y cumple condena justamente, pero pronto vemos que aúnque culpable del echo su moralidad, su visión honesta de la vida le hacen estar por encima de todo lo que le rodea.

Su madre, reciente viuda del padre de Colin se gasta el dinero que le da la empresa por el fallecimiento del marido en abrigos de bison, juguetes para los hijos pequeños y una nueva televisión, por si fuera poco, al día siguiente del fallecimiento del marido, ésta mete al amante en su casa. Este detonante vital es el que hace de desconexión del muchacho con todos los acontecimientos que ocurrirán a continuación, la vida de un joven que ve que nada de lo que le rodea es honesto y su visión de la vida choca con esta realidad. En prisión su capacidad de correr largas distancias le llevan a tener dilemas morales donde si se pliega vivirá facilmente y si se mantiene en su sitio sufrirá las consecuencias y vé que la vida va de esto de plegarse, de no mirar y de seguir la corriente. ¿Que hará? esa duda es la que nos mantiene espectantes durante todo el metraje en una especie de thriller social perfectamente medido.

Y es que Richardson en ese momento ya había demostrado toda su valía como cineasta, su pulso tras la cámara venía dado de una carrera temprana, ya en la escuela participaba en el club de teatro que desenbocó en la sociedad dramática de la sociedad de Oxford, siempre dentro de la dramaturgia perteneció al club de teatro experimental que terminaría desenbocando en el cine  y televisión del momento.

La películas de Richardson muestran una perfección casi inusual en directores jovenes, el montaje, el uso del encuadre y el uso de elipsis temporales parecen fruto de un director con muchos más años de experiencia que las del joven Tony y es que era todo un virtuoso tras la cámara.

La película se adereza con un reparto que ralla la perfección, Tom Courney que es el protagonista de la historia hace aquí su primer papel en el cine y simplemente parece que había nacido para ser el ladronzuelo de esta historia, su verdad interpretativa hacen de esta historia creible, tambien se ensalza con la presencia de su suegro, si puede parecer que el actor está ahí por ser el padre de su mujer, pero es que resulta que su esposa fue Vanessa Regrave y su padre el imponente Michael Redgrave que hace aquí el papel del director de la institución.

Todos en el film están descomunales, pero el trabajo de la madre de Collin, la actriz Avis Bunagge es simplemente maravilloso, los pocos momentos que aparece en pantalla, muestra un poderío interpretativo que da el contrapunto a la visión que tiene el personaje de su hijo en pantalla.

La película consiguió un Bafta al director como mejor promesa del cine británico, una promesa que despuntaría en el siguiente film donde ganaría un Oscar de Hollywood.

Pero bueno no nos adelantemos por que ese film será la siguiente reseña del canal, así que si no te la quieres perder y aún no estás suscrito, a que esperas, dale al botón y a la campanita y youtube se encargará de avisarte cuando tengamos una nueva reseña.

Pues lo dicho, ahora toca el momento de darte pistas si este film es para ti o no.

Primero, si te gusta el cine, así, si eres un amante de este arte, este film es un imprescindible, no puedes dejarlo escapar.

Si te gusta la Nouvelle Bage, si eres fan del Neorealismo y te encantan los films italianos de este género, rocco y sus hermanos o el Ladron de bicicletas pues no puedes pasar ni un minuto más sin verlas.

Si te gusta el cine comprometido como el de Costa Gavras, pues adentraté en este film por que ya te aseguro que es para ti.

Pero, si lo dicho anteriormente no te llama y te gusta el cine de género más que el cine de autor, pues no pasa nada, no significas que tengas el gusto atrofiado ni nada por el estilo, simplemente que este género y seguramente este film no es para ti y si quieres adentrarte en su visionado eso será bajo tu responsabilidad, que oye que quizá te des cuenta de que este film en contra de todo los previsible se convierte de tus favoritos, por que si algo es común en el ser humano es nuestra incongruencia en nuestros gustos, así que oye, dale una oportunidad, si no te gusta sólo habrás perdido 90 minutos de tu vida.

Pues hecha esta sugerencia y consejo sincero de cine, vamos a marcharnos esperando que los que no conozcais a este autor os enganchéis al vagón de este ciclo que le vamos a dedicar y si ya lo conocias, sé que ya estás sentado en primera clase.

Así que sin más vamos a dejar la reseña y empezar la siguiente pero antes permitanme que me despida con un par de deseos, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello y el seguindo comono puede ser de otra forma que vivas el cine

A la caza 1980

 bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de cinefilia, antes de nada decir que con este film vamos a ir dando por cerrado este ciclo que le estámos dedicando al maravilloso director de cine William Friedkin con una película que aunque controvertida, sigue siendo uno de los mejores thrillers de los últimos estertores de la década de los 70. un film de esos que podríamos tachar como peculiar y no sólo por la trama si no por como se gestó y aquí quiero hacer un pequeño parentesis.

Veréis hay películas que nacen de una casualidad imposible, de esas que parece mentira que se de tales circustancias que den como fruto el film en cuestión y esta película es una de esas, así que si quieres saber todo lo referente a este film, ponte cómo por que vamos a empezar a reseñar Cruising o como se tituló en España A la Caza, film rodado en 1980 por William Friedkin

Cruising es un thriller basado en un asesino en serie como otro cualquiera de la época, bajo su estructura narrativa no hay nada de peculiar, pero el caso diferenciador es que los asesinatos ocurren en el ambiente más oscuro de la comunidad Gay Neoyorkina, siendo un film que camninaba por el filo de una cuchilla, ya que podría recibir críticas feroces de ambos lados de la sociedad.

Tanto era así que Friedkin cuando recibió la propuesta de Phillip Dantoni, productor con el que trabajó en French Connectión, le propuso llevar a la pantalla la novela en que se basa esta película, Friedkin dijo que no estaba interesado y todo quedaría ahí si no fuera por una casualidad de esas que sólo ocurren una vez cada un millón.

Veréis, pasa el tiempo y ocurre que se da el caso de un asesino en serie de homosexuales, algo parecido a lo narrado por el libro y uno de los investigados y probable ejecutor de los asesinatos era un tal Paul Bateson, el bueno de Batelson era un radiolo que había sido declarado culpable del asesinato de un periodista llamado Addisson Verril, hasta ahí no habría nada de particular si no fuera por dos motivos, primero y como he dicho antes que era el principal sospechoso de los asesinatos en serie de los homosexuales y por otro y aunque parezca mentira era el actor que hacía de radiologo en el Exorcista de Friedkin, si. Este hombre de aquí.

Cuando el productor de cine Jerry Bentraut volvió a ofrecerle el proyecto Friedkin cambió de opinión debido a los recientes sucesos realizados presuntamente por uno de sus actores, por lo que empezó así la producción de Cruising.

Ahora si os parece bien, os voy a contar de que va la película, como siempre sin spoiler para animarte a verla, claro está si eres mayor de edad ya que es un film sólo recomendado para mayores de 18 años, eso quiero dejarlo claro.

Pues bien, vamos allá. El Agente Steve Burns tiene una ambición personal, conseguir la placa dorada de detective, su oportunidad le llega gracias al capitan Edelson que ve en él al candidato ideal para introducirle en los ambientes más sordidos de la comunidad Gay de Nueva York, el caso es que su aspecto fisico, moreno de ojos negros y atletico cuadra a la perfección con el perfil de las víctimas de un asesino en serie y el bueno de Burns será introducido en dicho ambiente con el objetivo de dar caza al asesino.

Burns tiene que abandonar a su novia Nancy durante el tiempo que se encuentre como agente encubierto y adentrarse como gay en los antros más pervertidos de Nueva York. Esa perversión le causa problemas de pareja mientras que el asesino continua su tenebrosa labor sin que ni la policía ni el agente Burns consigan pistas de su paradero y hasta aquí te voy a contar, el resto de la trama tienes que verla tú, si tienes más de 18 años claro.

La obra iba a ser interpretada por Richard Gere que estaba bastante interesado en el papel, pero su Manager debido a la controversia que podría generarse declinó la invitación de encarnar al agente Burns siendo al final elegido Al Pacino, aunque Friedkin prefería a Gere por su aspecto mas androgino, al final Pacino realiza una de sus labores camaleonicas en otro de sus papeles memorables y es que hoy en día no puedes imaginarte a mejor actor que Pacino para este papel, el momento del espejo mientras se quita la espuma de afeitar es simplemente memorable, de una profundidad tal y de una cantidad de matices que sólo un actor a su altura puede dar.

El film empezó a tener problemas ya desde el rodaje, la novela de por si ya era un escandalo y saber que se estaba realizando una adaptación al cine hizo que tanto los más conservadores la rechazaran como la comunidad gay, los primeros por que consideraban un escandalo el mostrar contenido de alto voltaje de indolé homosexual  en las pantallas de cine, recordar que estamos a finales de los 70 y por otro lado la Comunidad Gay reprochava la forma en la que era retratada su comunidad, que aunque era cierto que existian ese tipo de antros no representaba al conjunto de los homosexuales y pensaban que daba una visión pervertida de ellos.

El caso es que cuando terminó el rodaje y se vió la película, esta controversia creció, por un lado los más conservadores consiguieron que la película fuera catalogada como X con lo que friedkin tuvo que luchar, recortando metraje conflictivo hasta conseguir que se rebajara a R, ya que si eso no ocurría el film no podría ser proyectado en salas de cine comunes y sólo podría ser vista en salas X. Y una vez solventado ese problema fue la Comunidad Gay la que se plantó frente a la película, a pesar del articulo escrito por el periodista y activista gay John Rechy a favor del film y de comentarios como el Pacino donde decía que al igual que en los films de la mafia no representan a toda la comunidad italoamericana, ese film no representaba a toda la comunidad Gay, no consiguieron rebajar los ánimos.

Aún así fue un éxito viendo como se pintaban las tornas, de los algo más de 10 millones que costó, se consigio recaudar sólo en los estados unidos algo menos de 20 millones de dólares a lo que habría que sumarle la taquilla de los paises donde se pudo exhibir que ya os digo que no fue en todos.

La película es sobervía en el montaje y la puesta en escena, Friedkin consigue sin mostrar nada ver la sordidez de los antros que frecuenta tanto el asesino como el policía, muestra con una maestría del encuadre momentos perturbadores del film que pasan mejor gracias a la belleza del plano, por otro lado la fotografía de James Contner que hacía aquí uno de sus primeros trabajos fue simplemente magistral, así como la banda sonora de Jack Nitche que vuelve a realizar una sintonía que se incorpora de una forma tan orgánica en el film que parece que no existiera y es que era todo un maestro.

Y bueno ahora me veo en la obligación de advertirte para que veas si este film es para ti o no.

La obra como digo al principio es un thriller al uso y daría igual que fuera sobre homosexuales o eterosexuales, el problema es el ambiente que se retrata, es sordido a más no poder, cada bar en los que entra el personaje del polícia es una orgia constante por lo que quizá puedas pasar un mal rato y quiero que eso lo tengas en cuenta. Tambien el retrato que hacen de la homosexualidad es poco menos que el de pervertidos por lo que puede ser que alguíen se ofenda con este film y tambien lo quiero dejar claro.

Pero si no te vas a ofender ni a pasar un mal rato, es una obra descomunal, un film con el pulso bien llevado y con una cacería al asesino realmente memorable.

Cómo os podéis imaginar los oscar ignoraron totalmente esta película y con toda la controversia fue pasto de los lamentables premios Razzy, si esos que se autodenominan anti oscar y que sólo se hacen autobombo. 

Y bueno con este film que no te puedo recomendar por lo comentado antes, pero que personalemte me encanta termino el ciclo de Friedkin Autor irregular como pocos pero que tengo en el olimpo de los directores por obras valientes como este A LA CAZA

¿Y que os tengo preparado para dentro un par de días? Pues para no perderdertelo, que mejor que suscribirte al canal y darle a la campanita así youtube te avisa de que tenemos nueva reseña y creeme que se avecinan cosas grandes al canal, un ciclo de uno de los directores que más me han enseñado cine y para que nos pongamos manos a la obra con ese ciclo antes tengo que terminar este y no lo puedo hacer si no es con dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello que no hay mejor lucha que esa y segundo y como no puede ser de otra forma que vivas el cine 

Carga Maldita 1977

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, verán si había en los 70 dos directores que se admiraban e incluso crearon una productora con Bogdanovich, estos eran Friedkin y copola dos directores que parecian andar por caminos gemelos, y es que verán William Friedkin tenía fama de irascible, tanto como Coppola, había arrancado los 70 arrasando con un oscar por French Connection como Coppola con su Padrino, reafirmandosé con una segunda película como estrella en la direccion del momento al igual que Coppola, por que si este último rodó el padrino parte 2, él no fue menos con el Exorcisra y si el bueno de Francis sufrio e hizo sufrir una pesadilla con su apocalypse Now, parece que nuestro Friedkin no quería quedarse atrás y creó este film titulado Sorcerer o como se conoció en español Carga Maldita, film rodado en 1977 por si, por el director al que le estamos dedicando este ciclo, el portentoso e irregular William Friedkin.

Veréis si estáis siguiendo el ciclo del director, recordaréis que Friedkin era todo un cinefilo, veía y consumia cine constantemente, era creador pero a la vez espectador de cine, amaba su oficio y disfrutaba del de sus colegas, su visión, quizá la más europea de todos los de su generación toma una especial repercusión con un mediometraje documental que es una joya y es que si en el 66 Trufaut entrevistó y publicó en forma de libro una entrevista con Hitchcock, Friedkin tomo el relevo de Truafaut y creo una de las mejores lecciones que un aspirante a cineasta puede recibir, ya que en 1975 realizó el mediometraje  Conversaciones con Fritz Lang.

En ese momento el director estaba preparando su film de ciencia ficción titulado The Devils Triangle, una pelicula que se enmarcaba en el misterio del triangulo de las bermudas y los avistamientos ovni y mientras preparaba ese proyecto se enbarcó en este film, una nueva versión de la obra maestra Francesa el Salario del miedo, en principio iba a ser un film barato de algo más de 2 millones de dólares, pero cuando estaba en medio de la producción Steven Spielber estrena encuentros en la tercera fase, film que se adelantaba a su film con una trama y premisa similar. Así que se centró en el film que estaba proyectando y pasó a ser una gran producción, Friedkin quiso a McQueen en el reparto, pero este no quería dejar a su reciente esposa Ali MacGraw en casa por lo que pidió que fuera contratada como asistente de producción, pero Friedkin no lo vio oportuno y se canceló su contratación, el elenco se completaría con Marcello Mastroiani y el gran Lino ventura, ambos mitos del cine europeo que conocía perfectamente y aunque en un principio aceptaron. Pero tras decir no a McQueen empezó el duro periplo de buscar rostros famosos dispuestos a viajar a honduras a rodar en medio de la selva y claro no fue facil, ni Estwood ni Jack Nicholson quisieron y al enterarse de los problemas con el actor principal, mastroiani y Ventura declinaron su participación. así que la producción estaba en el aire, ya que sin un rostro famoso, La paramont que era el estudio que se encargaba de la producción no pondría ni un dólar.

Es entonces cuando una de esas carambolas hizo que este film desencallara. Roy Scheider, recordar que ya había trabajado con Friedkin en French Connection estaba en un momento algido, tiburón de spielberg le había lanzado y con Maraton Man se había asentado en la cuspide de los actores en los años 70, al proponerle Friedkin ser el protagonista y este decir que sí, el estudio dio luz verde al proyecto completando el elenco con dos grandes actores europeos del momento, el francés Bruno Cremer que había obtenido fama mundial con su interpretación en el film de Costa Gavras La sombra de un hombre y del español Paco Rabal, si el actor que quisó desde un principio Friedkin para el papel de villano en French Connection.

Y ahora con todo planteado que os parece que cuente de que va esta película, como siempre sin spoiler norma del canal irrebocable ya que queremos que disfrutes de la película y no destrozarte la experiencia.

Pues lo dicho, vamos allá.

4 personajes confluyen en un pueblo de sudamerica frente a una planta petrolifera, Un Estafador, Un asesino a sueldo, Un terrorista y un atracador, todos huyen de algo y han encontrado refugio en una aldea asolada por la pobreza, para susbsitir trabajan por una miseria para la planta petrolifera pero un día uno de los pozos sufre un accidente incendiandose, la única forma de sofocar el incendio es volando el pozo con dinamita, esto no sería ningún problema si no fuera por que los explosivos que tienen almacenados a 300 kilometros no estubieran en mal estado, al no ser movidos con frecuencia los cartuchos han sudado y ahora son totalmente inestables, cualquier movimiento les puede hacer explotar y la única forma de transportarlos es con viejos camiones a través de la selva y sí, los conductores serán nuestros cuatro protagonistas y hasta aquí te voy a contar, el resto de la película tienes que verla y disfrutarla tu.

Y ahora continuamos con la producción de este film. Veréis la cosa no pudo ir peor en el rodaje, retrasos continuos, enfermedades del equipo que incluso casi termina con la vida del director al contraer malaria y todo por que friedkin quería la realidad de la jungla, no quería decorados y eso fue insufrible, si recordáis Friedkin tenia una visión muy de documental en sus obras y esta no iba a ser menos y más contando con el beneplacito de el maestro frances Clouzot que había realizado la primera adaptación de esta novela, el quería que todo fuera de verdad y a fé que lo consigue, se ve la fatiga de los actores, elhartazgo y que siempre están al limite del amotinamiento y es que eso fue lo que pasó tras las cámaras, dimisiones de técnicos y despidos del director, desesperación malas formas y un percance tras otro que hizo de este film una ruina total para la Paramount, los retrasos eran tales y los gastos tan cuantiosos que tuvieron que hacer un pacto con la Universal Pictures para poder sacar este film a delante y sólo un rotundo éxito podría hacer de este film algo parecido a una obra rentable y como alguno ya está intuyendo, pues no fue así.

Y es que con la película terminada, apunto de ser estrenada el editor Bud Smith fue a ver un film estrenado una semana antes que este Sorcerer que es como se titula originalmente y salió espantado de la sala, no por que lo que viera fuera un espanto, es que se dió cuenta que el cine familiar  había cambiado para siempre ya que la película en cuestión fue Star Wars de George Lucas.

Y es que aquel año del 77 la odisea espacial fue la sensación del momento y nada ni nadie le pudo hacer sombra, entre eso y el titulo, Sorcerer en inglés significa hechicero, hicieron que la película fuera un desastre.

A ver, hoy en día tenemos información al momento de cualquier obra, trailers, informes de prensa especializada a un click de distancia y demás medios que hace que sepas que vas a ver al momento, pero en el 77 esto no era así, ibas un poco o un mucho a ciegas y claro si te gustó el Exorcista y ahora venía el mismo director con un film titulado el Hechicero, pues la gente que vá buscaría un film con elementos paranormales y más con el poster del camión desvencijado pasando el puente. Y tras ir, encontrarse un film de aventuras de unos camioneros por la selva os podéis imaginar la decepción y es que entonces un buen o mal titulo marcaba la diferencia y no digo que con otro titulo esta película se salvara, pero por lo menos no fue el desastre que terminó siendo, de los 22 millones de dólares que costó, sólo recuperaron 14 millones y medio en todo el mundo, para que os hagáis una idea, soló con una cifra superior a los 60 millones de dólares habría tenido ganancias la productora.

¿Y bueno que es esta pelicula, como empata si puede con el film original del salario del miedo? Pues para mi es una de las mejores películas de acción y thriller de los años 70 y eso es decir que está entre las mejores de la historia, un film con tensión, con una historia que engancha y una actuaciones creibles a más no poder, todo en este film es perfecto, Para mi gusto un peldaño por debajo de la de Clouzot, pero es que el salario del miedo es una obra maestra y este film para mi es una obra de culto de imprescindible visionado para cualquier cinefilo que se precie y es que aunque sea un remake, la historia tanto la que cuenta como la que fue el rodaje son de esas que no puedas dejar escapar.

Friedkin quiso  marcar un ito usando una banda sonora musical bastante inusual en un film de aventuras y bajo mi punto de vista no está mal, pero no consigue el efecto buscado y es que de la partitura se hizo cargo los alemanes de música electronica Tangerine Dreams.

Por cierto mucha gente habla de esta sontonía como una continuación de el esquema usado en el Exorcista y tengo que aclarar un concepto, El Exorcista tiene una Banda sonora original realizada por el gran Jack Nitche que acompaña todo el film de una forma sobervia y el tema de Tubular Bells sólo aparece en un breve momento del film y aunque ha quedado como el elemento sonoro de El Exorcista es un falso recuerdo.

¿Y que ha pasado con este film en la actualidad?

Pues hoy en día se la ha vuelto a reseñar y si los criticos del momento la pusieron de mala a pesima, los de hoy la tratan de obra maestra y bueno como decía el sabio en el punto medio está la virtud y ni fue un desastre ni es una obra maestra, es una grandísima pelicula, uno de esos filmes con impronta propia sobre el original que merece la pena ser visto, que si no te has adentrado a ver ninguna te recomiendo que empieces por el film frances de Cluzot y luego veas este, estoy convencido de que ambas historias te van a gustar y bueno ya me voy a marchar, no sin antes pedirte un like si te ha gustado nuestro consejo y despedirme con dos deseos el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y el segundo y como no puede ser de otra forma que vivas el cine

The french connection

 Bienvenidos, bienvenidas queridos amigos y amigas de CINEFILIA, veréis el director  chicago William Friedkin un año antes de rodar el film por el que siempre es recordado El Exorcista, rodó el que es para mi el policial más redondo de la historia, un film que marcó no sólo una época si no que era hijo de esta misma.

Cómo digo Friedkin con el paso del tiempo se le reconoció por el film de posesiones demoníacas, pero fue uno de los mejores directores de los 70 y decir eso es estar de inmediato en la élite cinematográfica en el momento más glorioso del cine Norteamericano. Friedkin era un director culto, marcado por el cine europeo, un cineasta con una visión filmica que rodaba y consumía cine y digo esto por que parece que últimamente está de moda decir que no se ven peliculas y que se es un autor con mirada única. En fin, corramos un tupido velo al asunto y quizá algún día haga algún vídeo al respecto, pero hoy no es el día por que hoy nuestros esfuerzos los vamos a dedicar a narrar The French Connection.

Pues bien, La National General Pictures se hizo con los derechos de la novela de Robin Moore con la idea de rodar un policial despues del éxito comercial y de público de Bullit, el caso es que llegado un momento la productora se encontró con el escollo de no poder financiarla y buscó una empresa que les comprara el proyecto y la elegida fue la Twenty Century Fox. El estudio compró los derechos y le otorgó al film un millon y medio de dólares, Para asegurarse el éxito del film se asoció con el productor Felipe Dantoni, productor de Bullit con lo que a la postre sería el productor de los dos policiales de referencia en el cine moderno.

La idea era contratar a Friedkin un director valiente y con una mirada de autor que iba con el gusto del momento, venía de rodar los chicos de la banda un film con narrativa homosexual que rompía con la moralidad del momento con un gusto muy europeo en su forma de rodar, así que cuando William Friedkin aceptó de inmediato pensó en uno de los films del polar frances más grande de la historia, Le samurai o como se tituló en español El silencio de un hombre, mientras avanzaba en la producción vió en el cine Z de Costa Gavras un film de aspecto documental que hablaba del asesinato de un diputado de la oposición en un regimen presuntamente democrático y Friedkin salió impresionado del film y pensó en imprimir la esencia de documental a The French connection  de la misma forma que lo hizo Gavras con Z.

Veréis William Friedkin había dirigido 4 documentales y conocía el proceso de filmación, siempre alerta sin saber lo que va a pasar en pantalla teniendo muchas veces que hacer movimientos bruscos o desincronizados para captar el momento y eso fue lo que hizo en French Connection, Planteo toda la narrativa del film como si la cámara no supiera lo que iba a pasar a continuación, esa aparente falta de sincronicidad que tiene French Connectios está medida al límite y por eso este film fue uno de los más copiados y nunca pudo ser igualado ya que para realizar la narrativa visual se tendría que conocer a fondo la técnica documental.

Ahora si os parece bien vamos hacer un alto en el camino para comentaros de que va el film, ya sabéis los más veteranos al canal que como siempre sin spoiler por que nuestro compromiso contigo es empujarte a ver la película original y no destrozarte la experiencia. Por cierto si no lo sabes es por que no eres miembro de cinefilia, pues no lo pienses más y dale al botón y a la campanita ahora mismo y forma parte de nuestra familia de cinefilos.

Estamos en Nueva york, allí la plaga de la heroina está haciendo estragos en los barrios  marginales, mientras que  en el otro lado del océano, en Marsella un antiguo estibador convertido en narcotraficante prepara un envío de medio millón de dólares oculto en un vehículo, el nombre de éste es Alain Charnier, y su escolta el asesino a sueldo Pierre Picolí.

El cuerpode policía hace lo que puede en las calles contra la droga en una guerra que están perdiendo, los agentes Popeye Doyle y Buddy Russo un día por casualidad encuentran un hilo de donde tirar al ver movimientos extraños de la mafia en un local de copas, esa investigación les llevará a enfrentarse con uno de los delincuentes más astutos, el marsellés Charnier y hasta aquí te voy a contar, el resto tienes que verlo tú y disfrutarlo.

Pues bien, el guión de la película y adaptación de la novela lo realizó un viejo amigo del canal Ernest Tidiman ya que suyas son las novelas del detective negro Shaft, obra cumbre del blaxplotation que ya reseñamos en su momento en el canal. La adaptación tenía un ritmo endiablado y daba mucho peso a la interpretación de los personajes y es que en este film parece que no existen los actores nos creemos en todo momento la historia que nos están contando y esto es gracias a los enfrentamientos entre policias, de odios y rencores, de hermandad y de personas dispuestas a todo por cumplir su misión sea esta convatir la droga o hacerse rico con ella.

Y para ello William Friedkin cuenta con un elenco insuperable, hoy en día no podemos pensar en mejores actores para este film, pero curiosamente este reparte se dió por ser el único que dijo que si o lo que es más sorprendente, por casualidad y ahora vamos a  ese apartado el del reparto.

Veréis el film tenía que tener una magia especial entre el villano de la película y el policia que le persigue, sin esa sinergia nada funcionaría, todo el acto final carecería de sentido y por eso Friedkin tenía muy claro sus referentes. A pesar que Gene Hackman se propuso al principio Friedkin no lo quería, a ver hay que ponerse en el momento de este film, antes de esta película Hackman solo era un actor de reparto con algún coprotagonista, tenía fama de un buen actor secundario pero no tenía ni un éxito como protagonista, así que Friedkin quería un actor más habituado al género como Paul Newman, pero la desorbitante cifra que pidió para interpretar a popeye Doyle le hicieron que se descartara al momento, el siguiente fue otro astro de la acción, esperando que la trama le hiciera bajar el caché Steve McQueen, pero este despues de Bullit no quería hacer más policiales, luego pensaron en Jacky Gleeson, el eterno gordo de minnessota de the Husler, pero su anterior película el film dirigido por Gene Kelly Gidot fue un desastre en taquilla por lo que los productores lo descartaron al momento, tras varios intentos de conseguir un actor protagonista y fracasar todos, es entonces cuando decidieron dar una oportunidad a ese secundario eterno que era Hackman.

Y si la contratación de Hackman os parece atropellada, esperar a conocer como se contrató a Fernando Rey. Veréis, como antes hemos comentado Friedkin era un apasionado del cine y le encantaban las obras de Luis Buñuel, en Viridiana del 61 quedó impactado por el actor principal del film y pidió que se le contratara, el caso es que en aquel film estaban Fernando Rey y Paco Rabal y la oficina de Friedkin contactó con Fernando Rey un actor que ya conocían por haber desarrollado varios films en EE.UU. pero curiosamente con el actor que quería trabajar era con Paco Rabal, tras interntar solventar el error se dieron cuenta de la dificultad que sería trabajar con Paco Raball al no hablar inglés ni francés por lo que Friedkin guardó ese contacto para trabajar con Paco más adelante y dio el visto bueno a Fernando Rey y lo demás es simplemente hacer historia.

La película si eres un espectador actual y no la has visto antes es demoledora, no hace prisioneros, es cruda y es real y si esperas ver una película de acción del tipo de Harry el sucio vete olvidandote por que este metraje es otra cosa totalmente diferente y seguro que tras terminar de ver el film te des cuenta que no has visto nada parecido.

Y es que es una rareza sobretodo en el cine de hollywood, no tanto en el Polar frances y es que si me digeras donde encajaría este film sería en el Polar junto con Le samurai, el circulo rojo o i de icaro.  

Y cómo os podéis imaginar aquel año La conexion Francesa arrasó en los oscar de Hollywood, 8 nominaciones y 5 estatuillas y atentos a estas. Mejor pelicula, Mejor director, mejor guión adaptado, mejor montaje y si Mejor actor protagonista para Gene Hackman y es que aquel actor secundario, demasiado mayor para ser protagonista se alzó como la autentica bestia interpretativa que era y ya desde ese momento a Hackman no le faltaron papeles protagonicos siendo el actor que llegó a ser y como me gusta recordarle, olvidado el lamentable final que tuvo y es que para mi Hackman siempre será esa estrella del celuloide duro como el que más y capaz de demostrar ternura siempre que el papel lo requiriera.

Y es que tras The French conexión vendría la Aventura del poseidon, si el film que reseñamos hace un par de días, la conversación y la maravillosa la noche se mueve, sólo por contar algunas de las más recientes en aquel momento.

Y friedkin no le fue a la zaga tras este film se puso a dirigir El Exorcista, quizá la mayor película de terror de toda la historia del cine que eclipsó las grandes obras que dirigiría despues y como ya reseñamos aquel film donde el padre Carras se las tenía duras con el mismisimo demonio, en este ciclo que le vamos a dedicar, vamos a centrarnos en esas otras obras que son simplemente míticas.

Y bueno ya voy a ir dando por terminada esta reseña, esperando que si os ha gustado nuestro vídeo nos reagales un like, que te haya despertado el interés para que te adentres en esta joya del cine que creeme que no te esperas y si te la he recordado ya sabes que ahora no vas a poder pasar ni un día más sin verla por que sabes de lo que hablo.

y como para continuar con este ciclo al director antes tengo que terminar esta reseña, permitanme que lo haga con dos deseos, el primero que seas inmensamente feliz o luches por ello, no hay mejor lucha que esa y segundo y no menos importante que vivas el cine